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TAL DÍA COMO HOY…

… el 28 de mayo de 1994 aparecen en las páginas centrales del nº 63 del semanario Arquitectura HOY los Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano de La Candelaria y San Agustín.

1. Páginas centrales del nº 63 del semanario Arquitectura HOY del 28 de mayo de 1994.

Cuando La Causa R (LCR) sorpresivamente alcanza la victoria en las elecciones de diciembre de 1992, en las que presentó como su candidato a la Alcaldía del Municipio Libertador a Aristóbulo Istúriz, se da inicio a una gestión que, para el período 1993-1996, tal y como apunta Margarita López Maya en “Alcaldías de izquierda en Venezuela: gestiones locales de La Causa Radical (1989-1996)”, texto que apareció en Gobiernos de izquierda en América Latina. El desafía del cambio (1999) coordinado por Beatriz Stolowicz, buscaba cambiar la manera de hacer política a esa escala, “desarrollando prácticas de organización y participación ciudadana que permitieran ir transformando lo que se consideraba la tradicional cultura clientelista venezolana por una más democrática”.

Istúriz al momento de asumir la dirección municipal, aunque no contaba con experiencia previa para el cargo, si pudo aprovechar en buena parte el aprendizaje alcanzado por Clemente Scotto, perteneciente a su mismo partido político, quien había ganado las primeras elecciones municipales en 1989 para la Alcaldía del Municipio Caroní del estado Bolívar y que logró ser reelecto en 1992, por lo que ambas se constituyeron en experiencias que corrieron paralelas durante tres años.

Comprender la gestión llevada a cabo por Istúriz significa, por un lado, saber que el Municipio Libertador formaba parte, junto al Municipio Vargas, de lo que se denominaba el Distrito Federal y, por el otro, que integraba el Área Metropolitana de Caracas, entidad creada con fines censales en 1950, junto a los municipios Sucre, Chacao, Baruta y El Hatillo, todos ellos pertenecientes al estado Miranda. Sin embargo, es la de Libertador la que por tradición será conocida como Alcaldía de Caracas ya que en ella se asientan los poderes públicos que estructuran el Estado venezolano.

2. Portada del libro Gobiernos de izquierda en América Latina. El desafía del cambio (1999) coordinado por Beatriz Stolowicz.

Otro dato importante que se debe manejar es la dificultad que significaba, a efectos de su gobernabilidad, el tener una elevada densidad poblacional, una variada composición social y más de la mitad de sus integrantes en situación de pobreza a lo que debe añadirse, como señala López Maya, los inconvenientes derivados “de las leyes y reglamentaciones aprobadas para la ciudad en distintas épocas y para distintos fines que han terminado por conformar un laberinto legal que obstruye la posibilidad de un gobierno eficaz y hace sumamente difícil cualquier cambio de políticas para la ciudad. El municipio está regulado por la Ley Orgánica de Régimen Municipal (LORM), sancionada en 1989, pero también por la Ley Orgánica del Distrito Federal. Ambas se contradicen en algunos aspectos y otorgan facultades y atribuciones concurrentes entre gobernador y alcalde. Adicionalmente, el gobernador del D.F. es designado directamente por el Presidente de la República, lo cual crea en él cierta orientación e intereses que difiere de las del alcalde, quien es electo directamente por la comunidad. Otra reglamentación que genera dificultades es la Ley Orgánica de Ordenamiento Urbanístico (1986), que establece planes para las ciudades venezolanas en las cuales una de las dependencias del Gobierno Nacional, el Ministerio de Desarrollo Urbano, tiene una jerarquía superior a los niveles federales o municipales, las acciones de este ente son motivo de tensión y complicaciones por concurrencia de facultades y atribuciones. Por si no bastaran estos inconvenientes, existen leyes o reglamentos que regulan aspectos de la vida urbana, que se remontan a principios de siglo o aun antes, y aguardan hasta ahora por su actualización”.

La larga cita anterior permite contextualizar los problemas afrontados por una gestión que se benefició del voto castigo para alcanzar el poder, ganó con una pequeña diferencia y que, como ya dijimos, lo hizo ante la sorpresa de propios y extraños, lo cual obligó a desarrollar ideas sobre la marcha sobre política local y crear un equipo que compartiera los conceptos fundamentales de transformación y lucha contra el clientelismo político. Para ello contó, por un lado, con el apoyo del gobernador del estado Bolívar, Andrés Velásquez, y del ya mencionado alcalde de Caroní, Clemente Scotto y, por el otro, con la oposición conformada por la gobernación del Distrito Federal y el gobierno central quienes no estaban dispuestos a facilitar el éxito de un partido popular emergente como lo era LCR.

Si quisiéramos resumir al máximo las políticas impulsadas por el alcalde Istúriz ellas se podrían recoger en el término “democracia radical”, principio ideológico básico de LCR que a su vez derivaba en “el gobierno de la gente” o, en otras palabras, en la implementación de una democracia directa. “Esta democratización implicaba el desarrollo de una cultura participativa, cultura que el partido consideraba inexistente en Venezuela por la exacerbación de la práctica populista como forma de relacionamiento entre la sociedad y el poder”, acotará López Maya.

Así, el eje articulador de las acciones conducentes a impulsar la democratización es el llamado “gobierno parroquial”, nos recordará López Maya, y ya que el mismo superaba los alcances que la LORM otorgaba a las juntas parroquiales, se procedió a promover la “Ordenanza para la Creación y Funcionamiento del Gobierno Parroquial en el Municipio Libertador”, la cual fue aprobada a punto de culminar el último año de gestión (1995) mientras Istúriz buscaba ser reelecto, cosa que no consiguió.

3. Resumen del artículo de Marta Vallmitjana “Plan de Ordenamiento Urbano Local y Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano. Un diálogo necesario. Caso: Municipio Libertador”, aparecido en la revista Urbana nº 20 (1997).

Siendo pues el gobierno parroquial el motor de la democratización buscada y las juntas parroquiales los entes que a tal fin debían ponerla en marcha, se emprenden desde la recién creada Oficina Municipal de Planeamiento y la Dirección de Obras Municipales programas tendientes a ofrecer una mejora sustantiva en el ordenamiento de cada una de las 19 parroquias que conformaban el municipio, dándose origen así al nombramiento de los arquitectos parroquiales y, sobre todo, a la experiencia que derivará en la realización de los denominados Planes Parroquiales (PP), 14 de los cuales serán asignados a un grupo de profesionales seleccionados por credenciales. Por otro lado, respetando lo señalado por la Ley Orgánica de Ordenamiento Urbanístico, el Instituto de Urbanismo de la FAU UCV va elaborando simultáneamente el Plan de Ordenamiento Urbano Local (PDUL), lo cual, como diría Marta Vallmitjana en “Plan de Ordenamiento Urbano Local y Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano. Un diálogo necesario. Caso: Municipio Libertador”, texto aparecido en la revista Urbana nº 20 (1997), dejaría de lado la tradicional planificación “en cascada” (jerarquizada, centralista y dirigida desde arriba “en la que se hacen difíciles las debidas consultas a las diversas expresiones de las fuerzas sociales, económicas y políticas”) por una “planificación de compatibilización” que buscaba reconciliar y establecer vasos comunicantes entre enfoques contrapuestos: los representados por los planes de desarrollo urbano (PDUL) y por el proyecto de diseño urbano (PP). Se aprovecharía así el importante factor participativo que los Planes Parroquiales tenían implícitos para poder formularse dentro de las políticas generales de “democracia radical” y “gobierno de la gente”.

Toda esta intensa, rica y variada experiencia que vitalizó a buena parte del medio profesional y académico, así como los lineamientos estratégicos y las dificultades y tropiezos que acompañaron a la gestión de Istúriz, fueron seguidos con interés y atención por las diferentes páginas que en la prensa nacional se ocupaban de temas de arquitectura y ciudad, fenómeno particularmente relevante durante la década de los años 1990. Así, con diferentes grados de compromiso, frecuencia y enfoque, hemos podido detectar que las secciones dominicales de “Ciudad” o “Arquitectura y diseño” de El Diario de Caracas a cargo de Oscar Tenreiro y Farruco Sesto, de “Arquitectura” de El Nacional donde participan William Niño Araque, Hannia Gómez y Federico Vegas, y el encartado sabatino Arquitectura HOY coordinado por Juan Pedro Posani, van dando cuenta desde el llamado a elecciones municipales hasta el proceso que se desencadena luego de conocerse los resultados y se inicia la acción de gobierno, dentro de lo que consideran son sus respectivas responsabilidades divulgativas y de generación de opinión.

Tenreiro y Sesto dotarán a los contenidos de sus artículos de mayor carga política en virtud de su compromiso con la gestión de Istúriz, cosa que asumen desde el momento mismo de su elección a finales de 1992 y con gran intensidad durante todo 1993, hasta el punto en que, cerrando el año, en pleno proceso electoral para las presidenciales, son vetados por la dirección de El Diario de Caracas al tomar partido por la candidatura de Andrés Velásquez, lo que derivó en la salida de ambos y el abandono del espacio (ocupado durante casi 4 años) y con ello el acompañamiento a la gestión de Istúriz.

William Niño, por su parte, será quien se dedique con mayor ahínco desde El Nacional a hacer seguimiento y plantear recomendaciones e ideas permanentemente a la labor de Istúriz sobre la temática que más le apasionaba: la ciudad de Caracas, lo cual abarcará los tres años que duró su gobierno.

4. Despliegue del nº 57 de Arquitectura HOY, preámbulo a la presentación en posteriores entregas de los Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano del Municipio Libertador.

El equipo de Arquitectura HOY asumiría en cierta forma el relevo de Tenreiro-Sesto con otra actitud, dedicándose más a la tarea de registrar el proceso de conceptualización, discusión y presentación de los Planes Parroquiales que se fueron gestando. Es así como, a modo de preámbulo, en el nº 57 del encartado (23/04/94) aparecen “Credo de Caracas” (bajo la responsabilidad de Enrique Larrañaga), “Descentralizar la ciudad y descentralizar el pensamiento” de Miguel Posani y “Retrato de Caracas” de Azier Calvo.

Luego de que en el nº 61 (14/05/94) se reseñara la Presentación en la FAU UCV del primer grupo de Planes Parroquiales encargados por la Alcaldía del Municipio Libertador, en el nº 63 (28/05/94, tal día como hoy) aparecen los Planes Parroquiales de ordenamiento urbano de La Candelaria y San Agustín elaborados por Enrique Larrañaga e Isabel Sánchez, respectivamente.

