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Una serie de explosiones controladas demuele el resto del puente de Génova tras el derrumbe que causó 43 muertos

El Gobierno italiano evacúa a 3.400 personas para tirar las dos torres que permanecían de pie tras el desplome de agosto de 2018

28 de junio 2019

El País

Los dos pilares que quedaban aún en pie del emblemático puente Morandi de Génova, en el noroeste de Italia, que en agosto de 2018 sufrió un derrumbe parcial que causó la muerte de 43 personas, han sido demolidos este viernes de manera controlada con una espectacular explosión en la que se ha utilizado cerca de una tonelada de dinamita, según han informado las autoridades. A las 9.37 (hora italiana) se oyó una sirena y se accionaron los chorros de agua para crear un muro que evitase la difusión de las partículas de polvo. Después, con la explosión de las 15 cargas colocadas, los dos pilares del puente se desplomaron en seis segundos.
Para esta demolición se puso en marcha un plan de seguridad en el que han participado cerca de 400 agentes de las fuerzas del orden, se cortaron todas las carreteras adyacentes y fueron evacuadas 3.500 personas que podrán regresar a sus casas cuando se comprueben los niveles de polvo en el aire y la presencia del amianto que contenía el cemento del puente. Con objeto de evitar la difusión de estas partículas durante horas se lanzaron litros de agua en dirección al puente y continuarán durante varias horas más.

A la demolición han asistido, además del alcalde de Génova, Marco Bucci, y el presidente da la región de Liguria, Fabio Tosi, miembros del Ejecutivo, como los vicepresidentes Matteo Salvini y Luigi di Maio, y la ministra de Defensa, Elisabetta Trenta. Bucci ha asegurado que la demolición, «sin igual» debido a que se ha realizado en pleno centro urbano, ha sido un «éxito». También ha dicho que ahora empezará la verdadera reconstrucción, que se prevé que termine en la primavera de 2020.

Un consorcio formado por las empresas italianas Salini Impregilo, Fincantieri y Italferr construirá el nuevo puente con el diseño del arquitecto Renzo Piano. El nuevo viaducto costará 202 millones de euros y contempla una cubierta de acero de 1.100 metros de longitud, con 19 pilares elípticos separados a una distancia de 50 metros. El 14 de agosto del año pasado se derrumbó parcialmente el puente Morandi, causando la muerte de 43 personas, un suceso del que el Gobierno italiano culpó de inmediato a la concesionaria italiana Autostrade per l’Italia, porque era la responsable de la gestión y mantenimiento del viaducto. La Fiscalía de Génova abrió entonces una investigación para tratar de esclarecer las razones del siniestro y actualmente están siendo investigadas 20 personas, entre ellas varios directivos de Autostrade, filial de Atlantia. Además, cerca de 300 familias han perdido sus casas ya que estas estaban ubicadas bajo el puente y tendrán que ser derrumbadas. 
El viaducto, de 1.182 metros de longitud y 90 de altura, formaba parte de la vía A10, que conecta el norte de Italia con Francia. Fue inaugurado el 4 de septiembre de 1967 y fue diseñado por el ingeniero y arquitecto romano Riccardo Morandi.

ACA

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La Unesco declara Patrimonio Mundial ocho obras de Frank Lloyd Wright

El comité celebra que el arquitecto del helicoidal Museo Guggenheim de Nueva York hizo un uso «sin precedentes» de materiales como el acero y el hormigón

Antonia Laborde

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

7 de julio 2019

El País

A lugares como el Parque Nacional de Yellowstone, el Gran Cañón o la Estatua de la Libertad, una serie de construcciones del arquitecto Frank Lloyd Wright ubicados en Estados Unidos se han sumado este domingo al listado de Patrimonio Mundial declarado por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco). Los ocho edificios, construidos en su mayoría en la primera mitad del siglo pasado, son patrimonio histórico estadounidense. El conjunto de las obras seleccionadas entre más de 400 diseños del maestro de la arquitectura norteamericana ha sido titulado «La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright». El comité explicó que los edificios seleccionados reflejan la «arquitectura orgánica» desarrollada por Wright, que incluye “un plano abierto, un desenfoque de los límites entre el exterior y el interior y el uso sin precedentes de materiales como el acero y el hormigón”.

