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TAL DÍA COMO HOY…

… 6 de noviembre, en 1825, nace Charles Garnier.

Jean Louis Charles Garnier, nacido en París tal día como hoy en 1825 y fallecido en la misma ciudad el 3 de agosto de 1898, encierra en su biografía todo el intenso, rico y polifacético debate que se dio dentro de la profesión y educación arquitectónica francesa durante el siglo XIX de la cual fue importante protagonista.

De origen humilde (llega al mundo y transcurre su infancia en la popular Rue Mouffetard), su familia, artesanos de profesión, se dedicaba al negocio de los carruajes. En particular, su padre, Jean André Garnier, originario de Sarthe, departamento de la región francesa de Pays de la Loire, había trabajado como herrero, carretero y carrocero antes de establecerse en París para trabajar en una empresa de alquiler de carruajes tirados.

La intuición de sus progenitores orientó al frágil y talentoso Charles (desde niño se manifestó como un dibujante muy dotado), a seguir un camino diferente al de continuar con el negocio familiar. Es así como ingresa en L’École Gratuite de Dessin de L’École de Medicine para luego, en 1840, trabajar con el arquitecto Leveil y casi de inmediato convertirse en aprendiz de Louis-Hippolyte Lebas. También se registra su participación como dibujante en el estudio de Eugène Viollet-le-Duc quien enseñó composición ornamental en L’École Gratuite de Dessin entre 1834 y 1850.

1. Ruinas y dibujos del templo de Aphaia en Egina, cerca de Atenas (comienzos del s.VI a.C).
2. Izquierda: Foro Trajano, Roma (107-112 d.C). Derecha: Templo de Vesta en Tivoli (siglo I d.C).

Garnier pasará luego a ser estudiante a tiempo completo de L’École de Beaux Arts de París a partir de 1842. Durante su estancia entre 1842 y 1848 concurrió dos veces al Grand Prix de Rome antes de lograr un primer premio a la edad de 23 años con su proyecto de fin de carrera titulado «Un conservatoire des arts et métiers, avec galerie d’expositions pour les produits de l’industrie» (Un conservatorio de artes y oficios con una galería de exposición para productos industriales), lo que le valió para obtener una pensión en L’Académie de France de Rome del 17 de enero al 31 de diciembre de 1849, cosa que pudo prolongar hasta 1852 gracias a los numerosos y ambiciosos envíos que iba haciendo donde puso a prueba su capacidad de trabajo. Entre ellas se encontraban las restauraciones del Foro Trajano y el Templo de Vesta en Tivoli. Durante su estancia en Grecia envió 11 hojas del Templo de Aphaia en Egina cerca de Atenas una restauración decididamente polícroma, según sus hallazgos, lo cual le proporcionó el tema de su presentación de cuarto año, exhibida en el Salón de París en 1857.

Como se nos muestra en https://www.ecured.cu/Charles_Garnier, antes de su regreso a Francia en 1955 “viajó por Turquía y visitó Constantinopla con el famoso literato Theophile Gautier; después se asentó en el reino de Nápoles y Sicilia. Conservó toda su vida los recuerdos de esta época, y su entusiasmo por la arquitectura sículo-normanda; vivía también de su capacidad de dibujar: y dibujó para el Duque de Luynes algunos de los monumentos angevinos de Nápoles como ilustración para un libro (nunca publicado)”. Y se añade cómo Garnier desde muy joven poseía “una imaginación fértil, inclinada al exotismo y la fantasía y que acrecentó con sus viajes; demostró una capacidad envidiable para ingeniar ornamentos y decoraciones”.

De regreso a París “por entonces carecía de relaciones y de clientes; y se mantuvo con pequeños trabajos administrativos al tiempo que intentaba darse a conocer con sus ilustraciones arquitectónicas…. Finalmente, en 1860, obtuvo el puesto de arquitecto en los distritos 5 y 6 de Paris, con un sueldo aceptable, que le permitiría vivir, pero que se consideraba incompatible con el trabajo particular”.

3. Antigua ópera ubicada temporalmente en la calle Le Peletier.
4. Plan esquemático de Haussmann para la Renovación de París. El sitio de la Ópera de Garnier está resaltado con un círculo rojo. Las nuevas calles propuestas están marcadas con una línea negra gruesa y las áreas rayadas representan nuevos distritos.
5. Planta del trazado de la avenida de la Ópera según la Ley de 1850.

Justamente en 1860 se le abrirán las puertas que le permitirían realizar una de las obras más trascendentes e influyentes dentro de la arquitectura francesa del siglo XIX, cuando se inscribió para participar en el concurso para el Gran Teatro de la Ópera de París, abierto en su primera etapa entre el 29 de diciembre de aquel año y 31 de enero de 1861.

El concurso se convocó con la finalidad de sustituir el antiguo teatro de la calle Le Peletier que se había construido como teatro temporal en 1821 cuyo acceso resultaba muy incómodo. Un intento de asesinato de Napoleón III en la entrada al recinto el 14 de enero de 1858, aceleró la realización de un nuevo teatro de ópera con una entrada separada y más segura para el jefe de estado. Se dice que el concurso fue idea de la Emperatriz, que esperaba lo ganara su arquitecto favorito: Eugène Viollet-le-Duc.

Garnier, uno de los 169 participantes en la primera fase del concurso cuyos trabajos fueron expuestos para consideración el jurado y el público en el Palacio de la Industria en febrero de 1861, alcanzó el quinto premio y fue uno de los siete finalistas seleccionados para la segunda fase. Para esta instancia, mucho más rigurosa que la primera, los concursantes debían revisar sus proyectos originales con base en un programa de 58 páginas, escrito por el director de la Ópera, Alphonse Royer, que los participantes recibieron el 18 de abril. Las nuevas presentaciones fueron enviadas al jurado a mediados de mayo, y el 29 de mayo resultó seleccionado el proyecto de Garnier (del que siempre se guardaron dudas sobre la posibilidad de su realización) por sus «cualidades excepcionales y superiores en la hermosa distribución de los planos, el aspecto monumental y característico de las fachadas y secciones».

6. Litografía de autor desconocido del Teatro de la Ópera de París en todo su esplendor.
7. Teatro de Ópera de París. Planta.
8. Teatro de Ópera de París. Secciones en perspectiva.

Como nos aclara Alejandro Hernández Gálvez en “El efecto Garnier” artículo publicado en https://arquine.com/el-efecto-garnier/: “Adolphe Lance, redactor de la Encyclopédie d’architecture pensaba que la mayoría (de las propuestas) se inspiraban demasiado en características de la arquitectura de la antigüedad. Lance, que había sido alumno de Viollet-le-Duc, no menciona el proyecto de su maestro quien, según Bouvier, venía trabajando en un proyecto que pudiera sintetizar sus teorías acerca de una arquitectura funcional. Pero el proyecto de Viollet-le-Duc no quedó ni siquiera entre los cinco finalistas…El 6 de junio de 1861, el conde Alexandre Walewski, encargado de la dirección de Bellas Artes del Imperio, le avisó a Garnier de su triunfo en una carta: ‘Señor, habiendo el jurado del concurso de la Ópera elegido por unanimidad el proyecto que usted presentó, le anuncio, que por decreto del día de hoy, usted es nombrado arquitecto de la nueva sala de la Ópera y estará a cargo del estudio del proyecto definitivo y de la dirección de los trabajos de construcción. Estoy contento, Señor, de expresarle mis felicitaciones’”.

El teatro desde que se iniciaron las obras de cimentación en 1861 y es colocada la primera piedra el 21 de julio de 1862 por el conde Walewski, se convirtió en punta de lanza y efecto demostrativo de la bonanza económica del Segundo Imperio, materializada con las intervenciones del Barón de Haussmann en la capital quien, como se sabe, la transformó demoliendo buena parte de su trama medieval, abriendo toda una red de calles y bulevares cuyo verdadero objetivo, como señalara Walter Benjamin, no era otro que “asegurar a la ciudad contra la guerra civil impidiendo la erección de barricadas en las calles de París”. Como también apunta Hernández Gálvez, sería Haussmann a quien Napoleón III, junto a la apertura de las nuevas calles, le encargaría planear la construcción del nuevo teatro para la ópera para el que terminó escogiendo el sitio en 1858 “guiado probablemente más por la visión general que tenía de la ciudad que por sus condiciones específicas, pues eligió un lugar justo por encima de un manto freático”, lo cual acarrearía graves dificultades que demoraron significativamente su finalización hasta 1875.

9. Fotografía del momento en que se realizaban las obras de cimentación de la Ópera de París (c.1861)
10. Programa e imagen del día de la inaguración de la Ópera el 5 de enero de 1875.
11. El interior de la sala.
12. El espacio de la escalera y la planta superior.

Sin duda, el “efecto Garnier” produjo un impacto importante no sólo en la vida social de la ciudad, sino en la arquitectura que protagonizó la reconstrucción de buena parte de París a raíz de las intervenciones “hausmanianas”. En cuanto a lo primero, tal y como señalaran Dubech y d’Espezel en su Histoire de Paris de 1926 (citados por Benjamin y a su vez por Hernández Gálvez), la Ópera “era el escenario en el que el París imperial podría verse a sí mismo satisfecho. Los recién llegados al poder y al dinero, mezclas de elementos cosmopolitas —esto era un nuevo mundo y exigía un nuevo nombre: la gente ya no hablaba de la Corte, sino del Tout Paris, todo el París de moda… Era un teatro concebido como un centro urbano, un centro de la vida social —esto era una nueva idea y un signo de los tiempos”.

En relación a lo segundo, será la propia construcción del edificio aunado a la publicación en 1871 por parte de Garnier del libro Le Théatre (dedicado a Francisque Sarcey) lo que ocasionará la apertura de un debate en torno a algunos conceptos canónicos dentro de la enseñanza académica que se verían refrescados por un nuevo enfoque. Ello impactaría directamente los diseños del Grand Prix de Rome a partir de 1863 y a lo largo de toda esa década, cuyos ganadores apelarán tanto a la copia de motivos ornamentales como la adopción de principios compositivos de la Ópera.

Cuando Garnier publica su libro, estructurado en una serie de reflexiones sobre teatros en general, admitiendo que esto fue un argumento para su propio diseño, enfocará su mirada ya no en términos de geometría abstracta (como lo haría Viollet-le-Duc), sino más bien desde el espectador que atiende a un espectáculo y hacia aspectos estrictamente funcionales los cuales permitieron a partir de entonces incorporar al teatro como un tipo de edificación que podía ser perfectamente “caracterizable” en función de la adecuación al uso al que estaba destinada. Las partes que lo conforman son: «Prefacio»; un bloque de 21 apartados titulados “Utilidad de los teatros”, “Accesos cubiertos”, “Vestíbulos”, “Escaleras”, “Foyers y galerías”, “Cámaras del Jefe de Estado”, “Salas y dependencias”, “Encendido de la sala”, “Acústica”, “Calefacción y ventilación”, “Telón del teatro”, “Escenario”, “Maquinaria teatral”, “Logias en el teatro”, “Encendido del escenario”, “Departamento de decoración y montaje”, “Administración y servicios diversos”, “Cuerpo de bomberos”, “Luces”, “Alrededores del teatro”, “Arquitectura de teatros”; y, al final, “Conclusión” y “Apéndices”.