Respondiendo a las particularidades de cada parroquia e inmersos en el espíritu de empezar a legislar la ciudad buscando controlar la morfología de las edificaciones desde la prefiguración del espacio público, saliéndole al paso a lo que se había demostrado como un caótico crecimiento producto de permitir que la forma urbana fuese el resultado de la actuación independiente en cada parcela, los planes de La Candelaria y San Agustín se amoldaron a los postulados establecidos en el “Credo de Caracas” (“programa ideológico” que buscaba darle coherencia a una idea de ciudad que debía ser compartida), asumido por todos los equipos participantes de la experiencia: unidades ambientales: la ciudad policéntrica; intensificación de las especificidades y el carácter; continuidad del tejido como espacio común; unidad múltiple y continua de usos y actividades; caracterización de la esquina como marca y medida; clasificación de las vías por tipificación espacial; clarificar lo estructural; y domesticar lo vial.

5. Izquierda: Páginas centrales del nº 67 de Arquitectura HOY. Derecha: Páginas centrales del nº 71 de Arquitectura HOY.
6. Izquierda: Páginas centrales del nº 78 de Arquitectura HOY. Derecha: Páginas centrales del nº 97 de Arquitectura HOY.

La labor divulgativa de Arquitectura HOY continuará cuando en el nº 67 (25/06/94) se publiquen los Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano de Altagracia y Catedral, y San José; en el nº 71 (23/07/94) los de El Recreo y Santa Rosalía Sur; en el nº 78 (10/09/94) el de Sucre (Catia Sur y Catia Norte); y en el nº 97 (04/03/95) el de Antímano, por lo que se llegarán a publicar sólo 9 de los 14 planes encargados quedando por fuera Caricuao, Macarao, El Valle, La Vega y el 23 de Enero.

7. Nº 203 de Arquitectura HOY donde se reseña la exposición «Trazos de ciudad», dedicada a mostrar los Planes Parroquiales, montada en los espacios del Museo de Artes Visuales Alejandro Otero bajo la curaduría de William Niño Araque y Fabiola
López Durán.

Los Planes Parroquiales, que no dudamos en calificar como la experiencia más importante de los últimos 50 años en lo relacionado a pensar y visualizar la urbe como un todo, planteados en su momento como 14 trozos de la Caracas contemporánea que apuntaban imaginar la ciudad del siglo XXI y como pequeñas ciudades dentro de un conglomerado mayor, fueron expuestos en mayo de 1997 en los espacios del Museo de Artes Visuales Alejandro Otero (La Rinconada) a través de la exposición “Trazos de ciudad” (con curaduría de William Niño Araque y Fabiola López Durán, reseñada por Arquitectura HOY en su nº 203 del 16/05/97), en un postrero intento por sacarlos de las gavetas en los que las gestiones municipales posteriores los depositaron. Se trató de la única oportunidad que el ciudadano común tuvo de enterarse de una empresa que demandó un esfuerzo extraordinario pero que, paradójicamente con relación a lo anhelado por aquel gobierno municipal liderado por Istúriz, careció del vital aporte de la participación, constituyéndose ello en su verdadero talón de Aquiles.

Nota

El texto que hoy hemos presentado aquí proviene en muy buena parte de la nota complementaria a la Postal nº 209 que publicáramos en el Contacto FAC 174 del 10 de mayo de 2020, y de la que acompañó al «Tal día como hoy…» del Contacto FAC 20 del 23 de abril de 2017.

ACA

Procedencia de las imágenes

1, 4, 5, 6 y 7. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

2. https://books.google.co.ve/books/about/Gobiernos_de_izquierda_en_Am%C3%A9rica_Latin.html?id=hyTgmKoPNxMC&redir_esc=y

3. Revista Urbana nº 20 (1997).

TAL DÍA COMO HOY…

… 16 de abril de 1970, en Wuppertal, Alemania, fallece Richard Neutra.

«Si hay que diseñar para la gente, es imprescindible observarla, comprenderla y simpatizar con ella…Un arquitecto es un observador atento y vigilante mientras hace o se prepara para hacer algo. Es un previsor, consecuencia de su experiencia, y esto es precisamente ‘proyectar’: una especialidad humanística».

Richard Neutra

Richard Neutra, a quien en dos ocasiones anteriores ya habíamos dedicado sendas notas al comentar sus visitas al país (Contacto FAC 97 del 7 de octubre de 2018) y el diseño de la quinta Alto Claro para la familia González Gorrondona (Contacto FAC 289 del 11 de septiembre de 2022), ocupa un importante sitial entre los mejores arquitectos del siglo XX.

Como recuerdo de los 43 años de su fallecimiento, hoy creemos que valdría la pena resaltar de Neutra aspectos biográficos y llevar a cabo un recuento somero tanto de su prolífica obra construida como del pensamiento que acompaña su arquitectura.

De acuerdo a lo que se puede recoger de diferentes fuentes, Richard Josef Neutra nació en Viena el 8 de abril de 1892 en el seno de una rica familia judía. Estudió arquitectura en la Universidad Técnica de Viena a partir de 1910 y, luego de haber tenido que interrumpir sus estudios a causa del estallido de la Primera Guerra Mundial, terminó licenciándose en 1918. Asistió también a clases en la escuela de construcción de Adolf Loos, uno de los arquitectos que más respetaba, considerándolo «el maestro a quien debo mis ideas sobre la arquitectura» y con quien trabajó en su taller hasta 1914.

1. De izquierda a derecha: Adolf Loos, Rudolf Michael Schindler y Erich Mendelson.
2. Viena 1914. Funeral del Archiduque de Austria Francisco Fernando y su esposa, asesinados en Sarajevo, evento que marcó el inicio de la Primera Guerra Mundial.

En 1912, Neutra conoció a Rudolf Michael Schindler, otro arquitecto vienés, alumno de Otto Wagner en la Academia de Viena, con quien trabajaría posteriormente en los Estados Unidos entre 1925 y 1926 hasta que se produjo entre ambos una muy sonada separación a raíz del diseño de la casa Lovell.

Terminada su formación, sus primeros trabajos a partir de 1918 fueron en arquitectura del paisaje en Zúrich, Suiza, bajo la tutela del arquitecto Gustav Ammann. Es ahí donde conoce a su esposa Dione, hija del también arquitecto Alfred Niedermann.

Según Wikipedia, “luego dejaría Zúrich y se iría a Berlín, donde se ganó la vida un tiempo trabajando en un teatro y como dibujante publicitario, antes de incorporarse a la oficina municipal de obras públicas y urbanismo de Luckenwalde, una población al sur de Berlín, en el distrito de Brandeburgo”. Allí conoció al arquitecto Erich Mendelsohn, principal representante de la arquitectura expresionista alemana, del que se convirtió en asistente en su estudio de Berlín entre 1921 y 1923, participando en el clima cultural dinámico e innovador que caracterizaba la vida de la capital alemana durante aquel período.

En 1922 contrajo matrimonio con Dione Niedermann y en 1923 emigró a Estados Unidos donde se radicaría y posteriormente, en 1929, adquiriría la nacionalidad. Allí, tuvieron sus tres hijos, Frank Lloyd, Dion y Raymond Richard. De ellos, Dion sería arquitecto, consultor y socio de su padre.

3. Izquierda arriba: William Holabird y Martín Roche. Izquierda abajo: The New Palmer House, Chicago. Derecha: Wie baut Amerika? (¿Cómo construye América?) de Richard Neutra publicado en Stuttgart (1927)
4. Frank Lloyd Wright y Taliesin, Wisconsin (1911-1959).

Ya en territorio norteamericano Neutra trabajaría un tiempo en Nueva York y en Chicago. En Chicago entró en el estudio de Holabird & Roche, en el período en que éste estaba trabajando en el proyecto de la New Palmer House, de 2.400 habitaciones, y tenía un papel decisivo en la evolución de la moderna arquitectura estadounidense, siguiendo las huellas de la Escuela de Chicago. De esta experiencia surgió su polémica obra Wie baut Amerika? (¿Cómo construye América?), que se publicó en Stuttgart en 1927, y llamó la atención en el sector construcción norteamericano. En Chicago conoció también a Louis. H. Sullivan, durante su último año de vida, cuando el maestro estaba terminando su principal obra teórica y testamento cultural, The Autobiography of an Idea, publicada en 1924.

Neutra conoció a Frank Lloyd Wright en el funeral de Sullivan. Su admiración por Wright y el respeto que tenía por el arquitecto estadounidense lo llevó a llamar a su primer hijo Frank Lloyd. Tras aquel primer encuentro, Wright lo llevaría a su estudio de Taliesin, Wisconsin, donde trabajaría en algunos de sus proyectos.

5. Lovell Health House (1927).
6. Casa de habitación de Richadr Neutra o VDL House (1933).
7. Kronish House (1955).

Alrededor de 1925, Neutra se mudó a California, para trabajar en el estudio de Schindler y tras romper la relación con éste, se instaló definitivamente en Los Ángeles, donde abrió su propio despacho en 1926. Desde allí no se movería y desarrollaría su exitosa carrera que, basada en su sólida formación, logró “introducir el método y el lenguaje de la arquitectura europea moderna en el ambiente abierto y opulento de Los Ángeles, con las aportaciones del organicismo de Wright, y se convirtió muy pronto en el primer exponente del racionalismo orgánico estadounidense y en uno de los personajes más famosos de la ciudad de Los Ángeles en las décadas de 1930 y 1940. Su poética, basada en la estrecha relación entre la arquitectura y el habitante, contribuyó en gran manera a la definición del denominado ‘estilo californiano’, que se impuso a partir de la década de 1950 en el ámbito internacional”, como bien señalan Tomás Fernández y Elena Tamaro en “Biografía de Richard Neutra”, publicada en Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea (2004). En casi un centenar se cuentan las viviendas diseñadas por Neutra a lo largo de su trayectoria la mayor parte de ellas ubicadas al sur de California.

El comienzo de su ejercicio en Los Ángeles estuvo signado por la realización de proyectos que incorporaban criterios novedosos, como la estructura de hormigón armado y refuerzos metálicos en las ventanas. También diseñó viviendas prefabricadas que denominó «One Plus Two» (uno más dos) y trabajó en un proyecto de ciudad de futuro. En 1927 recibió el encargo de la Casa de Salud Lovell terminada en 1929 que lo dio a conocer en Europa. Para esta obra diseñó un esqueleto de acero que podía montarse en muy poco tiempo.

8. De izquierda a derecha: Nesbitt House (1942), Tremaine House (1948) y Hammerman House (1954)
9. Kaufmann House (1946).
10. Richard Neutra junto a su hijo Dion, también arquitecto.

