2020• Tres años después de aparecer el primer volumen de la biografía de Alexander Calder (1898-1976), escrita por Jed Perl, aclamado crítico de arte, autor y ensayista norteamericano, la editorial Knopf publica la segunda parte: «Calder The Conquest of Space. The later years: 1940-1976». Coincidiendo con la aparición de este nuevo título, de 688 páginas ampliamente ilustrado, la Fundación Calder le solicitó a Jed Perl un análisis de las quince obras clave de la segunda mitad de la vida del artista. Entre ellas, una de sus favoritas es el «techo acústico» que diseñó en 1954 para el auditorio principal de la Ciudad Universitaria de Caracas.
Escribe Jed Perl al realizar un análisis de las quince obras clave realizadas por Alexander Calder en la segunda mitad de la vida del artista norteamericano: ¨Calder, quien siempre disfrutó trabajando con arquitectos, esta colaboración con el gran arquitecto venezolano Carlos Raúl Villanueva, con quien entabló una gran amistad, representó para él una oportunidad temprana para trabajar obras en una escala monumental a la que se dedicó en sus últimos años. El auditorio (Aula Magna) era el centro de un organismo arquitectónico ricamente articulado¨…¨Villanueva creó una experiencia comunitaria brillantemente estratificada. Calder reflejó esa experiencia con sus intrincadas yuxtaposiciones de forma, escala y ángulo. El techo de Calder sugiere una contraparte moderna de la dramática decoración de algunos teatros de ópera barrocos y rococó de Europa. Su obra aquí se sitúa entre una fanfarria visual y una composición sinfónica completa, con formas y colores organizados por su poder sinestésico. Acústicamente, los paneles también resultaron ser un éxito. Tras su actuación allí en 1957, Leonard Bernstein comentó: ‘Esta sala fue la mejor en la que dirigí en Sudamérica. Después del concierto, les dije a los periodistas que el sonido en el escenario era excelente. Ojalá pudiera llevarme esa parte de la sala a Nueva York para que la Filarmónica la utilizara’ «.
… 17 de noviembre, en 1944 nace el arquitecto neerlandés Rem Koolhaas.
1. Rem Koolhaas (c.2010)
Considerado por muchos como el arquitecto más influyente de su generación, Remment Lucas «Rem» Koolhaas arriba hoy a los 80 años, sin haber perdido un ápice del tono polémico y a la vez reflexivo que ha caracterizado tanto sus intervenciones arquitectónicas como sus entrevistas, conferencias y textos escritos. Si algunos lo ven como uno de los pensadores arquitectónicos y urbanos verdaderamente importantes de finales del siglo XX y comienzos del XXI, otros lo consideran un iconoclasta engreído que personifica como pocos al arquitecto-hombre-estrella. Lo cierto es que Koolhaas no pasa desapercibido en cada una de las ocasiones en que tiene oportunidad de intervenir públicamente.
Sus biógrafos indican que nació en Róterdam (Países Bajos) y “vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, hijo de un escritor y nieto de un arquitecto, absorbe ambas profesiones para desarrollarlas a lo largo de su vida”.
Antes de iniciar sus estudios de arquitectura en 1968 en la Architectural Association School of Architecture de Londres (AA), Koolhaas a los diecinueve años, se dedicó al periodismo, trabajando en el Haagse Post un rotativo de La Haya. En la AA presentó en 1972 su proyecto de tesis titulado Exodus or the voluntary prisioners of architecture (en español, Éxodo o los prisioneros voluntarios de la arquitectura) el cual realizó junto con Madelon Vriesendorp, Zoe Zenghelis y Elia Zenghelis, quienes después serían sus primeros socios en la O.M.A (Office for Metropolitan Architecture) a partir de 1975.
Después de presentar la tesis, Koolhaas realizó estudios en la Universidad Cornell en Ithaca, Nueva York, donde cursó con Oswald Mathias Ungers, y luego en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos en la ciudad de Nueva York en momentos en que su fundador Peter Eisenman aún lo dirigía.
2. (Desde la izquierda) Madelon Vriesendorp, Rem Koolhaas, Elia y Zoe Zenghelis en Nueva York, 1978.