13. Le Théatre, Charles Garnier, 1871.

David T. Van Zanten en “Composición arquitectónica en la Ecole des Beaux-Arts. De Charles Percier a Charles Garnier”, artículo publicado en el volumen The Architecture at the Ecole des Beux-Arts, Editado por Arthur Drexler en 1977 como Catalogo de la exposición homónima realizada en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1975, señala cómo Garnier “habitaba en un mundo de teóricos de la arquitectura y de ahí que formulara una defensa para su arquitectura en términos de mise en scène (puesta en escena) y lo confortable. Al final de Le Théâtre, escribió lo que para él era las reglas básicas de la arquitectura, el principio de ‘la razón y la sinceridad’ estaba citado al principio de su ensayo: los volúmenes exteriores deben expresar perfectamente los espacios interiores”.

Como respaldo y para ilustrar asuntos fundamentales dentro de la manera cómo Garnier veía las cosas valgan algunas citas extraídas del ya mencionado libro:

  • “Con respecto a la decoración como tal, y en relación a qué estilo adoptar, no hay otra guía más que la inspiración y voluntad de quien está diseñando el edificio: el arte decorativo tiene tal libertad que es imposible sujetarlo a reglas fijas”. Lo que se complementa con respuesta que diera a la emperatriz Eugenia cuando le preguntó en qué estilo se iba a hacer la Ópera, a lo que Garnier respondió: «¡Por qué señora, en Napoleón Trois, y usted se queja!».
  • “Pongan dos o tres personas juntas e inmediatamente el teatro ya existe. Dos hablan entre sí y se vuelven actores, un tercero los mira y escucha, es el espectador; lo que se dice es la prosa, el lugar donde se mantiene la conversación es el escenario… en definitiva, todo lo que pasa en el mundo no es más que teatro y representación… Ver y ser visto, escuchar y ser escuchado, eso es el inevitable círculo de la humanidad; ser autor o espectador, ese es el fin y al mismo tiempo los medios”.
  • “En efecto, no hay ninguna regla inmutable y definitiva que lleve al bien y a la belleza y, salvo algunos grandes preceptos que sirven de base al arte, lo demás no es sino impresión, intuición, gusto personal e imaginación. Como el resto de los monumentos, los teatros no pueden construirse matemáticamente basándose en datos positivos, sino que cada uno implica a su manera la gran solución artística.”
  • “El ‘yo’ no es una palabra tan odiada como gusta decir que es y, después de todo, prefiero el uso directo de la primera persona a el ‘yo’ disfrazado de varios escritores. En asuntos de ciencia y teoría, es la personalidad… la que abre la mente a la pasión, si un autor habla o un pensador escribe lo dicho gana o pierde fuerza dependiendo de la individualidad de sus autores”.

Tras lo expuesto, no es casual que Pere Hereu, Josep María Montaner y Jordi Oliveras en Textos de arquitectura de la modernidad (1999) hayan ubicado la experiencia que giró en torno a la Ópera de Paris, junto al texto elaborado por Garnier (que se complementaría años después con Le Nouvel Opéra de Paris, 1878-80), como elemento que conforma la primera parte del libro (“En los inicios de la modernidad”) y más específicamente del capítulo 1 (“Reformulación de la tradición clásica”).

Mucho se ha dicho que la participación de Garnier en el concurso para la Ópera fue la gran ocasión de su vida, manifestando él mismo que la fortuna le había sonreído. Hoy no sería exagerado afirmar que la fortuna sonrió a la ciudad de París al tenerle allí como arquitecto en ese momento. Después de la inauguración en 1875, el talentoso arquitecto siguió completando el edificio en detalles menores; y se encargó de la construcción del gran depósito de decorados, que hubo de reedificar más tarde tras un incendio, con la ayuda de Gustave Eiffel.

14. Charles Garnier. Izquierda: Villa Garnier en Bordighera, su casa de vacaciones en la Riviera italiana (1872-1873). Derecha: Casino de Monte Carlo (1874)
15. Charles Garnier. Izquierda: Observatorio astronómico de Niza (1879). Derecha: Ópera de Monte Carlo (1879)

La celebridad que Garnier obtuvo por esta obra (no olvidemos que también se le conoce como el “Palais Garnier”) oscurece la relevancia de sus posteriores edificios públicos y residencias. Sin embargo creemos necesario al menos mencionar algunos: la Villa Garnier en Bordighera, su casa de vacaciones en la Riviera italiana (1872-1873); la Gran Sala de Conciertos del Casino de Montecarlo (1876-1879, remodelada desde entonces como la Ópera de Montecarlo) y la Salle de Jeu Trente-et-Quarante (1880-81), ambas en la Place du Casino de Montecarlo; el Observatorio Astronómico de Niza (1879-1888); el Cercle de la Librairie en París (1878-1880); el Hôtel Hachette en París (1878-1881); el Panorama Marigny en París (1880-1882, hoy Teatro Marigny); y su última obra, el Magasin (almacén) de Décors de l’Opéra en la rue Berthier de París (1894-1895, hoy los Ateliers Berthier del Odéon-Théâtre de l’Europe).

Garnier, quien no ejerció la docencia, fue nombrado en 1874 miembro del Institut de France en la sección de arquitectura de la Academie des Beaux Arts.

En 1990 la ópera se trasladó a la Bastilla y desde entonces el edificio de Garnier alberga el Ballet de la Ópera de París.

16. Dibujos provenientes del libro Voyage en Espagne par Louise, Gustave Boulanger, Ambroise Baudry et Charles Garnier 1868 que pertenece a la Biblioteca Nacional de Francia, Ópera, Fondo Garnier, publicado en español por Editorial Nerea en 2011.

Nota

Mientras se construía el edificio de la Ópera, disponiendo de unos días libres, Garnier los aprovechó para realizar del 3 al 31 de mayo de 1868, junto con su mujer Louise y sus amigos el arquitecto Ambroise Baudry y el pintor Gustave Boulanger, un recorrido por España. De dicho viaje quedó un cuaderno que recogió bocetos elaborados por los viajeros que con el título: Voyage en Espagne par Louise, Gustave Boulanger, Ambroise Baudry et Charles Garnier 1868 que pertenece a la Biblioteca Nacional de Francia, Ópera, Fondo Garnier. Fue publicado en español por Editorial Nerea en 2011.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Garnier

1, 2, 13, 14 y 15. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

3 y 8. http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/02/

4 y 7. https://blogs.ubc.ca/buildingempire/2021/02/18/palais-garnier-paris-opera-house-the-symbol-of-imperial-power-cultural-prestige/

5. https://arquine.com/el-efecto-garnier/

6. https://segredosdeparis.com/opera-garnier-em-paris/

9. https://historiahoy.com.ar/la-opera-paris-historia-y-arquitectura-n1489

10. https://www.artlyriquefr.fr/dicos/Palais%20Garnier.html y http://www.unav.es/ha/007-TEAT/operas-paris-interiors.htm

11. http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/02/ y https://historiahoy.com.ar/la-opera-paris-historia-y-arquitectura-n1489

12. https://www.artlyriquefr.fr/dicos/Palais%20Garnier.html y https://www.clave.com.ec/opera-de-garnier-el-estilo-napoleon-iii/

16. https://elpais.com/cultura/2014/05/28/album/1401299347_363513.html

TAL DÍA COMO HOY…

… 18 de septiembre, en 1923 nace Peter Smithson.

1. Peter Smithson (c.1950)

Peter Denham Smithson, uno de los más influyentes arquitectos británicos del siglo XX, nació en Stockton On Tees tal día como hoy el 18 de septiembre de 1923 y falleció el 3 de marzo de 2003. Hijo único de una familia dedicada al comercio textil, Peter comenzó sus estudios de arquitectura en 1939 en el King’s College School of Architecture in NewCastle upon Tyre que formaba parte en ese momento de la Universidad de Durham, pero los interrumpió en 1942 para combatir como parte del Royal Engineers and Queen Victoria’s Own Madras Sappers and Miners en la India y Birmania. Regresó en 1945 para concluir la carrera en Durham cosa que logra en 1948 para luego iniciar un periodo de prácticas en la Royal Academy School (1948-9), bajo la tutela de Albert Richardson siendo allí donde descubrió el trabajo de Mies Van der Rohe. En Durham conoce a quien será su inseparable compañera durante toda su vida, Alison Margaret Gill (1929-1993), con la que contrae matrimonio en 1949 ejerciendo ambos la profesión de forma mancomunada e ininterrumpida, constituyéndose en una de las parejas de mayor relevancia de cuantas forman parte de la historia de la arquitectura moderna.

2. Alison y Peter Smithson trabajando en su oficina (c.1960).

Por la estrecha relación existente entre Alison y Peter, la obra de éste es absolutamente indisociable a la de ella y, aunque hay sesgos que permiten diferenciar los intereses de cada uno, lo cierto es que lo más común es que oigamos siempre mencionar a “Los Smithson” como los forjadores de una trayectoria que merece ser recordada por sus importantes aportes a la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX.

Así, luego de trabajar juntos en la School Division del Departamento de Arquitectura del Condado de Londres por casi un año y ganar el concurso por invitación para proyectar la Escuela Secundaria de Hunstanton (convocado en 1949), Alison y Peter Smithson abrieron su propio estudio y comenzaron una práctica conjunta y una colaboración constante en la que compartieron el crédito por todos sus proyectos y publicaciones, actitud verdaderamente ejemplar de igualdad de género en tiempos en que ello no estaba del todo asumido.

3. Alison y Peter Smithson. Escuela de Hunstanton en Norfolk (1949-1954).
4. Alison y Peter Smithson. Propuesta del concurso para la Catedral de Coventry, 1951 (izquierda). Sede de The Economist, 1959-1964 (derecha)
5. Alison y Peter Smithson. Concurso para el bario residencial Golden Lane (1952).
6. Alison y Peter Smithson. Propuesta presentada al concurso para la ampliación de la Universidad de Sheffield (1953).

La escasa obra de la pareja desde la ya mencionada escuela de Hunstanton en Norfolk (1949-1954), deudora del Mies americano pero ante todo manifiesto y pieza fundamental dentro de lo que se conoció como el “nuevo brutalismo” (término utilizado, asumido y precisado por los Smithson a partir de entonces), a la sede de The Economist (1959-1964), proyecto de rehabilitación que se convirtió en el primer trabajo de arquitectura moderna acogido en Inglaterra por la ley de protección de monumentos, continúa siendo hoy tan influyente como sus proyectos no realizados, como el de la catedral de Coventry (1951), las viviendas sociales Golden Lane (1952) y la ampliación de la Universidad de Sheffield (1953).

En virtud de las confusiones que en su momento y aún hoy en día ha generado el término, vale la pena aclarar que para Alison y Peter Smithson el “Nuevo Brutalismo”, expuesto por ellos mediante serias justificaciones por escrito, debe diferenciarse del “neo-brutalismo” y del “brutalismo” en el sentido que se trataba de una actitud ética ante la arquitectura o, en otras palabras, de una anti-estética que nacía a partir de una postura ética. Los Smithson argumentaban que “se trataba de un lenguaje que no sólo se reconocía en la forma, sino también en la manera de actuación frente al tema y frente a los materiales de un determinado proyecto, propiciando una relación más intelectual entre la gente y sus necesidades y los materiales con la naturaleza. Con todo ello, promulgaron una decidida despreocupación por ‘lo bello’. Como consecuencia, el Nuevo Brutalismo se caracterizaría por una pretendida heterogeneidad formal, una estética carente de prejuicios, más pop y experimental”, señalará María José Climent Mondéjar en su tesis doctoral titulada “ESCUELA EN HUNSTANTON DE A+P SMITHSON: El Nuevo Brutalismo en Inglaterra” presentada en 2015 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM).