Neutra fue en los años siguientes fundador y profesor de la Academia de Artes Modernas en Los Ángeles. Además, trabajó en numerosos proyectos, y fue experimentando en todos ellos con nuevos materiales y nuevas estructuras. Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando no se podían conseguir materiales de construcción especiales, Neutra utilizó en algunas obras madera de pino, ladrillos y vidrio. También participó entre 1945 y 1948, ejecutando tres modelos, en la experiencia “Case Study Houses” patrocinada por la revista de John Entenza Arts & Architecture.

Junto a la Lovell House destacan dentro de la obra de Neutra: su casa familiar o VDL (1932, dañada por un incendio en 1963 y reconstruida entre 1965 y 1966 con la participación de su hijo Dion), la casa Nesbitt (1942), la casa Kaufmann (1946), la casa Tremaine (1948), la casa Hemmerman (1954), la casa Kronish (1955) y la casa Coveney (1966).

11. Richard Neutra y Robert E. Alexander. Embajada de los Estados Unidos en Karachi, Pakistán (1961).

Volviendo a recurrir a Wikipedia encontramos que, “A partir de 1949 Neutra estableció una colaboración con Robert E. Alexander, que duró diez años. Juntos proyectaron también edificios de carácter público, como iglesias, colegios, clínicas y edificios de oficinas. En 1953 escribió un nuevo libro, Survival through Design, en el que expuso sus ideas sobre una arquitectura que tiene en cuenta el factor humano en sus diseños. (…) En 1955, el Departamento de Estado de los Estados Unidos encargó a Neutra el diseño de una nueva embajada en Karachi. El nombramiento de Neutra formó parte de un ambicioso programa de comisiones arquitectónicas a arquitectos de renombre, que incluyeron embajadas de Walter Gropius en Atenas, Edward Durrell Stone en Nueva Delhi, Marcel Breuer en La Haya, Josep Lluis Sert en Bagdad y Eero Saarinen en Londres. (…) En 1965 Neutra formó una sociedad con su hijo Dion Neutra, también arquitecto y durante sus últimos años le cedió gradualmente el control de su estudio. Entre 1960 y 1970, Neutra proyectó y construyó ocho villas en Europa: cuatro en Suiza, tres en Alemania, una en Francia (a las que hay que sumar una en Venezuela). Entre los clientes más destacados en este período se encuentran Gerd Bucerius, editor de Die Zeit, así como figuras del comercio y la ciencia”.

12. Algunos de los libros publicados por Richard Neutra.

“Además de su amplia e intensa actividad profesional, desarrollada mayoritariamente en California, realizó una investigación teórica destinada a precisar su propio método y su filosofía de la arquitectura. En 1948 publicó en Sao Paulo, en Brasil, Arquitectura sociale em paises de clima quente; y en 1956, Mensch un Wohnen, traducido más tarde al inglés y publicado con el título World and Dwelling. Destaca también Realismo biológico, publicado en Buenos Aires en 1958, obra donde expone sistemáticamente su teoría sobre la relación entre la arquitectura y el organismo humano, formulando el problema del disfrute de la arquitectura en términos psicosomáticos, nos aportarán Tomás Fernández y Elena Tamaro.

En la escuela de la arquitectura moderna norteamericana, Richard Neutra fue uno de los primeros en declarar su interés por las ciencias biológicas y referir la importancia de recurrir a la neurociencia como fuente de conocimiento en arquitectura y de aplicación en el diseño arquitectónico. Con su ya mencionado libro Survival Through Design (Supervivencia a través del diseño) publicado en 1953, abre una constelación de referencias basadas en la investigación en el campo de la psicología y la fisiología integradas con su experiencia en el campo de la arquitectura, todo para advertirnos de la necesidad de comprender el funcionamiento biológico del cuerpo para proyectar en arquitectura.

Neutra murió en Alemania, el 16 de abril de 1970, a la edad de 78 años, durante una gira de conferencias. En 1977 fue galardonado póstumamente con la Medalla de Oro AIA, y en 2015 fue honrado con una Estrella de Palma de Oro en el Paseo de las Estrellas en Palm Springs, California.

ACA

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Encabezado. https://www.biografiasyvidas.com/biografia/n/neutra.htm

  1. https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4393/Adolf%20Loos, https://en.wikipedia.org/wiki/Rudolph_Schindler_%28architect%29 y https://es.wikipedia.org/wiki/Erich_Mendelsohn

2. https://www.meisterdrucke.ie/fine-art-prints/Carlo-Wulz/997525/Funerals-of-Archdukes-Franz-Ferdinand-of-Austria-and-his-wife-were-killed-in-Sarajevo-July-28.html

3. https://webapps1.chicago.gov/landmarksweb/web/architectdetails.htm?arcId=9, https://artic.contentdm.oclc.org/digital/collection/mqc/id/24115 y https://www.zvab.com/buch-suchen/titel/wie-baut-amerika/autor/neutra-richard/

4. https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Frank_Lloyd_Wright_LC-USZ62-36384.jpg y https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Looking_at_Taliesin_from_Hill_Crown.jpg

5. https://www.metalocus.es/es/noticias/la-casa-lovell-health-de-richard-neutra-prepara-su-venta

6. https://www.metalocus.es/es/noticias/casa-de-investigacion-vdl-por-richard-neutra

7. https://www.latimes.com/business/realestate/la-hm-lost-la-kronish-20110806-story.html

8. https://www.arquitecturaydiseno.es/arquitectura/casas-que-hicieron-richard-neutra-arquitecto-mas-famoso-y-moderno-angeles_4728 y https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/richard-neutra

9. https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/richard-neutra

10. https://www.arquitecturaydiseno.es/arquitectura/muere-dion-neutra-hijo-gran-maestro-arquitectura-richard-neutra_3265

11. https://barbaralamprecht.com/2012/06/23/the-obsolescence-of-optimism-neutra-and-alexanders-u-s-embassy-karachi-pakistan/

12. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

TAL DÍA COMO HOY…

… 12 de marzo, en 2015, fallece Michael Graves.

Cuando el arquitecto norteamericano Michael Graves, nacido en 1934 en Indianápolis, dejó de existir hace exactamente ocho años, el obituario publicado por el New York Times lo describió como “uno de los más prominentes y prolíficos arquitectos estadounidenses de finales del siglo XX, con más de 350 edificios construidos alrededor del mundo”, lo cual no es poca cosa.

Graves se graduó de la escuela secundaria Broad Ripple de Indianápolis en 1950 y obtuvo una licenciatura en arquitectura en 1958 de la Universidad de Cincinnati. Posteriormente aprobó una maestría en arquitectura de la Universidad de Harvard en 1959. En 1960 recibió el premio de Roma y trabajó durante dos años como ayudante de la Academia Americana en la capital italiana. En 1962, de regreso a los Estados Unidos, inicia su carrera como docente en Princeton University (de la que se retirará en 2001 como profesor emérito), y en 1964 también en Princeton, Nueva Jersey, abre su oficina particular Michael Graves & Associate desde la que ejercerá la profesión el resto de su vida.

1. Izquierda: “The New York Five”, Revista Vanity Fair de 1996. De izquierda a derecha: Michael Graves, Charles Gwathmey, Richard Meier y Peter Eisenman (John Hejduk no aparece en la fotografía). Derecha: Portada del libro Five Architects (Arthur Drexler, Colin Rowe y Keneth Frampton), 1972
2. Michael Graves. Izquierda: Residencia Hanselman, Fort Wayne, Indiana (1967). Derecha: anexo a la Residencia Benacerraf, Princeton, New Jersey (1969)

Su nombre salta a la palestra a finales de los años 1960, cuando Colin Rowe lo sumó a Peter Eisenman, Charles Gwathmey, John Hejduk y Richard Meier para presentarlos como los New York Five, grupo cuyo trabajo apareció en una exposición del Museo de Arte Moderno (MoMa) organizada por Arthur Drexler en 1967, y en el libro subsiguiente titulado Five Architects publicado en 1972 por Oxford University Press. En la muestra, Graves presentó dos de sus primeros trabajos: la Residencia Hanselman (1967) y el anexo a la Residencia Benacerraf (1969) las cuales, en la publicación, son contextualizadas y analizadas críticamente por William La Riche (profesor de Princeton) mediante el texto “¿La Arquitectura como un Mundo Nuevo?”, que bien vale la pena revisar para entender cómo ya desde muy temprano Graves recurre a la cita y la metáfora como dos figuras que cultivará y desarrollará durante toda su trayectoria.

En el texto en que los presentaba, Rowe decía que, si bien era difícil generalizar el trabajo de los cinco, “hay un punto en común que es simplemente este: en vez de constantemente apoyar el mito revolucionario [de la arquitectura moderna], resulta más razonable y más modesto reconocer que, en los primeros años del siglo XX, ocurrieron grandes revoluciones en el pensamiento que tuvieron como resultado profundos descubrimientos visuales que aún deben explicarse”, con lo que podría decirse que Rowe, de alguna manera, ya abría la posibilidad de un revisionismo post-moderno de la tradición, moderna en este caso, hacia la que los “five” apuntaban y que Helio Piñon años más tarde (1984) incorporará con sentido crítico como parte del libro Arquitectura de las neovanguardias.

Por otra parte, Charles Jencks quien publica en 1977 El lenguaje de la arquitectura posmoderna, un verdadero best seller en el que ofrece argumentos para dar por muerta a la arquitectura moderna, y le abre la puerta a diferentes manifestaciones que dentro del panorama internacional mostraban maneras diferentes de superar en lo expresivo el discurso de la modernidad, también incorpora la obra temprana de Graves de la que resalta la reelaboración mediante una sintaxis barroca de diversos elementos procedentes de la experiencia vanguardista de los años XX.

La prestigiosa crítica Ada Louis Huxtable escribiría en su columna sobre arquitectura de The New York Times (citada por la revista Arquine https://arquine.com/michael-graves/ el 9 de julio de 2018), que el joven “Graves era pintor antes que arquitecto y que tanto su pintura como su arquitectura tenían méritos propios. Su obra, dice Huxtable, era al final un arte híbrido, entre pintura y arquitectura”. Y, en el mismo artículo de Arquine, encontramos lo siguiente: “Lo mismo pensaba Charles Jenks quien en la segunda edición a su Modern Movements in Architecture, de 1985, se atrevió a decir que ‘las habilidades sintéticas de Graves como pintor y diseñador le permitieron, como a Le Corbusier, reunir muchas ramas de la escena actual, en particular el contextualismo de Leon Krier, el fundamentalismo de Aldo Rossi y el historicismo colorido de Venturi y Moore”. De más está decir que el demoledor y agudo Jenks siempre tuvo una particular debilidad y condescendencia a la hora de aproximarse a la obra de Graves.

