Este número recorre casi dos décadas de trabajo del estudio internacional Moneo Brock, fundado en Nueva York en 1993 por Belén Moneo y Jeff Brock, y con sede principal en Madrid desde 2002. A lo largo de 320 páginas, la publicación presenta una selección de obras entre 2007 y 2026 que abarcan desde infraestructuras urbanas y equipamientos educativos hasta espacios de ocio, arquitectura doméstica y diseño de objetos, con proyectos realizados en España, México, EE. UU., Colombia y la República Dominicana.
Tres ensayos críticos articulan la lectura de la obra. Stan Allen analiza el compromiso del estudio con el espacio público y la dimensión colectiva de la arquitectura, subrayando cómo cada edificio se implica con el suelo que pisa y el entorno que lo rodea. Manuel Blanco recorre la trayectoria de Moneo Brock a través de los conceptos vitruvianos de utilitas, firmitas y venustas, a los que añade una cuarta condición —la sostenibilidad— como eje vertebrador de su práctica. Marisa Santamaría se ocupa de la dimensión del diseño de objetos y del espacio cultural _2B, extensión natural del estudio que durante más de una década ha funcionado como laboratorio de intercambio entre disciplinas.
La arquitectura de Moneo Brock se distingue por una atención sostenida a la materialidad, la luz y el paisaje. Las celosías, los muros de piedra coralina, el bloque de vidrio translúcido o el hormigón visto aparecen en sus obras como elementos que estructuran el espacio y median entre el interior y el exterior, entre lo construido y la naturaleza. Sus edificios se asientan firmemente sobre el terreno y trabajan con el clima local, desde la luz rasante de Mallorca hasta la brisa del trópico caribeño, dando lugar a una arquitectura que concilia la abstracción formal con la riqueza sensorial y la vocación pública.
La trayectoria de Belén Moneo y Jeff Brock —formados en Harvard, Princeton y Columbia, y docentes en instituciones de ambos lados del Atlántico— refleja una práctica cosmopolita arraigada en la cultura arquitectónica española e hispanoamericana. Su obra ha sido ampliamente publicada en medios internacionales y reconocida en numerosos foros profesionales, consolidando a Moneo Brock como uno de los estudios más singulares y coherentes de su generación.
1. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021.
Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor
Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna
Tenerife, España
Fernando Menis
2004-2021
No estaríamos exagerando si dijésemos que la pequeña escala en la arquitectura no representa un género menor; históricamente ha funcionado como el laboratorio de investigación y desarrollo (I+D) de la disciplina.
Al tener presupuestos más acotados, tiempos de ejecución rápidos y, frecuentemente, la ausencia de un programa funcional rígido (como resolver normativas de vivienda complejas o instalaciones masivas), las estructuras pequeñas permiten experimentar con una pureza ideológica radical. Lo que hoy se prueba a microescala, a menudo se convierte en la norma de los rascacielos o los planes urbanos del mañana.
2. Donato Bramante. Tempietto de San Pietro in Montorio, Roma, 1502-1509.
Si nos quisiéramos remontar en el tiempo, podríamos afirmar que el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502-1509) de Donato Bramante en Roma, pequeño edificio conmemorativo de tan sólo 4.5 metros de diámetro de planta, encargado por los Reyes Católicos de España para marcar el lugar tradicional del martirio de San Pedro, se convirtió, al no tener que resolver la acústica, la visibilidad o la capacidad para cientos de feligreses, en manifiesto teórico puro que resucitó la tipología del tholos clásico (el templo circular griego y romano) y demostró, a microescala, que la arquitectura basada en la simetría radial absoluta era viable y sublime. También sirvió a Bramante para lograr que a través de un edificio de bolsillo se percibiera lo monumental gracias a un control milimétrico de las proporciones y, además, se constituyó en el prototipo a escala para resolver problemas de mayores dimensiones como el diseño original de la cúpula de la Basílica de San Pedro en el Vaticano.
3. Templo de Apolo. Stourhead Gardens. Mere, Wiltshire (Inglaterra), 1741-1780.4. Propuesta presentada por Bjarke Ingels Group (BIG) para el Serpentine Pavilion, 2016. 5. Hórama Rama. Pedro & Juana. Propuesta ganadora del Programa Anual de Jóvenes Arquitectos del Museo de Arte Moderno y MoMA PS1, 2019.
Echando un rápido vistazo a la evolución de este fenómeno a lo largo de la historia, podríamos, salvando las distancias, ir de las “follies” incorporadas al paisajismo durante los siglos XVIII-XIX en los jardines ingleses y franceses, entendidas como los primeros campos de prueba para el Romanticismo, el Eclecticismo y el uso de técnicas constructivas ligeras antes de que estos estilos saltaran a la gran escala urbana, a las iniciativas como el Serpentine Pavilion en Londres o el YAP del MoMA PS1 que transformaron la microarquitectura en una pasarela de innovación rápida.
6. Mies van der Rohe. Pabellón alemán para la Exposición Internacional de Barcelona, 1929.
En medio quedarían los numerosos pabellones realizados para ferias internacionales y exposiciones universales de entre los cuales el Pabellón de Barcelona (Mies van der Rohe,1929) destaca como manifiesto construido del Movimiento Moderno, al reducir la arquitectura a unos pocos planos de mármol, vidrio, acero y agua, demostró cómo los materiales industriales podían generar un espacio fluido y lujoso sin recurrir a la ornamentación clásica, e incluso el “Cabanon” que Le Corbusier se construyera para sí mismo como su laboratorio personal para llevar al límite el Modulor en un espacio de apenas 3.66 x 3.66 metros, como preámbulo a la manera como hoy en día los arquitectos utilizan las estructuras temporales para testear en el mundo real sistemas de fabricación digital, robótica aplicada, economía circular y nuevos materiales sostenibles.
No menos importante dentro de estas consideraciones relacionadas a la pequeña escala, apuntando ahora a su trascendencia y perpetuidad, ha sido el rol jugado por las edificaciones religiosas en el giro que daría la arquitectura moderna de la primera mitad del siglo XX a lo acontecido a partir de la segunda mitad, colaborando de manera decisiva en despojar al Movimiento Moderno de la pátina de frialdad y monotonía que lo había envuelto cuando estuvo dominado por el racionalismo estricto, las geometrías ortogonales y el dogma del «funcionalismo» de la máquina de habitar.
7. Le Corbusier. Notre Dame du Haut (Ronchamp, Francia), 1955.
En la arquitectura religiosa, la pequeña escala alcanza su máxima potencia lírica y teórica. Al verse liberados de las complejidades distributivas de las grandes catedrales o de las rigideces de los programas civiles masivos, las capillas e iglesias pequeñas se han constituido históricamente como manifiestos fenomenológicos y tectónicos puros.