7. Alison y Peter Smithson. Viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens, Londres, 1969 (demolida). Planta de conjunto y vista de la facahada.
8. Alison y Peter Smithson. Viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens, Londres, 1969 (demolida). «Calle aérea», corte y vista general.
9. Alison y Peter Smithson. Viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens, Londres, 1969 (demolida). Vista general.

La expresividad alcanzada por la actitud asumida por los Smithson a partir de lo que significó proyectar y construir la escuela de Hunstanton, se ve reflejada con claridad en su proyecto para una vivienda en Soho, Londres de 1952 (publicado por Architectural Design en diciembre de 1953) y alcanzará escala urbana ese mismo año en la propuesta del concurso para Golden Lane donde plantearon una crítica a la Ville Radieuse de Le Cobusier (en momentos en que se construía la Unidad de Habitación de Marsella) y a la zonificación de la ciudad según las cuatro categorías funcionales de la Carta de Atenas, expuestas en el CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) IV de 1933 y publicadas en 1942: vivienda, trabajo, recreo y transporte, a lo cual los Smithson contraponen los conceptos de casa, calle, distrito y ciudad y la idea de “calle en el aire”, que desarrollarán posteriormente, en 1969, cuando se construyó el conjunto de viviendas para personas de bajos ingresos Robin Hood Gardens en el East End londinense, con cuestionables resultados en el tiempo.

10. Manifiesto de Doorn (1954).
11. Dos exposiciones en las que participan los Smithson integrando el Independent Group: Parallel of Art and Life, 1953 (derecha) y This is Tomorrow, 1956 (izquierda)

Pero más allá de la arquitectura, a la que quisieron poner un rostro humano, los Smithson, como ya asomamos, se interesaron por la ciudad y estuvieron en el centro de todos los debates culturales del momento. Así, ya en 1953 participan en el IX CIAM celebrado en Aux en Provence del que saldrá publicado el año siguiente el Manifiesto de Doorn (considerado como el documento fundacional del Team X). Ese mismo año (1953) los Smithson, junto a Nigel Henderson y Eduardo Paolozzi, integrando el Independent Group participarán en la exposición Parallel of Art and Life realizada por el Insituto de Arte Contemporáneo de Londres y, en 1956, en la muestra This is Tomorrow abierta en la Whitechapel Art Gallery las cuales resultaron muy influyentes en el desarrollo del movimiento pop británico.

También en 1956 los Smithson participaron en la Daily Mail Ideal Home Exhibition donde presentaron su influyente “casa del futuro” la expresión más pura de su ideología pop. Diseñada predominantemente por Alison, es una estructura de plástico que puede ser producida en masa en su totalidad, en lugar de en partes. La casa incluye características innovadoras entonces futuristas, como un baño de auto-limpieza, esquinas fáciles de limpiar y controles remotos para la televisión y la iluminación.

12. Los integrantes del Team 10 en el CIAM de Otterlo (1959), el último de los eventos de este tipo. En la foto Peter y Alison Smithson de pie a la izquierda con Voeckler, Candilis y Bakema sosteniendo la pancarta que decreta la muerte de los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna. Aldo Van Eyck y Blanche Lemco se asoman por debajo.

Por otro lado, será con la activa participación de los Smithson en el CIAM X de 1956 realizado en Dubrovnik, como integrantes del grupo formado por Aldo Van Eyck, Jacob Bakema, George Candilis, Shadrach Woods, John Voelcker y William y Jill Howell, que se le dará la estocada final a aquellos congresos cargados de “viejas ideas” dando ello pie para que en 1960 en Bagnols-sur-Cèze se adopte definitivamente el nombre de Team X (ampliándose significativamente el número de integrantes), asumiendo Alison el rol de cronista no-oficial del grupo en la publicación Team 10 Primer, donde escribió de y por el resto del equipo desde 1962, primero en Architectural Design y luego editando los textos como libro en 1965.

13. Cuatro importantes publicaciones realizadas por los Smithson.

Los Smithson escribieron numerosos artículos y realizaron varias publicaciones siendo también tema para otras tantas. Sus libros más destacados, en gran parte compilaciones de artículos reagrupados temáticamente, o a veces también reescritos fueron: Urban Structuring (1967), Ordinariness and Light (1970) y Without Retoric (1973). Además de su trabajo como arquitectos, dedicaron tiempo a la actividad académica dando clases en la década de los 80 en Delft, Barcelona y Munich. Su última publicación The Charged Void es una compilación de todo su trabajo, seccionada en tres partes de las cuales solo se publicaron dos.

14. Vista axonométrica del conjunto y sección de estudio del asoleamiento del proyecto realizado por los Smithson para la Embajada del Reino Unido en Brasilia (c.1965)

Como nota si se quiere curiosa, quizás valga la pena señalar que los Smithson fueron seleccionados a mediados de los años 1960 para proyectar la Embajada del Reino Unido en la recién inaugurada Brasilia. Como señala José Javier Alayón en «Arquitecturas extranjeras en Brasilia. Le Corbusier, A&P Smithson y Scharoun en el paisaje moderno suramericano», texto publicado en arquiteturarevista
Vol. 8, n. 1, p. 23-30, jan/jun 2012, tras afrontar el encargo «con gran entusiasmo ya que, según ellos, era la oportunidad de dirigirse a un público culto», el ánimo «se convirtió en amargura cuando suspendieron su obra. Al publicar el proyecto una década después del desaire del ministerio británico que había contratado sus servicios, expresaban: ‘Michelangelo was never so messed by his Pope’ (Smithson y Smithson, 1975)»

Peter Smithson quien sobrevivió en diez años a su mujer, fue también un profesor carismático (en la Architectural Association y Bath) e impartió clases y conferencias por todo el mundo.

A modo de resumen se podría decir que los Smithson sentaron las bases para una reflexión sobre los temas más significativos de la cultura arquitectónica moderna. La búsqueda de un lenguaje apropiado para la situación contemporánea, las propuestas para una nueva morfología urbana, la reflexión sobre la evolución de los modos de vida en relación con el espacio interior y las conexiones que establece la arquitectura con el contexto ambiental son algunos de los temas que exploraron a lo largo de toda su obra.

15. Auguste Choisy y una página de su obra fundamental: Histoire de l’Architecture (1899)

Nota

Hoy 18 de septiembre se registra también el fallecimiento en 1909 del arquitecto francés Auguste Choisy. Casualmente, a Choisy ya le habíamos dedicado una nota en el Contacto FAC 210 del 7 de febrero de 2021 cuando ese día coincidió la fecha de su nacimiento con la emisión de otro TAL DÍA COMO HOY dentro del boletín. Por ello invitamos a revisar con detenimiento el texto relacionado con Choisy en https://fundaayc.com/2021/02/07/contacto-fac-210/

ACA

Procedencia de las imagenes

  1. https://arquitecturaviva.com/articulos/peter-smithson

2. https://arquitectura629615313.wordpress.com/2019/01/18/alison-y-peter-smithson/

3. https://www.urbipedia.org/hoja/Escuela_moderna_de_secundaria_Hunstanton

4. https://circarq.wordpress.com/2020/09/24/alison-y-peter/ y https://es.wikiarquitectura.com/edificio/the-economist/

5, 6, 7 y 9. https://circarq.wordpress.com/2020/09/24/alison-y-peter/

8. https://www.urbipedia.org/hoja/Robin_Hood_Gardens y https://circarq.wordpress.com/2020/09/24/alison-y-peter/

10. https://tecnne.com/biblioteca/manifiesto-de-doorn/

11. http://archives.carre.pagesperso-orange.fr/Independent%20Group.html y file:///C:/Users/USER/Downloads/91789-Texto%20del%20art%C3%ADculo-504904-1-10-20201123-1.pdf

12. https://undiaunaarquitecta.wordpress.com/2015/06/16/alison-smithson-1928-1993/

14. José Javier Alayón, «Arquitecturas extranjeras en Brasilia. Le Corbusier, A&P Smithson y Scharoun en el paisaje moderno suramericano». arquiteturarevista, Vol. 8, n. 1, p. 23-30, jan/jun 2012

13 y 15. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

TAL DÍA COMO HOY…

… 24 de julio, en 1961, se inauguró el Planetario Humboldt, en el Parque de Este, Caracas.

1. El Planetario Humboldt en fechas cercanas a su inauguración (c.1965).

En medio del abrumador peso que tienen las conmemoraciones patrias el día de hoy, cuando se celebra el nacimiento del Libertador Simón Bolívar (1783) y la victoria en la Batalla o Combate Naval del Lago de Maracaibo (1823), el que hace 61 años se haya inaugurado el Planetario Humboldt nos permite entrar a la efeméride desde un tema que es de nuestro interés dedicándole esta nota a tan particular hecho.

Esta notable edificación, proyectada por Carlos Guinand Sandoz (1889-1963), le permitió a su autor dejar sembrada, en un lugar que tanto le debe en términos de su realización como lo es el Parque del Este, la impronta de una arquitectura memorable.

2. Ubicación del Planetario Humboldt en el Parque del Este

Como parte de la última fase de ejecución del espacio que, diseñado por Roberto Burle Marx con la colaboración de Fernando Tábora, John Stoddart, Mauricio Monte y Julio César Pessolani, dotó a Caracas de un área verde con dimensiones metropolitanas y calidad de diseño de alcance internacional, el Planetario se construye entre el 15 de enero de 1959 y el 24 de julio de 1961 (Día de la Armada Venezolana), inaugurándose, por tanto, poco más de seis meses después de la puesta en funcionamiento el 19 de enero por parte del presidente Rómulo Betancourt del recinto que lo acoge. Se ubicó muy cerca del estacionamiento N°2 del parque, lo que facilitaba su accesibilidad para efectos de servicios y para quien se desplazaba en carro en casos de eventos especiales, sin menoscabo de su participación como parte del recorrido peatonal dentro del recinto.

3. Dos vistas cenitales del Planetario Humboldt en la actualidad

Considerado con acierto como “una rareza tipológica dentro de la arquitectura venezolana” por Carmen Araujo Suárez y William Niño Araque, en el texto dedicado al edificio aparecido en el catálogo de la exposición “Wallis, Domínguez y Guinand. Arquitectos pioneros de una época”, realizada en la Galería de Arte Nacional entre junio y septiembre de 1998, el Planetario también se trata del objeto arquitectónico que mayor relevancia cobra dentro del contexto del parque por la peculiaridad, contundencia y autonomía de su forma, la resolución volumétrica del programa que alberga y el evidente contraste que asume al localizarse en medio de un predio en el que predomina la naturaleza.

4. Planetario Humboldt. Planta.
5. Planetario Humboldt. Fachada y corte.
6. Planetario Humboldt. Vestíbulo (izquierda) y espacios de circulación internos (derecha).

Diseñado siguiendo patrones indudablemente clásicos, la planta está organizada con base en un eje de simetría que “marca el portal de acceso, limitado por un gran vestíbulo acristalado y ritmado por la presencia de cuatro columnas rectangulares y perimetrales. Este espacio de acceso (en cuyo tratamiento hace acto de presencia el art decó) se encuentra entre dos volúmenes destinados a oficinas y servicios que completan la volumetría exterior del vestíbulo, enmarcando así, en su disposición de abanico, el eje central de acceso al Planetario”, acotarán Araujo y Niño Araque.

El espacio central en el que se llevan a cabo las proyecciones con un aparato electromecánico de alta definición óptica (proyector Zeiss Mark III) que, localizado en su centro, permite visualizar el firmamento de una manera muy realista y reproducir su movimiento con gran precisión, está rodeado de un amplio corredor el cual, a modo de prolongación del vestíbulo, define una circulación interna vinculada visualmente con el exterior. La parte posterior está conformada por otro volumen que contiene otras áreas de apoyo por donde se previó un acceso secundario de servicio conectado a su vez a un pequeño estacionamiento.