La reseña de Arquine terminará apuntando cómo Huxtable también afirmaría que “la arquitectura de Graves iba ‘considerablemente más allá de préstamos del pasado’ y que ‘lenta y trabajosamente inventaba un nuevo lenguaje formal’. En un artículo publicado en el Journal of Architectural Education en 1975, el propio Graves daba algunas pistas de sus intereses al abrir diciendo que ‘mientras las premisas del movimiento moderno del plano como generador de forma se acepta generalmente, su énfasis en la enseñanza de la arquitectura ha resultado en una relativa falta de atención a los elementos verticales’, léase a las fachadas. El texto estaba dedicado a analizar una villa diseñada por Gunnar Asplund en 1918”.

3. Michael Graves. Casa Schulman, Princeton, New Jersey (1976).
4. Izquierda: edificio para las oficinas municipales de Portland (1982). Derecha: sede de Humana en Louisville (1984).

Así, más temprano que tarde, Graves empezará a desarrollar un estilo propio que lo afianzará como uno de los puntales de la arquitectura decididamente posmoderna que empezó a recorrer el mundo a partir de la segunda mitad de la década de los años 70 del siglo XX. Será en 1975 cuando Graves experimente una enorme modificación de los principios que lo vinculaban con la arquitectura blanca corbusiana de entreguerras, para adoptar un lenguaje figurativo cargado de historicismo del que acabó siendo un indiscutible maestro. Esta etapa, cuyo inicio algunos ubican a partir de la intervención sobre las paredes exteriores de la casa Schulman (1976), tendrá en el edificio para las oficinas municipales de Portland (1982) -primera obra de gran envergadura por él diseñada- o la sede de Humana en Louisville (1984), dos íconos de la arquitectura posmoderna (en su momento, dos polémicos edificios de los que sus respectivas ciudades muestran hoy un particular orgullo), y demostraciones coincidentes a lo expuesto por Robert Venturi más de una década atrás, y a quien Graves “se adhiere en la oposición, sobre todo a la arquitectura y los conceptos de Mies van der Rohe, compartiendo un nuevo dicho: ‘menos es aburrido’, asignándole así al estilo internacional una absoluta incapacidad de comunicación”, como bien expresará Rómulo Moya Peralta en “Michael Graves: la forma como expresión máxima”, texto de 2015 publicado en https://arqa.com.

5. Izquierda: resorts Dolphin (1987) y Swan (1988) en Walt Disney World, Florida. Derecha: sede de Team Disney en Burbank, California (1986).
6. Izquierda: Biblioteca Pública de Denver (1990). Derecha: Saint Coletta of Greater Washington, Washington, D.C. (2006)

De Wikipedia rescatamos que “Graves y su firma también diseñaron varios edificios para Walt Disney Company en estilo posmoderno. Estos incluyen la sede de Team Disney en Burbank, California; los resorts Dolphin (1987) y Swan (1988) en Walt Disney World en Florida; y Disney’s Hotel New York (1989) en Disneyland París. Patrick Burke, el arquitecto del proyecto de los dos hoteles turísticos en Florida, comentó que Walt Disney Company describió los diseños de Graves como ‘arquitectura de entretenimiento’. Además de los edificios del hotel Swan y Dolphin, la firma de Graves diseñó sus interiores originales, muebles, señalización y obras de arte. Otros encargos notables de Graves para edificios que se completaron en la década de 1990 incluyen una expansión de la Biblioteca Pública de Denver (1990) y la renovación del Instituto de Artes de Detroit (1990)”.

Siempre se ha debatido acerca de la condición efímera que conllevó aquel período, cuyo auge se ubica en la década de los años 1980, lleno de escenografía figurativa, revivals indiscriminados, guiños a la cultura “pop” y manejo arbitrario de las referencias históricas en la que se apelaba en el mejor de los casos a la memoria colectiva. Sin embargo, puede decirse que Graves, protagonista junto Charles Moore, Ricardo Bofill, Phillip Johnson y Peter Eisenman, entre otros, logró sobrevivir cuando el posmodernismo convertido en estilo no dio para más, pero no pudo evitar caer muy pronto en el olvido.

Moya Peralta precisará que en la arquitectura de Graves “el espacio es un escenario en donde forma y función están separados, siendo la forma la que predomina a la función. Nuevamente apartándose del movimiento moderno que planteaba que la forma sigue a la función. Así separadas, la función se resuelve de acuerdo a ciertas necesidades prácticas, mientras que la forma corresponde al campo de lo sensible e “importante”. (…) Graves creyó que este nuevo lenguaje (neoclásico reinventado) iba a salvar a la arquitectura de la severidad moderna”.

7. Diversos dibujos de Michael Graves que forman parte de la colección adquirida por The Princeton University Art Museum en 2019.
8. Objetos diseñados por Michael Graves para Alessi.

Extraordinario dibujante (una colección de cerca de 5000 de sus obras fue adquirida por The Princeton University Art Museum en 2019), amén de diseñador y productor de muebles y objetos para el hogar “para clientes importantes como Target Corporation, Alessi, Steuben y The Walt Disney Company”, a lo largo de los años, Michael Graves Design Group, una parte de su firma de diseño, diseñó y lanzó al mercado más de 2000 productos”, encontramos en Wikipedia.

En vida, Graves fue elegido “Fellow” del American Intitute of Architects (1979); recibió el premio Golden Plate de la American Academy of Achievement (1986); fue galardonado con el Premio Americano de Arquitectura (1994); y obtuvo la Medalla Nacional de las Artes (1994) y la Medalla de Oro de AIA (2001).

Eduardo Prieto al comentar en Arquitectura Viva el 30 de junio de 2018 el más reciente libro editado sobre Graves, titulado Michael Graves: Design for Life (2017), biografía realizada rigurosamente por el periodista Ian Volner, apuntará con precisión “tres hechos que marcaron la carrera del arquitecto nacido en 1934 y fallecido en 2015: su estancia en la Academia Americana de Roma, que le abrió los ojos a la belleza intemporal del lenguaje clásico; su participación en el grupo de los Five Architects, que le dio visibilidad en el marco de la arquitectura estadounidense; y la construcción de las Oficinas Municipales en Portland, que hicieron de él en un arquitecto admirado e imitado en el mundo».

9. Algunos de los libros dedicados a recoger la obra y vida de Michael Graves.

Quien “comenzó como entregado seguidor de Le Corbusier y acólito del culto a lo blanco y terminó convertido en el desprejuiciado fautor de la estética de Disneylandia”, y siempre visualizó la arquitectura como un objeto de arte que había que cuidar hasta el más mínimo detalle, dejó a través de su obra (discutible en cuanto a estilo y pertinencia dentro del contexto urbano en el que se ha insertado), una impronta difícil de imitar. Hoy, al observarla, no deja de transmitirnos, sin embargo, cierta nostálgica alegría asociada a un particular sentido del humor asumido, por cierto, muy en serio.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://arquine.com/michael-graves/

  1. https://fabricadeideasbo.wordpress.com/2021/03/01/the-new-york-five-la-pandilla-que-gesto-el-neo-racionalismo-en-los-estados-unidos/

2. https://tecnne.com/arquitectura/michael-graves-casa-hanselmann/ y https://twitter.com/retokommerling/status/1281166493355511808/photo/4

3. https://www.facebook.com/photo/?fbid=1211290405568124&set=pcb.769560919853154

4 y 6. https://arqa.com/actualidad/colaboraciones/michael-graves-la-forma-como-expresion-maxima.html

5. https://www.michaelgraves.com/projects/swan-and-dolphin-hotels/ y https://www.latimes.com/entertainment/arts/culture/la-et-cm-michael-graves-architect-disney-20150312-story.html

7. https://www.architecturaldigest.com/story/michael-graves-drawings-acquired-princeton-university-art-museum y https://www.domusweb.it/en/architecture/2015/01/22/history_as_contraband.html

8. https://www.michaelgraves.com/projects/alessi/

9. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

TAL DÍA COMO HOY…

… 5 de febrero de 1994, el semanario Arquitectura HOY en su nº48 abre las puertas a temas que van más allá de la disciplina arquitectónica.

1. Primera página del nº48 de Arquitectura HOY del 5 de febrero de 1994.

A casi tres años de su aparición (el número 1 es del 2 de mayo de 1992), el semanario Arquitectura HOY, que circulaba encartado en el diario Economía HOY y cuya coordinación general estaba a cargo de Juan Pedro Posani acompañado desde el comité de redacción por Alberto Sato, Azier Calvo, Henrique Vera y Enrique Fernández-Shaw, toma la decisión de dar cabida a partir del número 48 a la publicación en sus páginas de temas que fuesen más allá de la disciplina arquitectónica, a la cual había dedicado casi exclusivamente sus 47 entregas anteriores.
Será Alberto Sato, en una breve nota editorial titulada “Inclusiones”, quien explique cómo entre los responsables de redactar la página, que ya se había posicionado como espacio amplio y nada discriminado de intercambio de ideas, debate e información en torno a la arquitectura, cuya única limitación podría haber sido la hermeticidad y la presencia de algún que otro texto tedioso, surge el interés, impulsado por el entusiasmo y colaboración con los lectores, de incorporar nuevos temas de entre los que destacarían el diseño industrial, las técnicas constructivas y el diseño gráfico.

Este giro editorial signado por “mantener la vigilia ante nuevos caminos, nuevos enfoques y nuevas preocupaciones que se abren en el intercambio”, y basado en la obligación de “revisar actuaciones y desconfiar de las certezas”, conduciría “más que a una ampliación del campo, a salir del ensimismamiento arquitectónico-urbano”.
Descartando que este cambio de rumbo refleje un compromiso atado a la premisa de que “nada de lo que sucede en mundo me es ajeno”, Sato justifica la apertura al hecho, indiscutible por demás, de que “las disciplinas del diseño industrial y gráfico, junto con la cultura técnica, viven mundos fronterizos con la arquitectura, a veces desdibujados, aunque participan del mismo espacio de producción cultural; son presencias objetivas, pero actúan virtualmente en silencio, como la sombra”. Es por ello, dirá Sato, que “muchas veces los arquitectos actuamos sobre campos específicos, realizando afirmaciones acerca de temas sobre los cuales conocemos poco, es decir, ignoramos mucho. En resumen, son temas hablados por actores que leen otros textos, los de arquitectura”.

De esta manera, los editores empezarán a contar con la colaboración de “sujetos actuantes de cada saber específico” para con ello “enriquecer el conocimiento de nuestro propio campo, al tiempo de reconocer los mundos que se abren a través del diseño industrial y gráfico” y así “ampliar la interlocución”.

