Urban Forms es una exposición en la que la Colección Juan Carlos Maldonado (JCMC) busca identificar algunos de los vínculos formales, técnicos y teóricos que integran la selección fotográfica recientemente adquirida con la ya extensa obra de abstracción geométrica universal que la conforma y caracteriza.
La exposición comprende una serie de imágenes de Paolo Gasparini, fotógrafo italo-venezolano, quien documenta algunos de los esfuerzos modernos en el campo de la arquitectura, especialmente en Brasil y Venezuela. Nos brinda la oportunidad de percibir y estudiar los numerosos puntos de contacto que existen entre las experiencias arquitectónicas y las prácticas pictóricas a lo largo del siglo XX, particularmente a mediados del siglo XX, así como dentro del campo de la abstracción. Esto se debe a que la evidente cercanía formal que observamos entre estas obras no se debe a meras coincidencias, sino a las innegables huellas de búsquedas compartidas que los artistas visuales y arquitectos modernos del continente experimentaron durante ese período, al igual que sus homólogos europeos que los precedieron e influyeron, desde la Bauhaus alemana y el neoplasticismo holandés hasta la vanguardia soviética.
La exposición, en cierto modo, nos permite ver cómo las exploraciones realizadas por ambos grupos desde finales del siglo XIX hasta principios del XX finalmente convergieron en una serie de objetivos comunes. Entre ellos, las necesidades de dinamizar la superficie pictórica tanto de las obras abstracto-geométricas como de los muros desnudos de los edificios modernos; controlar y emplear adecuadamente la luz y el color; insuflar vida, de alguna manera, a los materiales y sus texturas, para que la ciudad fuera más que un simple entramado de estructuras funcionales carentes de cualquier dimensión estética; y, en definitiva, hacer de la ciudad un espacio habitable práctico y agradable para sus cada vez más numerosos habitantes.
Así pues, Formas Urbanas constituye una invitación del JCMC a reconsiderar un proceso largo y complejo, en el que artistas visuales y arquitectos, a veces en paralelo y a veces en estrecha colaboración, trabajaron para visualizar las formas de la ciudad moderna.
En el marco de la exposición, el próximo viernes 20 de marzo se tiene prevista la realización a partir de las 6:30 p.m. de una velada que incluye una charla sobre arte y arquitectura (en español) con el curador Ariel Jiménez y el arquitecto Henry Rueda, seguida de un concierto del Octoplus Ensemble con un programa inspirado en el diálogo entre la arquitectura moderna y las obras abstractas geométricas de la muestra.
Smiljan Radić Clarke ha ganado el Premio Pritzker de Arquitectura 2026. Este prestigioso galardón, considerado uno de los más altos honores de la comunidad arquitectónica mundial, convierte al célebre arquitecto chileno en el 55º galardonado con el Pritzker, tras arquitectos como Liu Jiakun (Premio Pritzker 2025), Riken Yamamoto (2024) y David Chipperfield (2023).
Vik Millahue Winery. Millahue, Chile (2014).
Cuando le presentamos en 2014, con motivo de la inauguración del Pabellón Serpentine, nos comentó que considera su obra fluida y consciente: «No soy un creador de nuevas formas», afirmó. Es una cualidad que el Premio Pritzker 2026 también destaca, subrayando la capacidad del arquitecto para la flexibilidad y la experimentación. Aprovechando el poder de la experiencia humana, su propia capacidad de empatía y una «inteligencia emocional discreta», como bien lo define el equipo del Pritzker, sus diseños responden al lugar, el entorno y las necesidades.
Serpentine Gallery Pavilion, Londres, Reino Unido (2014)
Su obra es, como era de esperar, igualmente variada, abarcando el Restaurante Mestizo (Santiago, Chile, 2006), la Casa Pite (Papudo, Chile, 2005) y Chile Antes de Chile, la extensión del Museo Chileno de Arte Precolombino (Santiago, Chile, 2013). También ha creado la bodega para los retiros VK en Millahue, Chile (2014) y su propio estudio en casa, Pequeño Edificio Burgués (Santiago, Chile, 2023).
Chile Antes de Chile. Ampliación y remodelación del Museo Chileno de Arte Precolombino (2013).