La solución estructural adoptada por Guinand se encuentra estrechamente ligada a la función para la que se destinó el edificio. Está protagonizada por una cúpula o domo de 20 metros de diámetro resuelta mediante una concha de concreto armado sostenida por un total de hasta 12 columnas perimetrales inclinadas que le confieren la imagen que lo caracteriza.

7. Proyector Zeiss modelo Mark III, de tecnología alemana, instalado en el interior del Planetario.

La forma y dimensiones que finalmente se adoptaron para el espacio que lo protagoniza, están absolutamente asociados al sistema de proyección audiovisual que alberga que a su vez “requirió el diseño de una semiesfera interna construida de aluminio perforado, que semeja la bóveda celeste y crea así un sistema de efectos visuales con fines didácticos”. Así, el interior se convierte en una enorme pantalla para el proyector Zeiss pudiéndose apreciar en el borde de la cúpula un horizonte silueteado que representa a la ciudad de Caracas, tal como era para la fecha de construcción del Planetario a comienzos de la década de los 60.

De lo que recogemos de Wikipedia “sus orígenes se remontan a mediados de los años 1950, cuando el entonces director del Observatorio Naval Cagigal el Dr. Eduardo Röhl es comisionado por el gobierno para adquirir equipos ópticos para el observatorio en Alemania, además de un proyector planetario en la casa Zeiss, para el futuro planetario Humboldt. Posteriormente, los equipos adquiridos llegan al país y el proyector es instalado en el planetario…”, destinándose el resto para el desarrollo del Centro de Investigaciones de Astronomía (CIDA) en Mérida dadas sus excelentes condiciones atmosféricas. De acuerdo al mismo portal, el proyector Zeiss instalado fue un aparato electromecánico modelo Mark III modificado, producto de la tecnología alemana de postguerra, “que sin poseer componentes electrónicos de vanguardia, tiene características singulares que lo hacen único en el mundo, pues a través de sus imágenes los usuarios se sumergen en un ambiente que estimula la imaginación y el aprendizaje de una manera muy sencilla y eficaz”.

8. Diversas tomas exteriores del Planetario Humboldt.

Desde que el 6 de agosto de 1961 se iniciaron las actividades al público, dedicado al estudio y enseñanza de la astronomía, astronáutica y ciencias afines tales como la física, matemática, química, geografía y ciencias de la tierra, el Planetario, hoy el más antiguo y aún el de mayor tamaño en Venezuela, se convirtió rápidamente en un importante espacio de investigación y documentación brindando a estudiantes, profesionales y público en general cursos, simposios y conferencias sobre los misterios del Universo. Con el tiempo es triste reconocer que buena parte de su condición de centro de investigación ha desaparecido quedando reducido a lugar de visitas y de realización de algunos eventos que son anunciados por las activas cuentas de twitter e Instagram que como institución posee.

Dentro de las visitas programadas al público, se ha podido durante años disfrutar de observar las estrellas (en número de aproximadamente 9.000), el Sol, la Luna y los planetas visibles a simple vista: Mercurio, Venus, Marte, Júpiter y Saturno.

Adicionalmente, empleando sus proyectores periféricos, se visualizan las coordenadas celestes, figuras de las constelaciones, nebulosas, la Vía Láctea, el Sistema Solar visto desde afuera, estrellas fugaces (meteoros), satélites artificiales, e incluso, simular nubes.

9. Alexander Von Humboldt y Aimé Bonpland en la selva amazónica por Eduard Ender
(c.1850).

El Planetario, que en sus inicios dependió del Observatorio Astronómico y Meteorológico de Caracas (mejor conocido como Observatorio Naval Cajigal) y hoy está adscrito al Servicio de Hidrografía y Navegación de la Armada Bolivariana, debe su nombre al sabio, naturalista y explorador Alejandro Humboldt, a quien Guinand quiso rendirle un homenaje dada la relevancia que tuvo, junto a su compañero Aimé Bonpland, para el estudio de las ciencias naturales del país tras el viaje que los trajera a América 1799 y 1804, permaneciendo en Venezuela, como se sabe, los dos primeros años.

10. Dos fotografías de Carlos Guinand Sandoz con Roberto Burle Marx. Izquierda: Durante la expedición botánica al Amazonas buscando especies para el Parque del Este. Derecha: En el Parque del Este.

Guinand, hombre vinculado y comprometido con el conocimiento de la naturaleza venezolana, tras coordinar durante más de cinco años los diversos destinos que tuvo el lugar donde finalmente se construyó el parque, y ser partícipe de la selección, junto a Burle Marx y su equipo, de muchas de las especies vegetales que se utilizaron para diseñar el paisajismo, es sin duda la principal figura que permitió que todo este complejo proceso llegara a feliz término.

11. Planetario Humboldt. Perspectiva del conjunto dibujada por Carlos Guinand Sandoz.

Quiso el destino que el Planetario fuera la última obra realizada por Guinand (quien falleció dos años después de su puesta en funcionamiento) y que se convirtiera en brillante punto final dentro de la obra de quien fue uno de los más importantes arquitectos venezolanos del siglo XX.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://redpatrimoniove.wixsite.com/redve/forum/publicaciones/delphinus-planetarum-o-el-delfin-del-planetario

2 y 10. Fernando Tábora. Dos parques, un equipo. Parque del Este, Caracas-Venezuela/Aterro do Flamengo, Río de Janeiro-Brasil (2007)

3. https://twitter.com/planethumboldt y https://www.pinterest.cl/pin/420242208956938115/

4, 5 y 11. Galería de Arte Nacional. Catálogo de la exposición Wallis/Domínguez/Guinand. Arquitectos pioneros de una época (1998)

6. Galería de Arte Nacional. Catálogo de la exposición Wallis/Domínguez/Guinand. Arquitectos pioneros de una época (1998) y https://es.wikipedia.org/wiki/Planetario_Humboldt

7. https://www.cinco8.com/periodismo/el-proyector-del-planetario-humboldt-se-apaga/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Planetario_Humboldt

8. Galería de Arte Nacional. Catálogo de la exposición Wallis/Domínguez/Guinand. Arquitectos pioneros de una época (1998), https://twitter.com/laguiadecaracas/status/1259502258347225088, https://peakd.com/hive-178708/@marcosmilano71/eng-an-experience-beyond-earth-planetary-esp-una-experiencia-mas-alla-de-la-tierra-planetario y http://radiomundial.com.ve/cinco-planetas-se-pueden-ver-en-el-cielo-venezolano-en-noches-de-julio/

9. https://es.wikipedia.org/wiki/Planetario_Humboldt

TAL DÍA COMO HOY…

… 5 de junio, en 1972, en Estocolmo, Suecia, se inaugura la Conferencia de Naciones Unidas sobre el Medio Ambiente Humano.

1. Conferencia de Naciones Unidas sobre el Medio Ambiente Humano. Estocolmo, Suecia. 5 de junio de 1972

También conocida como “Conferencia de Estocolmo”, la celebrada entre el 5 y el 16 de junio en dicha ciudad convocada por la Organización de Naciones Unidas (ONU), fue la primera gran reunión a escala global que se organizó sobre cuestiones medioambientales. Marcó un punto de inflexión en el desarrollo de la política internacional en la materia y el inicio de una conciencia planetaria sobre la incidencia de los problemas que el hombre causa en el medio ambiente.

2. Olof Palme (1927-1986) y Maurice Strong (1929-2015).

Convocada por iniciativa del Gobierno de Suecia con su primer ministro Olof Palme a la cabeza, donde el Secretario General de la ONU U Thant invitó a Maurice Strong para llevar las funciones de Secretario General de la Conferencia, a la cumbre asistieron representantes de 113 países, 19 organismos intergubernamentales, y más de 400 organizaciones intergubernamentales y no gubernamentales. En la reunión se acordó una Declaración de 7 puntos que contiene 26 principios sobre el medio ambiente y el desarrollo y un plan de acción con 109 recomendaciones. Maurice Strong dijo que el mensaje que prevaleció tras el evento fue «la comprensión de que el hombre había llegado a uno de esos puntos fundamentales en su historia donde sus actividades son los principales determinantes de su propio futuro».

3. Uno de los múltiples banners elaborados para celebrar el Día Mundial del Medio Ambiente.

Como reconocimiento a la trascendencia de lo acontecido en Suecia, la ONU estableció por resolución del 15 de diciembre de 1977 declarar el 5 de junio como Día Mundial del Medio Ambiente y dos días después (el 17 de diciembre de 1977) la Asamblea General de la ONU también aprobó la creación del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA).

La Conferencia de Estocolmo y sus repercusiones sentaron las bases para la realización a posteriori de lo que se han denominado como “Cumbres de la Tierra” o “Cumbres del Clima”, un tipo excepcional de encuentro internacional entre jefes de estado de todos los países del mundo, con el fin de alcanzar acuerdos sobre el medio ambiente, desarrollo, cambio climático, biodiversidad y otros temas relacionados. Así, la de Estocolmo fue seguida 20 años después por la de Río de Janeiro (Brasil) llevada a cabo del 2 al 13 de junio de 1992. La tercera se realizó en Johannesburgo (Sudáfrica) del 23 de agosto al 5 de septiembre de 2002 y la cuarta se reunió en junio de 2012 de nuevo en Río de Janeiro, bajo la denominación de Conferencia de Desarrollo Sostenible. Todas ellas fueron objeto de severas críticas relacionadas con la contundencia de sus resoluciones y los resultados tangibles obtenidos.

4. Pesentación del informe «Nuestro futuro común» ante la Asamblea Genral de las Naciones Unidas por parte de la doctora Gro Harlem Brundtland
5. Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro (Brasil). 2 al 13 de junio de 1992.

Fue en la Cumbre de la Tierra de Río Janeiro, donde se asumió en el Principio 3º de su declaración el concepto de «desarrollo sostenible» que ya había sido formulado en el Informe Nuestro futuro común (1987-1988), fruto de la Comisión Mundial de Medio Ambiente y Desarrollo de Naciones Unidas creada durante la Asamblea General de 1983, coordinado por la doctora Gro Harlem Brundtland, entendiendo por tal aquel que permite “satisfacer nuestras necesidades actuales sin comprometer la capacidad de las generaciones futuras para satisfacer las suyas”. Allí se establecieron, además, el Convenio sobre la Diversidad Biológica y la Convención Marco sobre el Cambio Climático, que más tarde llevaría al Protocolo de Kioto (11 de diciembre de 1997) cuyo objetivo central fue reducir las emisiones de seis gases de efecto invernadero (GEI) y al Acuerdo de París (2015).

6. Protocolo de Kioto, 1997.
7. Acuerdo de París, 2015.

Sólo añadir que, aunque el Protocolo de Kioto comprometió a los países industrializados signatarios a estabilizar las emisiones de GEI, y la Convención por su parte ha alentado a los países a hacerlo estableciendo metas vinculantes de reducción de las emisiones para 37 países y la Unión Europea (UE), reconociendo implícitamente que, en 1997, eran los principales responsables de los elevados niveles de emisiones de GEI en la atmósfera, no entró en vigor hasta el 16 de febrero de 2005. Con lo que se conoció como la Enmienda de Doha (acordada en 2012) se ratificó un segundo periodo de vigencia del Protocolo de Kioto desde el 1 de enero de 2013 hasta el 31 de diciembre de 2020. Vencido este segundo período entró en vigencia la aplicación del Acuerdo de París que a su vez será revisado cada cinco años.