En estos espacios, el programa se reduce a lo esencial: la escala humana, la experiencia del recogimiento, el silencio de la materia y la manipulación de la luz.
8. Le Corbusier. Notre Dame du Haut (Ronchamp, Francia), 1955.
Casos emblemáticos son, por ejemplo, Notre Dame du Haut (Ronchamp, Francia, 1955) de Le Corbusier y, del mismo año, la Capilla del MIT (Cambridge, EE. UU.) de Eero Saarinen. La primera, pensada para el rito cristiano y ubicada en lo alto de una colina, surgió como manifestación de un importante giro tectónico por la manera como fue utilizado el concreto a la vista que, acompañado de la capitulación del ángulo recto, permitió lograr una escultura plástica y orgánica que a su vez contenía un espacio cargado de misticismo gracias al sabio manejo de la luz.
9. Eero Saarinen. Capilla del MIT (Cambridge, EE. UU.), 1955.10. Eero Saarinen. Capilla del MIT (Cambridge, EE. UU.), 1955.
La segunda, de carácter ecuménico, fue pensada para resolver la espiritualidad en sociedades laicas o instituciones multiculturales, recurriendo a los elementos universales de la naturaleza (agua, luz, tierra) en lugar de la iconografía tradicional. Para lograrlo, Saarinen abordó el problema desde una aproximación formal completamente opuesta a la utilizada por Le Corbusier en Ronchamp: una geometría cilíndrica pura, ciega y de ladrillo, rodeada por un foso de agua que no revela nada de lo que ocurre dentro, y actúa como un filtro radical contra el “ruido” del mundo exterior, gobernado por el campus hiperracional y tecnológico del MIT. Así, propuso un espacio centrado en la percepción sensorial donde, al entrar, el usuario se encuentra con un muro interior texturizado e irregular de ladrillo que ondula de forma sutil para evitar ecos y reverberaciones molestas, en el que se refleja la luz reflejada del foso de agua exterior, filtrada a través de ventanas ocultas en la base del cilindro, convertida en destellos de luz líquida. Como complemento, se diseñó un óculo cenital perfecto que proyecta una cascada de luz directa sobre el altar de mármol y la imponente escultura flotante de filamentos metálicos de Harry Bertoia.
11. Carlos Raúl Villanueva. Iglesia de La Asunción (23 de enero, Caracas), 1957-1959. Colaborador: Juan Pedro Posani.12. Eladio Dieste. Iglesia de Cristo Obrero (Atlántida, Uruguay), 1960.13. Tadao Ando. Iglesia de la Luz (Ibaraki, Osaka, Japón), 1989.14. Peter Zumthor. Capilla de Campo Bruder Klaus (Mechernich, Alemania), 2007.15. Nicolás Campodonico. Capilla de San Bernardo (Pampa de Córdoba, Argentina), 2015.
Dentro de una saga (incompleta, hay que decirlo) que ha seguido la senda señalada se pueden señalar, entre otras, obras como: la Iglesia de La Asunción (Comunidad 2 de diciembre -hoy 23 de enero-, Caracas, 1959) de Carlos Raúl Villanueva; la Capilla del Convento de las Capuchinas Sacramentarias (CDMX, México, 1960) de Luis Barragán; la Iglesia de Cristo Obrero (Atlántida, Uruguay, 1960) de Eladio Dieste; la Iglesia de San José (Pamplona, Colombia, 1961) de Juvenal Moya; la Iglesia del Monasterio Benedictino de la Santísima Trinidad (Las Condes, Santiago, Chile, 1964) de Martín Correa Prieto y Gabriel Guarda; la Iglesia de la Luz (Ibaraki, Osaka, Japón, 1989) de Tadao Ando; la Iglesia de la Abadía Benedictina de San José (Güigüe, Venezuela, 1990) de Jesús Tenreiro; la Iglesia de San Giovanni Battista (Mogno, Suiza, 1996) de Mario Botta; la Capilla de Campo Bruder Klaus (Mechernich, Alemania, 2007) de Peter Zumthor; y la Capilla de San Bernardo (Pampa de Córdoba, Argentina, 2015) de Nicolás Campodonico.
16. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Dibujo del arquitecto.
Pues bien, como parte de este grupo de obras que podemos considerar como verdaderos manifiestos fenomenológicos y tectónicos puros debe incluirse la Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de la Laguna, Tenerife) proyectada por el arquitecto canario Fernando Menis entre 2004 y 2005 (año de inicio de su construcción) y finalizada en 2021.
17. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Emplazamiento.
El emplazamiento escogido para ubicar el conjunto dedicado al Santísimo Redentor y en particular al episodio de la Resurrección, se trata de un sector poco atractivo de San Cristóbal de La Laguna (coloquialmente La Laguna), ciudad histórica del noreste de la isla de Tenerife, segunda en importancia y primera capital de la isla.
18. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021.
De acuerdo con la “Descripción enviada por el equipo del proyecto” publicada en https://www.archdaily.cl, el barrio de Las Chumberas, “un polígono de 670 viviendas de los años ’70, organizadas en 42 bloques a las que se sumaron más tarde centros comerciales y naves industriales”, cuyo crecimiento se dio en paralelo a la construcción del edificio, requería de “un necesario catalizador de los cambios urbanos y sociales que se daban en el barrio. En su visión, el nuevo edificio tenía que crear un lugar donde no lo había, y contribuir a la redefinición identitaria de Las Chumberas, erigiéndose en espacio de referencia en un previo tejido urbano confuso. La edificación resultante es una Iglesia que incluye un centro parroquial y una plaza pública rodeada de vegetación, es decir un lugar público, de encuentro, que el barrio necesitaba”.
19. Los dos cuerpos que conformaron la primera etapa de la construcción del conjunto entre 2005 y 2008 que albergan el Centro Parroquial/ Comunitario.20. Los dos cuerpos que conformaron la etapa final de la construcción del conjunto que de manera intermitente se llevaron a cabo entre 2008 y 2021.
Aquejada por un proceso de ejecución largo y fragmentado debido a la necesidad de recaudar fondos, logrados como modelo de acción colectiva mediante donaciones de varias organizaciones, muchos vecinos y algunos empresarios comprometidos con el barrio que les vio nacer y crecer, esta obra, que destaca por su imponente uso del hormigón con piedra volcánica y por sus volúmenes fracturados que emergen de una suerte de cráter excavado para salvar la importante pendiente de la parcela, se tuvo que levantar por etapas que fueron previstas desde su propia concepción. De tal manera, los dos primeros volúmenes (de los cuatro que componen el complejo de 1050 m2) que contienen el Centro Parroquial/ Comunitario se terminaron en 2008 para dar servicio inmediato al barrio. Transcurrirían otros 12 años hasta que en 2020 se completaran las obras estructurales del templo principal, para culminar los acabados y llevarse a cabo la inauguración definitiva en 2021.
21. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Corte longitudinal.22. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Plantas.
Los proyectistas explicarán: “El edificio, inspirado en la geología de la isla volcánica que lo acoge, aparece incrustado en el suelo, elevándose con sus cuatro volúmenes macizos que te llevan a pensar en unas enormes rocas movedizas. La textura rugosa del hormigón visto contrasta fuertemente con el entorno residencial de factura convencional. Es como si en la periferia se hubiera producido un fenómeno geológico, como si la naturaleza luchara contra la banalidad. Entre los volúmenes pétreos se abren estrechas fracturas que se protegen con unas estructuras escultóricas de metal y vidrio. A través de ellas se desliza la luz natural que acaba de configurar un conjunto austero y descarnado, en el que el arquitecto ha renunciado a todo lo superfluo”.
23. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Interior de la iglesia.24. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Explicación del tratamiento dado a la luz.
Y continúan: “la luz del día se filtra a través de las grietas para dar forma a un vacío libre e introvertido que juega un papel esencial en la misa al enfatizar cada uno de los sacramentos cristianos. Al amanecer, una cascada de luz atraviesa la cruz llenando el espacio detrás del altar para así escenificar la entrada a la cueva en la que fue sepultado Jesús e irradiando hacia la pila bautismal, la primera luz de un cristiano. Al mediodía, el altar, la confirmación y la comunión son bañados por la luz que fluye verticalmente. Más tarde, un haz de luz cae sobre el confesionario. La estratégica disposición de los lucernarios consigue el mismo efecto sobre la unción, el matrimonio y el sacerdocio”.
25. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Efectos lumínicos.26. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021. Uso y tratamiento del hormigón.
Para concluir: “el uso del hormigón como material principal, cubre varios aspectos: exterior, interior, estructura, forma, materia y textura. En primer lugar, es un material de uso común, accesible localmente, lo que permite trabajar solo con empresas y materiales locales, de acuerdo a los principios de la ‘arquitectura kilómetro cero’ que Menis reivindica en sus proyectos. En segundo lugar, la eficiencia energética proporcionada por el hormigón debido a su naturaleza isotrópica se ve reforzada aquí por la inercia térmica de los gruesos muros macizos.
27. Fernando Menis. Centro de Cultura, Música y Congresos CKK Jordanki (Polonia), 2015.
… como en otros de sus edificios, Menis experimenta aquí con el potencial acústico del hormigón, y desmitifica la creencia común según la cual el hormigón es acústicamente inferior a otros materiales como, por ejemplo, la madera. Desde el punto de vista de la acústica, el hormigón se utilizó aquí de dos formas: para la difusión del sonido se utilizó hormigón visto convencional, mientras que para la absorción se picó la superficie del hormigón visto previamente mezclado con piedra volcánica porosa ligera (picón). Se ha logrado así una acústica que asemeja la habitual en la ópera, adecuada para la palabra y el canto, idealmente diseñada para un edificio que aúna las funciones eclesiásticas y sociales”.
En medio de su prolongado proceso constructivo, la Iglesia de Las Chumberas recibió la visita de Barry Bergdoll, entonces Comisario jefe para Arquitectura en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, quien incluyó el proyecto en la colección de arquitectura del MoMA.
28. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021.
Concluida la obra en su totalidad no sería sino después de 2021 que pudo ser apreciada y valorada a plenitud, alcanzando en 2022 el Premio Internacional de Arte y Arquitectura Religiosa Faith & Form donde un jurado —conformado por la asociación Partners for Sacred Places, la comisión Interfaith Design y el Instituto Americano de Arquitectos (AIA)— le concedió el Premio de Honor (Honor Award) que es la máxima distinción del certamen. En la edición, cuya premiación se celebró el 23 de junio, en Chicago, en el marco de la Convención Nacional del American Institute of Architects, participaron 92 proyectos de todo el mundo de los cuales un total de 16 obras fueron seleccionadas, provenientes de Estados Unidos, Japón, China, Thailandia, Rwanda y España.
29. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021.
Posteriormente, en julio de 2024, la Fundación Frate Sole distinguió a la Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor de Las Chumberas, tras seleccionarla entre 128 propuestas de 28 países del mundo, con el máximo galardón considerado por muchos expertos como el «Óscar» de la arquitectura religiosa.
30. Fernando Menis. Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor (Las Chumberas, San Cristóbal de La Laguna. Tenerife, España), 2004-2021.
Más recientemente, a finales de 2025, el edificio fue distinguido como el World Building of the Year (El mejor edificio del mundo) en el prestigioso World Architecture Festival (WAF) celebrado en el Centro de Convenciones de Miami donde el jurado destacó en su valoración «la intensidad de la arquitectura y el modo en que se ha utilizado la luz para moldear la calidad y la naturaleza de los espacios interiores, realzando la cualidad táctil de las superficies».
Ficha
Nombre: Iglesia y Centro Comunitario del Santísimo Redentor.
Uso: Centro comunitario/Iglesia.
Ubicación: Las Chumberas, San Cristóbal de la Laguna, Tenerife, Islas Canarias, España.
Arquitecto: Fernando Menis.
Equipo de proyecto:
Arquitectura: Babak Asadi, Juan Bercedo, María Berga, Roberto Delgado, Javier Espílez, Andrés Ferrer, Niels Heinrich, Joanna Makowska Czerska, Paula Manzano, Natalia Pyzio, Raúl Rivera, Gerardo Rodríguez, Esther Senís, Andreas Weihnacht, Julia Zasada.
Delineante: Yanira León.
Colaboradores:
Estructura: Juan José Gallardo.
Acústica: Pedro Cerdá/i2A ACOUSTIC&AUDIOVISUAL ENGINEERING.
Instalaciones: J. Oliver Oliva Alonso/ DUAL INGENIEROS, José Ángel Marrero/NUEVA TERRAIN, Fernando Javier Hernández/ PRISMA INGENIEROS.
Arquitectos Técnicos: Rafael Hernández, Andrés Pedreño, Ruperto Santiago Hernández.
Cliente: Parroquia del Santísimo Redentor, Obispado de Tenerife.
Constructora: CONSTRUCCIONES CAROLINA, CONSTRUCCIONES ÁTICO (Mercedes Suárez, Francisco José Tejera), SOLVENTIA INGENIERÍA Y CONSTRUCCIÓN.
Proveedores: CEMEX España, PERI Spain, Zumtobel
Área: 1050 m²
Año: 2021
Fechas:
Concepción del proyecto. 2004-2005.
