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TAL DÍA COMO HOY…
… 7 de junio de 1868, nace en Glasgow, Escocia, Charles Rennie Mackintosh.
Las efemérides dedicadas a la arquitectura que se recogen a través de internet señalan como “el evento más trágico y trascendental de la historia de la arquitectura” un hecho ocurrido un 7 de junio de 1926 (hace hoy justamente 100 años), cuando se produjo el accidente que le costó la vida a Antoni Gaudí. Aquel día el genial arquitecto catalán fue atropellado por un tranvía de la línea 30 mientras cruzaba la Gran Vía de las Cortes Catalanas en Barcelona cuando “iba de camino, como cada tarde, a la iglesia de Sant Felip Neri para rezar y confesarse”.
La crónica relata que, “debido a su aspecto descuidado en sus últimos años de vida -vestía ropas viejas y desgastadas, iba desaliñado y no llevaba documentos-, la gente y los taxistas de la zona lo confundieron con un mendigo y no le prestaron auxilio inmediato. Finalmente, un policía lo trasladó al Hospital de la Santa Creu (un centro para indigentes) donde recibió una atención médica muy básica. No fue reconocido hasta el día siguiente por el capellán de la Sagrada Familia, pero sus heridas ya eran fatales. Gaudí falleció tres días después, el 10 de junio de 1926”, fecha en la que se conmemorará el centenario de este suceso.
También el calendario registra varias inauguraciones importantes un 7 de junio, desde joyas de la arquitectura teatral e institucional hasta hitos de la museografía contemporánea internacional.
Así, el 7 junio de 2007 abrió sus puertas el edificio Bloch del Museo Nelson-Atkins (Kansas City, EE. UU.), diseñado por el reconocido arquitecto estadounidense Steven Holl, considerado una de las grandes obras de la arquitectura museística del siglo XXI. La propuesta consta de cinco «lentes» de vidrio translúcido que emergen del paisaje, contrastando con el edificio neoclásico original de 1933. Su innovador uso de la luz natural y su integración con el jardín de esculturas le valieron un reconocimiento internacional unánime.
Más de un siglo antes, el 7 de junio de 1904, se inauguró en Rosario, Argentina, el Teatro El Círculo, proyectado por el ingeniero-arquitecto alemán George Goldammer. Originalmente inaugurado bajo el nombre de Teatro La Ópera, este notable edificio de estilo ecléctico abrió sus puertas con la puesta en escena de Otello de Giuseppe Verdi. Destaca por las magníficas pinturas al fresco de su cúpula, realizadas por el artista italiano Giuseppe Carmignani, pero sobre todo por sus extraordinarias condiciones acústicas, catalogadas por expertos y artistas (incluido el mítico tenor Enrico Caruso) como una de las mejores del mundo para el canto lírico.
Por otra parte, será el 7 de junio de 1887, día de Corpus Christi, cuando se inaugurará formalmente el Antiguo Gran Casino de Ciudad Real (España) diseñado por el arquitecto Sebastián Rebollar, noble palacete de estilo clasicista decimonónico y una de las piezas más representativas de la arquitectura civil burguesa de finales del siglo XIX en la región.
Aunque no se pueden considerar como edificios permanentes, no hay duda de que las grandes exposiciones marcan el rumbo de la disciplina. De este modo, el 7 de junio de 2014 se inauguró de forma oficial una de las ediciones más influyentes de la Bienal de Venecia (la 14ª), dirigida por el ganador del Premio Pritzker Rem Koolhaas. Bajo el título Elements of Architecture (Elementos de la Arquitectura), la muestra diseccionó la evolución global de los componentes fundamentales del diseño (suelos, techos, ventanas, escaleras, pasillos), cambiando el enfoque tradicional de «celebrar a los arquitectos» hacia «analizar la arquitectura misma».
Dicho lo anterior, sin embargo, consideramos que si por algo debe recordarse el 7 de junio es porque se celebra un año más del nacimiento de Charles Rennie Mackintosh (1868), el influyente arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, figura principal del Glasgow Style, pionero fundamental del movimiento Arts and Crafts y máximo exponente del Art Nouveau en el Reino Unido, que dejó obras maestras que vale la pena repasar y a quien dedicaremos en extenso la nota del día de hoy.
Apoyados tanto en el artículo de Wikipedia dedicado a su persona como en el capítulo del libro Vidas construidas. Biografías de arquitectos de Anatxu Zabalbeascoa y Javier Rodríguez Marcos, publicado por Gustavo Gili en 1998, titulado “Charles Rennie Mackintosh (1868-1928). Demasiado extraño para un mundo extraño”, intentaremos abordar la vida y obra de quien fue una de las figuras más singulares y fascinantes de la transición del siglo XIX al XX.
Zabalbeascoa y Rodríguez Marco tras llevar a cabo una completa semblanza de lo que caracterizó el final de la era victoriana “cuando en Gran Bretaña no se reconocía todavía la profesión de los arquitectos, unos dibujantes sin oficio que ni eran artistas ni querían ser ingenieros”, período en el que destacan: el rol jugado por Northmore Pugin quien “llegó a apuntar que en la ética de los edificios no debían existir características innecesarias y que, por lo tanto, el ornamento debía constituir la propia esencia de un inmueble”; la influencia que ejercían tanto John Ruskin como William Morris; y el aporte que ofrecían los nuevos materiales y las innovadoras técnicas de una industria que amanecía, lo cual les permite decir que “los súbditos de una anciana reina Victoria eran, en realidad, los primeros modernos”, pasan a considerar a Mackintosh como “un escocés solitario” de gran talento que terminará jugando un papel fundamental como uno de los artífices del puente hacia la modernidad.
También nos aportan que Charles Rennie Mackintosh, quien lleva como segundo nombre el apellido de soltera de su madre, era el segundo de los once hijos de William Mackintosh (un inspector de policía aficionado a la jardinería ornamental) con su esposa Margaret Rennie. «A aquel joven introvertido le gustaba dibujar, pero aprendió muy temprano que las acuarelas no le darían de comer y con 16 años se empleó como aprendiz en el taller de un arquitecto (John Hutchison). A pesar del trabajo, Mackintosh no dejó nunca de pintar y por las tardes asistía a clases de dibujo en la Academia de Bellas Artes de Glasgow. La propia escuela y el favor de su director iban a tener una importancia fundamental en la formación y consolidación del más famoso arquitecto escocés”.