8. Poster de Estocolmo+50, reunión internacional conmemorativa acordada por resolución de la Asamblea General de la ONU
9. Resumen gráfico de los 17 objetivos de Desarrollo Sostenible.

De la Conferencia de Estocolmo se cumplen hoy 50 años motivo por el cual los días 2 y 3 de junio pasados se realizó Estocolmo+50, reunión internacional conmemorativa acordada por resolución de la Asamblea General de la ONU.

De la página del evento rescatamos lo siguiente. “Ahora, 50 años después de la reunión de Estocolmo, el mundo se enfrenta a las tres crisis planetarias que amenazan su futuro: el cambio climático, la pérdida de biodiversidad, y la contaminación y los residuos, así como a otros males que están afectando la prosperidad y el bienestar de esta y de futuras generaciones. Un planeta contaminado pone en riesgo la salud de la humanidad, la prosperidad, la igualdad y la paz, como el mundo ha visto con demasiada claridad durante la pandemia de la COVID-19. Un planeta que no esté sano también pone bajo amenaza el cumplimiento de los Objetivos de Desarrollo Sostenible”.

António Guterres, secretario general de la ONU, ha descrito la triple emergencia planetaria como «la principal amenaza contra nuestra existencia», amenaza que amerita «un esfuerzo urgente y total para cambiar el curso de las cosas».

Con Suecia de nuevo como anfitrión, Estocolmo+50 comprendió una serie de sesiones de apertura, cuatro sesiones plenarias, tres diálogos de liderazgo y una serie de sesiones de clausura. Contó con el apoyo de Kenia, y ha tenido un carácter colaborativo y abierto para que todos los participantes compartan experiencias e iniciativas para proteger el planeta y contribuir al desarrollo sostenible e inclusivo, contemplando también una recuperación sostenible de la pandemia de COVID-19.

Ante la importancia de un día como hoy no estaría de más recordar que en torno al tema medioambiental en fechas muy tempranas ya en nuestro país se produjeron una serie de iniciativas de gran importancia, algunas de ellas previas a la conferencia de Estocolmo, clara demostración que el tema ya venía siendo objeto de estudio en el ámbito académico y de atención de parte de las autoridades.

10. Logo del Centro Interamericano de Desarrollo e Investigación Ambiental y Territorial (CIDIAT).

Así, el 4 de febrero de 1965 mediante un acuerdo firmado en Washington entre el Gobierno de Venezuela y la Secretaría General de la Organización de los Estados Americanos (OEA), se establece el Centro Interamericano de Desarrollo e Investigación Ambiental y Territorial (CIDIAT), inicialmente denominado Centro Interamericano de Desarrollo Integral de Aguas y Tierras, adhiriéndose la Universidad de Los Andes, como Institución sede, el 16 del mismo mes. De lo recogido en el portal http://web.ula.ve/cidiat/, sabemos que Tal como lo establecía el Acuerdo, se inició en 1971, un proceso de transferencia al país sede, quedando el CIDIAT debidamente constituido el 19 de agosto de 1976, como una asociación civil del Estado, afiliada a la Universidad de Los Andes, con responsabilidad jurídica y patrimonio propio, de carácter interamericano, asumiendo el Ejecutivo Nacional sus responsabilidades por intermedio del antiguo Ministerio de Obras Públicas y del Ministerio de Agricultura y Cría, y luego, a partir del 1º de abril de 1977 a través del Ministerio del Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables”. Desde el año 2000 el CIDIAT fue incorporado a la estructura académico-administrativa de la ULA como una dependencia del Vicerrectorado Académico.

11. Logo del Centro de Estudios Integrales del Ambiente (CENAMB).

También es bueno conocer que en 1971, tras su aprobación por el Consejo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, se crea el Departamento de Acondicionamiento Ambiental, según proyecto de los profesores Augusto Tobito, Ramón González Almeida y José Balbino León, siendo la primera vez que una Facultad de Arquitectura de América Latina incorporaba en sus planes de estudios los temas de la ecología y el ambiente. Luego, en 1977, también por iniciativa de Tobito, González Almeida y León, el Consejo Universitario de la Universidad Central de Venezuela crea el Centro de Estudios Integrales del Ambiente (CENAMB), organismo transdisciplinario con autonomía académica, adscrito al Vicerrectorado Académico, que tiene por objetivo “realizar, promover y fomentar la investigación, la docencia y la extensión de la planificación integral del ambiente, sobre una base ecológica, sistémica y energética”. El geógrafo José Balbino León, sería su primer director.

12. Logo del Ministerio del Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables (MARN).
Diseño: Jesús Emilio Franco, 1976

Por otro lado, en el mes de diciembre de 1977 el gobierno nacional presidido por Carlos Andrés Pérez creó el Ministerio del Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables (MARNR) con el objetivo de “garantizar una mejor calidad de vida, mediante la gestión ambiental transversal, rectora, ejecutora y normativa, del uso y conservación de los recursos naturales promoviendo la participación de la sociedad para lograr el desarrollo sostenible”, totalmente en sintonía con el movimiento que se había generado tras la Conferencia de Estocolmo de 1972. El impulsor de la creación de este ministerio, primero en su tipo en toda Latinoamérica, fue el ingeniero civil Arnaldo José Gabaldón Berti, quien fue su primer ministro entre los años (1977-1979), desde el momento en que comenzó sus actividades, cuatro meses después. No obstante, su vital importancia para el equilibrado desarrollo nacional el MARNR fue eliminado por decisión presidencial en noviembre de 2014 y fusionado formando el Ministerio del Hábitat, Vivienda y Ecosocialismo. Cinco meses después, advertido el gobierno nacional del grave error cometido, lo relanzan cambiándole su nombre por el de Ministerio del Ecosocialismo y Aguas.

Cabe destacar la actuación dentro del MARNR del arquitecto y profesor Mario Gabaldón López (1943-2016) quien, siguiendo la oleada de movimientos conservacionistas, logró estructurar la base de un sistema de áreas naturales con distintas categorías de manejo, donde 39 parques nacionales y 41 monumentos naturales (16,06% del territorio nacional) jugaron un rol protagónico para consolidar un sistema debidamente apoyado con leyes y reglamentos. Como producto de su trabajo, la Fundación Centro Consolidado publicó el libro Parques Nacionales de Venezuela en 1991.

13. Seis libros venezolanos relacionados con el ambiente y el desarrollo sostenible.

Así mismo, el concepto de desarrollo sostenible, definido en la Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro en 1992 como alternativo al de desarrollo habitual, fue asimilado por un sector importante de los investigadores del Instituto de Desarrollo Experimental de la Construcción (IDEC) de la FAU UCV, produciéndose desde entonces un giro en el énfasis fundamental que hasta aquel momento caracterizaba ese centro creado en 1975. A las líneas de Desarrollo Tecnológico, Habitabilidad de las Edificaciones y Economía de la Construcción se sumó como eje transversal y a la vez con vida independiente el de “construcción sostenible” que, aunque comparte el territorio de un ámbito mayor se refiere a uno específico, la construcción del hábitat, enmarcado en uno más preciso: la construcción del medio ambiente construido, y que. Alfredo Cilento como pionero ha venido desarrollando desde los años 90 hasta la actualidad sumándose muy pronto, entre otros, Domingo Acosta. Producto de ello son los libros de Alfredo Cilento Cambio de paradigma del hábitat (1999) y Construcción Sostenible. Piezas para la investigación y la acción (2015) compilado por Alberto Lovera y participación de Domingo Acosta; Sistemas pasivos de enfriamiento de edificaciones en Venezuela de María Elena Hobaica (2012); el Manual de diseño para edificaciones energéticamente eficientes en el trópico de María Eugenia Sosa y Geovanni Siem (2013); y, más recientemente, Diseñar en el Antropoceno. La arquitectura más allá de la sostenibilidad de Domingo Acosta (2020).

Ecología, sostenibilidad, sustentabilidad, perdurabilidad, equilibrio, ahorro energético, racionalidad constructiva, efecto invernadero, contaminación, agotamiento de los recursos naturales, arquitectura bioclimática, arquitectura sostenible, calidad ambiental, preservación de la biodiversidad, protección del medio ambiente, adaptación al medio, respeto a la naturaleza, límites del crecimiento, impacto ambiental y fuentes de energía renovables, entre otras, son palabras clave que un día como hoy en que se celebra el Día Mundial del Ambiente vale la pena refrescar.

Nota
A la fecha, Perú y Costa Rica son los únicos países latinoamericanos en cumplir a cabalidad con los requisitos fijados por el Acuerdo de París en cuanto a reducción de gases de efecto invernadero, tras vencerse el 30 de julio de 2021 el plazo (ampliado a causa de la pandemia) otorgado por la ONU de actualizar los planes climáticos de cara a 2030. De los 192 países más la Unión Europea que firmaron el acuerdo sólo el 58% presentaron sus propuestas actualizadas.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://www.analitica.com/opinion/volver-a-estocolmo/

2. https://es.wikipedia.org/wiki/Olof_Palme y https://www.mises.org.es/2016/10/maurice-strong-globalista-oligarca-petrolero-y-ecologista/

3. https://www.imer.mx/5-junio-dia-mundial-del-medio-ambiente/

4. http://blogs.uned.es/catedra-aquae/noticias/aquae-blog-30-anos-de-nuestro-futuro-comun/

5. https://sgkplanet.com/resumen-y-conclusiones-de-la-cumbre-de-rio-segunda-cumbre-de-la-tierra/ y https://efeverde.com/cop-cumbre-la-tierra/

6. https://m.facebook.com/169151159917/posts/10156944128719918/?locale2=fa_IR&_rdr y https://unfccc.int/es/kyoto_protocol

7. https://www.agenciasinc.es/Noticias/El-Acuerdo-de-Paris-da-una-nueva-esperanza-al-mundo

8. https://www.stockholm50.global/es

9. https://www.un.org/sustainabledevelopment/es/2015/09/la-asamblea-general-adopta-la-agenda-2030-para-el-desarrollo-sostenible/

10. http://web.ula.ve/cidiat/

11. https://www.linkedin.com/in/cenamb-ucv-b9581b59/?originalSubdomain=ve

12. https://desinganacreativo.blogspot.com/

13. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

TAL DÍA COMO HOY…

… 24 de abril, Día Internacional del Multilateralismo y la Diplomacia para la Paz, y Día Mundial contra la Meningitis, nace en 1870 Joan Rubió, y fallecen en 1658 Francesco María Richini, en 1980 Alejo Carpentier y en 2014 Hans Hollein.

Vuelve el azar a permitirnos, luego de escoger el día de hoy como parte de la pauta del Contacto FAC, repasar y comentar algunas de sus peculiaridades y datos más interesante de acuerdo a nuestra particular mirada.
Para empezar, conviene recordar que la Asamblea General de las Naciones Unidas proclamó el día 12 de diciembre de 2018, mediante resolución, el 24 de abril como el Día Internacional del Multilateralismo y Diplomacia para la Paz. Este día se instituyó con el propósito de promover los tres pilares de la ONU entre los que se destacan el desarrollo sostenible, la paz y seguridad, además de la protección de los derechos humanos.

También hoy se celebra el Día Mundial contra la Meningitis, con el objeto de recordar a la población la importancia de esta enfermedad, además de exigir a las administraciones un esfuerzo en la prevención y tratamiento de las graves secuelas causadas. La meningitis es una enfermedad caracterizada por la inflamación de las membranas (meninges) que rodean el sistema nervioso central y una de las principales causas de muerte por infección en niños y adolescentes.