2. Primera página del nº4 de Arquitectura HOY dedicado al «Diseño Industrial en Venezuela».

Este impulso tiene claros antecedentes desde el propio momento en que Arquitectura HOY dio sus primeros pasos, buscando convertirse en una publicación monográfica trimestral (cosa que logró durante sus primeros cuatro números), que luego trocó en semanario. Es así como justamente el número 4, también motorizado por Sato, estuvo dedicado al “Diseño Industrial en Venezuela”, correspondiéndole a los miembros de su comité editorial (todos arquitectos) elaborar los contenidos. Ese persistente deseo de Sato por dar cabida a esta disciplina se corresponderá, además, con la presencia durante mucho tiempo de una columna sabatina en el propio diario Economía HOY, dedicada justamente a temas vinculados al diseño en general y al industrial en particular, que luego daría origen en 2005 al libro Cotidiano. Manual de instrucciones.

En el número que hoy nos ocupa, mediante el texto titulado “Analogías”, Sato abrirá el camino ilustrando de manera clara y aguda la importante diferencia que se estaba suscitando en el territorio del diseño industrial entre función y significado.

3. Silla Stam.
4. Silla Barcelona.

Para demostrar que los diseñadores a partir de la posmodernidad ya no se preocupaban como antes en lograr resolver problemas relacionados al uso de sus productos, Sato establece una impecable comparación entre la silla diseñada por el holandés Mart Stam en 1924 (una silla hecha para sentarse y todo un ejemplo en el que se mostraba el diseño moderno en su máxima expresión), y la diseñada por Mies van der Rohe y Lilly Reich para el pabellón de Alemania en la exposición de Barcelona de 1929 la cual, tras una puesta en escena deslumbrante en lo relacionado a su elaboración y línea, puso en aprietos a los reyes de España cuando, tras constatar su comodidad al sentarse, encontraron dificultades al intentar levantarse cuando la usaron por primera vez. “La silla -dirá Sato- representaba la más avanzada modernidad dentro del pabellón más moderno de la Feria. La silla de Mart Stam era moderna, el sillón Barcelona…representaba la modernidad”.

5. Helmut Palla. Chaise Longue «Locus Transporticus» (1992)

Así, la crisis entre lo que un objeto era en esencia y lo que representaba, que no es otra que la crisis de la propia modernidad, “se incubó en el momento en que se gestaba”. La modernidad, que levantaba la bandera sullivaniana de “la forma sigue a la función”, ya empezaba a sucumbir desde el momento en que el valor simbólico de los objetos empezó a adquirir mayor importancia que su valor meramente utilitario, con repercusiones muy claras en el campo de la arquitectura. “Afectada por las desilusiones del moderno, la silla parecía estar condenada a comunicar su función, no a cumplirla”, concluye Sato, para rematar diciendo: “Pero, como es sabido, la gente puede sentarse sobre cualquier cosa; mientras un objeto cualquiera se denomine ‘silla’, no perderá su identidad. Tal es el poder de la cultura”.
La semblanza que elabora Sato se compadece con un momento (mediados de los años 1990) en el que la disciplina parecía retomar el interés por lo funcional, así como por los sistemas constructivos tradicionales y las innovaciones tecnológicas a favor de una arquitectura más comprometida con el medio ambiente, interesada en afrontar el deterioro de la ciudad y en conservar el patrimonio construido, dejando atrás la ola individualista propiciada por la posmodernidad. Se notaba entonces el resurgimiento de un nuevo realismo basado en el optimismo, muy presente en la arquitectura venezolana y latinoamericana. Sin embargo, advierte: “Pero, así como ocurrió a la silla de Stam, en cualquier momento puede aparecer, henchido de lujo y ostentación, no la sencillez, sino su representación”.

6. Páginas centrales del nº48 de Arquitectura HOY del 5 de febrero de 1994.

El otro artículo dedicado al diseño industrial, que ocupa en este caso las páginas centrales del semanario, estaría a cargo de Juan Pedro Posani con el título “Más que un toque de locura”. Allí, observando el panorama internacional y ante el despliegue inusitado de objetos que asemejan cualquier cosa menos para lo que pueden servir (claro síntoma del momento que se vive), Posani, al igual que Sato, basará su discurso en torno al significado que encierra la elaboración de cualquier producto salido de la mano de connotados diseñadores. “Subiendo y bajando con las olas de las variaciones periódicas de la moda, sillas, sillones, butacas, taburetes, mesas, estantes, camas y divanes, en todas sus modalidades y tipología más o menos funcionales, van adquiriendo características que distan, a veces muchísimo, de ser una respuesta racional a una necesidad concreta. Inmersos en los cambiantes vapores del gusto, los muebles declaran otras intenciones, proyectan otros intereses. Y no se trata de que ignoren necesidades. Simplemente, responden a otra categoría de intereses. Porque una silla, en realidad, no sirve sólo para sentarse…, sino que también sirve para comunicarse”.

7. Izquierda. Arriba: Ron Arad. Estantería (1990). Abajo: Helmut Palla. Silla Berrendo (2001, de GymnasticFurniture).
Derecha. Arriba: Francesco Spada. Lámpara (1993). Abajo: Van Hong Tsai. Tostadora. (1986)

El imperante deseo de novedad, impulsó la aparición de los más disímiles objetos que, aunque destinados a una función, declaraban a gritos su antifuncionalidad, echando mano de la extravagancia y el kitsch en un tono abiertamente paradójico. “Sillas precarias, asientos que al utilizarlos amenazan con atravesarnos con sus estacas, estanterías que desafían la Ley de la Gravedad, gaveteros que no permiten su empleo normal, lámparas que simulan ser hachas o saurios, combinaciones de materiales insólitos y fuera de lugar, agresivos y hostiles, todos estos muebles invitan al rechazo y al repudio. Pero lo más probable es que, justamente por ello, por la sensación de asombro, sorpresa y perplejidad que provocan, es que se sitúan en el borde de la originalidad y lo memorable”, expresará Posani quien considera que detrás de tales manifestaciones lo que se esconde es el “cansancio moral” y la “decepción intelectual” como parte de “cierta demencia que atraviesa a toda la cultura mundial y que se revela en tanta inútil barbarie”.
El tono moralista de Posani se verá reflejado en las palabras del reconocido diseñador italiano Vico Magistretti, quien entrevistado por la revista Abitare expresará con respecto a la ruta tomada por el diseño industrial en aquel momento: “¿Pertenezco a una civilización de basuras?”, para luego agregar señalando lo mostrado en la gran exposición del diseño industrial montada en el Grand Palais de París: “… sospecho que responde a una visión del diseño que es todo lo contrario de lo que yo siempre he respetado, la idea de Bauhaus, para entendernos… ¿Qué significa, por ejemplo, un diván con grandes huecos cuadrados en el respaldo, justo donde sería más conveniente colocar unos buenos cojines? ¿A quién sirve tal cosa? Yo siempre diseño cosas que sirvan principalmente… En cambio, encuentro (en esos objetos) la inutilidad de lo que se hace sin motivación alguna”.

8. Página 4 del nº49 de Arquitectura HOY con el primer artículo publicado por Ignacio Urbina Polo.

El anuncio hecho por Sato de solicitar colaboraciones para el semanario de «sujetos que conocieran a fondo su saber específico», tendrá su primera manifestación en el nº49 de Arquitectura HOY (12 de febrero de 1994), cuando aparecerá la firma del diseñador industrial Ignacio Urbina Polo escribiendo, en tono complementario a lo señalado por Sato y Posani una semana antes, el artículo “El diseño industrial y la semántica de los productos”. Urbina Polo, egresado del Instituto Antonio José de Sucre, quien para entonces recién llegaba de Brasil tras realizar una Maestría en Ingeniería de Productos y en 1996 empezó a ejercer la docencia en Prodiseño, Escuela de Comunicación Visual y Diseño, fundada en 1990 que recogió la línea abierta en 1964 por el pionero Instituto de Diseño Neumann y hoy Profesor Asociado a tiempo completo en el Departamento de Diseño Industrial del Pratt Institute en New York, asumió con dedicación y rigor su compromiso, apareciendo en Arquitectura HOY 9 veces durante 1994 y otras 8 entre 1995 y 1996 sumando en total 22 hasta 1998.

Valga decir que hasta el día de hoy Urbina Polo se ha mantenido como importante divulgador de su disciplina a través de múltiples iniciativas y en particular desde la red mediante la página di-conexiones.

NOTA

9. Izquierda: Museo el Hermitage, San Petersburgo, Rusia. Centro: Poster de la presentación inaugural de Otello en Teatro de la Scala de Milán, Italia. Derecha: Poster del estreno de la película «Tiempos modernos».

No queríamos dejar de pasar por alto el mencionar que hoy, 5 de febrero, pero de 1852, en San Petersburgo (Rusia) se inauguró el Museo el Hermitage; en 1887, en el Teatro de la Scala de Milán (Italia), se estrenó la ópera Otello de Giuseppe Verdi; y, en 1936, en Estados Unidos, se estrenó la película “Tiempos modernos” de Charles Chaplin.

10. El arquitecto uruguayo Jorge Herrán (1897-1969) y sus dos obras más emblemáticas ubicadas ambas en el puerto de Montevideo: la Dirección de Aduanas y Capitanía General de Puertos (centro) y la Sede del Yacht Club Uruguayo (derecha), en colaboración con Luis Crespi.

También, pero en 1897, nació en Montevideo, Uruguay, el destacado arquitecto Jorge Herrán, quien estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República de donde egresó en 1921 y cuenta entre sus obras dos que vale la pena destacar por su importancia: el edificio de la Dirección de Aduanas y Capitanía General de Puertos, en el puerto de Montevideo (1923, ganado por concurso) y, junto a Luis Crespi, la Sede del Yacht Club Uruguayo, ubicado en el borde costero en el Puerto del Buceo (1934).

Por otro lado, en nuestro país, el 5 de febrero de 1998, un incendio destruyó parcialmente la Torre Europa (Premio Nacional de Arquitectura 1976), ubicada sobre la avenida Francisco de Miranda en Caracas. Los pisos mayormente afectados (el 4 y el 5) albergaban las oficinas del Sistema Económico Latinoamericano y del Caribe (SELA).