Arriba: Izquierda, Museo Guggenheim (Nueva York); Derecha, Unity Temple (Oak Park, Illinois). Abajo: Izquierda, Casa Frederick C. Robie (Chicago); Derecha, Fallingwater (Mill Run, Pensilvania)

En la cuadragésimo tercera reunión celebrada por el comité de Patrimonio Mundial, esta vez en Bakú, Azerbaiyán, Estados Unidos consiguió sumar una nueva obra (aunque sea un conjunto) a las 23 que ya estaban declaradas como patrimonio de mundial por la Unesco. Entre los edificios destacados de Wright (1867-1959), aparece el cilíndrico Museo Guggenheim de Nueva York, acabado meses después de su fallecimiento. El arquitecto concibió el edificio-espiral como un “templo del espíritu”. Otra edificación reconocida por el comité es el Unity Temple, una iglesia Unitaria Universalista ubicada en Oak Park, Illinois, y construida entre 1905 y 1907. La entrada al siglo XX fue un periodo muy fecundo en la carrera del arquitecto y esta fue su obra más famosa de aquella época: fue su iniciación con el hormigón armado y se atrevió a dejar a la vista la instalación eléctrica como parte del diseño.

Arriba: Izquierda, primera Casa Herbert y Katherine Jacobs (Madison, Wisconsin); Derecha, Hollyhock (Los Ángeles). Abajo: Izquierda, Taliesin West (Scottsdale, Arizona); Derecha, Taliesin East (Spring Green, Wisconsin)

“Cada uno de estos edificios ofrece soluciones innovadoras a las necesidades de vivienda, culto religioso, trabajo u ocio. El trabajo de Wright de este período tuvo un fuerte impacto en el desarrollo de la arquitectura moderna en Europa”, describe el comité de Patrimonio Mundial. Los otros seis edificios seleccionados incluyen la Casa Frederick C. Robie en Chicago; la Taliesin en Spring Green, Wisconsin; la Hollyhock en Los Ángeles; la Fallingwater en Mill Run, Pensilvania -que de una de sus terrazas nace una catarata que desemboca en el río-; la Taliesin West en Scottsdale, Arizona; y la primera Casa Herbert y Katherine Jacobs en Madison, Wisconsin. Esta última es considerada su inmersión en el concepto usoniano. Wright comenzó a construir las casas usonianas a partir de 1934, como respuesta a la crisis económica en la que estaba sumergido EE UU después de la Gran Depresión. Los materiales eran naturales y de bajo coste, pensados para que las familias de la clase media pudieran acceder a las viviendas, que solían tener forma de L porque estaban construidas en sitios poco cómodos para una edificación tradicional. Los diseños eran sencillos, pero modernos, y el arquitecto los pensaba acorde al entorno natural en el que edificaban las casas. En esa época, Wright adelantó: “Un hogar estadounidense será un producto de nuestro tiempo, espiritual y psíquicamente. Será una gran obra de arte, respetada en todo el mundo, por su integridad, su valor real”. El maestro de la arquitectura estadounidense quería reflejar el espíritu de su país en sus construcciones, y que estas dialogaran con el exterior. Desde ahora parte de esa idea conforma la lista de los 1.092 sitios declarados Patrimonio Mundial.

ACA

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La Bienal Iberoamericana de Diseño en Caracas.

Venezuela en la BID y Selección 2018.

Tomado de haciendalatrinidad.org

Hoy 7 de julio a las 11:30 a.m. se inaugura en los espacios de Hacienda La Trinidad Parque Cultural una muestra itinerante de la Bienal Iberoamericana de Diseño (BID), una de las citas más importantes del diseño contemporáneo iberoamericano que se celebra cada dos años en la Central de Diseño de Matadero, Madrid, ciudad que acoge esta gran iniciativa y que actúa como puente para todas sus itinerancias, como la que ahora llega a Caracas.

Con la finalidad de ser un punto de encuentro y espacio de reflexión para la cultura del diseño, la Casa de Hacienda y el Secadero 3 exhibirán, además de una selección de los Premios y Menciones de la 6º Bienal (BID18), los trabajos de los diseñadores venezolanos que participaron en las ediciones de 2014, 2016 y 2018.

La muestra itinerante –que llega a Caracas de la mano de la Fundación Diseño Madrid (DIMAD) y el apoyo de la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela– cuenta con la curaduría del diseñador industrial y asesor de la BID por Venezuela Ignacio Urbina Polo, así como con la colaboración de Álvaro Sotillo, también miembro del comité asesor BID. Respecto a lo que se podrá encontrar en esta exposición, Urbina comenta: “Este año presentamos, junto a los Premios y Menciones de la BID18, 46 proyectos de los diseñadores venezolanos que participaron en las ediciones de la BID14, BID16 y BID18. Seleccionados todos por un jurado internacional, estos trabajos proponen una imagen de país que permite divisar potenciales áreas sensibles de alta pertinencia, relevancia y poco visitadas por el diseño.”