«La arquitectura se sitúa entre formas grandes, masivas y perdurables —estructuras que se yerguen bajo el sol durante siglos, esperando nuestra visita— y construcciones más pequeñas y frágiles, fugaces como la vida de una mosca, a menudo sin un destino claro bajo la luz convencional. En esta tensión de tiempos dispares, nos esforzamos por crear experiencias con una presencia emocional que animen a las personas a detenerse y reconsiderar un mundo que a menudo las pasa por alto con indiferencia», declaró Radić en el comunicado de prensa del Pritzker.
Casa para el Poema del Ángulo Recto (2011-2012)
El jurado del Premio Pritzker 2026 declaró en su acta: «A través de una obra situada en la encrucijada de la incertidumbre, la experimentación material y la memoria cultural, Smiljan Radić prioriza la fragilidad sobre cualquier pretensión injustificada de certeza. Sus edificios parecen temporales, inestables o deliberadamente inacabados —casi a punto de desaparecer—, pero ofrecen un refugio estructurado, optimista y discretamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida».
El Premio Pritzker de Arquitectura se otorga en reconocimiento a un talento excepcional, visión y compromiso que, a lo largo del tiempo, han dado lugar a contribuciones profundas y perdurables a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura. El cuerpo de trabajo de Smiljan Radić encarna estos valores en su forma más radical y esencial.
Teatro Regional del Bío Bío. Concepción, Chile (2018)
Expresar las cualidades de su trabajo arquitectónico en lenguaje hablado es intrínsecamente difícil, ya que en sus diseños trabaja con dimensiones de experiencia que son inmediatamente palpables, pero escapan a la verbalización—como la percepción del tiempo mismo: inmediatamente reconocible, pero conceptualmente evasiva.
Sus edificios no son concebidos simplemente como artefactos visuales; más bien, exigen una presencia encarnada. Una primera paradoja fundamental de la arquitectura de Smiljan Radić es que establece un punto de entrada personal, casi introspectivo, sin llegar a derivar en aislamiento. Por el contrario, lo que comienza como un encuentro individual se expande hacia una resonancia colectiva más amplia. Esta es, quizás, la naturaleza del verdadero arte: se dirige a cada uno de nosotros como seres singulares, uno a uno, y, sin embargo, nos impulsa hacia un origen compartido—un lugar atávico más allá de la raza, el género o la cultura. Tal capacidad adquiere una relevancia particular en tiempos de polarización y deshumanización, y puede constituir el verdadero valor de un arquitecto cuyo trabajo puede describirse, sin dudar, como profundamente original: el arte de la arquitectura practicado como un intento sostenido de reconectar a todos los individuos con un origen más profundo. Es importante que esto no se confunda con nostalgia o revivalismo histórico. Su despojo de la superficie está fundamentado en la experimentación radical y un interrogatorio incesante de la convención, el precedente y el camino trillado. Aquí radica otra paradoja: su enfoque no ortodoxo del diseño puede parecer inicialmente inusual, inesperado—incluso rebelde—sin embargo, lejos de producir alienación o distanciamiento, su postura anticatólica se siente fresca y sin precedentes. Transmite la sensación inconfundible de encontrarse con algo nuevo.
Restaurante Mestizo. Santiago, Chile (2006).
A través de conexiones no obvias y patrones de circulación, los edificios de Radić ofrecen una multiplicidad de escenarios para que los usuarios actúen, interactúen e incluso cambien las narrativas que se desarrollan dentro de ellos. La composición magistral de volúmenes y la calibración precisa de escalas otorgan un sentido de monumentalidad a la vida cotidiana, ya sea experimentada a nivel individual o público. En la arquitectura de Radić, la presencia monumental se reconfigura a través de la fragilidad, la ligereza y la aparente inestabilidad, lograda no solo a través de la escala, sino a través de la atmósfera, la tensión material y la intensidad espacial. Esto permite que las acciones cotidianas—caminar, esperar, reunirse—adquieran significado sin ser subordinadas a una gran narrativa ideológica. A través de su enfoque profundamente democrático, lo monumental se devuelve así a la experiencia común en lugar de reservárselo a momentos excepcionales.