ACA

Procedencia de las imágenes

1, 2, 6 y 8. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

3. https://www.disenoyarquitectura.net/2011/09/mart-stam-padre-de-los-muebles-de-tubo.html

4. https://www.ingeniacontract.com/pieza-iconica-silla-barcelona-o-modelo-mr90/ y https://www.naharro.com/mobiliario/butacas/butaca-barcelona-knoll/

5. https://www.dorotheum.com/en/l/6661040/

7. https://www.tiovivocreativo.com/blog/arquitectura/ron-arad/, http://www.artnet.de/k%C3%BCnstler/helmut-palla/gabelbock-sessel-from-m%C3%B6bel-aus-turnger%C3%A4ten-XWSSS77eehvp-VKNGFUtcQ2, https://www.wow.gallery/Large-Papiermache-Wall-Lamp-Sculpture-design-by-Francesco-Spada-for y http://glob.daniel-letson.com/posts/tomes-cranbrook-design-the-new-discourse/

9. https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Hermitage, https://www.facebook.com/efemeridesmusica/photos/estreno-1887-otelo-giuseppe-verdiel-5-de-febrero-de-1887-se-estren%C3%B3-en-el-teatro/2587543347928719/?paipv=0&eav=Afa1d9JLVRY_Dqy3fmtVqR3zDyBlBxIpTPE9br4macL2ihmp7eBuaj8lYLr4mbo8YJY&_rdr y https://es.wikipedia.org/wiki/Tiempos_modernos

10. https://montevideoantiguo.net/index.php/presentes/el-edificio-de-la-aduana.html?fb_comment_id=1930671976984173_4196002177117797 y https://www.pinterest.com/pin/59954238790593249/

TAL DÍA COMO HOY…

… 6 de noviembre, en 1825, nace Charles Garnier.

Jean Louis Charles Garnier, nacido en París tal día como hoy en 1825 y fallecido en la misma ciudad el 3 de agosto de 1898, encierra en su biografía todo el intenso, rico y polifacético debate que se dio dentro de la profesión y educación arquitectónica francesa durante el siglo XIX de la cual fue importante protagonista.

De origen humilde (llega al mundo y transcurre su infancia en la popular Rue Mouffetard), su familia, artesanos de profesión, se dedicaba al negocio de los carruajes. En particular, su padre, Jean André Garnier, originario de Sarthe, departamento de la región francesa de Pays de la Loire, había trabajado como herrero, carretero y carrocero antes de establecerse en París para trabajar en una empresa de alquiler de carruajes tirados.

La intuición de sus progenitores orientó al frágil y talentoso Charles (desde niño se manifestó como un dibujante muy dotado), a seguir un camino diferente al de continuar con el negocio familiar. Es así como ingresa en L’École Gratuite de Dessin de L’École de Medicine para luego, en 1840, trabajar con el arquitecto Leveil y casi de inmediato convertirse en aprendiz de Louis-Hippolyte Lebas. También se registra su participación como dibujante en el estudio de Eugène Viollet-le-Duc quien enseñó composición ornamental en L’École Gratuite de Dessin entre 1834 y 1850.

1. Ruinas y dibujos del templo de Aphaia en Egina, cerca de Atenas (comienzos del s.VI a.C).
2. Izquierda: Foro Trajano, Roma (107-112 d.C). Derecha: Templo de Vesta en Tivoli (siglo I d.C).

Garnier pasará luego a ser estudiante a tiempo completo de L’École de Beaux Arts de París a partir de 1842. Durante su estancia entre 1842 y 1848 concurrió dos veces al Grand Prix de Rome antes de lograr un primer premio a la edad de 23 años con su proyecto de fin de carrera titulado «Un conservatoire des arts et métiers, avec galerie d’expositions pour les produits de l’industrie» (Un conservatorio de artes y oficios con una galería de exposición para productos industriales), lo que le valió para obtener una pensión en L’Académie de France de Rome del 17 de enero al 31 de diciembre de 1849, cosa que pudo prolongar hasta 1852 gracias a los numerosos y ambiciosos envíos que iba haciendo donde puso a prueba su capacidad de trabajo. Entre ellas se encontraban las restauraciones del Foro Trajano y el Templo de Vesta en Tivoli. Durante su estancia en Grecia envió 11 hojas del Templo de Aphaia en Egina cerca de Atenas una restauración decididamente polícroma, según sus hallazgos, lo cual le proporcionó el tema de su presentación de cuarto año, exhibida en el Salón de París en 1857.

Como se nos muestra en https://www.ecured.cu/Charles_Garnier, antes de su regreso a Francia en 1955 “viajó por Turquía y visitó Constantinopla con el famoso literato Theophile Gautier; después se asentó en el reino de Nápoles y Sicilia. Conservó toda su vida los recuerdos de esta época, y su entusiasmo por la arquitectura sículo-normanda; vivía también de su capacidad de dibujar: y dibujó para el Duque de Luynes algunos de los monumentos angevinos de Nápoles como ilustración para un libro (nunca publicado)”. Y se añade cómo Garnier desde muy joven poseía “una imaginación fértil, inclinada al exotismo y la fantasía y que acrecentó con sus viajes; demostró una capacidad envidiable para ingeniar ornamentos y decoraciones”.

De regreso a París “por entonces carecía de relaciones y de clientes; y se mantuvo con pequeños trabajos administrativos al tiempo que intentaba darse a conocer con sus ilustraciones arquitectónicas…. Finalmente, en 1860, obtuvo el puesto de arquitecto en los distritos 5 y 6 de Paris, con un sueldo aceptable, que le permitiría vivir, pero que se consideraba incompatible con el trabajo particular”.

3. Antigua ópera ubicada temporalmente en la calle Le Peletier.
4. Plan esquemático de Haussmann para la Renovación de París. El sitio de la Ópera de Garnier está resaltado con un círculo rojo. Las nuevas calles propuestas están marcadas con una línea negra gruesa y las áreas rayadas representan nuevos distritos.
5. Planta del trazado de la avenida de la Ópera según la Ley de 1850.

Justamente en 1860 se le abrirán las puertas que le permitirían realizar una de las obras más trascendentes e influyentes dentro de la arquitectura francesa del siglo XIX, cuando se inscribió para participar en el concurso para el Gran Teatro de la Ópera de París, abierto en su primera etapa entre el 29 de diciembre de aquel año y 31 de enero de 1861.

El concurso se convocó con la finalidad de sustituir el antiguo teatro de la calle Le Peletier que se había construido como teatro temporal en 1821 cuyo acceso resultaba muy incómodo. Un intento de asesinato de Napoleón III en la entrada al recinto el 14 de enero de 1858, aceleró la realización de un nuevo teatro de ópera con una entrada separada y más segura para el jefe de estado. Se dice que el concurso fue idea de la Emperatriz, que esperaba lo ganara su arquitecto favorito: Eugène Viollet-le-Duc.

Garnier, uno de los 169 participantes en la primera fase del concurso cuyos trabajos fueron expuestos para consideración el jurado y el público en el Palacio de la Industria en febrero de 1861, alcanzó el quinto premio y fue uno de los siete finalistas seleccionados para la segunda fase. Para esta instancia, mucho más rigurosa que la primera, los concursantes debían revisar sus proyectos originales con base en un programa de 58 páginas, escrito por el director de la Ópera, Alphonse Royer, que los participantes recibieron el 18 de abril. Las nuevas presentaciones fueron enviadas al jurado a mediados de mayo, y el 29 de mayo resultó seleccionado el proyecto de Garnier (del que siempre se guardaron dudas sobre la posibilidad de su realización) por sus «cualidades excepcionales y superiores en la hermosa distribución de los planos, el aspecto monumental y característico de las fachadas y secciones».

6. Litografía de autor desconocido del Teatro de la Ópera de París en todo su esplendor.
7. Teatro de Ópera de París. Planta.
8. Teatro de Ópera de París. Secciones en perspectiva.

Como nos aclara Alejandro Hernández Gálvez en “El efecto Garnier” artículo publicado en https://arquine.com/el-efecto-garnier/: “Adolphe Lance, redactor de la Encyclopédie d’architecture pensaba que la mayoría (de las propuestas) se inspiraban demasiado en características de la arquitectura de la antigüedad. Lance, que había sido alumno de Viollet-le-Duc, no menciona el proyecto de su maestro quien, según Bouvier, venía trabajando en un proyecto que pudiera sintetizar sus teorías acerca de una arquitectura funcional. Pero el proyecto de Viollet-le-Duc no quedó ni siquiera entre los cinco finalistas…El 6 de junio de 1861, el conde Alexandre Walewski, encargado de la dirección de Bellas Artes del Imperio, le avisó a Garnier de su triunfo en una carta: ‘Señor, habiendo el jurado del concurso de la Ópera elegido por unanimidad el proyecto que usted presentó, le anuncio, que por decreto del día de hoy, usted es nombrado arquitecto de la nueva sala de la Ópera y estará a cargo del estudio del proyecto definitivo y de la dirección de los trabajos de construcción. Estoy contento, Señor, de expresarle mis felicitaciones’”.

El teatro desde que se iniciaron las obras de cimentación en 1861 y es colocada la primera piedra el 21 de julio de 1862 por el conde Walewski, se convirtió en punta de lanza y efecto demostrativo de la bonanza económica del Segundo Imperio, materializada con las intervenciones del Barón de Haussmann en la capital quien, como se sabe, la transformó demoliendo buena parte de su trama medieval, abriendo toda una red de calles y bulevares cuyo verdadero objetivo, como señalara Walter Benjamin, no era otro que “asegurar a la ciudad contra la guerra civil impidiendo la erección de barricadas en las calles de París”. Como también apunta Hernández Gálvez, sería Haussmann a quien Napoleón III, junto a la apertura de las nuevas calles, le encargaría planear la construcción del nuevo teatro para la ópera para el que terminó escogiendo el sitio en 1858 “guiado probablemente más por la visión general que tenía de la ciudad que por sus condiciones específicas, pues eligió un lugar justo por encima de un manto freático”, lo cual acarrearía graves dificultades que demoraron significativamente su finalización hasta 1875.

9. Fotografía del momento en que se realizaban las obras de cimentación de la Ópera de París (c.1861)
10. Programa e imagen del día de la inaguración de la Ópera el 5 de enero de 1875.
11. El interior de la sala.
12. El espacio de la escalera y la planta superior.

Sin duda, el “efecto Garnier” produjo un impacto importante no sólo en la vida social de la ciudad, sino en la arquitectura que protagonizó la reconstrucción de buena parte de París a raíz de las intervenciones “hausmanianas”. En cuanto a lo primero, tal y como señalaran Dubech y d’Espezel en su Histoire de Paris de 1926 (citados por Benjamin y a su vez por Hernández Gálvez), la Ópera “era el escenario en el que el París imperial podría verse a sí mismo satisfecho. Los recién llegados al poder y al dinero, mezclas de elementos cosmopolitas —esto era un nuevo mundo y exigía un nuevo nombre: la gente ya no hablaba de la Corte, sino del Tout Paris, todo el París de moda… Era un teatro concebido como un centro urbano, un centro de la vida social —esto era una nueva idea y un signo de los tiempos”.