El bisoño, tímido y retraído Charles resultó aplicado en los estudios y muy destacado con los pinceles. “Algunos de sus primeros diseños le valieron premios y fama en la escuela. A pesar de tan temprano reconocimiento, los dibujos del joven, como las doctrinas que propagaba Ruskin, todavía se alimentaban de arquitecturas pasadas y no tuvieron apenas importancia en la evolución del proyectista. Lo más destacado de todas aquellas pruebas y méritos fue el premio obtenido, posiblemente el mayor galardón que podía recibir un arquitecto: una inyección de historia entre el polvo de los carruajes y el vapor de los nuevos trenes. Con 21 años Mackintosh llegaba hasta la orilla del continente para iniciar su viaje a Italia. Aquél había sido el premio”.
El intenso recorrido que lo llevaría por gran parte de la geografía italiana y francesa estaría cargado de fragmentos retratados y reflexiones acerca de la autenticidad de las soluciones arquitectónicas visitadas, valorando más lo encontrado tras las piedras propias del gótico y románico franceses que lo apreciado del renacimiento italiano, todo lo cual devolvería a Escocia a una persona más instruida.
Glasgow, su ciudad natal, metrópolis industrial en pleno apogeo victoriano, sería el lugar en el que Mackintosh no sólo se formaría entre la Academia de Bellas Artes y el estudio de arquitectura Honeyman & Keppie, sino desde donde impulsaría junto a las hermanas Margaret y Frances Macdonald, y su gran amigo Herbert MacNair una alianza creativa fundamental que se conocería como “The Four” (Los Cuatro) y con ello nacería la Escuela de Glasgow que se caracterizó por desarrollar un lenguaje visual propio teniendo a la naturaleza como fuente de inspiración que serviría de base, posteriormente, al uso de una geometría limpia, una rigurosa honestidad estructural y una concepción espacial que anticipó el Movimiento Moderno.
Margaret y Frances ya no se separarían de Charles y Herbert. “Juntos discutían sobre la tradición y el futuro sopesando las ideas de los críticos frente a las posibilidades que ofrecía la industria. Los Cuatro realizaban composiciones gráficas que combinaban las líneas curvas de la espiritualidad con la pureza de la abstracción”, acotarán Zabalbeascoa y Rodríguez Marco.
Un dato fundamental es que, en 1900, Los Cuatro fueron invitados a exhibir en la VIII Exposición de la Secesión Vienesa. Su propuesta causó una auténtica conmoción en arquitectos como Josef Hoffmann y Koloman Moser e incluso en artistas como Gustav Klimt, hasta el punto de que fueron considerados precursores y héroes por los modernistas vieneses. Esta conexión influyó enormemente en la evolución del diseño europeo, alejándolo de la pesada estética victoriana e introduciendo elementos que derivarían en el Art Déco y el diseño moderno.
Para Mackintosh, la estrecha colaboración con Margaret Macdonald, quien se convertiría en su esposa en 1900, fue determinante. Las sutiles texturas, los paneles de metal batido, el misticismo celta y el simbolismo lineal de ella se fusionaron con el rigor estructural y espacial de él. El propio Mackintosh llegó a decir: «Yo tengo talento, pero Margaret tiene genialidad».
La trayectoria de Mackintosh como arquitecto, revela en algunos de sus primeros trabajos una clara vinculación a su obra gráfica. “Con frecuencia, en esos diseños los elementos estructurales adquieren el aspecto de huesos retorcidos y asimétricos como la osamenta que fabrica la naturaleza. Mackintosh conseguiría así sus tempranos efectos decorativos: manipulando los componentes, la propia estructura del edificio, sin imponer nunca nuevas pieles a las construcciones. No eran las suyas construcciones decoradas, como las que defendiera Ruskin, sino más bien lo contrario: decoraciones construidas. Paralelamente a los experimentos gráficos, el joven empezaría una carrera que lo iniciaría en la arquitectura construyendo muebles. Alejadas de las líneas sensuales de los grafismos de Los Cuatro y del Art Nouveau que triunfaba en Europa, las primeras sillas de Mackintosh fueron fruto de un diseño tan sobrio como severo. Rectangulares y rígidas, oscurecidas en satén verde y construidas en maderas veladas, las butacas evitaban el uso del barniz para dejar brillar un nuevo estilo”.
1896 será un año que marcará la valía de Mackintosh como arquitecto, cuando tras 15 años de trabajo en la firma de Honeyman and Keppie, le es asignado el diseño de la nueva escuela de arte para Glasgow, proyecto que llevaría hasta su realización final en 1909 y que es considerada como su obra maestra indiscutible y “que lo iba a calificar, en muy poco tiempo, como uno de los pocos grandes de la historia de la arquitectura”, según Zabalbeascoa y Rodríguez Marco. En el interín (1904) Mackintosh fue nombrado socio del estudio de arquitectura en el que llevaba veinte años trabajando. La empresa pasó a llamarse Honeyman, Keppie & Mackintosh lo que sirvió para que culminara exitosamente la ampliación y el acondicionamiento progresivo de la Academia.
Luego, en 1900, recién casado y tras haber diseñado y construido en 1899 la Iglesia de Queen’s Cross, Glasgow, el comerciante William Davidson le encargaría su casa (conocida como Windy Hill), ubicada en Kilmacolm, Escocia, en la que Mackintosh no solo diseñó la vivienda, sino también, con Margaret Macdonald, su decoración, muebles y accesorios, incluyendo chimeneas, paneles, vidrieras y luces. También diseñaron el jardín de 2 acres (0,81 ha). El inmueble sería terminado y ocupado en 1901.
Windy Hill atraerá en 1902 la atención de otro cliente, el editor Walter Blackie, para quien la pareja Mackintosh-Macdonald proyectaría, como claro signo de evolución de su antecesora y obra maestra de arquitectura, la que es conocida como Hill House, ubicada en Helensburgh, Escocia. Se dice que antes de iniciar la etapa proyectual, Mackintosh pasó unos días en la ex casa de los Blackies para observar la vida cotidiana y así construir desde adentro hacia afuera. También que los pocos requisitos impuestos por el cliente y su postura no tradicional, así como su gusto ornamental permitieron a los Mackintosh dar vida plena a sus ideas de diseño, desde el tratamiento exterior carente de ornamentos y su configuración totalmente asimétrica en la que utilizan diferentes niveles de cubiertas y formas, hasta el cuidadoso tratamiento del interior y todos sus detalles, de entre los cuales la silla Hill House será uno de sus productos más conocidos. La casa se concluiría en 1904.