1. Detalle del Vaso de Mikonos (Museo Arqueológico de Mikonos, Grecia), del siglo VII a. C. Se trata de una de las más antiguas
representaciones del caballo de Troya.

Haciendo un breve repaso por los acontecimientos más llamativos de este día encontramos que en 1184 a. C., en la actual Turquía, según la leyenda, los griegos, tras nueve años de tenerla sitiada, entran en la ciudad de Troya utilizando un artilugio con forma de enorme caballo de madera y que según relatos que narran aquella guerra fue usado por los aqueos como una estrategia para introducirse en la inexpugnable ciudad fortificada. Tomado por los troyanos como un signo de su victoria, el caballo fue llevado dentro de los gigantescos muros, sin saber que en su interior se ocultaban varios soldados enemigos que salieron sigilosamente de noche, mataron a los centinelas y abrieron las puertas de la ciudad para permitir la entrada del ejército aqueo, lo que provocó la caída definitiva de Troya.

2. Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos (Thomas Jefferson Building). John L. Smithmeyer y Paul J. Pelz (1873-1897).

Por otro lado, un 24 de abril de 1800 en Washington D.C. (Estados Unidos) se funda la Biblioteca del Congreso, cuando el presidente John Adams firmó un Acto del Congreso que aprovisionó para el traslado de la capital desde Filadelfia a la nueva ciudad de Washington. De acuerdo a lo obtenido de Wikipedia, “En esas leyes se estableció un fondo de 5000 $ para la compra de libros necesarios para las funciones del Congreso. La colección, comprada en Londres, consistió en 740 libros y 3 mapas, y se depositó en un ala del nuevo edificio del Capitolio. La colección cubrió una variedad de temas, pero la mayor parte de los materiales eran de naturaleza legal, lo que refleja el papel del Congreso como un fabricante de leyes”. Considerada hoy en día como una de las bibliotecas más grandes del mundo con más de 158 millones de documentos, la edificación que la terminó albergando, el Thomas Jefferson Building, originada en parte debido al crecimiento del Congreso, pero también en parte debido a la Ley de Derechos de Autor de 1870, es construida entre 1890 y 1897 abriendo al público el 1 de noviembre de este año, luego de que John L. Smithmeyer y Paul J. Pelz ganaran el concurso de proyectos convocado en 1873. Siguiendo a Wikipedia encontramos que “si bien Smithmeyer jugó un papel decisivo en la obtención del encargo, Pelz parece haber sido el diseñador principal del edificio y supervisó la mayor parte del trabajo exterior”. Corresponderá a Edward Pearce Casey llevar a cabo la finalización de los interiores y la supervisión artística del programa decorativo único del edificio, cuando en 1892 fuera despedido Pelz como arquitecto principal de la obra.

3. Woolworth Building, Nueva York. Cass Gilbert (1913)

Continuando la aproximación a temas que nos interesan, un día como hoy de 1913, en Nueva York se abre al público el Woolworth Building diseñado por el arquitecto Cass Gilbert, uno de los primeros rascacielos de Estados Unidos y el edificio más alto del mundo hasta 1930, cuando se construyeron el 40 Wall Street y el edificio Chrysler. Fue ejecutado por el financiero estadounidense Frank Woolworth que deseaba un edificio destacable para su sociedad. Originalmente planeado para tener una altura de 190,5 metros, de conformidad con las leyes del momento, finalmente se elevó a los 241 metros (57 pisos), superando al Metropolitan Life Insurance como el edificio más alto del mundo. Su coste de construcción fue de 13.500.000 dólares.

“El edificio se asemeja a una catedral gótica por sus adornos de pináculos y gárgolas. (…) En la antecámara en forma de cruz latina se extiende la galería comercial. El vestíbulo tiene una altura de tres plantas, techo con cristaleras y bóveda cubierta de mosaicos dorados de inspiración bizantina, una gran escalera de mármol y esculturas que caricaturizan a Woolworth contando monedas y Gilbert con una maqueta de su edificio”, se precisará en Wikipedia.

4. Joan Rubió i Bellver. Casa Roviralta (1903-1913).
5. Casa Golferichs (1890-1901) y Puente de estilo gótico flamígero de la calle del Bisbe (1928)

El 24 de abril de 1870 nace Joan Rubió i Bellver, arquitecto catalán fallecido en 1952, “… discípulo de Antoni Gaudí, con el que trabajó entre 1893 y 1905, colaborando en obras como el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, la casa Batlló, la casa Calvet, la torre Bellesguard, el parque Güell, la restauración de la Catedral de Mallorca y la Colonia Güell”. De tendencia catalanista, Rubió fue uno de los principales impulsores de la vinculación de la obra de Gaudí -especialmente la Sagrada Familia- con la identidad catalana y las esencias tradicionales de la sociedad catalana.

“Tras su colaboración con Gaudí desarrolló su propia producción, practicando un eclecticismo goticista, con uso intensivo del aparejo de ladrillo y minuciosidad en el diseño. Al ser nombrado arquitecto de la Diputación de Barcelona (1906) pasó a un clasicismo barroquizante, aunque siempre con pervivencia gaudiniana”, nos aportará Wikipedia complementando lo arriba citado.

De su extensa producción conviene destacar de lo realizado en Barcelona: la casa Golferichs (1890-1901), la casa Roviralta (1903-1913), la casa Pomar (1904-1906), el Pabellón de lavadero y desinfección El Castell (1903-1904), la fábrica algodonera Canals (1906-1907), el edificio de Fomento de la Piedad y Biblioteca Balmes (1916-1934) y el puente de estilo gótico flamígero de la calle del Bisbe, que une el palacio de la Generalitat de Cataluña con la casa de los Canónigos (1928). Fuera de la capital catalana, Rubió realizó los laboratorios Serra en Reus (1911-1912), el Hospital de Campdevánol (1917), el asilo del Santo Cristo en Igualada (1931-1946) y la iglesia del Carmen en Manresa (1940-1952). Fuera de Cataluña fue autor de la farmacia Puig en Azoque (Zaragoza, 1908), la basílica del Sagrado Corazón en Gijón (1910-1925) y la restauración de la casa de san Ignacio de Loyola en Azpeitia (Guipúzcoa, 1920-1921)

6. Francesco María Richini. Iglesia de San Giuseppe (1607-1630) y Colegio de los jesuitas, actual Pinacoteca di Brera (1615)

Entre los fallecimientos acaecidos el 24 de abril se registran el de Francesco María Richini (1658), Alejo Carpentier (1980) y Hans Hollein (2014).

Richini, de lo que recogemos de Wikipedia, “Fue el más notable exponente de una dinastía de arquitectos milaneses, en la que también destacó su padre Bernardo Richini (ca. 1549-1639).

Richini completó su educación artística en Roma, de donde llevó a su ciudad natal el gusto por la cultura barroca romana, fastuosa, exuberante y escenográfica. Fue un arquitecto serio, que adoleció siempre de una falta de sello personal”. Algunas de sus obras más reconocidas (todas realizadas en Milán) son: el Colegio de los jesuitas, actual Pinacoteca di Brera (1615), la Iglesia de Santa Maria alla Porta (1652), la Iglesia de Santa Marta (1621), la Iglesia de San Giuseppe (1607-1630), el Palacio Annoni (1631), y el Palacio Durini (1644).

7. Alejo Carpentier escribiendo y primera página del diario El Nacional del 20 de octubre de 1945.

Alejo Carpentier amerita una particular atención de nuestra parte debido a la estrecha relación que tuvo con nuestro país donde residió entre 1945 y 1959.

Escritor y musicólogo nacido en Lausana, Suiza en 1904 de la unión del arquitecto francés Georges Julien Álvarez Carpentier y de Catherine «Lina» Valmont or Blagoobrasoff, profesora de idiomas de origen ruso, quienes se trasladan a Cuba al poco tiempo después de su nacimiento, Carpentier aterriza en Maiquetía junto a su esposa Lilia poco antes del derrocamiento de Isaías Medina Angarita. Lo hace con la clara intención de establecer una pausa que le permitiera sedimentar y profundizar las indagaciones que ya había adelantado al regreso de su exilio europeo (1928-1939) y con la intuición de que llegaba al país que se lo podría permitir.

El reencuentro con Cuba y su música así como el fascinante contacto con Haití y la historia de su proceso independentista, vistos desde los postulados del surrealismo (movimiento del que formó parte durante su estadía en Francia), le permiten entre 1939 y 1944 desarrollar una teoría interpretativa de lo americano que se enriquece y ensancha gracias a la conexión con un país como Venezuela que cuenta con todos los elementos que componen el Nuevo Mundo: enormes montañas, llanos, ríos caudalosos, selva, mar, y una población mestiza compuesta de blancos, negros e indios. También Venezuela representa para Carpentier la oportunidad de ver la otra cara de la moneda: trabaja como publicista en la empresa ARS, fundada por su amigo parisino Carlos Eduardo Frías, con fuertes lazos con los Estados Unidos, y vive en Caracas parte de la existencia que había rechazado en Nueva York. Como bien apunta Roberto González Echeverría en la «Introducción» de la edición de Los pasos perdidos elaborada por Cátedra, S.A. en 1985: “Caracas … está sufriendo una transformación profunda que pone a Carpentier en contacto con una sociedad posindustrial, y en contacto directo con los medios de comunicación masiva que la caracterizan … Carpentier, en dos palabras, experimenta la América Latina del futuro y del pasado más remoto”. Todo esto, habría que agregar, en medio de circunstancias políticas convulsas y de una bonanza económica vinculada a la abundante producción petrolera.

8. Dos novelas fundamentales de Alejo Carpentier escritas en Venezuela. El reino de este mundo (1949) y Los pasos perdidos (1953).

Así, la consolidación del pensamiento carpenteriano sobre lo americano, aunque no puede verse exento de toda una serie de circunstancias que envuelven su vida, su formación y su trayectoria intelectual, es posible referirlo a dos aspectos fundamentales producto de la totalidad de la obra que escribe en Venezuela. El primero es la gestación y posterior desarrollo de una verdadera teoría estética centrada en lo que se podría llamar una visión optimista de América desde el surrealismo. El segundo es la transformación que sufre la actitud de Carpentier, luego del primer impacto producido por su redescubrimiento de América por la vía surrealista, al contactar a nivel físico y vivencial, antropológico y etnográfico con la selva venezolana y los estadios culturales que allí se le presentan, en la que juega un papel fundamental la influencia que sobre él ejerce el existencialismo sartriano. Carpentier manifiesta su conexión con las tendencias filosóficas del momento que se evidencia en toda una serie de cuestionamientos y reflexiones en torno al tema de la autenticidad o buena fe del hombre moderno; el papel que juega la cultura en la civilización occidental particularmente cuando se aborda desde ella el conocimiento de pueblos distantes y diferentes a los patrones que la caracterizan; los efectos de la modernidad, su relación con el drama urbano y su influencia sobre el sujeto que lo vive; y ante todo el angustioso problema de la creación artística. El primer aspecto conviene revisarlo a la luz del ensayo “Lo real maravilloso de América” (1948) complementado con aclaraciones que en ensayos posteriores ha podido incorporar Carpentier con relación al tema del mismo. Para el segundo aspecto no creemos que exista mejor documento que la lectura analítica de Los pasos perdidos (1953), la que consideramos su novela más importante.