En 1975 regresó a los Países Bajos donde estableció su despacho de arquitectura asociado con sus compañeros de estudios en la AA Elia Zenghelis, Madelon Vriesendorp (con quien se casaría) y Zoe Zenghelis, al que, como ya señalamos, le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA) que alcanzó proyección internacional en el campo de la arquitectura, el urbanismo y el análisis cultural. Posteriormente Koolhaas creó AMO para desarrollar la rama de investigación de OMA cuyo pensamiento teórico ha sido aplicado en libros y otros proyectos que van más allá del ámbito de la arquitectura, como los medios de comunicación, la política, las energías renovables y la moda.
3. Carátula de la primera edición de Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (1978).
Cuando OMA aún daba sus primeros pasos, Koolhaas publica en 1978 Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (traducida al español como Delirio de Nueva York y publicado por Gustavo Gili en 2004), libro fundamental y pieza clave dentro de la producción teórica del último cuarto del siglo XX, que Koolhaas calificó “manifiesto retroactivo” y en el que, en forma novelada, analiza Manhattan a lo largo de su historia, centrándose específicamente en la primera mitad del siglo XX, para desentrañar lo que el autor llama la «cultura de la congestión», fenómeno que ve plasmado en la urbe norteamericana. En su disertación habla de la evolución física de la ciudad, que va inevitablemente ligada a su evolución social, política, económica, artística y arquitectónica.
4. Tres de las páginas interiores de Delirious New York.
Para algunos críticos como José M. Torres Nadal en su artículo “Arquitectura …a pesar de Delirio de Nueva York”, publicado en Arquine el 8 de septiembre de 2022, “El proyecto como sistema de exclusiones fue formulado de una manera tan contundente que ha convertido desde su publicación a Delirious New York en mucho más que solo un libro: es un proyecto metapolítico que ha instituido gran parte de las formas de gobernanza del espacio público de la ciudad. Sobre sus enunciados culturales y políticos se han apoyado, hasta muy recientemente, gran parte de las prácticas culturales arquitectónicas y urbanas contemporáneas, y han instituido buena parte de la agenda académica para la docencia de la arquitectura”.
5. Rem Koolhaas-OMA. Montaje que formó parte de la entrega de la propuesta ganadora del concurso para Euralille, Francia, 1988.
Pero si de alguna manera Delirious New York tuvo para Koolhaas y su oficina una repercusión clara sobre lo que significa pensar de una manera nueva la ciudad contemporánea, ello se vio plasmado al ganar en 1988 el concurso para Euralille, Lille, Francia, convocado para realizar propuestas para una nueva zona de la ciudad en proceso de transformación a raíz de la nueva línea del TGV y del túnel Inglaterra-Continente, que incorporaba un centro internacional de negocios, equidistante de Londres, Bruselas y París.
6. Rem Koolhaas-OMA. Euralille, Francia, 1989-1994.
Josep María Montaner y Zaida Muxi en “Ciudad-estación: Lille, Euralille, Centro Internacional de Negocios”, artículo publicado en ARQA el 17 de octubre de 2006 precisarán cómo aquel trabajo ofreció a Koolhaas y OMA la “oportunidad de pasar a escala metropolitana las teorías del caos, el azar y la incertidumbre. La gran escala y la complejidad eliminaban la posibilidad del mega-objeto, que también entonces Koolhaas estaba experimentando. No se trataba de hacer edificios sino de prever procesos, proyectar estrategias urbanas, crear sistemas de objetos. Para ello OMA preparó unos nuevos mecanismos urbanos que lograsen la unicidad con la heterogeneidad y la multiplicidad. (…) Ningún elemento es independiente; cada uno se debe interpretar en función de los otros y de las relaciones generadas por los flujos”.
7. Zaha Hadid, Rem Koolhaas y Elias Zenghelis-OMA. Maqueta de la propuesta para el concurso de la Ampliación de Ayuntamiento de La Haya, 1978.8. Rem Koolhaas-OMA. Concurso para la Ville Nouvelle de Melun-Sénart (1986).
También, para Montaner y Muxi, “Euralille fue la ocasión para que Rem Koolhaas afrontara la gran escala, siguiendo las ideas de su manifiesto Delirio de Nueva York (1978). En algunos proyectos anteriores, no realizados, había ensayado una solución de escala urbana similar: para el concurso del Nuevo Ayuntamiento de La Haya (1986), planteó un gran edificio como si fuera un fragmento espontáneo de diversos rascacielos de Manhattan; y en la propuesta para la Ville Nouvelle de Melun-Sénart (1986) trazó una ciudad dispersa y experimental, proyectada como un gran ideograma chino conformado por bandas y archipiélagos de islas”.