Trabajos. 2005-2008, 2018-2021
Apertura del Centro Parroquial: abril 2008
Inauguración y apertura al público de la iglesia. 11 de mayo de 2019
Fotografías:
Patri Cámpora, Simona Rota, Miguel de Guzmán, Kim Yong Kwan
Fue en julio de 1988 cuando Jean Nouvel, el arquitecto francés más afamado y de mayor proyección internacional desde Le Corbusier (que, sin embargo, como sabemos, era suizo de nacimiento), visitó Venezuela. Lo hizo en el marco de la celebración del Mes de la Arquitectura de aquel año, evento que desde 1985 venía organizando el Colegio de Arquitectos de Venezuela (CAV) con el aval de un grupo importante de instituciones y el apoyo de patrocinantes de peso.
2. Afiche elaborado con motivo de la celebración del Mes de la Arquitectura de 1985 (izquierda) y portadas de los números 48 (julio 1985) y 49 (abril 1986) de la revista CAV. Ítalo Balbi Toro era por entonces el presidente del Colegio de Arquitectos de Venezuela y María Teresa Novoa la directora de la revista.
Cabe recordar que aquel primer Mes de la Arquitectura, programado para dinamizar un gremio por lo general pasivo, estuvo repleto de charlas, coloquios y actividades de intercambio, contó con el arquitecto Richard Meier como invitado internacional y sirvió para relanzar a partir del nº48 la revista CAV a través de un nuevo formato y sustancioso contenido, todo ello teniendo como excusa la conmemoración el 4 de julio de los 40 años de la creación de la Sociedad Venezolana de Arquitectos (SVA) y 19 de la fundación del CAV. Presidía el ente gremial el arquitecto Ítalo Balbi Toro y tuvo a su cargo la coordinación general de aquellos 30 días celebratorios el arquitecto Alejandro Mendoza D’Ascoli.
Tras el exitoso Mes de la Arquitectura de 1985 el modelo fue replicado los años 1986, donde se contó con la presencia de Mario Botta y Franco Purini como invitados internacionales, y 1987 con Rogelio Salmona asumiendo ese rol teniendo a Fruto Vivas como contraparte nacional.
Así, en 1988, cuando Shully Rosenthal ya había tomado las riendas del CAV, decide mantener con vida el exitoso programa, ratificar a Mendoza como coordinador general e invitar para el capítulo correspondiente a julio de ese año a Jean Nouvel como la figura de mayor relevancia. 14 instituciones y hasta 8 embajadas le ofrecerían su respaldo y 9 empresas aportarían los recursos.
3. Facsímil desplegable donde se mostraba la programación del Mes de la Arquitectura de 1988. Izquierda: Carátula. Derecha: Créditos.
En el facsímil que recoge la amplia y variada programación del Mes de la Arquitectura 1988, la Junta Directiva y el Comité Organizador señalan con ambición que “El Mes de la Arquitectura es un evento cuyos principales objetivos son proyectar la importancia y trascendencia de la arquitectura, mostrando su evolución e influencia en el desarrollo del hombre, a través de la difusión, discusión y repercusión sobre la obra de aquellos que han logrado relevancia por la calidad e influencias de su trabajo, tanto a nivel local como internacional”.
Nouvel, en la que ha sido su única presencia entre nosotros, junto a la visita a universidades y organismos públicos, dictó una recordada conferencia en la Sala Plenaria de Parque Central el jueves 21 de julio de 1988 a las 6:00 pm. donde mostró su particular manera de entender la arquitectura y su incipiente pero significativa obra acumulada, con una edad muy cercana a los 43 años.
4. Facsímil desplegable donde se mostraba la programación del Mes de la Arquitectura de 1988. Izquierda: Página donde se anuncia la conferencia de Jean Nouvel en la Sala Plenaria de Parque Central. Derecha: Colaboraciones y patrocinios.
Con Nouvel como centro, se puede registrar en la publicación citada, la realización de otras cinco conferencias que serían dictadas por: el equipo interdisciplinario Main Street de EE UU, representado por Betsey Jackson y Richard Blerce (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas); el reconocido fotógrafo italiano Giovanni Chiaramonte (Auditorio de la Electricidad de Caracas); la importante crítica e historiadora alemana Annegret Burg (Auditorio de la Electricidad de Caracas); el arquitecto italiano Pietro Derossi, colaborador frecuente de la revista Lotus (Auditorio de la Electricidad de Caracas); y el director del centro colombiano Las Gaviotas, Paolo Lugari (Auditorio del Colegio de Ingenieros). A ello se deben sumar dos coloquios (uno dedicado a Berlín -MACC- y otro a Caracas -Ateneo de Caracas-); la proyección en el Ateneo de Caracas de cuatro películas (Metrópolis, Blade Runner, Brasil y París, Texas), que muestran la visión de sus directores sobre la relación arquitectura-ciudad; un ciclo de hasta ocho exposiciones en diversas salas de la ciudad; y un extenso e intenso ciclo audiovisual constituido por videos aportados por las embajadas de Estados Unidos (4), Francia (8), Japón (4), Australia (2) y España (1) además de 5 provenientes de otros países.
5. Plaza del mercado de Sarlat ciudad histórica situada en el corazón del Périgord Noir al suroeste de Francia.
En cuanto a la primera etapa de la trayectoria de Nouvel previa a su venida a Caracas, se conoce que, influido por la formación de sus padres (ambos docentes de profesión), creció en un ambiente donde se priorizaba el rigor intelectual y la formación académica tradicional. Durante su infancia, la familia se trasladó de Fumel, en el suroeste de Francia (donde había nacido) a Sarlat, una ciudad de trazado medieval que Nouvel describe como un entorno saturado de arquitectura significativa. Es en este contexto donde germina su fascinación por el espacio, alimentada paradójicamente por sus frecuentes escapadas al cine local, una influencia que resultaría determinante en su comprensión posterior de la arquitectura como una secuencia de encuadres y atmósferas.
Aunque su inclinación natural lo orientaba hacia las artes plásticas, Nouvel aceptó estudiar arquitectura como un compromiso pragmático ante la reticencia de sus padres hacia una carrera puramente artística. Tras fallar el examen de ingreso en Burdeos, se trasladó a París en 1966, donde obtuvo el primer puesto en el prestigioso concurso nacional para ingresar en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de donde egresaría en 1972.
6. Izquierda: Claude Parent (1923-2016). Derecha: Paul Virilio (1932-2018).
La formación de Nouvel en París coincidió con la efervescencia política y teórica que desembocaría en mayo de 1968. Entre 1967 y 1970, trabajó como asistente en el estudio de Claude Parent y Paul Virilio. Esta colaboración fue fundamental para su desarrollo intelectual. Claude Parent, proponente de la «función oblicua», y Paul Virilio, filósofo y urbanista centrado en la velocidad y la desaparición de la forma, proporcionaron a Nouvel las herramientas para cuestionar los dogmas del modernismo tardío. A los veintidós años, bajo la tutela de Parent, Nouvel ya asumía la dirección de proyectos complejos, como un conjunto habitacional de ochenta unidades, lo que le permitió adquirir una madurez técnica inusual antes de su graduación.