Valga añadir que ambas viviendas, junto a la casa en Bellahouston Park (también conocida como «Casa para un amante del arte»), son una demostración de Gesamtkunstwerk (obra de arte total): para Mackintosh, un edificio no era una carcasa vacía, sino un organismo vivo donde la fachada, la estructura, los muebles, las lámparas, la cubertería y hasta los detalles de los vestidos de los habitantes debían diseñarse bajo una misma visión unificada.
Aunque desde 1896 ya Mackintosh había establecido contacto con la empresaria Catherine Cranston cuando intervino en el salón de té de Buchanan Street, encargándose específicamente de crear los murales decorativos estarcidos, y ampliado en 1898 en Argyle Street su rol diseñando el icónico mobiliario de respaldo alto, como la Silla Argyle, será en 1903 al realizar Willow Tearooms en Sauchiehall Street, cuando se produciría el escenario perfecto para desplegar el interiorismo a su máxima expresión. El Salon de Luxe, con sus sillas de respaldos altísimos y pantallas de vidrio tintado, transformaba el acto social de tomar el té en una experiencia estética de vanguardia. Es aquí también donde hace acto de presencia la ligereza, simplicidad lineal y claridad espacial de la estética tradicional japonesa, que influyó profundamente en Glasgow debido a las rutas comerciales de la época. “Desde el grafismo de las cartas a la disposición de las flores en la mesa, las líneas y maderas de la sillería, los dibujos de las vidrieras, el tacto de los manteles, el sonido de las cerámicas y hasta el uniforme de las camareras, todos los diseños para los salones de la señorita Cranston pasarían por manos de Charles R. Mackintosh y de … Margaret Macdonald”, completarán Zabalbeascoa y Rodríguez Marco.
Mackintosh permanecería asociado con Honeyman y Keppie hasta 1913, momento en que rompe por “desacuerdo ante la línea de diseño que empezaba a interesar a su empresa”, un vínculo que le garantizó durante 30 años el sustento diario y le permitía ocupar sus ratos libres en los encargos que redondearon su fama.
A partir de entonces, “solo y sin proyectos, empezó a beber. Después de un año sin recibir encargo alguno, el matrimonio Mackintosh cerró su casa de Glasgow y se trasladó a vivir e Walberswick, un pueblo en la costa de Suffolk donde un grupo de artistas había formado una colonia. Allí, se dedicaron al estudio de las flores que pintaban del natural. Mientras dibujaban y descansaban sopesando posibilidades para el futuro, estalló la Primera Guerra Mundial y todos los proyectos desaparecieron de un golpe. No se trataba ya de decidir sino de sobrevivir. Todavía mantenía correspondencia con los secesionistas vieneses y, por un momento, pensó en trasladarse a Austria. Pero no llegarían tan lejos. En Londres se instalaron en dos habitaciones alquiladas en el barrio de Chelsea y gracias a los encargos de muebles y decorados lograron subsistir algún tiempo”.
Luego de subsistir elaborando estampados para la industria textil y tras una serie de intentos malogrados para poder construir, frustrados, en 1923, Charles y Margaret (él con 45 y ella con 59 años) se irían a vivir a Port Vendres al sur de Francia, donde transcurrieron sus últimos años en los que Charles volcaría casi por completo su tiempo a pintar acuarelas. “Llevaba cuatro años pintando junto al sol salado de la costa francesa cuando sintió un repentino dolor de garganta. En el pueblo le aconsejaron que regresara a Londres. En la capital reconocieron el cáncer que, desde la lengua, había empezado a extenderse. Tras unos meses de radioterapia, Mackintosh ingresó en un hospital en el que pocos días después moría, el 10 de diciembre de 1928”, precisarán Zabalbeascoa y Rodríguez Marco.
La paradoja de Mackintosh (misántropo e intransigente, solitario y siempre al borde de la pobreza) es que su influencia fue mucho más inmediata y profunda fuera de Gran Bretaña que en su propia tierra. Mientras que el público británico de la época eduardiana prefería el eclecticismo neoclásico o el Arts and Crafts más rústico, la vanguardia de la Europa continental vio en él un faro.
Mackintosh no llegó a romper el cordón umbilical con el simbolismo y el romance del pasado, pero sus soluciones espaciales abrieron las puertas a lo que vendría después. Su manejo de las ventanas corridas, la asimetría de los alzados según la función interna y la desmaterialización del mobiliario influyeron indirectamente en el movimiento racionalista europeo y en la Bauhaus.
Hoy en día, su trascendencia no radica únicamente en la belleza de sus icónicos grafismos o sus estilizadas rosas, sino en haber demostrado que la arquitectura es un arte total capaz de moldear la experiencia humana desde la escala de una habitación hasta la escala del monumento.
ACA
Procedencia de las imágenes
1. GoNOMAD (https://www.gonomad.com/211334-glasgow-mackintosh)
3. ArchDaily (https://www.archdaily.cl/cl/624610/museo-de-arte-nelson-atkins-steven-holl-architects?ad_medium=gallery)
4. Wikipedia (https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Teatro_El_C%C3%ADrculo_panorama_1.jpg); y flickr (https://www.flickr.com/photos/ralfseeber/13219314504)
5. Turismo Ciudad Real (https://turismo.ciudadreal.es/project/antiguo-casino/); y Turismo y cultura en Ciudad Real (https://www.ciudad-real.es/turismo/casino.php)
6. ArchDaily (https://www.archdaily.cl/cl/02-343030/bienal-de-venecia-2014-fundamentals-koolhaas-revela-ultimos-detalles?ad_medium=gallery) y (https://www.archdaily.cl/cl/625558/elementos-de-rem-koolhaas-descubriendo-los-origenes-de-la-arquitectura-asegurando-su-futuro?ad_medium=gallery)
7. FLASHBAK (https://flashbak.com/thomas-annans-powerful-photographs-of-the-old-closes-and-streets-of-glasgow-1868-426273/)
8. Wikipedia (https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Augustus_Welby_Northmore_Pugin00.jpg), (https://es.wikipedia.org/wiki/John_Ruskin) y (https://es.wikipedia.org/wiki/William_Morris)
9. Wikipedia (https://es.wikipedia.org/wiki/The_Crystal_Palace)
10, 11 y 12. CIRCARQ (https://circarq.wordpress.com/2015/11/23/los-4-de-glasgow/)
13. VEIN (https://vein.es/margaret-macdonald-creadora-esencial-del-estilo-glasgow/)
14, 16 y 24. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.