9. Otros tres libros publicados por Koolhaas.
Desde Delirious New York, Koolhaas ha seguido abonando ideas que le han permitido continuar su particular interpretación del mundo contemporáneo, las cuales ha plasmado en textos como “La ciudad genérica” (1997) o “Espacio basura” (2005) claves dentro de la crítica urbanística del nuevo milenio. Ya anteriormente al primero había publicado S, M, L, XL (1995) y entre ambos había participado en Mutations (2001), un proyecto conjunto de Rem Koolhaas OMA y el Proyecto Harvard sobre la Ciudad, y había lanzado Content (2004) como resultado de la exposición del mismo título que se inauguró en 2003 en la Neue Nationalgalerie de Berlín.
10. Rem Koolhaas-OMA. Izquierda arriba: Teatro de la Danza de Países Bajos (1980-1987). Derecha arriba: Viviendas Nexus (1991). Izquierda abajo: Lille Grand Palais (1994). Derecha abajo: Edificio multifuncional Educatorium Universidad de Utrecht (1992-1997).
Del lado de las propuestas, todas ellas muy publicitadas, destacan, entre otras: el temprano Teatro de la Danza de Países Bajos (1980-1987, La Haya), Viviendas Nexus (1991, Fukuoka, Japón), Villa Dall’Ava (1991, Saint-Cloud, París), el Museo de Arte Kunsthal (1992, Róterdam), Lille Grand Palais (1994, Lille), Edificio multifuncional Educatorium Universidad de Utrecht (1992-1997, Utrecht, Países Bajos), Casa unifamiliar en Burdeos (1996-1998, Burdeos, Francia), Embajada de los Países Bajos en Berlín (1997-2003, Berlín, Alemania), Biblioteca Central de Seattle (1999-2004, Seattle, USA), Casa da Música (2011-2005, Oporto, Portugal), Sede de la Televisión Central de China (2004-2009, Pekín, China), Shenzhen Stock Exchange (2006-2013, Shenzhen, China), De Róterdam, (2009-2013, Róterdam), la Sede Central y Centro de Estudios Estratégicos Fundación Qatar (2012-2017, Doha, Catar), la Biblioteca Nacional de Catar (2018, Catar) y Grandes almacenes Galleria (2016-2020, Gwanggyo, Corea del Sur).
11. Rem Koolhaas-OMA. Izquierda arriba: Villa Dall’Ava (1991). Izquierda abajo: Casa unifamiliar en Burdeos (1996-1998). Derecha: Embajada de los Países Bajos en Berlín (1997-2003).
Tan variada producción confirma lo expresado en la página epdlp.com (https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=84): “La arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos. Su arquitectura es una arquitectura de lo esencial, ideas a las que se da una forma constructiva. Es un profesional que se siente manifiestamente a gusto con el futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al armazón que termina por ser una casa, un centro de congresos, el proyecto de un campus o un libro”.
12. Rem Koolhaas-OMA. Izquierda arriba: Biblioteca Central de Seattle (1999-2004). Derecha arriba: Sede de la Televisión Central de China (2004-2009). Izquierda abajo: Biblioteca Nacional de Catar (2018). Derecha abajo:Shenzhen Stock Exchange (2006-2013).
Koolhaas ha ganado varios premios internacionales, incluido el Premio Pritzker de Arquitectura en 2000, el Praemium Imperiale en 2003, el León de Oro a la trayectoria en la Bienal de Venecia de 2010, el Premio RIBA Charles Jencks en 2012 y el Premio Johannes Vermeer en 2013. En 2008, Time lo colocó entre las 100 personas más influyentes del mundo. Fue elegido director de la Biennale di Venezia y la American Philosophical Society en 2014. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard.
En la actualidad OMA está dirigida por Rem Koolhaas y siete socios más: Reinier de Graaf, Ellen van Loon, Shohei Shigematsu, Iyad Alsaka, Chris van Duijn, Jason Long y el socio gerente y arquitecto David Gianotten, y tiene oficinas en Róterdam, Nueva York, Hong Kong, Doha y Australia. Los edificios diseñados por OMA actualmente en construcción son la renovación de Kaufhaus des Westens (KaDeWe) en Berlín, The Factory en Manchester, Hangzhou Prism, CMG Times Center en Shenzhen y Simone Veil Bridge en Burdeos.