7. La universidad de La Sorbona, ocupada por los estudiantes en mayo de 1968, París, Francia.
La década de 1970 marcó el inicio de la faceta de Nouvel como un intelectual público y militante. En un periodo de desilusión con las estructuras corporativas de la arquitectura en Francia, Nouvel se posicionó como un crítico feroz de las instituciones establecidas. En 1976, fue miembro fundador del movimiento «Mars 1976», cuyo manifiesto se oponía al corporativismo de los arquitectos y a la rigidez de la Carta de Atenas. Un año después, cofundó el Syndicat de l’Architecture (Sindicato de la Arquitectura), una organización nacida en abierta oposición al Colegio Nacional de Arquitectos oficial.
Este activismo no se limitaba a la teoría. Nouvel participó activamente en la organización del concurso para la remodelación de Les Halles en 1977, un esfuerzo por proponer soluciones urbanas que respetaran la memoria y la vitalidad del distrito frente a los planes tecnocráticos del gobierno. Asimismo, en 1980, fundó la Bienal de Arquitectura de París como una plataforma para el debate internacional sobre la disciplina.
8. Jean Nouvel. Izquierda: Maison Dick en Saint-André-les-Vergers (1976-1978). Derecha: Centro Médico-Quirúrgico Val-Notre-Dame en Bezons (1976-1980).
Sus primeros proyectos construidos reflejan este espíritu de confrontación y búsqueda de una nueva materialidad. Obras como la Maison Dick en Saint-André-les-Vergers (1978-1978) y el Centro Médico-Quirúrgico Val-Notre-Dame en Bezons (1976-1980), donde explora la metáfora del «hotel» o el «transatlántico», utilizando muros cortina y detalles que evocaban una modernidad tecnológica eficiente, introdujeron un lenguaje que utilizaba componentes industriales y tecnologías contemporáneas para abordar programas tradicionales. Esta etapa inicial se caracteriza, en resumen, por una fascinación con el objeto arquitectónico como un ensamblaje de piezas legibles, influencia directa de su exposición temprana a las teorías de la industrialización.
9. Jean Nouvel. Propuesta presentada para el Concurso del Centro Nacional de Arte y Cultura, Beaubourg, París, 1971 (mejor conocido con el Centro Georges Pompidou).10. Jean Nouvel. Propuesta presentada para el Concurso del Parque de La Villette, París, 1982.
Asiduo concursante desde muy joven, Nouvel participó, entre otros, en 1971 en el concurso para el Centro Georges Pompidou, Beaubourg, París, Francia; en 1978 en el de Inmeubles de Ville en Cergy-Pontoise, Francia; en 1982 en los convocados para el Parque de la Villette, para del edificio para el Ministerio de Economía y Finanzas y para el Campus Universitario de Jussieu, todos en París, Francia; en 1983 en el de la Tete Defense, Nanterre, Francia y en el de una Sala de Conciertos para 10.000 espectadores, Bagnolet, Francia y para la Exposición Universal de 1989-La Seine, París, Francia.
11. Jean Nouvel. Instituto del Mundo Árabe (IMA), París (1981-1987).12. Jean Nouvel. Instituto del Mundo Árabe (IMA), París (1981-1987). Fachada sur su imagen más distintiva. Está integrada por 240 módulos de vidrio que contienen miles de diafragmas mecánicos motorizados. Inspirados en las mashrabiyyas o celosías tradicionales, estos dispositivos actúan como un iris fotográfico, abriéndose o cerrándose automáticamente en respuesta a los niveles de luz solar detectados por sensores electrónicos.
Esa insistencia le valió para que en 1981, tras participar en el certamen convocado para proyectar la sede del Instituto del Mundo Árabe (IMA), París, Nouvel resultase ganador siendo el edificio construido y finalizado en 1987. Considerado como un verdadero punto de inflexión dentro de su carrera, el IMA marcó la consagración internacional de Nouvel y definió muchos de los temas que explorarían sus obras posteriores: la luz, la geometría y el diálogo entre culturas.
13. Jean Nouvel. Instituto del Mundo Árabe (IMA), París (1981-1987).
Situado en la orilla del Sena, el edificio se compone de dos volúmenes principales: uno curvo que sigue la trayectoria del río y otro rectangular que se alinea con la trama urbana histórica. El acierto de Nouvel residió en evitar el pastiche orientalista, buscando en su lugar una síntesis tecnológica de los principios espaciales árabes.
De tal manera, a 16 años de haber egresado de la Escuela de Bellas Artes de París, coincidiendo prácticamente con su visita a Caracas, Nouvel comenzaba a recoger los frutos de su primera gran obra como arquitecto que lo catapultó al estrellato. Desde entonces lloverían los encargos y desarrollaría un enfoque que, a partir de la década de 1990, estaría marcado por una transición desde la complejidad mecánica hacia una exploración de la inmaterialidad y la percepción visual. Si el IMA era una máquina para capturar la luz, sus proyectos posteriores buscaron que la propia masa del edificio se desvaneciera en favor de los reflejos, la transparencia y la atmósfera.
14. Jean Nouvel. Ópera Nacional de Lyon, Francia (1986-1993).
De esta etapa son ejemplos emblemáticos: la Ópera Nacional de Lyon (1993, proyecto ganado por concurso en 1986) en el que insertó un inmenso volumen semicilíndrico de cristal sobre el edificio original del siglo XIX, y la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo (1994) un edificio de vidrio y acero donde las fachadas se extienden más allá de los límites del volumen habitable, punto culminante de una exploración que iba tras la búsqueda de ligereza, donde participan la desmaterialización y el juego de reflejos como temas complementarios. También en este período Nouvel ganará el concurso convocado para ampliar el Museo Reina Sofía en Madrid (1999) que terminaría inaugurándose en 2005.
15. Jean Nouvel. Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo, París (1991-1994).
En adelante, Nouvel consolidará una trayectoria profesional que se constituye en uno de los arcos más complejos y teóricamente densos de la arquitectura contemporánea. A diferencia de otros arquitectos de su generación que han consolidado un lenguaje formal repetitivo o una «marca» estética fácilmente identificable, Nouvel ha operado bajo la premisa de la «arquitectura de la singularidad», donde cada proyecto surge como una respuesta específica y única a las condiciones de lugar, tiempo y cultura. Esta actitud lo conducirá a otro punto de inflexión dentro de su trayectoria: la obtención del Premio Pritzker en 2008, veinte años después de su visita a Caracas.