A través de un cuerpo de trabajo situado en la intersección de un lenguaje iconoclasta, la exploración material y la memoria cultural, Smiljan Radić favorece la fragilidad sobre cualquier reclamación infundada de certeza. Sus edificios pueden parecer temporales, inestables o deliberadamente inacabados—casi a punto de desaparecer—sin embargo, proporcionan un refugio estructurado, optimista y silenciosamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida.
Casa Carbonero. Melipilla, Chile (1998).
No están firmemente anclados al suelo; más bien, están delicadamente colocados sobre él, a menudo flotando ligeramente por encima de la superficie y solo ocasionalmente haciendo contacto. Se evita cuidadosamente cualquier alteración duradera del sitio, como si pudieran ser retirados en cualquier momento y el suelo restaurado a su estado original. Inspirándose en el poderoso y a la vez sísmico contexto ambiental chileno y cambiando de la lógica—frecuentemente implícita en la construcción—de dominación y propiedad hacia la coexistencia, Radić presenta la arquitectura como un huésped en lugar de un maestro del sitio, reconociendo la primacía del paisaje y, por extensión, de la memoria colectiva y el territorio compartido sobre la autoría individual.
Este sentido de impermanencia arquitectónica se expresa frecuentemente a través de la elección de materiales. Si bien varían de un proyecto a otro, estos siempre son cuidadosamente considerados, contextualmente responsivos e informados por la disponibilidad local.
Parada de Autobús. Krumbach, Austria (2013).
Reforzando la ética democrática de su trabajo, Radić emplea materiales—ya sean industriales o naturales, refinados o tradicionalmente considerados marginales—de formas que no son nostálgicas ni meramente pragmáticas. En cambio, desestabilizan jerarquías establecidas de valor: lo alto y lo bajo, lo refinado y lo crudo, lo permanente y lo provisional coexisten sin una clara distinción. Esta equivalencia material refleja la apertura social de sus espacios, en los que ningún usuario es privilegiado sobre otro. La carpa de circo que corona el techo de NAVE en Santiago, la membrana blanca que envuelve el Teatro Regional del Bío-Bío en Concepción—brillando con una luz cálida y acogedora al atardecer—y el monumental pabellón inflable Guatero diseñado para la Bienal de Arquitectura de Santiago se convierten todos en escenarios estructuralmente sofisticados pero lúdicos, en los que texturas y colores inesperados interactúan con volúmenes de forma igualmente inesperada.
Distrito Cívico Boca Sur. Concepción, Chile. (2016).
Si la arquitectura da forma a las maneras en que las personas viven, el trabajo de Radić produce experiencias espaciales que se sienten a la vez sorprendentes y completamente naturales. Son sorprendentes en su flexible capacidad para combinar, cuestionar y desmantelar tipologías establecidas; naturales en la forma en que emergen tanto de su historia personal como de la de aquellos que habitarán en última instancia sus edificios. Si bien son completamente responsivas a su función, cada proyecto contiene un elemento de inesperado: experimentar los edificios de Smiljan Radić es provocar y mantener la curiosidad. Lleva estrategias espaciales coherentes hasta sus límites, desarrollándolas con rigor para involucrar activamente al usuario: no se requiere un conocimiento especializado para «entender» el espacio, porque la comprensión nunca es completa. Su trabajo desafía las limitaciones de un solo concepto: los espacios que crea son a menudo ambiguos, a veces incluso inquietantes, nunca predefinidos. Resisten la comprensión completa a través de un solo punto de vista, y es precisamente esta resistencia la que restaura profundidad y complejidad a la arquitectura. Gigantescas rocas erguidas—como en el Restaurante Mestizo en Santiago, edificios que parecen apenas tocar el suelo—como la Casa Pite en Papudo, y el frecuente rechazo de los ejes de coordenadas cartesianas convencionales—la Casa para el Poema del Ángulo Recto en Vilches—invitan a la interpretación, en lugar de al consumo.
Estructura Inflable para la XXII Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Chile. Santiago, Chile (2023).