13. AMO. Diseño de los espacios para el desfile de moda femenina otoño/invierno 2020 de Prada.
Por otro lado, como se señala en Metalocus (https://www.metalocus.es/es/autor/office-metropolitan-architecture) “AMO a menudo trabaja en paralelo con los clientes de OMA para fertilizar la arquitectura con inteligencia de esta variedad de disciplinas. Este es el caso de Prada: la investigación de AMO sobre identidad, tecnología en la tienda y nuevas posibilidades de producción de contenido en la moda ayudó a generar los diseños arquitectónicos de OMA para las nuevas tiendas del epicentro de Prada en Nueva York y Los Ángeles”.
Para finalizar cuatro citas de Koolhaas que queremos compartir:
«Si uno no cambia, no evoluciona y termina por dejar de pensar».
«Habla sobre la belleza y obtendrás respuestas aburridas, pero habla sobre la fealdad y las cosas se vuelven interesantes».
«La sostenibilidad se ha convertido en un adorno».
«Cuanto más fuerte es la identidad, más encierra, más resiste la expansión, la interpretación, la renovación, la contradicción».
Considerado uno de los arquitectos italianos más importantes del siglo XX, Carlo Scarpa(1906, Venecia – 1978, Sendai, Japón), quien hoy estaría cumpliendo 118 años, tuvo una trayectoria como intelectual, artista, arquitecto y diseñador intensa y no exenta de dificultades que lo llevó a producir obras de arquitectura verdaderamente significativas.
Siguiendo la estela que marcan sus biógrafos (tomaremos como referencias principales la página Carlo Scarpa http://www.carloscarpa.es/ y el Blog de Hugo A. Kliczkowski Juritz http://onlybook.es), podemos iniciar diciendo que Carlo Alberto Scarpa es hijo de Antonio Scarpa, profesor de escuela primaria y de su segunda esposa Emma Novello. Aunque nació en Venecia pasó su infancia en Vicenza, y a raíz de la muerte de su madre con 13 años regresa a su ciudad natal para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes en Diseño Arquitectónico.
2. Las dos sedes de Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (IUAV), hoy Universidad IUAV. La ubicada en Tolentini (izquierda) y la situada en la vieja fábrica de algodón de Santa Marta (derecha)3. Carlo Scarpa. Proyecto de Grado, 1926 (izquierda). Proyecto para el Teatro Sociale, 1927 (derecha)
En 1926 se diploma y rechazan su solicitud de registro como arquitecto, aspecto este que lo estigmatizó a lo largo de toda su vida. Sin embargo, desde noviembre de ese año colabora con el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (IUAV), como asistente del catedrático Guido Cirilli (con quien trabajó en su estudio de 1926 a 1931) y luego continuará hasta 1977 ocupando cargos siempre diferentes entre ellos el de Director entre 1972 y 1974.
En 1927 se inició una colaboración de Carlo Scarpa con maestros del vidrio de Murano, donde fue diseñador para la empresa Cappellini & Co experimentando durante cuatro años la calidad y las posibilidades creativas que ofrece el vidrio como material y para la que diseña un negocio de vidrio en Florencia (demolido). Los objetos producidos para la compañía de cristal de Murano se presentan en la III y IV Exposición de Artes Decorativas de Monza.
4. Piezas de Carlo Scarpa expuestas en la muestra«Carlo Scarpa. Venini 1932–1947» (2012)
Su trabajo con Cappellini & Co será un importante precedente para la futura colaboración con la empresa Paolo Venini de Murano, donde desde 1934 hasta 1947 Scarpa ejerció como director artístico de la compañía. Para Venini, Scarpa participa en las exposiciones internacionales más prestigiosas del diseño.
En 1931 firma un artículo de adhesion al movimiento “Venecianos racionalistas” junto a Aldo Folin, Guido Pelizzari, Renato Renosto, Angelo Scattolin. En 1934 se casa con Onorina Lazzari (Nini), nieta del arquitecto Vicente Rinaldo, con quien colaboró en la realización de varios proyectos, y la Triennale di Milano, le concede título de honor por los objetos de cristal diseñados para Venini; Conoce a Josef Hoffmann, por quien siente gran admiración; Participa en concursos para el planeamiento urbano de Mestre y el aeropuerto Nicelli del Lido de Venecia.