16. Jean Nouvel. Ampliación del Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid (1999-2005).
Si uno quisiera resumir la obra de Nouvel en cifras de acuerdo con los dos hitos más importantes en su carrera, podría decirse que de los más de 250 proyectos que acumula hasta la actualidad diseminados por el mundo, sólo 36 fueron realizados entre 1971 y 1987, momento en que finaliza la construcción del IMA. Entre 1988 y 2008 (cuando obtiene el Pritzker) son casi 140 los trabajos realizados, producto del impacto de aquél emblemático edificio, contabilizándose 85 entre 2008 y 2025.
17. Jean Nouvel. Torre Agbar, Barcelona. (1999-2005). Inspirada en los perfiles de la montaña de Montserrat y en los pináculos de la Sagrada Familia de Gaudí, su forma cilíndrica, recubierta por una piel de lamas de vidrio de colores, crea una vibración visual que cambia según la hora del día y la posición del observador. La incursión de Nouvel en la tipología del rascacielos supuso otra ruptura con la monotonía del Estilo Internacional.18. Jean Nouvel. Filarmónica de París. (2007-2015).19. Jean Nouvel. Museo Louvre Abu Dhabi. (2006-2017).20. Jean Nouvel. Museo Nacional de Qatar. (2003-2019).
Obras como el Museo del Quai Branly en París (2006) en la que llevó su teoría del contextualismo y la desmaterialización hacia una dimensión más emocional y sombría, el Louvre Abu Dhabi (2017) donde la evolución hacia una arquitectura de atmósferas alcanzó su punto más alto, o el Museo Nacional de Qatar (2019) cuya volumetría imita las «rosas del desierto», a las que se podrían sumar edificios en altura como la Torre Agbar (Barcelona, 2005) y la Doha Office Tower (Qatar, 2011), le han servido para reafirmar la idea de que la arquitectura es una forma de resistencia contra lo genérico. Su colaboración con el filósofo Jean Baudrillard en los diálogos sobre los «Objetos Singulares» profundizó en esta visión: la arquitectura no debe ser un sistema de signos predecibles, sino un evento que desafía la percepción y afirma la especificidad de lo real.
21. Ediciones en francés y castellano de Los objetos singulares, Arquitectura y filosofía de Jean Baudrillard y Jean Nouvel cuya primera edición se dio en 1997.
Dicha postura, sumada a su rechazo a tener un «estilo», le ha permitido a Nouvel navegar por diversas culturas y contextos, dejando en cada ciudad un edificio que parece haber brotado orgánicamente de sus propias contradicciones y deseos. Así pues, a casi 38 años de su paso por nuestro país, podríamos decir que, al comparar sus comienzos con su producción actual, se observa en Nouvel un desplazamiento desde la fascinación por la máquina constructiva hacia la creación de atmósferas inmateriales. Mientras que en el Instituto del Mundo Árabe la tecnología era visible y protagonista, en el Louvre Abu Dhabi o el Museo del Quai Branly la tecnología se oculta para servir a una experiencia fenomenológica pura de luz, agua y sombra.
22. Parte de la bibliografía dedicada a recoger la obra de Jean Nouvel.
Nouvel, poseedor de múltiples distinciones, objeto de exposiciones antológicas y numerosos libros, siempre polémico y sin duda digno producto de la época en que ha vivido, es un arquitecto acostumbrado a ejercitar la mirada y que entiende que construir un edificio es, sobre todo, construir una forma de ver el mundo. Dicho en otras palabras, su obra puede ser entendida como la crónica de una búsqueda incansable de la singularidad en un mundo estandarizado. Su capacidad para transformar programas técnicos en experiencias estéticas memorables asegura su lugar como uno de los arquitectos contemporáneos más influyentes.
La semana pasada, mientras preparábamos la nota que dedicaríamos a la visita de N.J. Habraken a Venezuela en 1982, basados en la escueta información que apareció entre las noticias publicadas en la página 6 de la revista Punto nº 65 (1983), le habíamos escrito a nuestro siempre atento amigo y miembro de la Fundación Arquitectura y Ciudad, el arquitecto y Profesor Emérito de la Universidad del Zulia (LUZ), Francisco Mustieles Granell, para que nos aportara alguna pista sobre las actividades que Habraken había realizado en el Zulia, ya que LUZ fue la entidad que lo invitó a venir a nuestro país.
Francisco, quien egresó de la Facultad de Arquitectura y Diseño de LUZ en 1979 e ingresó en 1980 como profesor, y desde 1981 hasta 1983 fue parte del Equipo de Diseño Urbano que proyectó la nueva ciudad Guasare, en el estado Zulia, Venezuela, bajo la dirección de Kevin Lynch (MIT), y también fue parte del equipo de desarrollo residencial bajo la dirección de Christopher Alexander (UCLA Berkeley), nos respondió a comienzos de esta semana desde Puebla, donde hoy reside y es profesor tiempo completo en el Departamento de Arquitectura de la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP), a través de un correo por demás esclarecedor y sin desperdicio que con su autorización hemos decidido reproducir a continuación como complemento a la nota publicada el domingo pasado.
Hola Azier !
Yo muy bien y espero que por allá también estén todos muy bien.
Regresando de CDMX de un congreso estoy buscando información que dispongo de la visita de Habraken.
Él estuvo invitado por la Dirección de Postgrado de la Facultad de Arquitectura de LUZ en 1982, dirigida en ese momento por la arquitecta Rosario Giusti, estando en la ciudad desde el 19 al 21 de julio. Una semana después, bajo la misma dirección, vino Juan Pablo Bonta de la Universidad de Maryland.
El propósito no solo fue el de dictar un curso corto de postgrado sino también ver la posibilidad de incorporar su participación en el equipo que estaba proyectando la nueva Ciudad Guasare, bajo la asesoría general de Kevin Lynch, para hacerse responsable de los desarrollos de edificaciones multifamiliares, mientras que el equipo de Christopher Alexander se hacía cargo de los desarrollos unifamiliares para los grupos socioeconómicos de bajo ingreso. Esto es, los dos máximos exponentes que, a nivel mundial, estaban trabajando por la participación del usuario en el diseño de su vivienda, junto con Lucien Kroll por aparte, con aproximaciones metodológicas diferentes -Lenguaje de Patrones versus Diseño de Soportes- estarían presentes en el diseño de la nueva ciudad, pero la participación de Habraken no se llegó a concretar.
Por otra parte, yo tengo en Maracaibo todas las hojas grandes en papel bond, sobre las que Habraken dibujó a lo largo del curso.
Espero que pueda servir este apoyo para algo !! Si necesitan cualquier otra cosa me avisan.
Saludos Azier, y saludos Henrique!!