La BID, evento que arriba a su décimo aniversario como una referencia mundial de las mejores expresiones del diseño reciente, convoca a profesionales y organizaciones del Diseño de Latinoamérica, España y Portugal alrededor de todas las áreas del Diseño: Gráfico, Textil y Moda, Digital y Diseño de Producto, Arquitectura e Interiorismo, Diseño de servicios y Diseños transversales que incluye criterios de “Diseño para todos”, “Diseño para el desarrollo”, “Diseño y sostenibilidad” y “Diseño e innovación”, entre otros. Esta iniciativa bianual es posible gracias al apoyo del Ayuntamiento de Madrid y del Programa ACERCA de capacitación para el desarrollo en el sector cultural de la Cooperación española (AECID), además de otras instituciones participantes. En la semana posterior a la inauguración de la muestra “La Bienal Iberoamericana de Diseño en Caracas. Venezuela en la BID y Selección 2018”, los espacios de la Hacienda ofrecerán una variada programación de eventos especiales que incluirán charlas, clases magistrales, talleres, presentación de portafolios, así como encuentros con profesionales y protagonistas del arte de diseñar, esperando sirvan de inspiración y aporte a la creatividad, formación, desarrollo, economía y cultura de esta esencial, valiosa y necesaria disciplina.

ACA

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El último edificio diseñado por Le Corbusier, abre sus puertas al público en Zúrich

Por Niall Patrick Walsh

Traducido por Piedad Rojas

20 Junio, 2019

Tomado de Plataforma arquitectura

El Centro Le Corbusier -el último proyecto del renombrado arquitecto completado en 1967- ha reabierto sus puertas al público en Zúrich luego de una extensa renovación.

Abierto de mayo a noviembre, el pabellón ahora alberga exposiciones temporales, eventos y talleres que tratan diversos aspectos de la vida y obra del arquitecto, desde el diseño de muebles hasta la fotografía y la pintura. Tras el largo proceso de restauración, el pabellón fue fotografiado por Paul Clemence.

El Centro Le Corbusier fue efectivamente el último proyecto sobre el que Le Corbusier estuvo trabajando en 1965 a lo largo de sus últimos meses de vida. El edificio es un testimonio de la versatilidad de Le Corbusier como arquitecto, pintor y escultor. Él se inclinó sobre este proyecto intencionalmente y con el objetivo principal de desarrollar un museo donde pudiera albergar y exponer su vasta colección personal de proyectos de arquitectura, maquetas, pinturas, esculturas y fotografías

Curiosamente, este es un edificio atípico en comparación con la mayoría de sus obras. Aquí no hay concreto, piedra ni repeticiones infinitas. Aquí se celebra el acero, con el que exploró la pre-fabricación y montaje, donde la libertad espacial se encuentra a través del uso inteligente de la modularidad, una planta libre e infinitamente adaptable.

La estructura de la cubierta se apoya en sólo cuatro puntos, dos enormes sombrillas construidas en chapas de acero soldadas, una volteada hacia arriba y la otra hacia abajo. El edificio fue completamente prefabricado: las chapas de acero se soldaron unas a otras en la propia fábrica y se trajeron al lugar en forma de grandes elementos independientes, los cuales finalmente fueron alzados y soldados para dar la forma final a la arquitectura del edificio.

Esta enorme cubierta metálica, además de definir las formas del pabellón y acoger el programa del museo, fue concebida principalmente para ofrecer protección contra el sol y la lluvia en los espacios del museo.

Además de acero y vidrio, Le Corbusier utilizó una serie de paneles metálicos esmaltados en colores primarios para conformar la envoltura de los espacios expositivos del museo, creando una noción dinámica de ritmo que transforma nuestra percepción espacial del edificio.

El último proyecto de Le Corbusier fue recientemente publicado en la guía de ArchDaily para la ciudad de Zúrich. Para más información sobre el Centro Le Corbusier recomendamos visitar la página web oficial de la ciudad de Zúrich.

ACA

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La Sagrada Familia consigue la licencia de obras 137 años después

Grego Casanova

7 de junio, 2019

Tomado de El País

El patronato tendrá que pagar 4,6 millones de euros por regularizar las obras comenzadas en 1882.

La Sagrada Familia ha obtenido el pasado viernes 7 junio la licencia de obras del Ayuntamiento 137 años después de que se colocara su primera piedra. El patronato tendrá que pagar 4,6 millones de euros por el permiso para la gran rehabilitación aprobado por la Comisión de Gobierno del ayuntamiento, que establece el terreno edificable en 53.495 metros cuadrados.