En relación a lo segundo, será la propia construcción del edificio aunado a la publicación en 1871 por parte de Garnier del libro Le Théatre (dedicado a Francisque Sarcey) lo que ocasionará la apertura de un debate en torno a algunos conceptos canónicos dentro de la enseñanza académica que se verían refrescados por un nuevo enfoque. Ello impactaría directamente los diseños del Grand Prix de Rome a partir de 1863 y a lo largo de toda esa década, cuyos ganadores apelarán tanto a la copia de motivos ornamentales como la adopción de principios compositivos de la Ópera.

Cuando Garnier publica su libro, estructurado en una serie de reflexiones sobre teatros en general, admitiendo que esto fue un argumento para su propio diseño, enfocará su mirada ya no en términos de geometría abstracta (como lo haría Viollet-le-Duc), sino más bien desde el espectador que atiende a un espectáculo y hacia aspectos estrictamente funcionales los cuales permitieron a partir de entonces incorporar al teatro como un tipo de edificación que podía ser perfectamente “caracterizable” en función de la adecuación al uso al que estaba destinada. Las partes que lo conforman son: «Prefacio»; un bloque de 21 apartados titulados “Utilidad de los teatros”, “Accesos cubiertos”, “Vestíbulos”, “Escaleras”, “Foyers y galerías”, “Cámaras del Jefe de Estado”, “Salas y dependencias”, “Encendido de la sala”, “Acústica”, “Calefacción y ventilación”, “Telón del teatro”, “Escenario”, “Maquinaria teatral”, “Logias en el teatro”, “Encendido del escenario”, “Departamento de decoración y montaje”, “Administración y servicios diversos”, “Cuerpo de bomberos”, “Luces”, “Alrededores del teatro”, “Arquitectura de teatros”; y, al final, “Conclusión” y “Apéndices”.

13. Le Théatre, Charles Garnier, 1871.

David T. Van Zanten en “Composición arquitectónica en la Ecole des Beaux-Arts. De Charles Percier a Charles Garnier”, artículo publicado en el volumen The Architecture at the Ecole des Beux-Arts, Editado por Arthur Drexler en 1977 como Catalogo de la exposición homónima realizada en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1975, señala cómo Garnier “habitaba en un mundo de teóricos de la arquitectura y de ahí que formulara una defensa para su arquitectura en términos de mise en scène (puesta en escena) y lo confortable. Al final de Le Théâtre, escribió lo que para él era las reglas básicas de la arquitectura, el principio de ‘la razón y la sinceridad’ estaba citado al principio de su ensayo: los volúmenes exteriores deben expresar perfectamente los espacios interiores”.

Como respaldo y para ilustrar asuntos fundamentales dentro de la manera cómo Garnier veía las cosas valgan algunas citas extraídas del ya mencionado libro:

  • “Con respecto a la decoración como tal, y en relación a qué estilo adoptar, no hay otra guía más que la inspiración y voluntad de quien está diseñando el edificio: el arte decorativo tiene tal libertad que es imposible sujetarlo a reglas fijas”. Lo que se complementa con respuesta que diera a la emperatriz Eugenia cuando le preguntó en qué estilo se iba a hacer la Ópera, a lo que Garnier respondió: «¡Por qué señora, en Napoleón Trois, y usted se queja!».
  • “Pongan dos o tres personas juntas e inmediatamente el teatro ya existe. Dos hablan entre sí y se vuelven actores, un tercero los mira y escucha, es el espectador; lo que se dice es la prosa, el lugar donde se mantiene la conversación es el escenario… en definitiva, todo lo que pasa en el mundo no es más que teatro y representación… Ver y ser visto, escuchar y ser escuchado, eso es el inevitable círculo de la humanidad; ser autor o espectador, ese es el fin y al mismo tiempo los medios”.
  • “En efecto, no hay ninguna regla inmutable y definitiva que lleve al bien y a la belleza y, salvo algunos grandes preceptos que sirven de base al arte, lo demás no es sino impresión, intuición, gusto personal e imaginación. Como el resto de los monumentos, los teatros no pueden construirse matemáticamente basándose en datos positivos, sino que cada uno implica a su manera la gran solución artística.”
  • “El ‘yo’ no es una palabra tan odiada como gusta decir que es y, después de todo, prefiero el uso directo de la primera persona a el ‘yo’ disfrazado de varios escritores. En asuntos de ciencia y teoría, es la personalidad… la que abre la mente a la pasión, si un autor habla o un pensador escribe lo dicho gana o pierde fuerza dependiendo de la individualidad de sus autores”.

Tras lo expuesto, no es casual que Pere Hereu, Josep María Montaner y Jordi Oliveras en Textos de arquitectura de la modernidad (1999) hayan ubicado la experiencia que giró en torno a la Ópera de Paris, junto al texto elaborado por Garnier (que se complementaría años después con Le Nouvel Opéra de Paris, 1878-80), como elemento que conforma la primera parte del libro (“En los inicios de la modernidad”) y más específicamente del capítulo 1 (“Reformulación de la tradición clásica”).

Mucho se ha dicho que la participación de Garnier en el concurso para la Ópera fue la gran ocasión de su vida, manifestando él mismo que la fortuna le había sonreído. Hoy no sería exagerado afirmar que la fortuna sonrió a la ciudad de París al tenerle allí como arquitecto en ese momento. Después de la inauguración en 1875, el talentoso arquitecto siguió completando el edificio en detalles menores; y se encargó de la construcción del gran depósito de decorados, que hubo de reedificar más tarde tras un incendio, con la ayuda de Gustave Eiffel.

14. Charles Garnier. Izquierda: Villa Garnier en Bordighera, su casa de vacaciones en la Riviera italiana (1872-1873). Derecha: Casino de Monte Carlo (1874)
15. Charles Garnier. Izquierda: Observatorio astronómico de Niza (1879). Derecha: Ópera de Monte Carlo (1879)

La celebridad que Garnier obtuvo por esta obra (no olvidemos que también se le conoce como el “Palais Garnier”) oscurece la relevancia de sus posteriores edificios públicos y residencias. Sin embargo creemos necesario al menos mencionar algunos: la Villa Garnier en Bordighera, su casa de vacaciones en la Riviera italiana (1872-1873); la Gran Sala de Conciertos del Casino de Montecarlo (1876-1879, remodelada desde entonces como la Ópera de Montecarlo) y la Salle de Jeu Trente-et-Quarante (1880-81), ambas en la Place du Casino de Montecarlo; el Observatorio Astronómico de Niza (1879-1888); el Cercle de la Librairie en París (1878-1880); el Hôtel Hachette en París (1878-1881); el Panorama Marigny en París (1880-1882, hoy Teatro Marigny); y su última obra, el Magasin (almacén) de Décors de l’Opéra en la rue Berthier de París (1894-1895, hoy los Ateliers Berthier del Odéon-Théâtre de l’Europe).

Garnier, quien no ejerció la docencia, fue nombrado en 1874 miembro del Institut de France en la sección de arquitectura de la Academie des Beaux Arts.

En 1990 la ópera se trasladó a la Bastilla y desde entonces el edificio de Garnier alberga el Ballet de la Ópera de París.

16. Dibujos provenientes del libro Voyage en Espagne par Louise, Gustave Boulanger, Ambroise Baudry et Charles Garnier 1868 que pertenece a la Biblioteca Nacional de Francia, Ópera, Fondo Garnier, publicado en español por Editorial Nerea en 2011.

Nota

Mientras se construía el edificio de la Ópera, disponiendo de unos días libres, Garnier los aprovechó para realizar del 3 al 31 de mayo de 1868, junto con su mujer Louise y sus amigos el arquitecto Ambroise Baudry y el pintor Gustave Boulanger, un recorrido por España. De dicho viaje quedó un cuaderno que recogió bocetos elaborados por los viajeros que con el título: Voyage en Espagne par Louise, Gustave Boulanger, Ambroise Baudry et Charles Garnier 1868 que pertenece a la Biblioteca Nacional de Francia, Ópera, Fondo Garnier. Fue publicado en español por Editorial Nerea en 2011.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Garnier

1, 2, 13, 14 y 15. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

3 y 8. http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/02/

4 y 7. https://blogs.ubc.ca/buildingempire/2021/02/18/palais-garnier-paris-opera-house-the-symbol-of-imperial-power-cultural-prestige/

5. https://arquine.com/el-efecto-garnier/

6. https://segredosdeparis.com/opera-garnier-em-paris/

9. https://historiahoy.com.ar/la-opera-paris-historia-y-arquitectura-n1489

10. https://www.artlyriquefr.fr/dicos/Palais%20Garnier.html y http://www.unav.es/ha/007-TEAT/operas-paris-interiors.htm

11. http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/02/ y https://historiahoy.com.ar/la-opera-paris-historia-y-arquitectura-n1489

12. https://www.artlyriquefr.fr/dicos/Palais%20Garnier.html y https://www.clave.com.ec/opera-de-garnier-el-estilo-napoleon-iii/

16. https://elpais.com/cultura/2014/05/28/album/1401299347_363513.html

TAL DÍA COMO HOY…

… 18 de septiembre, en 1923 nace Peter Smithson.

1. Peter Smithson (c.1950)

Peter Denham Smithson, uno de los más influyentes arquitectos británicos del siglo XX, nació en Stockton On Tees tal día como hoy el 18 de septiembre de 1923 y falleció el 3 de marzo de 2003. Hijo único de una familia dedicada al comercio textil, Peter comenzó sus estudios de arquitectura en 1939 en el King’s College School of Architecture in NewCastle upon Tyre que formaba parte en ese momento de la Universidad de Durham, pero los interrumpió en 1942 para combatir como parte del Royal Engineers and Queen Victoria’s Own Madras Sappers and Miners en la India y Birmania. Regresó en 1945 para concluir la carrera en Durham cosa que logra en 1948 para luego iniciar un periodo de prácticas en la Royal Academy School (1948-9), bajo la tutela de Albert Richardson siendo allí donde descubrió el trabajo de Mies Van der Rohe. En Durham conoce a quien será su inseparable compañera durante toda su vida, Alison Margaret Gill (1929-1993), con la que contrae matrimonio en 1949 ejerciendo ambos la profesión de forma mancomunada e ininterrumpida, constituyéndose en una de las parejas de mayor relevancia de cuantas forman parte de la historia de la arquitectura moderna.

2. Alison y Peter Smithson trabajando en su oficina (c.1960).

Por la estrecha relación existente entre Alison y Peter, la obra de éste es absolutamente indisociable a la de ella y, aunque hay sesgos que permiten diferenciar los intereses de cada uno, lo cierto es que lo más común es que oigamos siempre mencionar a “Los Smithson” como los forjadores de una trayectoria que merece ser recordada por sus importantes aportes a la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX.