Por recordarnos que la arquitectura es un arte, en el sentido de que toca el núcleo mismo de la condición humana; por permitir que la disciplina abrace la imperfección y la fragilidad, ofreciendo refugios silenciosos en un mundo moldeado por la incertidumbre, sin la necesidad de ser más ruidosa o espectacular para importar; por crear edificios cuya naturaleza híbrida refleja la contemporánea difuminación de las fronteras disciplinarias, y que no hablan en nombre de las personas, sino que permiten a las personas encontrar su propia voz a través de ellos, Smiljan Radić Clarke es nombrado el Laureado del Premio Pritzker 2026.
El jurado encargado de asignar el Premio Pritzker 2026 estuvo integrado por:
Alejandro Aravena (Presidente): Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2016 (Santiago, Chile).
Barry Bergdoll: Curador, autor y profesor de Historia del Arte en la Universidad de Columbia (Nueva York, EE. UU.).
Deborah Berke: Arquitecta y Decana de la Escuela de Arquitectura de Yale (Nueva York, EE. UU.).
Stephen Breyer: Juez retirado de la Corte Suprema de los Estados Unidos (Washington, DC, EE. UU.).
André Aranha Corrêa do Lago: Crítico de arquitectura y diplomático (Brasilia, Brasil).
Kazuyo Sejima: Arquitecta y ganadora del Premio Pritzker 2010 (Tokio, Japón).
Wang Shu: Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2012 (Hangzhou, China).
Manuela Lucá-Dazio (Directora Ejecutiva): Encargada de coordinar las deliberaciones del jurado.
1953•Simultáneamente a la construcción en Caracas del proyecto del arquitecto Arthur Kahn (1910-2011) para la remodelación del Edificio Zingg para crear el «Pasaje Zingg», suerte de «arteria comercial» a través del edificio que unía las avenidas Este 6 (entre las esquinas Camejo y Colón) y Este 4 -hoy Av Universidad- (entre las esquinas de Sociedad y Traposos), dándole a la ciudad 40 locales comercial agrupados y la primera escalera mecánica instalada en la capital, se concluía y ponía en servicio el Centro Comercial del Este, ubicado en Sabana Grande, entre las calles San Antonio y El Colegio y la avenida Casanova, diseñado por el arquitecto Diego Carbonell (1923-1998).
Este nuevo centro comercial, el primero de Caracas y del Este de la capital, se construyó en un terreno de 5.400 m2, que previamente había sido ocupado por el plantel escolar especialmente proyectado en 1940 para el Colegio Humboldt (antiguo Colegio Alemán); el cual fue expropiado en 1942 por mandato del presidente Isaías Medina Angarita como consecuencia de la II Guerra Mundial.
Casi inmediatamente el inmueble fue utilizado como sede del Liceo Santa María, institución educativa del profesor Hugo Ruan Durán, que también funcionó en ese sitio durante pocos menos de 10 años.
De estos colegios sólo quedó el patio como espacio libre y los hermosos samanes que aún hoy existen. El volumen del Centro Comercial del Este está formado por tres cuerpos o brazos dispuestos como una «U» abierta hacia el norte, respetando en su centro el antes citado patio. Dos de estos brazos están unidos entre sí siguiendo el mismo ángulo de encuentro de la calle San Antonio (en el oeste) y la avenida Casanova (en el sur). Mientras que el tercero, separado de los anteriores, está dispuesto sobre la calle El Colegio y tratado por el proyectista de manera diferente, como fachada principal, incluso con el nombre del «Centro» fabricado en lentejuelas plateadas sobre el edificio. Esta fachada tiene como complemento una hermosa pérgola apoyada en delgadas columnas metálicas, que cubre y protege los locales y los clientes que se acercan a las tiendas.
Con la implantación volumétrica Carbonell no sólo refuerza el carácter de las tres calles sobre la cuales tiene relación el edificio, sino que aprovecha el suave desnivel topográfico de la parcela para, manteniendo la misma rasante en todo el edificio, dotar de 4 niveles a los locales sobre la Calle El Colegio (el brazo este) y de 3 niveles a los ubicados en los brazos sur y oeste.