5. Carlo Scarpa. Aula Magna Ca´ ´Foscari (1935)
Desde 1935 a 1937 realiza el Aula Magna de Ca ‘Foscari, sede de la Universidad de Venecia, y la casa del estudiante, sin duda su primer encargo importante.
En 1942 se registra su primera participación, junto a Mario Deluigi, como curador de la exposición sobre Arturo Martini en el Palacio Central para la XXIII edición de la Bienal Internacional de Arte de Venecia, actividad esta que marca un importante sesgo en su carrera y una vinculación perdurable y prolífica con la Biennale que despegará cuando en 1948, se le encargue en la XXIV edición del montaje de la exposición retrospectiva de Paul Klee, donde experimenta sus grandes cualidades de constructor de espacios para obras de arte, confirmada por más de 60 museos y de exposiciones que diseñó internacionalmente.
1951 es un año especial, se reúne con Frank Lloyd Wright en Venecia, con motivo de su visita a Italia para la exposición dedicada a él en Florencia donde recibe el Doctorado Honoris Causa. Wright (1867-1959) y la arquitectura orgánica en primer lugar junto a Josep Hoffmann (1870-1956), Adolf Loos (1870-1933), Otto Wagner (1841-1918) serán referentes importantes a lo largo de su carrera en la que aflora una personalidad ecléctica, cuya cultura fue impulsada por su relación continua con artistas, arquitectos y académicos. En tal sentido Scarpa en algún momento expresará lo siguiente: “…tienes que tener una mente doble, una mente triple, una mente de ladrón, como un hombre que especula, como un hombre que le gustaría robar en un banco, y tienes que tener lo que yo llamo ingenio, una tensión cuidadosa para poder entender todo lo que pasa y todo lo que sucederá …”.
6. Frank Lloyd Wright y Carlo Scarpa en Venecia en 1951 (izquierda). Diseño museográfico de Carlo Scarpa para el Pabellón de Italia en Expo Montreal 1967 (derecha)
Durante 1953 Scarpa realiza el proyecto para la villa Zoppas en Conegliano Veneto (Treviso) momento a partir del cual se comienza a notar la influencia de Wright que se intensifica luego de viajar a los Estados Unidos y profundizar en el estudio de su obra. De sus viajes a Norteamérica son memorables los montajes de la sección de Poesía en el Pabellón Italiano de la Exposición Universal de Montreal (1967) y la Exposición de dibujos de Erich Mendelsohn en Berkeley y San Francisco en 1969.
7. Carlo Scarpa. Giardino delle Sculture, Padiglione Italia, Biennale, Giardini, Venezia (1952)
En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura, en 1970 se convirtió en miembro del Real Instituto Británico de Diseño y en 1976 de la Accademia di San Luca en Roma.
8. Dos tomas de la exposición de Carlo Scarpa en el MoMA (1966)
Una serie de exposiciones individuales, le dan la oportunidad de presentar su propio trabajo en Italia y en el extranjero. Entre ellas podemos mencionar la del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1966, en Venecia en 1968, Vicenza, Londres y París en 1974 y Madrid en 1978.
9. Carlo Scarpa. Casa Veritti, Udine (1955-61)
A finales de los sesenta crece su prestigio internacional. Si bien el clima cultural y político italiano tiende a marginarle, en el extranjero es cada vez más conocida y apreciada su dimensión intelectual.
10. Carlo Scarpa. Museo di Castelvecchio, Verona (1957-64, 1967-70, 1974).
Scarpa viajó por primera vez a Japón en 1969, país que le interesó muchísimo y donde, en su segundo viaje en 1978, murió el 28 de noviembre en un desafortunado accidente en Sendai. De acuerdo a su voluntad fue enterrado en el Complejo Monumental Brion, proyectado por él y construido entre 1969-78, donde en un área aislada pequeña su hijo, el arquitecto, restaurador, diseñador y decorador Tobia Scarpa, diseñó una sencilla lápida para su tumba.
11. Showroom Olivetti, Venezia (1957-58).
Sólo después de la muerte recibirá la concesión de un Doctorado Honoris Causa en Arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo fin a una diatriba interminable sobre la legalidad de su obra arquitectónica en la ausencia de un título adecuado.