Así, luego de trabajar juntos en la School Division del Departamento de Arquitectura del Condado de Londres por casi un año y ganar el concurso por invitación para proyectar la Escuela Secundaria de Hunstanton (convocado en 1949), Alison y Peter Smithson abrieron su propio estudio y comenzaron una práctica conjunta y una colaboración constante en la que compartieron el crédito por todos sus proyectos y publicaciones, actitud verdaderamente ejemplar de igualdad de género en tiempos en que ello no estaba del todo asumido.

3. Alison y Peter Smithson. Escuela de Hunstanton en Norfolk (1949-1954).
4. Alison y Peter Smithson. Propuesta del concurso para la Catedral de Coventry, 1951 (izquierda). Sede de The Economist, 1959-1964 (derecha)
5. Alison y Peter Smithson. Concurso para el bario residencial Golden Lane (1952).
6. Alison y Peter Smithson. Propuesta presentada al concurso para la ampliación de la Universidad de Sheffield (1953).

La escasa obra de la pareja desde la ya mencionada escuela de Hunstanton en Norfolk (1949-1954), deudora del Mies americano pero ante todo manifiesto y pieza fundamental dentro de lo que se conoció como el “nuevo brutalismo” (término utilizado, asumido y precisado por los Smithson a partir de entonces), a la sede de The Economist (1959-1964), proyecto de rehabilitación que se convirtió en el primer trabajo de arquitectura moderna acogido en Inglaterra por la ley de protección de monumentos, continúa siendo hoy tan influyente como sus proyectos no realizados, como el de la catedral de Coventry (1951), las viviendas sociales Golden Lane (1952) y la ampliación de la Universidad de Sheffield (1953).

En virtud de las confusiones que en su momento y aún hoy en día ha generado el término, vale la pena aclarar que para Alison y Peter Smithson el “Nuevo Brutalismo”, expuesto por ellos mediante serias justificaciones por escrito, debe diferenciarse del “neo-brutalismo” y del “brutalismo” en el sentido que se trataba de una actitud ética ante la arquitectura o, en otras palabras, de una anti-estética que nacía a partir de una postura ética. Los Smithson argumentaban que “se trataba de un lenguaje que no sólo se reconocía en la forma, sino también en la manera de actuación frente al tema y frente a los materiales de un determinado proyecto, propiciando una relación más intelectual entre la gente y sus necesidades y los materiales con la naturaleza. Con todo ello, promulgaron una decidida despreocupación por ‘lo bello’. Como consecuencia, el Nuevo Brutalismo se caracterizaría por una pretendida heterogeneidad formal, una estética carente de prejuicios, más pop y experimental”, señalará María José Climent Mondéjar en su tesis doctoral titulada “ESCUELA EN HUNSTANTON DE A+P SMITHSON: El Nuevo Brutalismo en Inglaterra” presentada en 2015 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM).

7. Alison y Peter Smithson. Viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens, Londres, 1969 (demolida). Planta de conjunto y vista de la facahada.
8. Alison y Peter Smithson. Viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens, Londres, 1969 (demolida). «Calle aérea», corte y vista general.
9. Alison y Peter Smithson. Viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens, Londres, 1969 (demolida). Vista general.

La expresividad alcanzada por la actitud asumida por los Smithson a partir de lo que significó proyectar y construir la escuela de Hunstanton, se ve reflejada con claridad en su proyecto para una vivienda en Soho, Londres de 1952 (publicado por Architectural Design en diciembre de 1953) y alcanzará escala urbana ese mismo año en la propuesta del concurso para Golden Lane donde plantearon una crítica a la Ville Radieuse de Le Cobusier (en momentos en que se construía la Unidad de Habitación de Marsella) y a la zonificación de la ciudad según las cuatro categorías funcionales de la Carta de Atenas, expuestas en el CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) IV de 1933 y publicadas en 1942: vivienda, trabajo, recreo y transporte, a lo cual los Smithson contraponen los conceptos de casa, calle, distrito y ciudad y la idea de “calle en el aire”, que desarrollarán posteriormente, en 1969, cuando se construyó el conjunto de viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens en el East End londinense, con cuestionables resultados en el tiempo.

10. Manifiesto de Doorn (1954).
11. Dos exposiciones en las que participan los Smithson integrando el Independent Group: Parallel of Art and Life, 1953 (derecha) y This is Tomorrow, 1956 (izquierda)

Pero más allá de la arquitectura, a la que quisieron poner un rostro humano, los Smithson, como ya asomamos, se interesaron por la ciudad y estuvieron en el centro de todos los debates culturales del momento. Así, ya en 1953 participan en el IX CIAM celebrado en Aux en Provence del que saldrá publicado el año siguiente el Manifiesto de Doorn (considerado como el documento fundacional del Team X). Ese mismo año (1953) los Smithson, junto a Nigel Henderson y Eduardo Paolozzi, integrando el Independent Group participarán en la exposición Parallel of Art and Life realizada por el Insituto de Arte Contemporáneo de Londres y, en 1956, en la muestra This is Tomorrow abierta en la Whitechapel Art Gallery las cuales resultaron muy influyentes en el desarrollo del movimiento pop británico.

También en 1956 los Smithson participaron en la Daily Mail Ideal Home Exhibition donde presentaron su influyente “casa del futuro” la expresión más pura de su ideología pop. Diseñada predominantemente por Alison, es una estructura de plástico que puede ser producida en masa en su totalidad, en lugar de en partes. La casa incluye características innovadoras entonces futuristas, como un baño de auto-limpieza, esquinas fáciles de limpiar y controles remotos para la televisión y la iluminación.

12. Los integrantes del Team 10 en el CIAM de Otterlo (1959), el último de los eventos de este tipo. En la foto Peter y Alison Smithson de pie a la izquierda con Voeckler, Candilis y Bakema sosteniendo la pancarta que decreta la muerte de los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna. Aldo Van Eyck y Blanche Lemco se asoman por debajo.

Por otro lado, será con la activa participación de los Smithson en el CIAM X de 1956 realizado en Dubrovnik, como integrantes del grupo formado por Aldo Van Eyck, Jacob Bakema, George Candilis, Shadrach Woods, John Voelcker y William y Jill Howell, que se le dará la estocada final a aquellos congresos cargados de “viejas ideas” dando ello pie para que en 1960 en Bagnols-sur-Cèze se adopte definitivamente el nombre de Team X (ampliándose significativamente el número de integrantes), asumiendo Alison el rol de cronista no-oficial del grupo en la publicación Team 10 Primer, donde escribió de y por el resto del equipo desde 1962, primero en Architectural Design y luego editando los textos como libro en 1965.

13. Cuatro importantes publicaciones realizadas por los Smithson.

Los Smithson escribieron numerosos artículos y realizaron varias publicaciones siendo también tema para otras tantas. Sus libros más destacados, en gran parte compilaciones de artículos reagrupados temáticamente, o a veces también reescritos fueron: Urban Structuring (1967), Ordinariness and Light (1970) y Without Retoric (1973). Además de su trabajo como arquitectos, dedicaron tiempo a la actividad académica dando clases en la década de los 80 en Delft, Barcelona y Munich. Su última publicación The Charged Void es una compilación de todo su trabajo, seccionada en tres partes de las cuales solo se publicaron dos.

14. Vista axonométrica del conjunto y sección de estudio del asoleamiento del proyecto realizado por los Smithson para la Embajada del Reino Unido en Brasilia (c.1965)

Como nota si se quiere curiosa, quizás valga la pena señalar que los Smithson fueron seleccionados a mediados de los años 1960 para proyectar la Embajada del Reino Unido en la recién inaugurada Brasilia. Como señala José Javier Alayón en «Arquitecturas extranjeras en Brasilia. Le Corbusier, A&P Smithson y Scharoun en el paisaje moderno suramericano», texto publicado en arquiteturarevista
Vol. 8, n. 1, p. 23-30, jan/jun 2012, tras afrontar el encargo «con gran entusiasmo ya que, según ellos, era la oportunidad de dirigirse a un público culto», el ánimo «se convirtió en amargura cuando suspendieron su obra. Al publicar el proyecto una década después del desaire del ministerio británico que había contratado sus servicios, expresaban: ‘Michelangelo was never so messed by his Pope’ (Smithson y Smithson, 1975)»

Peter Smithson quien sobrevivió en diez años a su mujer, fue también un profesor carismático (en la Architectural Association y Bath) e impartió clases y conferencias por todo el mundo.

A modo de resumen se podría decir que los Smithson sentaron las bases para una reflexión sobre los temas más significativos de la cultura arquitectónica moderna. La búsqueda de un lenguaje apropiado para la situación contemporánea, las propuestas para una nueva morfología urbana, la reflexión sobre la evolución de los modos de vida en relación con el espacio interior y las conexiones que establece la arquitectura con el contexto ambiental son algunos de los temas que exploraron a lo largo de toda su obra.

15. Auguste Choisy y una página de su obra fundamental: Histoire de l’Architecture (1899)

Nota

Hoy 18 de septiembre se registra también el fallecimiento en 1909 del arquitecto francés Auguste Choisy. Casualmente, a Choisy ya le habíamos dedicado una nota en el Contacto FAC 210 del 7 de febrero de 2021 cuando ese día coincidió la fecha de su nacimiento con la emisión de otro TAL DÍA COMO HOY dentro del boletín. Por ello invitamos a revisar con detenimiento el texto relacionado con Choisy en https://fundaayc.com/2021/02/07/contacto-fac-210/

ACA

Procedencia de las imagenes

  1. https://arquitecturaviva.com/articulos/peter-smithson

2. https://arquitectura629615313.wordpress.com/2019/01/18/alison-y-peter-smithson/

3. https://www.urbipedia.org/hoja/Escuela_moderna_de_secundaria_Hunstanton

4. https://circarq.wordpress.com/2020/09/24/alison-y-peter/ y https://es.wikiarquitectura.com/edificio/the-economist/

5, 6, 7 y 9. https://circarq.wordpress.com/2020/09/24/alison-y-peter/

8. https://www.urbipedia.org/hoja/Robin_Hood_Gardens y https://circarq.wordpress.com/2020/09/24/alison-y-peter/

10. https://tecnne.com/biblioteca/manifiesto-de-doorn/

11. http://archives.carre.pagesperso-orange.fr/Independent%20Group.html y file:///C:/Users/USER/Downloads/91789-Texto%20del%20art%C3%ADculo-504904-1-10-20201123-1.pdf

12. https://undiaunaarquitecta.wordpress.com/2015/06/16/alison-smithson-1928-1993/

14. José Javier Alayón, «Arquitecturas extranjeras en Brasilia. Le Corbusier, A&P Smithson y Scharoun en el paisaje moderno suramericano». arquiteturarevista, Vol. 8, n. 1, p. 23-30, jan/jun 2012

13 y 15. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.