Podríamos decir que Carpentier a su paso por Venezuela reelabora su tesis sobre “lo real maravilloso”, marcando diferencias con lo que se denomina como “realismo mágico”, reforzando su proximidad expresiva con lo barroco, rasgo fundamental asociado a América. Manteniendo una postura cercana a los planteamientos teóricos de Eugenio d’Ors y de Fernando Chueca Goitia quienes, ya sea mediante la presencia de constantes humanas en el caso del primero o de elementos invariantes en el del segundo, coinciden en abrir posibilidades de reconstruir de una manera peculiar la historia de la cultura o, en todo caso, encontrar explicaciones a aquellos casos de civilizaciones o estilos que no responden con precisión a los patrones de análisis y clasificación canónicamente establecidos, Carpentier llega a afirmar que “… el espíritu barroco puede renacer en cualquier momento y renace en muchas de las creaciones de los arquitectos más modernos de hoy. Porque es un espíritu y no un estilo histórico”.

A mediados de 1959 tras el triunfo de la revolución cubana, Carpentier regresa a su país y ocupa altos cargos en el sector cultural hasta que es nombrado embajador en Francia (1966), cargo que desempeña hasta su muerte en París (1980).

En 1978 le es concedido el Premio Cervantes, máximo galardón de las letras hispanas, en reconocimiento a su significativo aporte a la literatura latinoamericana.

9. Hans Hollein. Tienda de velas Retti (1966).
10. Galería Richard Feigen en Nueva York (1970) y Museo de Arte de Frankfurt (1991).

En 2014, un 24 de abril, fallece a la edad de 80 años el arquitecto austríaco Hans Hollein quien en 1985 recibió el Premio Pritzker cuando era uno de los representantes más cualificados del posmodernismo. Vuelve Wikipedia a auxiliarnos cuando apunta que Hollein “fue alumno de Clemens Holzmeister en la Academia de Bellas Artes de Viena. Posteriormente, amplió sus estudios en el IIT de Chicago y en la Universidad de Berkeley. Entre 1963 y 1966, fue profesor en Estados Unidos. Posteriormente, entre 1967 y 1976, enseñó en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. Desde 1976, fue profesor de la Universidad de Artes Aplicadas de Viena y desde 2002 ocupaba el cargo de profesor emérito”.

Anatxu Zalbalbeascoa a raíz de su muerte redactó para El País el 28 de abril de 2014 una especie de obituario en el que remarcaba la condición de Hollein de arquitecto ecléctico y atrevido, atributos que según ella fueron fundamentales en la obtención del Premio Pritzker. También remarca que en el IIT “tuvo como profesor a Mies van der Rohe, al que no se puede negar que no imitó” y que desde Berkeley “recorrió Estados Unidos en un viejo Chevrolet rastreando todas las Vienas que hay en ese país”.

Sin embargo, “Fue al regresar cuando firmó en su ciudad la pequeña tienda de velas Retti que daría la vuelta al mundo. El cuidado puesto en el contenedor iba de la mano de un meticuloso trabajo de interiorismo. Corría el año 1966 y su fama no tardaría en extenderse por Graben, la gran calle monumental y comercial vienesa donde todavía hoy pueden visitarse, como si fueran las perlas de un collar, las joyerías Schullin -una con forma de cristal de roca, de 1974, y otra posterior, de 1982- o la tienda de tabacos que firmó en 1992. En realidad, se podría decir que esa calle peatonal del centro de Viena resume al arquitecto porque más allá de esos menudos y extraordinarios proyectos, en uno de los extremos del paseo, frente a la Catedral de San Esteban, el Centro Comercial Haas Haus está ideado con idéntico cuidado y osadía”.

Hollein, quien dominaba como pocos la pequeña escala “con la calidad de los antiguos mueblistas y con el cuidado de los joyeros” diseñó “teteras, gafas, butacas, mesas, inolvidables joyas y hasta el piano que ideó para Bosendorfer Flügel en 1990”. Como docente siempre enseñó a sus alumnos la importancia de correr riesgos los cuales fue evidenciando a través de su obra “mezclando estilos y materiales como el mármol y el plástico”.

Participó en gran cantidad de concursos y dejó para la posteridad su marca a través de obras como: la Galería Richard Feigen en Nueva York (1970), la remodelación del Museo del Cristal y la Cerámica de Teherán (1978), el Museo de Arte de Frankfurt (1991) y el centro Vulcania en Auvergne (2002), entre otras.

Zabalbeascoa concluirá (y nosotros con ella este largo repaso al día 24 de abril), señalando lo siguiente: “Hollein sabía que la calidad y la sorpresa exigen idéntico esfuerzo y se empeñó en conseguir ambas. Por eso su obra ecléctica retrata más experimentación que ideas fijas. Irónico y osado, Hollein fue una figura importante en su ciudad. Todavía lo es gracias a las joyas que salpican la calle Graben casi medio siglo después de inaugurarse. Esos proyectos atestiguan, queda dicho, que fue mejor en la pequeña escala … que en la grande. (…) Es complicado salvar un gran edificio con detalles exquisitos. Es necesario buscar atributos específicos según el tamaño de cada proyecto”.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://www.peaceandcooperation.org/dia-internacional-del-multilateralismo-y-la-diplomacia-para-la-paz/ y https://www.gob.mx/insabi/articulos/24-de-abril-dia-mundial-de-la-meningitis

  1. https://es.wikipedia.org/wiki/Caballo_de_Troya

2. https://www.istockphoto.com/es/vector/ilustraci%C3%B3n-antigua-biblioteca-del-congreso-washington-d-c-gm1257089681-368288688

3. https://www.archdaily.com/477187/ad-classics-woolworth-building-cass-gilbert

4 y 5. https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Rubi%C3%B3

6. https://es-academic.com/dic.nsf/eswiki/496322

7. https://www.granma.cu/cultura/2015-04-23/como-recordar-a-alejo-carpentier y elnacional.com

8. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

9. https://es.wikipedia.org/wiki/Hans_Hollein y https://artchist.blogspot.com/2015/05/retti-candle-shop-en-viena-hans-hollein.html

10. http://www.hollein.com/eng/Architecture/Typology/shops-and-interiors/Feigen-Gallery-New-York y https://www.guiadealemania.com/museo-de-arte-moderno/

TAL DÍA COMO HOY…

… 6 de marzo, en 1475 nace Michelangelo Buonarroti y en 1683 fallece Guarino Guarini.

1. Michelangelo Buonarroti (izquierda) y Guarino Guarini (derecha)

El 6 de marzo, escogido al azar para formar parte hoy de nuestra pauta, es un día lleno de curiosidades y datos interesantes. Para empezar cabe destacar que se celebra desde 2008 el Día Mundial del Linfedema (enfermedad crónica, generada como consecuencia del tratamiento quirúrgico del cáncer de mama, caracterizada por la acumulación anormal de líquido y macromoléculas en los tejidos blandos, debido a una alteración de la capacidad de transporte del sistema linfático en el organismo); el Día Internacional del Escultor (para conmemorar el natalicio de Miguel Ángel Buonarroti en 1475), y el más curioso de todos: en 1930, propuesto por iniciativa de la Internacional Comunista, se celebró el Día Internacional del Desempleado sin que sepamos si aún hoy dicha conmemoración se mantiene.

2. Programa del 6 de marzo de 1853 día en que se estrenó en el teatro La Felice de Venecia la obra cumbre de Giuseppe Verdi: ‘La Traviata’. Hay que recordar que aquella primera representación de la ópera de Verdi fue un fracaso.
3. Carátula del LP Let It Be de Los Beatles donde aparece el sencillo del mismo nombre publicado el 6 de marzo de 1970 en Inglaterra.
4. Félix Hoffmann, químico alemán que trabajaba para la empresa Bayer, descubre en 1893 la fórmula de la aspirina, patentada el 6 de marzo de 1899.
5. Foto del último avistamiento del cometa Halley el 6 de marzo de 1986

Si nos detenemos un instante en el mundo de la música, nos encontramos con eventos tan lejanos y dispares como que un 6 de marzo de 1853 se estrena en Venecia la ópera La Traviata de Giuseppe Verdi y en 1970, en el Reino Unido, Los Beatles publican su penúltimo sencillo: Let It Be.

En medio de ambas fechas melódicas, en 1899 la empresa farmacéutica alemana Bayer inscribe la aspirina (ácido acetilsalicílico) como marca registrada convirtiéndose desde entonces en el analgésico, antipirético y antiinflamatorio de mayor popularidad y alcance a nivel mundial. Posteriormente, en 1986, se produjo el último avistamiento del cometa Halley en las cercanías de la órbita de la tierra calculándose que la siguiente visita sea en el año 2061.

Mucho más próximos a los temas que nos incumben, como señala el encabezado, coinciden tal día como hoy el ya mencionado nacimiento de Miguel Ángel (escultor, pintor y arquitecto) en Caprese, Roma y el fallecimiento en Milán de Guarino Guarini (arquitecto, filósofo y matemático) en 1683 a los 59 años.

6. Augusto Font Carreras. Torre Font, 1913.

Y, por si fuera poco, también un 6 de marzo de 1924 fallece en Barcelona a la edad de 77 años el arquitecto catalán Augusto Font Carreras quien, tal y como se expone en una parte del artículo dedicado a él en Wikipedia fuealumno aventajado de Elías Rogent se licenció en 1869. Comenzó su actividad profesional más destacable en El Pilar de Zaragoza, donde dirigió las obras de restauración y reforzamiento de la cúpula central. Intervino también en la redacción, junto a Rogent, del proyecto de restauración de la catedral de Tarragona, y participó en la de Gerona”. Realizó, entre otras, las siguientes obras: Restauración de la Catedral, Barcelona, 1887-1913; el derribado palacio de Bellas Artes para la Exposición Universal de 1888, Barcelona; Sucursal Ronda Sant Pere Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Barcelona, 1891; Plaza de toros Las Arenas, Barcelona, 1899-1900; Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Barcelona, 1900-1903; y Sucursal Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Gràcia-Barcelona, 1906.

Sin ser especialistas en la materia, lo más atractivo de la fecha se encuentra en la posibilidad de repasar, aunque sea someramente y con mucho apoyo bibliográfico, a través de las figuras de Buonarroti y Guarini buena parte de lo que fue la etapa final del Renacimiento italiano, la llegada del Manierismo y la entrada del Barroco que ocurren entre el nacimiento del primero y la muerte del segundo. En otras palabras: el acontecer entre finales del siglo XV, todo el XVI y bien entrado el XVII que de forma magistral desarrolla Giulio Carlo Argan en El concepto del espacio arquitectónico desde el barroco hasta nuestros días (1973).

7. Cúpula de la catedral de San Pedro, Roma, proyectada por Miguel Ángel. Se comienzó a construir en 1547 y se finalizó en 1591. A partir de la muerte en 1564 de su autor será concluida por su discípulo Giacomo Della Porta.

En tal sentido, corresponderá a quien es considerado uno de los más grandes escultores de la historia, recoger el testigo dejado por Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti como figuras descollantes del Renacimiento temprano, basado en el clasicismo de inspiración vitruviana, la visión de la naturaleza como creación suprema y del hombre como medida y referencia del universo, desarrollado en lo que se conoce como el Quattrocento (siglo XV). Así, le tocará a Miguel Ángel participar en la primera parte del siglo XVI como parte del alto Renacimiento que tiene como epicentro el desarrollo de las obras de San Pedro en Roma, incorporándose para concluir con broche de oro la obra iniciada por Donato Bramante y que irá sumando sucesivamente a Rafael Sanzio y Antonio da Sangallo el Joven con la colaboración de Baldassarre Peruzzi.