Un gran abrazo !
Francisco
Vaya para Francisco desde aquí nuestro sincero agradecimiento por su generoso y valioso aporte.
Cada vez que la luz incide sobre una superficie habrá una sombra, por insignificante que sea su foco. El contorno apenas será visible, pero otras formas cobrarán protagonismo en este juego de luces y sombras. En el caso de ser proyectado por danza solar, se agrega una dinámica latente a las sombras que puede ser utilizada para intensificar fenómenos cotidianos, rompiendo la monotonía del espacio. Las aberturas ortogonales en un largo corredor o las piezas tejidas en un patio son ejemplos de elementos constructivos que crean manchas de luz y sombra, trayendo además deleite estético y confort térmico a sus usuarios. De esta forma, se hace evidente que estos elementos intangibles son partes esenciales de un entorno que, mucho antes de que Louis Kahn declarara el poder de las sombras, ya estaba siendo manipulado.
En Construcción: Biblioteca Escolar en Gando / Kere Architecture
En una época remota, cuando ni siquiera se imaginaban los vidrios con control de incidencia solar o los revestimientos fotosensibles, la arquitectura —hoy conocida como vernácula— ya entendía y manipulaba la iluminación solar a través de estrategias simples como la orientación del volumen sobre el suelo, la composición formal y la elección de los materiales. Entendidas como arquitecturas que reflejan su lugar, tiempo y cultura, las edificaciones vernáculas presentan una comprensión detallada del entorno y del clima en el que se insertan, materializadas a través de soluciones que aprovechan los recursos disponibles en el lugar, controlando sabiamente las propias condiciones climáticas, entre ellas, luz y sombra.
En términos generales, la sombra juega un papel importante en la funcionalidad de la arquitectura vernácula, ya que protege contra el calor y el resplandor del sol, ayudando a regular la temperatura y el flujo de aire dentro del edificio. Por lo tanto, en regiones cálidas y áridas, la manipulación de sombras es un aspecto que está esencialmente presente en los ejemplos arquitectónicos, a partir de la implantación de volúmenes en el suelo. Las casas tradicionales con patios centrales, recurrentes en la cultura de Medio Oriente, presentan esta configuración como una forma de enfrentar la incidencia solar, creando cuatro lados sombreados con corredores hacia el patio, ofreciendo ambientes frescos y confortables. Esta es una característica que también se observa en la arquitectura vernácula coreana, más precisamente en las casas conocidas como hanok, donde la propia configuración de los volúmenes y sus patios crean también espacios de sombra en los que la luz se infiltra como si fuera a escondidas, iluminando sutilmente.
Casa Yang Yoo Dang / STAY Architects.
Sin embargo, además de la configuración de los volúmenes, en las casas tradicionales coreanas se aplican elementos específicos que crean las sombras necesarias para el confort térmico del edificio, como es el caso de los aleros. Con su forma pronunciada, ayudan a bloquear los rayos solares más fuertes en verano, generando una capa de sombra alrededor del volumen. Cabe mencionar que esta misma estrategia se observa en arquitecturas vernáculas de diferentes partes del mundo, como en las construcciones amazónicas de Brasil o en la arquitectura de Indonesia, donde la creación de sombras se realiza a través de pórticos de madera. Funcionan de manera similar a los brises, generando sombras a lo largo del día y ayudando a controlar el equilibrio entre la temperatura interna y externa.
Cortesía de Escuela de la Ciudad y el Pueblo Kamayurá
Además de razones relacionadas con el confort térmico, las sombras también asumen un papel estético que refuerza la identificación de las arquitecturas vernáculas en algunas regiones. La interacción de luces y sombras en la fachada de un volumen puede crear patrones y texturas que son exclusivos de la cultura y el entorno locales. El mundo árabe, por ejemplo, es conocido por su arquitectura hecha de ladrillos, uno de los materiales más antiguos y populares en las regiones cálidas y áridas. En base a su forma, tamaño y durabilidad, se construyeron grandes obras en experimentos formales que iban más allá de los muros/pilares estándar, aplicando este material también como elemento decorativo en la creación de tramas, avances, retrocesos, hornacinas, ménsulas y mocárabes, dejando al descubierto su belleza visual. Ante ello, la luz del sol revela la estética del ladrillo a través del contraste de sus sombras en situaciones que, si bien fueron creadas con fines estructurales y funcionales, no descuidan el aspecto estético y creativo, marcando la arquitectura y su particular región.
En muchas culturas, sin embargo, el uso de sombras y luces puede asumir un papel simbólico, con un significado cultural más profundo. En la arquitectura japonesa, por ejemplo, el uso de las sombras es un aspecto esencial de la filosofía wabi-sabi, que valora la sencillez, la imperfección y la belleza de los materiales naturales. En este sentido, el papel de la sombra en la historia de la arquitectura vernácula no se limita a aspectos funcionales y estéticos, sino que también puede fomentar la espiritualidad de sus usuarios. Como ejemplo, cabe destacar el complejo funerario Newgrange erigido en medio de las montañas irlandesas, con piedras de cuarzo y granito del lugar, hace más de cinco mil años. Esta estructura está marcada por la alineación solar en la que el trabajo entre la luz y la sombra alcanza su punto máximo en el solsticio de invierno cuando se iluminan las profundidades más lejanas de la cámara funeraria. Con la manipulación precisa de la luz, Newgrange busca crear una atmósfera espiritual, brindando una conexión con lo sagrado y simbolizando el renacimiento.
Hotel Beit Rumman, Damasco.
Volviendo al presente, vale la pena mencionar el trabajo de arquitectos que han recurrido a los principios de la arquitectura vernácula, centrándose en materiales y técnicas locales. Un gran ejemplo es el ganador del Premio Pritzker 2022, Francis Kéré, quien trae a sus proyectos importantes características del lugar, rescatando también la manipulación de elementos climáticos, como la luz y la sombra. En la Biblioteca Escolar de Gando, por ejemplo, se utilizó rítmicamente la madera de eucalipto en la fachada, creando un espacio intermedio de sombra protegido del sol. Respondiendo también a las condiciones climáticas, la construcción del techo integra una innovación técnica: sobre la estructura de hormigón se colocaron vasijas de barro tradicionales, hechas a mano por las mujeres del pueblo, para garantizar la iluminación y ventilación natural. De esta forma, Kéré logra aprovechar este objeto cultural, transformándolo en un elemento constructivo que, además de generar circulación de aire, filtra la luz de manera notable, creando una hermosa experiencia sensorial marcada por el contraste entre la luz y la oscuridad.
En Construcción: Biblioteca Escolar en Gando / Kere Architecture.