La teniente de alcalde de urbanismo, Janet Sanz, ha celebrado haber completado uno de sus objetivos de legislatura más relevantes: “conseguir acabar con una anomalía histórica en nuestra ciudad”. Sanz ha explicado que la basílica tendrá que pagar “como todo el mundo y sin ningún tipo de privilegio” y que será el Instituto Municipal de Hacienda el que determine la forma de pago.

La Junta Constructora de la Sagrada Familia tendrá que abonar 4,6 millones al ayuntamiento de la capital por el Impuesto de construcciones, instalaciones y obras (ICIO), y por las tasas de licencia de obras. El permiso que pone en orden el templo modernista establece un máximo edificable en 172 metros de altura y determina la parcela en 53.495,61 metros cuadrados, 41.026,29 sobre suelo, y dos plantas de sótano.

En paralelo, el ayuntamiento ha determinado el principal uso del templo como centro de culto visitable, y delimita a 378 metros el espacio para uso comercial, al que se tendrá acceso solo desde el interior de la propia basílica.

La licencia ha sido concedida en los últimos días del mandato de Ada Colau, después que fuera solicitada hace más de 130 años al consistorio de Sant Martí Provençals en el año 1885. El acuerdo entre consistorio y patronato llega después de que en octubre de 2018 el gobierno Colau y el templo pactaran regularizar las obras: el templo pagará 36 millones en 10 años para compensar el gasto que genera a la ciudad, y el Ayuntamiento aprobó un plan especial urbanístico para las obras. La basílica es uno de los monumentos con más afluencia turística de España, con 4,5 millones de visitas en el interior y alrededor de 20 millones que la contemplan desde fuera. El incremento en el número de visitantes ha alterado de forma sustancial el uso del espacio público, y el transporte público se ha visto sensiblemente afectado. Con el objetivo de mejorar los servicios ciudadanos y el mantenimiento del espacio, de los 36 millones acordados, 22 de ellos irán destinados a la ayuda al transporte público, siete a mejorar los accesos al metro, cuatro a reurbanizar las calles que rodean la basílica, y tres destinados a sufragar servicios de limpieza, vigilancia y agentes cívicos.

ACA

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El Serpentine Pavilion diseñado por Junya Ishigami toma forma en Londres

Por Eric Baldwin

Traducido por Nicolás Valencia

18 de junio 2019

Tomado de Plataforma arquitectura

El Serpentine Pavilion 2019 diseñado por el arquitecto japonés Junya Ishigami está tomando forma en Londres. Una serie de fotografías tomadas por Laurian Ghinitoiu revela la cubierta flotante del proyecto, una lámina de pizarra que se eleva desde el suelo, sostenido por pilares que lo convierten en un refugio.

Junya Ishigami explicó que su diseño materializa su filosofía del «espacio libre» con el cual busca una armonía entre estructuras artificiales y naturales. Al respecto, Ishigami explicó:


“Mi diseño para el pabellón juega con nuestra perspectiva del entorno construido sobre un fondo del paisaje natural, enfatizando una sensación natural y orgánica como si hubiera crecido fuera del césped, asemejándose a una colina hecha de rocas”.

El programa del Serpentine Pavilion fue fundado en 2000 por Julia Peyton Jones y Han Ulrich Obrist para darle una oportunidad en el Reino Unido a arquitectos extranjeros de compartir su talento a una nueva e influyente audiencia. El encargo es reconocido por su intenso calendario: una vez elegidos, los arquitectos solo tienen seis meses para diseñar y construir su pabellón.

La presentación del pabellón deja atrás la controversia en torno a las pasantías sin pago en Junya Ishigami + Associates, por lo cual The Serpentine Gallery ordenó a la firma pagar a todos los empleados que trabajaron en el diseño del pabellón.

Las críticas a las condiciones laborales en la oficina japonesa se desataron tras un email publicado por The Architects’ Journal donde una persona candidata a trabajar en la oficina denunció que la pasantía era sin pago, en jornadas laborales de seis días y con horas extras. The Serpentine publicó un comunicado de prensa el pasado 27 de marzo aclarando que no permitiría que pasantes o personas en cargos sin sueldo formaran parte del equipo de diseño del Serpentine Pavilion 2019.

Ishigami es el 19° arquitecto en diseñar el Serpentine Pavilion, tras Frida Escobedo (2018), Francis Keré (2017), Bjarke Ingels (2016) y SelgasCano (2015).

ACA