15. Cassina (https://www.cassina.com/ww/en/products/willow-1.html#312-willow-1_56307)
17. UrbiPedia (https://www.urbipedia.org/hoja/Escuela_de_Bellas_Artes_de_Glasgow)
18. Wikipedia (https://en.wikipedia.org/wiki/Queen%27s_Cross_Church,_Glasgow)
19. Arts and Crafts Living (https://www.facebook.com/ArtsAndCraftsLiving/posts/interior-of-windy-hill-kilmacolm-scotland-designed-by-charles-rennie-mackintosh-/1659884924125558/); y The Herald (https://www.heraldscotland.com/news/15331036.pictures-look-inside-3-million-charles-rennie-mackintosh-house-sale-kilmacolm/)
20. dezeen (https://www.dezeen.com/2018/06/04/charles-rennie-mackintosh-hill-house-helensburgh-architecture/); y HISTORIC ENVIRONMENT SCOTLAND (https://www.historicenvironment.scot/archives-and-research/online-exhibitions/great-scottish-interiors/the-hill-house-helensburgh/)
21.(https://josemgghistoriadeldiseno.wordpress.com/2014/03/30/house-for-an-art-lover/)
22. Simpson & Brown (https://www.simpsonandbrown.co.uk/architecture/museums-galleries-visitor-centres/the-willow-tea/); y World Architecture (https://worldarchitecture.org/architecture-news/ecpzn/-mackintosh-at-the-willow-glasgow-is-awarded-scotland-s-project-of-the-year.html)
23. @mmerbilhaa (https://www.instagram.com/p/DP07zb3DnGm/); y National Galleries Scotland (https://www.nationalgalleries.org/art-and-artists/159840)
CONTACTO FAC 436
TAL DÍA COMO HOY …
… 5 de octubre de 1991, Juan Pedro Posani publica en las páginas del diario Economía HOY el artículo “Jesús Tenreiro, Premio Nacional”.
Jesús Antonio Tenreiro-Degwitz (1936-2007) es, sin duda, uno de los arquitectos venezolanos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Egresado de la FAU UCV en la Promoción 7-B (1958), logró acumular en vida una sustanciosa obra que lo llevó a obtener el Premio Sociedad Bolivariana de Arquitectos (1988), el Premio Nacional de Arquitectura por el CONAC (1991) y el Premio IX Bienal Nacional de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Venezuela a la mejor obra (1998).
Sus trabajos han sido reseñados en publicaciones internacionales, como la revistas Architectural Design (U.K), ARQ Architecture Québec (Canadá), A & V (España), e incorporados en diversas exposiciones (cada una acompañada de su correspondiente catálogo) como “Los Signos Habitables. Tendencias de la arquitectura venezolana contemporánea” (Galería de Arte Nacional, 1984), “Venezuela arquitectura y trópico” (Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, 1993), “Latin American Architecture Six Voices, De Groote, Dieste, Legorreta, Salmona, Tenreiro-Degwitz, Testa” (Universidad A&M,Texas, 2000), «Latin America in Construction: Architecture 1950–2015» (MoMA, 2015) y la más reciente, “Una Fascinación por las Formas: La Arquitectura de Jesús & Ana Tenreiro” (Departamento de Arquitectura de Florida International University, diciembre 2024-febrero 2025).
A los pocos días de anunciarse la escogencia del ganador del Premio Nacional de Arquitectura en 1991, Juan Pedro Posani escribió un artículo dedicado a mostrar y valorar la trayectoria y actitud de Jesús Tenreiro un día como hoy 5 de octubre, el cual hemos decidido transcribir en su totalidad una vez transcurridos 34 años de su aparición en las páginas del diario Economía HOY.
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Jesús Tenreiro, Premio Nacional
Juan Pedro Posani
• Es importante, se dice, hablar de arquitectura. Especialmente en un país como el nuestro donde la construcción del espacio es casi siempre mucha construcción y muy poco espacio realmente arquitectónico. Problemas de educación, de cultura, de estructura económica. Pero el hecho es que la arquitectura como actividad que define un ámbito social propio tiene vigencia reciente en nuestro medio. Pero, más que hablar simplemente de una actividad humana, tan antigua e importante en la historia del mundo, es oportuno elaborar aquí y ahora, alguna crítica sistemática, discursos coherentes que permitan confrontaciones y reflexiones serias. La crítica funcionando, pues. Y con relación a la labor crítica -lo que sigue, dicho sea de paso, es pertinente para cualquiera de las modalidades y categorías que toca la crítica analítica-, es preciso recordar que siempre se está en presencia de tres niveles, diferentes y a la vez íntima y profundamente relacionados.
- Primer nivel: el que corresponde al carácter personal del creador, a su idiosincrasia, a su perfil de comportamiento individual y social, a las normas de conducta que él adopta, etcétera.
- Segundo nivel: la palabra; lo que el autor dice y comenta de sí mismo y del mundo, lo cual debe ser considerado más como un documento autónomo, que como una explicación sustantiva de la obra. En todo caso, como una señal a interpretar y a decodificar.
- Tercer nivel: el de la obra en sí, que viene a ser el nivel principal, el del momento de la verdad. El nivel donde se deciden los grandes dilemas de la ciudad, de las intenciones y del talento.
Desde luego, cualquiera de los tres niveles está afectado contemporáneamente por la presencia de los otros dos y por el entorno espacio-temporal en el cual está colocado, o con el cual está trabado en un enfrentamiento no siempre positivo. De tal manera que es una operación muy cuidadosa la que hay que ejecutar al elaborar una acción crítica, poniendo especial cuidado en identificar lo que corresponde a la obra específicamente. Pero es frecuente, en cambio –y es típico en nuestro país-, hacer de las características personales del crítico y/o del criticado, del observador y/o del observado, el criterio de juicio para la revisión analítica de la obra. Con ese método, antipatías y simpatías, relaciones de proximidad o de intereses son los que rigen y orientan el resultado del examen.
Con los casos de quienes tengan un perfil ideológico o temperamental particularmente conflictivo, arisco o que tiende a ser especialmente intransigente, la confusión se hace más compleja y frecuente.
Es ésta la situación de Jesús Tenreiro, arquitecto retraído, periférico, capaz de gestos de altivez clamorosos; pero hombre de gran cultura, de profunda sensibilidad y de gusto audaz y seguro, quien ha sido distinguido, hace pocos días con el Premio Nacional de Arquitectura.