También la figura de Miguel Ángel dejará sembrada la semilla para el surgimiento del Renacimiento tardío conocido como “Manierismo”: para algunos “imitación de la manera de los grandes maestros”, para otros “‘personalidad artística’, es decir ‘estilo’ en el más amplio sentido de la palabra” y para casi todos la exacerbación del elemento individual en el arte. En esta fase, siguiendo la maniera de Miguel Ángel, las individualidades de los arquitectos comienzan a imponerse al proyecto teórico clásico donde destacan maestros como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della Porta o Andrea Palladio.

8. Miguel Ángel Buonarroti. Frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512)
9. Miguel Ángel Buonarroti. Izquierda: la Piedad (1498-1499) Derecha: el Moisés (encargada en 1505 y realizada entre 1513 y 1515) ubicado en la tumba de Julio II

Cabe recordar que cuando en 1516 Buonarroti recibió su primer encargo arquitectónico (un proyecto para la fachada de la iglesia florentina de San Lorenzo, templo familiar de los Médicis, solicitado por el papa León X, hijo de Lorenzo el Magnífico), ya había realizado buena parte de su obra escultórica y pictórica. Para entonces tenía en su haber, entre otras, piezas como Ángel de la basílica de Santo Domingo de Bolonia (1495), el Baco con un sátiro (1496-98), la Piedad (1498-1499), el David (1501-1504), la Madonna de Brujas (1504), el Moisés (encargada en 1505 y realizada entre 1513 y 1515) para la accidentada ejecución de la tumba de Julio II que demoró en total 40 años, y el Esclavo moribundo junto al Esclavo rebelde (ambos de 1513). También había pintado el Santo Entierro (1500-1501), Tondo Doni o la Sagrada Familia (1504-1505) y su magna obra: la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512).

10. Miguel Ángel Buonarroti. Izquierda: Vestíbulo de la sala de lectura y escalera de la Biblioteca Laurenciana, Florencia (1524-1534). Derecha: Reordenación de la plaza del Campidoglio, Roma (1546), sobre la antigua colina del Capitolio.

A la fachada de la iglesia de San Lorenzo, seguirá su segunda obra arquitectónica: la Sacristía Nueva en el mismo templo iniciada en 1520 y terminada en 1524, paralela a la que Brunelleschi había edificado un siglo antes al otro lado del transepto. La Biblioteca Laurenciana (también en Florencia) comenzada en 1524, interrumpida en 1527, retomada en 1530 y vuelta a abandonar cuando en 1534 Miguel Ángel se marcha definitivamente a Roma, será una de sus creaciones más conocidas, en especial el vestíbulo y la magnífica escalera allí ubicada que da paso a la sala de lectura.

Tal y como se recoge en https://www.biografiasyvidas.com/monografia/miguel_angel/arquitectura.htm, “Pablo III, que ocupó el solio pontificio el mismo año en que Miguel Ángel se instalaba en Roma, le confiaría los más importantes proyectos de su mandato. El primero fue la reordenación de la plaza del Campidoglio (1546), sobre la antigua colina del Capitolio, donde modificó las fachadas de los palacios Senatorio y Dei Conservatori, y además duplicó el segundo con objeto de formar una plaza de forma trapezoidal. El conjunto no fue concluido hasta finales del siglo XVII, pero los planos originales fueron respetados escrupulosamente”. Tras la plaza del Campidoglio, “proyecto verdaderamente revolucionario desde un punto de vista urbanístico, Miguel Ángel sucedió a Antonio da Sangallo el Joven en el palacio Farnesio (1546-1549) y en la dirección de la magna obra de San Pedro a partir de 1546”. Más delante realizaría también en Roma el proyecto para San Giovanni dei Fiorentini (1559), la Capilla Sforza en Santa Maria Maggiore o la reordenación de Santa Maria degli Angeli (1563), lo que denota que estuvo en plena actividad prácticamente hasta sus últimos días.

11. Catedral de San Pedro, Roma. Izquierda: Proyecto de Bramante. Derecha: Proyecto de Miguel Ángel
12. Catedral de San Pedro, Roma. Planta definitiva

Sin entrar en detalles y como se sabe, la crucial participación de Miguel Ángel en San Pedro consistió en presentar un proyecto completamente distinto al originalmente planteado por Bramante destinado a resolver los problemas que habían desalentado a los más destacados constructores de la época y donde todos los elementos estaban sometidos a un criterio de unidad: “Propuso una vuelta al esquema de cruz griega, simplificando las rotondas de los ángulos y eliminando tanto los deambulatorios de los extremos de la cruz como los campanarios. Por otro lado, simplificó y reforzó la estructura, aumentando el grosor de los pilares principales y fusionando los laterales con el muro exterior. De este modo conseguía dar la rotundez necesaria a la base que había de soportar el peso de la gigantesca cúpula, que se mostraba por vez primera lo bastante cohesionada”.

Cuando muere Miguel Ángel en 1564 a los 89 años, las obras del nuevo San Pedro estaban en marcha. “Vignola introdujo unas cúpulas menores, y la principal fue erigida entre 1586 y 1591 por Giacomo della Porta, quien le imprimió un perfil apuntado no previsto por el maestro. Carlo Maderno, a comienzos del siglo XVII, prolongó la nave hasta la actual fachada, y Bernini completó el conjunto con la columnata. Más de ciento veinte años y una docena de arquitectos fueron necesarios para llevar a término el proyecto, pero Miguel Ángel había conseguido que en el centro del crucero, bajo la enorme cúpula, continuase latiendo el espíritu de la obra emprendida por Bramante y Julio II”.

Resumiendo, se podría decir que Miguel Ángel primero fue escultor, luego pintor y finalmente arquitecto lo cual no hace sino corroborar su condición de genio integral y personificación, junto a Leonardo Da Vinci, del hombre del Renacimiento.

13. Guarino Guarini. Palazzo Carignano, Turín (1679)

Camillo Guarino Guarini (1624-1683) siguió la estela dejada por las dos grandes figuras del barroco italiano: Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) y Francesco Borromini (1599-1667) y, dada su condición de matemático, desarrolló obras de gran complejidad e imaginación analizadas a profundidad por Argan en el libro ya citado entre las páginas 122 y 130. En su biografía se registra que Guarinientró en la Orden Teatina en 1639 y ese mismo año se trasladó para hacer el noviciado a Roma, donde estudió hasta 1647, teología, filosofía, matemáticas y arquitectura. En Roma conoció la arquitectura de Francesco Borromini, entonces todavía vivo, que más tarde influyó profundamente en su obra y, en particular en los primeros proyectos”.

Tras sus estudios en Roma, Guarini trabajó en Módena, Parma, Guastalla, Messina, París y Lisboa, pero es en Turín, su lugar de residencia desde 1666, donde desarrolló de forma más completa y extensa su obra arquitectónica.

“Su relación con la arquitectura se estableció a través de las matemáticas, dada su cualidad de gran geómetra. Su gusto por las intersecciones de espacios circulares y elípticos tuvo influencia en el Barroco del sur de Alemania y Austria, en arquitectos como Johann Dietzenhofer y Johann Balthazar Neumann (…) Utilizó de modo personal determinados elementos estructurales y decorativos, como pilastras salomónicas, óculos trilobulados y cartelas asimétricas”.

En Turín Guarini reconstruyó la capilla della Santa Sindone (capilla del Santo Sudario, 1667-1694), la iglesia de San Lorenzo (1668-1687) -su obra maestra-, la primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en una Villa di delizie (1676-1681), la Immacolata Concezione (1673 – 1677) y el Palazzo Carignano (1679) donde refleja su admiración por Borromini, con su salón ovalado y su fachada ondulada al estilo de San Carlino alle Quattro Fontane.

14. Guarino Guarini. La Iglesia de San Lorenzo (1668-1687) dentro del paisaje urbano de Turín.
15. Guarino Guarini. Izquierda: Primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en Castillo (1676-1681). Derecha: Interior y cúpula de la Iglesia de San Lorenzo (1668-1687)

En la iglesia de San Lorenzo Guarini “parte de una base cuadrada que se transforma en octogonal gracias a los pilares y las columnas que sostienen las arcadas curvas. La cúpula que cubre el espacio central es de ascendencia califal cordobesa, formada por ocho nervios entrecruzados que arrancan desde la misma galería de las ventanas del tambor”.

Argan refiriéndose a la obra de Guarini expresará: “»La idea de Bernini (la imaginación que se realiza) se convierte en Guarini en la idea de la hipótesis que ocurre, y ocurre en el hacer humano, en una técnica: pero una técnica que, siendo más bien investigación que implementación, es muy similar a la técnica de Borromini. Guarini, finalmente, es quien logra dialogar las posiciones opuestas de Bernini y Borromini; y unirse, en un momento en que la cuestión de la técnica se está colocando como fundamental para la cultura europea, dos concepciones éticas y religiosas antitéticas de la tecnología”.

Guarini dejó numerosos escritos. “En 1674 publicó en Turín un tratado sobre el Modo di misurare le fabbriche, que demuestra su interés por los restos del arte clásico. Además, Guarini también ha escrito varios libros sobre matemáticas tanto en latín como en italiano, entre ellos uno, Euclides adauctus, sobre geometría descriptiva, que fue uno de los primeros en Italia sobre este tema”. De entre su obra escrita destaca Architettura civile, Turín (1737) publicada después de su muerte por su discípulo Bernardo Vittone. En Wikipedia se comenta: “A nivel teórico se observa a menudo que el tratado de Guarini es una de las primeras manifestaciones de interés por el gótico después de un largo período de abandono”.

Para cerrar, sólo recordar que hoy 6 de marzo también se cumplen 95 años del nacimiento en Aracataca del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Premio Nobel de literatura en 1882, fallecido en Ciudad de México en 2014.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://twitter.com/tribunavigila/status/1103325944956243968?lang=no

  1. https://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel y https://es.wikipedia.org/wiki/Guarino_Guarini

2. https://cadenaser.com/programa/2017/03/06/la_ventana/1488820713_266822.html

3. https://www.amazon.co.uk/Let-Be-VINYL-Beatles/dp/B097CKL5BT

4. https://buendianoticia.com/nota/18908/felix-hoffmann-creo-el-analgesico-mas-popular-la-aspirina-pero-tambien-sintetizo-una-peligrosa-droga-la-heroina

5. https://www.nostalgia80.com/el-paso-del-cometa-halley-1986/

6. https://www.arquitecturacatalana.cat/es/obras/placa-de-toros-de-les-arenes y https://www.epdlp.com/edificio.php?id=8647

7. https://www.pinterest.com/pin/6755468179062563/

8. https://blogarteehistoria.blogspot.com/2017/04/?view=classic

9. https://classicmusica.blogspot.com/2012/03/pergolesi-stabat-mater.html y https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mejores-esculturas-miguel-angel-buonarroti_11182

10. https://www.pinterest.com/pin/527343437602445592/ y http://urban-networks.blogspot.com/2015/01/escenografias-trascendentales-el-caso.html

11 y 12. https://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Pedro

13. https://www.123rf.com/photo_150130232_turin-italy-27-june-2019-facade-of-the-carignano-palace-in-turin-italy.html

14. https://www.istockphoto.com/es/foto/la-iglesia-de-san-lorenzo-tur%C3%ADn-italia-gm844216754-138104507

15. https://kripkit.com/guarino-guarini/ y https://www.istockphoto.com/es/foto/decoraci%C3%B3n-interior-barroco-de-la-iglesia-de-san-lorenzo-dise%C3%B1ada-y-construida-por-gm964566938-263323138