En total el centro tiene 48 locales comerciales los cuales fueron diseñados para tener ventilación cruzada y no aire acondicionado. Las fachadas exteriores, todas resueltas en cristal, tienen partes provistas de romanillas que garantizaban la circulación de aire. Los brazos este y oeste del edificio tienen sus techos planos, mientras en el brazo sur, sobre la avenida Casanova, los techos son abovedados, construidos de concreto. Sobre las cubiertas se dispusieron los tanques de agua de cada uno de los locales, unidos entre si por paredes hechas con bloques de ventilación, que forman un volumen alargado que remata en la parte superior el edificio, pero que no puede ser visto desde las calles. La fachada interna delata la existencia de los baños de cada local y de una acera cubierta por el voladizo del nivel superior de los locales que continua desde el exterior. La relación de los comercios con el espacio central es a través de puertas (hoy en día clausuradas en muchos casos por los comercios).
Hoy, poco queda de lo que fue este hermoso Centro Comercial. Está casi irreconocible por la bárbaras intervenciones y remodelaciones sufridas. Pocos vestigios quedan también para recordar a la Librería Cruz del Sur, Aisla, la tienda de Margot Meier (sombreros para damas), Paragón (hoy Maxi-papel) y la Electricidad de Caracas, entre otras. Diego Carbonell Parra, el arquitecto de este Centro Comercial, venezolano, nació en Río de Janeiro al estar su padre, diplomático de carrera, al frente de la Legación de nuestro país en Brasil. Estudio en MIT, graduándose en 1944. Al llegar a Caracas empezó a trabajar con su hermano el ingeniero Antonio Carbonell. Juntos proyectaron el edificio sede de la Cruz Roja en Sarría, sobre la avenida Andrés Bello. Se asoció con Tomás Sanabria y diseñaron conjuntamente varios proyectos importantes para la ciudad y nuestra arquitectura. Trabajando como Gerente general de EDIFICACIONES VICA construye las urbanizaciones Las Mercedes, Santa Marta y Santa Cecilia. Uno de sus últimos proyectos fue el Centro Comercial Ciudad Tamanaco.
Hoy 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer. Se trata de una fecha en la que cabe destacar el papel cada vez más relevante de las arquitectas en la transformación del espacio urbano y la superación de barreras en una profesión históricamente masculinizada. Se conmemora el liderazgo, sensibilidad y diseño con enfoque de género, representado por pioneras y nuevas profesionales que construyen un futuro más inclusivo.
Con las imágenes de Elizabeth Wilbraham (1632-1705), primera arquitecta en ejercicio que ha sido documentada; Julia Morgan (1872-1957), primera mujer en titularse en la Escuela de Bellas Artes de París (1902), diseñadora de más de 700 edificios; Carmen Méndez Arocha, considerada la primera mujer en graduarse de arquitecto en Venezuela (UCV,1951); y Zaha Hadid (1950-2016), primera mujer en ganar el Premio Pritzker (2004), les enviamos desde esta página a todas las arquitectas del país las más sinceras felicitaciones.
Con la colaboración de Nick Axel, Guillermo S. Arsuaga y e-flux Architecture
The MIT Press
2025
Idioma: inglés
Descripción
Una colección de ensayos que indagan la reflexión sobre cómo la arquitectura y la enfermedad están sorprendentemente entrelazadas, desde la Antigua Grecia hasta la actual ciudad de Nueva York.
Las enfermedades, el bienestar y la arquitectura son inseparables. Los profesionales médicos y los arquitectos siempre han estado en una especie de baile, a menudo influyendo unos a otros, aunque la danza no siempre está sincronizada. Desde una amplia gama de estudios de casos históricos y contemporáneos desde la antigua Grecia hasta la India del siglo XX y la actual ciudad de Nueva York, Sick Architecture destaca un tema que ha moldeado nuestras vidas desde los comienzos de la arquitectura hasta el estallido de la pandemia de Covid-19 y más allá.
La arquitectura enferma va más allá de las enfermedades reconocidas por la profesión médica para preguntar: ¿Qué aspectos de la sociedad pueden estar enfermos, necesitados de atención o sujetos a la patologización? Del mismo modo, el libro va más allá de los edificios físicos y las ciudades para interrogar los protocolos de política y las lógicas espaciales de la arquitectura. Sus treinta y cinco ensayos diversos exploran momentos de la historia global cuando las nociones cambiantes de salud se convirtieron en vectores para el desarrollo de la práctica arquitectónica y el discurso, así como lo contrario, cuando la arquitectura actuó como un reservorio y vector de la enfermedad.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 