Una distinción que resulta particularmente importante pues llega a confirmar -oficialmente por decirlo así- el valor de una obra escasa pero estimable sobremanera, cuyo reconocimiento exalta algunos aspectos de la arquitectura que en Venezuela hay que defender y respaldar con gran ahínco.
• Es extraño que un extraordinario historiador y crítico, inteligente y agudo como el inglés Reyner Banham, fallecido recientemente, no manifestase demasiada admiración hacia Louis Kahn. Es más, su falta de sincronía con la arquitectura de quien fue llamado el “último de los grandes maestros”, lo llevaba a establecer comparaciones, totalmente peregrinas, entre la volumetría de los famosos Laboratorios de Filadelfia y las canciones populares. Entre ambas cosas él encontraba elementos similares, cuya semejanza por otra parte calificaba de superficial y simple. En realidad, nada más alejado de la concepción austera y altamente elaborada en un plano de estrictas referencias cultas, típicas de la arquitectura de Kahn, que el vocinglerío populachero. Lo que Banham sí capta con precisión, incluso detrás de una barrera de observaciones críticas motivadas por el inevitable sesgo de la crítica operacional -es decir, de la crítica dirigida a promover una actitud concreta- es la dimensión expresamente monumental de la obra de Kahn.
Banham se preguntaba si esa o cualquiera otra monumentalidad podía sostenerse en el marco de una civilización mecanicista como la actual, que se autodestruye y reconstruye todos los días, siguiendo los parámetros inexorables de la obsolescencia tecnológica. Pero la pregunta de 1960 ya ha sido respondida por el tiempo: la necesidad de monumentos, es decir, de obras definitivas que fijen en el espacio significados y contenidos trascendentes, no sólo no ha disminuido, sino que ha demostrado ser una verdadera exigencia cuyo carácter primordial se manifiesta cada vez con mayor importancia psicosocial.
A esa monumentalidad, a ese espíritu del monumento como cita histórica, es que hay que hacer referencia hablando de Jesús Tenreiro. Se ha mencionado con toda razón los vínculos estrechos de la obra proyectada o construida de Tenreiro con un maestro como Louis Kahn. En efecto, Jesús, con su excepcional respeto por la dimensión creadora, es de los que se apegan a ideas y a obras que poseen un ámbito entero y sagaz. Es éste el caso de Le Corbusier y luego de L. Kahn. Más tarde, su propio proceso personal lo llevará a encontrar modalidades más específicas y características particulares, tal y como en efecto ha ocurrido.
• ¿Qué es lo que define la arquitectura de Jesús Tenreiro? Podría decirse que el aspecto que más llama la atención es su entrega a la arquitectura como oficio sagrado y su capacidad de transformar la necesaria atención a los problemas funcionales, en un acto de invención formal, absoluto y decisorio, hasta desprender de manera radical el objeto final, perfecto en su apariencia exterior e interior, de las razones prácticas iniciales que le dieron origen. Puede afirmarse que para Jesús Tenreiro, la arquitectura que cuenta es la que permanece, la que se convierte en memoria y signo para todos. En suma, la que entra en la historia y ahí se queda.
Es esta capacidad de elevarse por encima de lo que podría llamarse la “normalidad”, mediante los recursos de unas formas claramente referidas a paradigmas arquetípicos substanciados en una literatura y una experiencia filosófica y psicoanalítica, lo que le otorga todo el atractivo a sus proposiciones arquitectónicas, y tal vez explica también las dificultades de realización que ha encontrado en numerosas ocasiones.
Jesús Tenreiro evidentemente es un arquitecto en espera del cliente que se lo merezca. De un cliente -cuasi mecenas- que entienda el valor trascendental de sus sueños.
Ojalá que algún día lo encuentre, porque el país también merece una obra suya más abundante.
Es por todo ello que este premio no sólo es merecimiento pleno, sino que además apunta hacia el reconocimiento de una manera de entender y de hacer arquitectura, que excede el simple fenómeno del diseño adecuado a la función material. Más que responder a compromisos ideológicos o programáticos, Jesús Tenreiro ha escogido un camino estrictamente personal y difícil. Lo guían, un convencimiento admirable y unas normas de intransigencia poco comunes.
En un mundo blando y ordinario como el nuestro, donde el cinismo se casa todos los días con el oportunismo, es justo resaltar este celo adusto y apasionado por la arquitectura que signa la vida de Jesús Tenreiro.
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Nota
Si bien la obra de Jesús Tenreiro ha sido recogida en numerosas reseñas y de manera amplia y minuciosa en la publicación Jesús Tenreiro-Degwitz. Arquitectura. Edificios y Proyectos (1954-2007) de Rafael Urbina Pacini (2023) su pensamiento, denso y cultivado, sobre el cual él directamente poco escribió, sólo puede encontrarse esparcido en las entrevistas que fue concediendo en vida. De ellas vale la pena resaltar la realizada por Gonzalo Castellanos publicada en el periódico CAL, nº 42, (1959); las respuestas que da a Francesco Simonelli aparecidas en Arquitectos y Obras, nº 7, 8 y 9, Universidad José María Vargas (1996); la que Gabriel Visconti tituló “Tal hombre, tal drama, tal arquitectura. Jesús Tenreiro”, revista entrerayas (2005); y la que quizás sea la más importante: el intercambio sostenido vía correo electrónico con Carlos Brillembourg de otoño de 2001 a finales del verano de 2002 recogida en la revista estadounidense BOMB nº 86 (2004).
Capítulo aparte lo constituye la serie de ocho entregas “Jesús Antonio” que su hermano Oscar le dedica dentro del blog “Entre lo cierto y lo verdadero”, valioso registro testimonial aparecido entre el 16 de febrero y el 28 de abril de 2025, que consideramos de lectura obligatoria para completar una visión global sobre la persona, la familia, la formación, el talento, las lecturas, las preocupaciones teóricas y el compromiso de Jesús con la arquitectura.
ACA
Procedencia de las imágenes
1. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad
2, 3, 4 y 5. Rafael Urbina Pacini. Jesús Tenreiro-Degwitz. Arquitectura. Edificios y Proyectos. 1954-2007 (2023)
CONTACTO FAC 418
TAL DÍA COMO HOY…
…1 de junio, en 1935, nació el renombrado arquitecto británico Norman Foster. También, en 1941, vino al mundo el no menos laureado arquitecto japonés Toyo Ito.