12. Carlo Scarpa. Villa Palazzetto, Monselice, Padova (1971-75)
Poco dado a escribir largos textos, Scarpa dejó para la posteridad muchas frases célebres recogidas en entrevistas y otras oportunidades que tuvo la oportunidad de intercambiar con el público. De entre ellas es altamente recomendable leer la concedida a Martín Domínguez en 1978 meses antes de su muerte que apareció como “Entrevista a Carlo Scarpa” en el nº 158 (1983) de Quaderns d’arquitectura i urbanisme monográfico dedicado al maestro italiano.
13. Carlo Scarpa. Complesso Monumentale Brion, Cimitero di San Vito di Altivole, Treviso (1969-78).
Scarpa construyó más de 40 edificios nuevos donde la utilización del agua como tema cobra papel relevante en muchos de ellos. Destacan, entre otros: el Aula Magna di Cà Foscari, Venezia (1935-37); la Casa Bellotto, Venezia (1944-1946); el Giardino delle Sculture, Padiglione Italia, Biennale, Giardini, Venezia (1952); el Padiglione de Venezuela, Biennale, Giardini, Venezia (1954-56); la Casa Veritti, Udine (1955-61); la Fondazione Canova-Museo Gipsoteca Canoviana, Possagno, Treviso (1955-57); el Museo di Castelvecchio, Verona (1957-64, 1967-70, 1974); el Showroom Olivetti, Venezia (1957-58); la Chiesa Villaggio Eni, Borca di Cadore, Belluno (1959); la Casa Balboni, Venezia (1964); el Complesso Monumentale Brion, Cimitero di San Vito di Altivole, Treviso (1969-78); la Villa Palazzetto, Monselice, Padova (1971-75); la Banca Popolare di Verona e Novara, Verona (1973-78, 1981); la Villa Ottolenghi, Bardolino, Verona (1974-1978); y la Edicola Funebre Galli, Cimitero Comunale di Nervi Sant’Ilario, Genova (1976).
14. Muestra de los numerosos libros publicados en torno a la figura de Carlo Scarpa.
Se han publicado más de 50 libros dedicados a su obra arquitectónica, artística, artesanal, gráfica y museográfica de entre los que vale señalar aquellos dedicados a recoger sus dibujos pertenecientes al archivo del Museo Nacional de las Artes del Siglo XX de Roma (MAXXI) (I teatri de Carlo Scarpa, 2010) o su labor como docente que Franca Semi, su colaboradora en las aulas en los años setenta, plasma en A lezione con Carlo Scarpa (2010). El último, recientemente aparecido, titulado Carlo Scarpa. The complete buildings (2024), acompañado de excelentes fotografías de Cemal Emden y textos de Jale N. Erzen, cuenta con una buena reseña en inglés escrita por Jonathan Bell publicada en el boletín diario Wallpaper del 29 de mayo.
15. Carlo Scarpa. Banca Popolare di Verona e Novara, Verona (1973-78, 1981).
Acerca de su manera de trabajar sobre lo existente poniendo especial atención en el detalle y dándole particular importancia a las partes dentro del todo, Santiago de Molina escribirá en su blog Multiples el 11 de enero de 2010 como parte del texto “Carlo Scarpa o el palimpsesto”, lo siguiente: “Es cierto que no hay en Scarpa ninguna revolución, ningún espacio antológico. Sin embargo, es significante como en sus dibujos y en sus obras siempre se da la superposición de materias, trazos, detalles y escalas como una dialéctica educada y deslumbrante con el legado de otros tiempos”.
16. Carlo Scarpa. Izquierda: Detalles de la Tumba Brion, 18 de febrero de 1976. Centro: Museo de Santa Caterina, Treviso, 4 de febrero de 1976. Derecha: Gipsoteca canoviana, Possagno, 23 de enero de 1976.