Ya sea en los albores de la civilización o en la aplicación de técnicas vernáculas en la arquitectura más reciente, estos ejemplos reafirman que el papel de la sombra es fundamental para crear espacios confortables y habitables, regulando la temperatura y el flujo de aire, además de contribuir a la belleza estética y el significado cultural de los edificios tradicionales.
Portafolio, revista adscrita a la División de Extensión de la Facultad de Arquitectura y Diseño (FAD) de la Universidad del Zulia (LUZ), creada el año 2000 (cuya portada del nº 1 ilustra la postal del día de hoy), tiene por objetivo “difundir trabajos científicos originales en las áreas de la arquitectura, la ciudad, el arte y el diseño” (ver https://ve.linkedin.com/in/revista-portafolio-20553559).
La publicación, tal y como señala Elsy Zavarce en el artículo titulado “Revista Portafolio, un proyecto editorial experimental” (SABER ULA, 21, sept. 2004), “surge como iniciativa para llenar un vacío editorial en el campo de la arquitectura, arte y el diseño de la Universidad del Zulia y para apoyar las actividades académicas de la Facultad de Arquitectura y Diseño de LUZ. (…) Sin embargo su necesidad se ve cada día más justificada ante la apertura de nuevas oportunidades de estudio en el área como la Escuela de Diseño Gráfico y la Facultad Experimental de Arte de LUZ, y las mismas carreras en otras Universidades como en la URBE (Universidad Rafael Belloso Chacín), y en la UNICA (Universidad Niños Cantores).”
Pautada con una periodicidad semestral, Portafolio según se recoge en el portal ya señalado “recibe colaboraciones de ARTÍCULOS y ENSAYOS, las cuales conforman el cuerpo principal y permanente de la publicación. Estos documentos describen los avances y resultados de proyectos de investigación científica referidos a un tema relevante dentro de las áreas antes mencionadas, así como reflexiones teóricas sobre los mismos. Son sometidos a un proceso de arbitraje por especialistas de reconocida trayectoria académica nacionales e internacionales, bajo el sistema doble ciego. (…) También recibe colaboraciones correspondientes a ESTUDIOS, de aparición variable en la publicación, representadas por documentos de inventario y actualización de obras, entrevistas y reseñas de libros, eventos, concursos y trabajos de grado. Estos documentos describen o analizan obras de las áreas antes mencionadas, actualizan el conocimiento con la opinión de expertos investigadores o profesionales y describen los últimos acontecimientos en el campo editorial y en los lugares de discusión de las disciplinas involucradas. Con excepción de las reseñas, todas las colaboraciones son arbitradas”.
De acuerdo a lo que apunta Zavarce, “la visión editorial ha sido generar una revista dinámica, actual, diferente, de excelente calidad y diseño, en el deseo de recoger la diversidad propia de la evolución del conocimiento en Arquitectura, Arte y Diseño, apoyando la divulgación y el intercambio propios de la globalización, planteando una propuesta de aceptación académica y para el público en general. De esta forma la revista busca acercarse a una población que tradicionalmente no está habituada a la reflexión científica y académica y hacer llegar a la comunidad científica los avances en la práctica creadora de la misma especialidad. De esta manera, disciplina y oficio, ciencia y creatividad, cerebro derecho e izquierdo se funden, como siempre, en el mismo saber que conforma el cuerpo de conocimiento del diseño arquitectónico, urbano, gráfico y en todas sus modalidades.”
Tal vez uno de los aspectos más interesantes del lanzamiento de Portafolio fue el carácter experimental con el que fueron concebidos su diagramación y diseño de los que llama la atención su doble portada que, como indica Zavarce, “más que enfatizar una dualidad, o unos opuestos, puede ser interpretada como una ruptura de la linealidad o de la secuencia de un tiempo”, presente en otros casos precedentes dentro de las publicaciones latinoamericanas.
Ahondando aún más en aspectos relacionados con su diseño, Zavarce, refiere como “en las páginas centrales (center fold), aspectos como el leer y el ver se conjugan por medio de un tratamiento tanto de contenido como de formas sensuales, tanto de texto como de textura, que en vez de dar información directa se espera del lector el descubrimiento de sus mensajes. Además se convierte en un laboratorio abierto para los estudiantes, en un ejercicio de libertad creativa. (…) La sección ‘Contraportada’ divulga la producción en arte y diseño regional a la vez que se juega con la manipulación, la sorpresa de un formato diferente, la posibilidad de apropiación que ofrece la oportunidad de convertirse en un afiche que cohabite en los lugares que recorremos. Al mismo tiempo se ejercita y revalúa el concepto de afiche, un clásico en el ejercicio del diseño gráfico. En la sección ‘Conectados’ el concepto de conectividad y achicamiento del tiempo y el espacio es reflejado en los contenidos y en un diseño en el que domina la ruptura de la linealidad. (…) La sección ‘Arbitrada’, la más compleja de producir por el cumplimiento de las normas de arbitraje, está acompañada de otros textos como Reflexiones, Casos de estudio, etc. En estas páginas predomina una diagramación neutra pero sin ser genérica al ser considerados las características de contenido, los gráficos y textos para lograr soluciones adecuadas a cada situación.”
Es el espíritu innovador con el que se ha trabajado la presentación de Portafolio desde su nacimiento el que permite a Zavarse afirmar que se trata de un proyecto “donde la imagen toma su esencia, la estética refleja una interpretación de la realidad, la superficie traduce contenidos, (…) para poder comunicar y expresar la diversidad, complejidad y calidad de la arquitectura, el arte y el diseño, en donde la experimentalidad es propia de sus procesos y también una estrategia para expresar una visión editorial donde la rigurosidad científica no está opuesta a la materialidad formal.”
Los editores de Portafolio, que hasta donde tenemos noticia ya ha logrado llegar al número 34 (II 2016) con la Dra. Carmen Velásquez al frente, aclaran que es indizada y/o Catalogada en: LATINDEX,PERIODICA,HAPI,REVENCYT,REVICYHLUZ. A modo de recordatorio habría que añadir entre el “experimental” nº 1, cuyo índice recoge la Presentación de Miguel Sampere, como Artículos “La planificación estratégica de las ciudades. El modelo de Barcelona” de Santiago Juan y Luis y “La ciudad análoga. Aldo Rossi y la lógica de la memoria” de Victoriano Sainz Gutiérrez y como Reflexión “Espacios públicos-espacios colectivos de Manuel Solá-Morales Rubió, y el más convencional nº 34 que presenta un total de 9 Artículos, 1 Ensayo y 2 Reflexiones, Portafolio (que puede consultarse por completo en http://www.produccioncientifica.luz.edu.ve/index.php/portafolio/issue/archive) muestra un claro fortalecimiento y un tesonero espíritu de supervivencia que la convierten en referencia a nivel nacional.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 