La poco frecuente coincidencia en el día de nacimiento de dos de los más importantes arquitectos contemporáneos, Norman Robert Foster y Toyo Ito (en japonés Itō Toyo-o), acreedores ambos del Premio Pritzker y con una fructífera carrera profesional, nos puede permitir, no sólo hacer un repaso somero de sus respectivas trayectorias, sino intentar mostrarlas comparativamente gracias a los contrastes existentes en el desarrollo de cada una y en la manera de entender, concebir, materializar y expresar su arquitectura.
Aunque la diferencia de edad no es tan marcada (Foster arriba hoy a los 90 años mientras Ito llega a los 84), sin duda los contextos socio-económico-políticos que caracterizaron el momento en que nacen, las condiciones familiares y formativas que los rodean y las culturas a las que pertenecen, no dejan de ofrecer un buen patrón de referencia para establecer algunas coincidencias y muchas distancias entre ellos.
Foster, hijo único, nació en Reddish, a 3,2 km al norte de Stockport, antiguamente parte de Lancashire, Reino Unido. Muy pronto la familia se mudó a Levenshulme, un suburbio de bajos ingresos vecino de Manchester. Su padre era pintor de máquinas en la fábrica Metropolitan-Vickers de Trafford Park y su madre trabajaba en una panadería local y, teniendo que laborar todo el día, el pequeño Norman a menudo quedaba bajo el cuidado de vecinos y familiares. Bajo tales condiciones las probabilidades de que desarrollara una carrera en cualquier profesión eran muy remotas.
Ito, nació en Seúl, actual Corea del Sur, en ese momento ocupada por Japón. Su padre era un hombre de negocios (presidente de una filial textil de Mitsui & Co.) con un interés especial en la cerámica temprana de la dinastía Yi de Corea y las pinturas de estilo japonés. En 1943, Ito, su madre y sus dos hermanas mayores regresaron a Japón. Dos años después, también lo hizo su padre, y todos vivieron en la zona rural de Shimosuwa, prefectura de Nagano. Ito ha declarado que la experiencia de vivir junto al lago Suwa y la tranquilidad de sus aguas influyeron enormemente en su carrera como arquitecto.
Ambos, Foster e Ito, siendo niños, vivieron bajo diferentes perspectivas el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial dada la opuesta vinculación de sus países natales en el conflicto. También les correspondió formarse durante la dura posguerra que ambas naciones transitaron.
A Foster, quien asistió a la Burnage Grammar School for Boys en Burnage de Manchester, siempre lo acompañó su afán de superación dada su procedencia y de allí la necesidad de trabajar en diferentes oficios desde muy joven para colaborar con la familia y sufragar sus estudios. Al igual que a Ito (más holgado desde el punto de vista económico), sus primeras inclinaciones estuvieron dirigidas a estudiar ingeniería manifestando una particular atracción por el diseño aeronáutico y automovilístico, encauzándose hacia la arquitectura por su gran habilidad para dibujar la cual develó cuando fue asistente de un gerente de contratos en el estudio de arquitectura local, John E. Beardshaw and Partners.
Ito, por su parte, pudo despertar su vocación influido por su abuelo maderero y la afición de su padre por dibujar planos para las casas de sus amigos y, particularmente, por haber vivido cuando cursaba el primer año de secundaria, el episodio en que su madre le pidió al arquitecto modernista Yoshinobu Ashihara, quien acababa de regresar a Japón desde Estados Unidos, donde trabajaba en la oficina de Marcel Breuer, que le diseñara su casa en Tokio.
Foster, según Wikipedia, “en 1956 comenzó a estudiar en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Victoria de Manchester. No cumplía los requisitos para una beca de manutención, por lo que aceptó trabajos a tiempo parcial para financiar sus estudios, incluyendo puestos de vendedor de helados, portero y turnos de noche en una panadería. Durante este tiempo, también estudió en la biblioteca local de Levenshulme. (…) Tras graduarse en 1961, Foster obtuvo la beca Henry para la Escuela de Arquitectura de Yale en New Haven, Connecticut, donde conoció a su futuro socio Richard Rogers y obtuvo su maestría. Por sugerencia del historiador de arte de Yale Vincent Scully, la pareja viajó por Estados Unidos durante un año para estudiar arquitectura”.
También según Wikipedia, Ito, luego de un primer intento no exitoso para ingresar a la Universidad de Tokio, pudo matricularse en 1961 “y eligió arquitectura como su campo de especialización en su segundo año solo porque sus calificaciones del primer año no fueron buenas. Originalmente (como ya se adelantó), pretendía estudiar ingeniería mecánica o eléctrica. En ese momento, Kenzo Tange era profesor del departamento de arquitectura de la universidad, mientras que Arata Isozaki, Sachio Otani y Kisho Kurokawa eran sus alumnos. Ito se graduó del departamento de arquitectura de la Universidad de Tokio en 1965”.
De regreso en 1963 de los Estados Unidos, Foster “fundó su propio estudio de arquitectura, Team 4, junto con Rogers, Su Brumwell y las hermanas Georgie y Wendy Cheesman Entre sus primeros proyectos se encontraba Cockpit, una burbuja de cristal minimalista instalada en Cornualles, cuyas características se convirtieron en un tema recurrente en los proyectos futuros de Foster. Tras la separación de los cuatro en 1967, Foster y Wendy fundaron un nuevo estudio, Foster Associates. De 1968 a 1983, Foster colaboró con el arquitecto estadounidense Richard Buckminster Fuller en varios proyectos que se convirtieron en catalizadores del desarrollo de un enfoque de diseño respetuoso con el medio ambiente, como el Teatro Samuel Beckett en el St Peter’s College de Oxford”.
Ito, “tras trabajar para Kiyonori Kikutake Architect and Associates de 1965 a 1969 (junto con Itsuko Hasegawa ), en 1971 abrió su propio estudio en Tokio, llamado Urbot («Urban Robot»). En 1979, el nombre del estudio cambió a Toyo Ito & Associates. (…) A lo largo de sus inicios profesionales, Ito construyó numerosos proyectos de viviendas particulares que reflejaban aspectos de la vida urbana en Japón. Sus primeras contribuciones conceptuales más destacadas se realizaron a través de proyectos de esta envergadura, como White U (1976) y Silver Hut (1984)”, ambas ubicadas en Tokio.