Sobre el valor de la expresión gráfica dentro de su obra, recogemos del blog Arquitectura a contrapelo del 21 de febrero de 2013 (https://arquitecturaacontrapelo.es/tag/carlo-scarpa/) que Scarpa “…hacía del dibujo pensamiento plasmando en él todo su mundo interior de obsesiones. Dibujo sobre dibujo, bosquejaba cada detalle del proyecto: cada piedra, cada conducto, cada encuentro, cada hueco venía pensado, es decir, al pensarse se dibujaba, pedía su propia resolución, su propia forma y carácter, ése y no otro. Una forma de trabajar agotadora y a contracorriente con su tiempo”, a lo cual se suma lo que en su momento Manfredo Tafuri expresara calificando a Scarpa como: “Un maestro de la época bizantina, que accidentalmente vivió en el siglo XX y que en consecuencia, utilizó las escrituras actuales para dejar que las verdades antiguas hablaran”.
Nota
17. Carlo Scarpa. Pabellón de Venezuela. Venecia, 1953-1956. Dibujo original de Scarpa de la volumetría del pabellón.
Carlo Scarpa estableció una muy particular relación con Venezuela a partir de que, por intermediación de su discípulo Graziano Gasparini, le fuese encargado en 1953 el pabellón de nuestro país para la Bienal de Arquitectura de Venecia, que se ubicaría en le Giardini y sería terminado en 1956. Se dice que cuando Gasparini en aquel año le propone al gobierno de Marcos Pérez Jiménez la construcción de un pabellón nacional y logra su aprobación a instancias del Ministro de Educación José Loreto Arismendi, se le había planteado a Carlos Raúl Villanueva realizar el proyecto el cual declinó por exceso de trabajo en aquellos años. Gasparini, designado comisario de la muestra entre 1954 y 1956, ante la negativa de Villanueva, recurrió a su maestro veneciano quien aceptó y logró para la posteridad levantar uno de nuestros edificios representativos en el exterior más importantes y trascendentes sin que su autor hubiese pisado jamás el suelo del país para el que trabajó.
La muestra con la que se inauguró el pabellón en 1956 (la 28ª Bienal) contenía obras de: Mateo Manaure, Armando Barrios, Luis Guevara Moreno, Alejandro Otero, Héctor Poleo, Manuel Quintana Castillo, Francisco Narváez y Rafael Monasterios.
La historia de Boris Iofan, diseñador del icónico pero no construido Palacio de los Soviets, cuyos edificios llegaron a definir el lenguaje de la arquitectura soviética.
¿Qué haría un arquitecto por tener la oportunidad de construir el edificio más alto del mundo? ¿Qué sacrificaría para seguir con vida en medio de las purgas asesinas de Stalin?
Esta es la primera publicación importante sobre la notable vida y carrera de Boris Iofan (1891-1976), arquitecto estatal de Joseph Stalin. La historia de Iofan es una visión de la problemática relación de todos los arquitectos exitosos con el poder. Iofan, un diseñador talentoso y un comunista comprometido, se convirtió en el arquitecto más célebre de la Unión Soviética después de que Alexei Rykov, el sucesor de Lenin, lo convenciera de regresar a Moscú desde Roma con su aristocrática esposa, Olga Sasso-Ruffo. Iofan estuvo en el corazón de la vida política de la Unión Soviética y su trabajo es clave para comprender su cultura oficial.
Cuando los secuaces de Stalin aplastaron la vanguardia arquitectónica, fue Iofan quien creó el nuevo estilo nacional, desde los grandes proyectos que realizó (incluida la Casa en el Embankment, una megaestructura de 505 viviendas para la élite soviética) hasta proyectos aún más ambiciosos no construidos, en particular el Palacio de los Soviets, un sueño barroco estalinista cuya imagen se reprodujo en toda la Unión Soviética. Su carrera lo llevó a Nueva York y París, y a la destruida ciudad de Stalingrado. Era amigo de Frank Lloyd Wright; rival de Le Corbusier, Walter Gropius y Erich Mendelsohn; y enemigo del arquitecto de Hitler, Albert Speer, cuyo pabellón nazi estaba frente al soviético de Iofan en la Expo de París de 1937. Guardó silencio cuando Stalin ejecutó a sus amigos, incluido Rykov; también sacrificó su propio talento al seguir al pie de la letra las instrucciones del dictador al crear los hitos del régimen.
Generosamente ilustrado, con una amplia gama de material inédito, este libro es una exploración de la arquitectura como instrumento del arte de gobernar. Es una visión de los momentos clave de la política y la cultura del siglo XX desde una perspectiva única, y la historia personal de un individuo notable que fue testigo de muchos de los puntos de inflexión más dramáticos de la historia moderna.