Observando como encaminaron sus respectivas trayectorias profesionales, encontramos que Foster, se fue labrando un camino caracterizado por la presencia de la alta tecnología trazado a través de proyectos de edificios industriales, que luego tendría su imagen más acabada a través del diseño de aeropuertos y de edificios de oficina. Obras pioneras como el centro administrativo y de ocio para Fred. Olsen Lines con sede en London Docklands (1969) seguido, en 1970, por el primer edificio de oficinas inflable del mundo para Computer Technology Limited cerca de Hemel Hempstead, y en 1974 por la finalización de la sede de Willis Faber & Dumas en Ipswich, fijarán una línea que tendrá en el Sainsbury Centre for Visual Arts (1978), el Edificio Principal del HSBC en Hong Kong (1978-1985), el Centro de distribución de Renault en Swindon, Reino Unido (1981), la nueva terminal en el Aeropuerto Stansted de Londres (1991) y como caso especial la Carre d’Art, Nimes, Francia (1984-1993), sus momentos culminantes y el comienzo de su proyección internacional como uno de los principales representantes del “high tech”, transformando el concepto del oficio de arquitecto en su país.
Ito, por su parte, basó en la experiencia iniciada a través del diseño de pequeñas viviendas unifamiliares una exploración que, con el tiempo, lo convirtieron en uno de los arquitectos más innovadores e influyentes del panorama arquitectónico internacional. Así, con los proyectos de viviendas para la mujer nómada de Tokio Pao I y Pao II (1985 y 1989), Ito presentó mediante una arquitectura ligera y efímera todo un manifiesto y un escenario ilustrativo de los estilos de vida típicos durante el período de la economía de burbuja en Japón, en el que la mayoría de las funciones domésticas se disuelven en la metrópoli, mientras que la unidad viva se convierte en una entidad reducida que sólo proporciona un refugio mínimo y el acceso a la red informativa.
La Torre de los Vientos (1986) en Yokohama y el Huevo de los Vientos (1991) en River City 21, Tokio, otros proyectos emblemáticos e indicativos de su enfoque sobre la arquitectura denotan, por un lado, su particular creencia en la importancia de la tecnología y su papel vital en el futuro de la arquitectura y, por el otro, su diálogo interactivo con la ciudad estableciendo una relación simbólica directa entre la naturaleza y la instalación. “Si bien su función es, de hecho, servir de salidas de aire para el sistema subterráneo, su importancia reside en el tratamiento que Ito da a su opacidad, uno de los sellos distintivos de su obra. Aunque parecen sólidas durante el día, las estructuras de aluminio perforado se disuelven por la noche mediante sistemas de iluminación controlados por ordenador que forman una pantalla interactiva que representa datos medidos, como los niveles de ruido en su entorno”.
Habiendo copado el interés durante finales del siglo XX y comienzos del XXI con proyectos como la London Millennium Tower (1996) -con el antecedente de la Millennium Tower de Tokio (1989) que sería el rascacielos más alto del mundo- finalmente devenida en el 30 St Mary Axe (conocido popularmente como «the gherkin» o “el pepinillo”, debido a su forma, 2004); la Cúpula del Reichstag, Berlín (1999); el London Millennium Bridge (1996-2000); el Viaducto de Millau, en el sur de Francia (2004, considerado el puente más alto del mundo); o el edificio para la sede corporativa de Apple Inc. (Apple Park, 2006-2017, ubicado e Cupertino, California), hoy en día, con una generación de relevo que ha tomado las riendas en cuanto a ocupar primeras planas y generar tendencia, Foster a los 90 años se mantiene sorprendentemente activo.
Famoso, adinerado y transformado en miembro del jet-set internacional dada su condición de lord, Norman Foster hoy lidera pero a la vez se diluye dentro Foster + Partners, la firma transnacional que ha logrado consolidar, nacida en 1999 (sustituyendo a Foster Associates fundada, como ya se dijo, en 1967), con presencia en, al menos, 10 países y sucursales en 16 ciudades en las que cuenta con más de 1000 empleados, a la que se suma desde 2017 la Norman Foster Foundation con sede en Madrid que “fomenta el pensamiento y la investigación interdisciplinar para ayudar a nuevas generaciones de arquitectos, diseñadores y urbanistas a anticiparse al futuro”, se muestra hoy como un claro ejemplo de arquitectura corporativa y de estandarte de la globalización, en donde la diversidad de encargos (en cuanto a escalas, tipologías y localizaciones) y la necesidad de delegar decisiones hace imposible determinar un comportamiento claro y coherente, permitiéndose sólo hablar de preocupaciones generales en torno a la sostenibilidad, el cambio climático, el ahorro energético y el uso de tecnologías que las acompañen y no ya del sello distintivo propio de los primeros encargos recibidos en los ya lejanos años 1960. Hoy Foster + Partners, podría decirse, transmiten más bien una cuidada imagen de marca más comprometida con la modernidad y el desarrollo sustentable, lo cual no es poco.
Ito, por su parte, quien acumula a través de Toyo Ito & Associates, Architects (fundada en 1979 como sucesora, como ya se mencionó, de su primer estudio propio llamado Urban Robot -URBOT- creado en 1971), la nada despreciable cifra de más de 100 proyectos realizados (muy alejada, sin embargo, de los casi 500 esparcidos los cinco continentes que acumula Foster + Partners), sin dejar de mostrar encargos solicitados desde Taiwan, México, Singapur, Suiza, España, Chile, Francia, Países Bajos, Bélgica, Alemania e Inglaterra, ha concentrado su producción fundamentalmente en Japón donde tiene su sede y centraliza su actividad, la cual, valga decirlo, ha disminuido en los últimos años.
Su producción de entre siglos, en la que se ha perdido la frescura y desparpajo de sus primeros trabajos de los años 70 y 80, pero que sin embargo explora con agresividad el potencial de las nuevas formas buscando condiciones espaciales que manifiesten la filosofía de los seres sin fronteras, ha asimilado preocupaciones por la sostenibilidad y tiene, a diferencia de Foster, un carácter que permite reconocer la mano de su creador. Convendría en este sentido señalar: el Nagaoka Lyric Hall (1994), el Pabellón temático del Futuro de la Salud para la Expo 2000 en Hannover, la emblemática Mediateca de Sendai (2001), el Pabellón temporal de la Serpentine Gallery en los jardines de Kensington, Londres (2002), la Biblioteca de la Universidad de Tama, Tokio (2007), el Estadio de los Juegos Mundiales en Kaohsiung, Taiwán (2008), el Teatro Nacional de Taichung, Taiwán (2014), el Museo Internacional del Barroco, Puebla, México (2016) y, más recientemente, el proyecto para el Museo Hermitage en Barcelona (2020).
Destacan, sin embargo, los proyectos en su país natal, que se acentuaron tras el terremoto y tsunami del 11 de marzo de 2011 en los que Ito junto a un grupo de arquitectos japoneses (Kumiko Inui, Akihisa Hirata y Sou Fujimoto así como Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa -SANAA-) llegaron a desarrollar el concepto de un espacio comunitario denominado «Hogar para todos» (Home-for-all) destinado a los supervivientes donde, según sus palabras, “Una zona de desastre, donde todo se pierde, nos ofrece la oportunidad de reflexionar, desde cero, sobre lo que realmente es la arquitectura”.
Valga añadir que la oficina de Toyo Ito es conocida como un centro de formación para jóvenes arquitectos con talento. Entre los arquitectos que trabajaron anteriormente en su oficina se encuentran Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA), Astrid Klein y Mark Dytham (KDa), Katsuya Fukushima, Makoto Yokomizo y Akihisa Hirata. Así, en la línea de la preocupación de Ito por la educación resalta su labor docente y su intervención en el Toyo Ito Museum of Architecture en Omishima (2011), el cual es un espacio donde jóvenes arquitectos se reúnen para aprender y trabajar.
Tal vez sea relevante apuntar, como otro parámetro de comparación sobre el comportamiento de ambas oficinas, que lo registrado por Foster + Partners para los años 2023-2024 como proyectos ejecutados es el equivalente a lo hecho por Toyo Ito & Associates a lo largo de toda la década que va de 2010-2020.
Foster e Ito acreedores ambos del Premio Pritzker lo recibieron, el primero, en 1999 (edición nº 21) a los 64 años, y el segundo en 2013 (edición nº 35) con 72. También les ha sido conferida a ambos la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects (1983 y 2006, respectivamente). Así mismo, han sido invitados como profesores y conferencistas en diversas universidades y escenarios alrededor del mundo.
Foster, en lo particular, ha obtenido, entre otros, el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe (1990), la Medalla de Oro del American Institute of Architects (1994), la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura (1991) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2009), También fue nombrado caballero por la Reina Isabel II en 1990 y posteriormente se le concedió el título nobiliario de Lord Foster of Thames Bank en 1999.
Ito ha obtenido, entre otros, el Premio Frederick Kiesler de Arquitectura y Arte (2008), el Praemium Imperiale (2010), el León de Oro a la Mejor Participación Nacional en la Bienal de Arquitectura de Venecia (2012), la Medalla Thomas Jefferson (2014), la Medalla de Oro de la UIA (2017).
Para cerrar, podríamos decir que mientras Foster ha desarrollado su capacidad para expresar a través de croquis y dibujos sus ideas sobre arquitectura (expuestos en diversas ocasiones y publicados en hermosas ediciones), Ito ha demostrado su talento descubriendo las oportunidades que cada encargo trae consigo.
Si Foster declara acerca de su experiencia profesional que: “Desde el principio, nuestra práctica se basó en una filosofía de innovación, sostenibilidad y diseño. Seguimos aprendiendo del pasado y afrontando creativamente los retos del futuro, con la firme convicción de que el buen diseño marca la diferencia”; sobre su continua curiosidad y afán de crecer: “Cada vez que he pilotado una aeronave, o visitado una siderúrgica, o observado a un chapista trabajando, he aprendido algo nuevo que se puede aplicar a los edificios” y que “Como arquitecto, diseñas para el presente, con una conciencia del pasado, para un futuro que es esencialmente desconocido”; de Ito cabe resaltar la siguiente reflexión acerca de sus ideas generales sobre la arquitectura extraída de la conferencia Kenneth Kassler que pronunció en la Universidad de Princeton en 2009: “El mundo natural es extremadamente complejo y variable, y sus sistemas son fluidos: se construye sobre un mundo fluido. En contraste, la arquitectura siempre ha buscado establecer un sistema más estable. Para simplificar, podríamos decir que el sistema de cuadrícula se estableció en el siglo XX. Este sistema se popularizó en todo el mundo, ya que permitió la construcción de una gran cantidad de arquitectura en poco tiempo. (…) Sin embargo, también homogeneizó las ciudades del mundo. Incluso podría decirse que homogeneizó a las personas que viven y trabajan allí. En respuesta a eso, durante los últimos diez años, modificando ligeramente la cuadrícula, he intentado encontrar una manera de crear relaciones que acerquen los edificios a su entorno”.
ACA
Procedencia de las imágenes
1. AD25 (https://www.admagazine.com/articulos/norman-foster-apuesta-mas-que-nunca-por-el-futuro); y rtve (https://www.rtve.es/noticias/20130317/japones-toyo-ito-premio-pritzker-arquitectura-2013-por-su-innovacion-conceptual/619500.shtml)
2. Wikipedia. Reddish (https://en.wikipedia.org/wiki/Reddish)
3. Tripadvisor. Lake Suwa (https://www.tripadvisor.com.ve/Attraction_Review-g298117-d1424782-Reviews-Lake_Suwa-Nagano_Prefecture_Koshinetsu_Chubu.html#/media/1424782/?albumid=-160&type=ALL_INCLUDING_RESTRICTED&category=-160)
4. Manchester History Revisited (https://www.facebook.com/photo.php?fbid=452964211465229&id=447693891992261&set=a.452964164798567)
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9. Wikipedia. Team 4 (https://en.wikipedia.org/wiki/Team_4)
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27. Norman Foster Foundation (https://normanfosterfoundation.org/)
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31. Biblioteca de la facultad de arte de la Universidad de Tama (https://www.archdaily.cl/cl/707037/biblioteca-de-la-facultad-de-arte-de-la-universidad-de-tama); y Architectuul. (https://architectuul.com/architecture/kaohsiung-stadium)
32. EPdLP (https://www.epdlp.com/edificio.php?id=4794); y Museo Internacional del Barroco / Toyo Ito (https://www.archdaily.cl/cl/786108/museo-internacional-del-barroco-toyo-ito-and-associates?ad_medium=gallery)
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34. designboom (https://www.designboom.com/architecture/toyo-ito-home-home-for-all-11-29-2018/)
35 y 36. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad
37. Planner5d (https://planner5d.com/blog/es/norman-foster-obras/); y ElMundo.es Multimedia (https://www.elmundo.es/albumes/2009/09/01/norman_foster/index.html)
38. AV (https://arquitecturaviva.com/articulos/la-fase-gaseosa)
Fundación Arquitectura y Ciudad 