Jens Risom, una figura clave en el diseño moderno de mediados de siglo, fue uno de los primeros diseñadores en introducir el diseño escandinavo en los Estados Unidos y su trabajo original altamente coleccionable se vende actualmente por grandes sumas en una subasta. En 1942, los diseños de Risom formaron la mayoría de la colección inaugural de muebles originales para la icónica Hans Knoll Furniture Company y muchas de sus piezas clave todavía están en producción hoy en día, por fabricantes líderes como Knoll, Design Within Reach, De Padova, Camira y Ralph Pucci.
Esta, la primera biografía autorizada de Risom, abarca su educación en Dinamarca, las primeras colaboraciones con Georg Jensen y Hans Knoll, la creación de su propia empresa, Jen Risom Design, su célebre casa prefabricada en Block Island, Rhode Island, así como su legado y presencia en el siglo XXI. Con acceso único a una plétora de bocetos, fotografías y efímeros nunca antes vistos, este libro demuestra, como nos dice el eslogan inmortal en su icónica campaña publicitaria fotografiada por Richard Avedon, «La respuesta es Risom».
Durante más de cincuenta años, Robert A. M. Stern ha diseñado edificios extraordinarios en todo el mundo. Socio fundador de Robert A. M. Stern Architects (RAMSA), Stern fue descrito una vez como “el joven más brillante que he conocido en toda mi carrera docente” por Philip Johnson y recientemente llamado “el arquitecto más valioso de la ciudad de Nueva York” por Bloomberg.
Between Memory and Invention. My Journey in Architecture, que abarca la autobiografía, la historia institucional y anécdotas animadas detrás de escena, examina el mundo de la arquitectura desde la década de 1960 hasta el presente y el papel fundamental de Robert A. M. Stern en él.
El libro narra los años de formación de Stern, la educación arquitectónica y medio siglo de práctica arquitectónica, abordando todas las influencias que lo moldearon. Detalla su educación en Brooklyn, las excursiones familiares para ver edificios clave del siglo XX y las relaciones con maestros destacados, entre ellos Paul Rudolph y el legendario Vincent Scully. Stern también relata los orígenes de RAMSA y los principales proyectos de su historia, incluida la nueva ciudad de Celebration, Florida, la restauración de Times Square y 42nd Street, 15 Central Park West, Benjamin Franklin y Pauli Murray Colleges en Yale, y George W. Bush Presidential Center, así como referencias a los muchos clientes, compañeros arquitectos y socios profesionales que han poblado su extraordinaria carrera.
Por momentos reflexivo, crítico e irreverente, este relato accesible e informativo de una vida en la arquitectura está repleto de ideas personales y humor. La voz de Stern aparece claramente en el texto: detalla sus esfuerzos juveniles por rediseñar los planos de las casas en los anuncios inmobiliarios, su relación con Philip Johnson, que comenzó en Yale y se mantuvo a través de innumerables almuerzos en el Four Seasons, su amor por Cole Porter y películas de las décadas de 1930 y 1940, su lucha por lanzar un estudio de arquitectura en la década de 1970 en medio de una recesión y su compleja asociación con Disney y Michael Eisner.
Como era de esperar, la ciudad de Nueva York juega un papel importante en Between Memory and Invention. Stern tiene un profundo compromiso con la ciudad y registra su pasado (es el autor principal de la monumental serie de libros de Nueva York, la historia definitiva de la arquitectura y el urbanismo desde finales del siglo XIX hasta el presente) y da forma a su futuro. Aunque ahora es una práctica mundial, las torres residenciales RAMSA se elevan por todo Manhattan para enriquecer el horizonte siguiendo la tradición de los lujosos edificios de apartamentos de las décadas de 1920 y 1930.
Con el apoyo de una mezcla animada de imágenes extraídas del archivo personal de Stern y otros recursos, esta memoria tan esperada se intercala con diapositivas de viajes personales, imágenes de precedentes arquitectónicos y de los colegas que han dado forma a su pensamiento, y fotografías de los muchos proyectos que analiza. Con un reflexivo epílogo del historiador de la arquitectura Leopoldo Villardi que profundiza en el proceso de Stern para armar esta extraordinaria obra autobiográfica, Between Memory and Invention es una evaluación personal y sincera de uno de los principales practicantes, historiadores, instructores y defensores de la arquitectura en la actualidad.
ACA
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