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TAL DÍA COMO HOY …

20 de agosto, 2023 Fundación Arquitectura y Ciudad Deja un comentario

… 20 de agosto, nacen Eliel Saarinen (1873) y su hijo Eero Saarinen (1910)

1. Eliel Saarinen (izquierda) y Eero Sarinen (derecha).

La historia de la arquitectura registra una alta cantidad de sagas de padres e hijos arquitectos. Si nos ponemos a enumerar casos tanto a nivel nacional como internacional la lista sería interminable. Por lo general, la influyente figura del padre es decisiva a la hora de que alguno o algunos de sus descendientes directos tome la decisión de elegir la arquitectura como carrera o disciplina a profesar. Sin embargo, aunque ello puede dar origen al surgimiento una buena sociedad a nivel de práctica a través de una oficina, o la posibilidad de continuar el legado acumulado por el padre de parte del hijo, la coincidencia temporal en esa condición no necesariamente se traduce en igualdad de roles dentro de la actividad. La sombra paterna por lo general pesa demasiado impidiendo el libre despegue de sus sucesores. Pero no siempre es así.

El caso es que revisando las efemérides del día de hoy, 20 de agosto, nos topamos no sólo con un caso de tantos en los que el hijo ha seguido la profesión de su padre, de combinación de talentos similares que compartieron por años ejerciendo como socios, de dificultad en cuanto a saber cuál de los dos ha sido más exitoso y, por si fuera poco, con la enorme coincidencia de que nacieron el mismo día. Se trata de la dupla conformada por los finlandeses Eliel y Eero Saarinen, quizás una de las que más se destaca (si no la que más) a lo largo del siglo XX, dentro de la particular condición que hemos tratado de resumir en líneas anteriores.

3. **Izquierda:** Pabellón de Finlandia en la Exposición Universal de París de 1900. **Derecha:** Estación Central de Helsinki.

4. **Izquierda y centro:** Proyecto de planeamiento urbanístico de Munksnäs-Haga. **Derecha:** Plan para Reval (ahora Tallin) en Estonia.

Comenzando por el padre, hay que mencionar que Gottlieb Eliel Saarinen, de acuerdo a sus biógrafos, nació en Rantasalmi, Finlandia, en 1873. Tras estudiar arquitectura y pintura en el Instituto Politécnico y la Universidad de Helsinki desde 1893 hasta 1897, abrió poco antes de graduarse un estudio de arquitectura junto con Herman Gesellius y Armas Lindegren mostrando en sus proyectos claras influencias del movimiento Arts and Crafts y la Secesión Vienesa. “Su primer gran trabajo, el Pabellón Finlandés de la Exposición Universal de 1900, exhibía una extraordinaria convergencia de influencias de estilo: arquitectura de madera finlandesa, el neogótico británico y el jugendstil. La primera época de Saarinen fue posteriormente bautizada con el nombre de ‘romanticismo nacional’ finlandés y culminó con la Estación central de Helsinki (diseñada en 1904, construida en 1910-14). Entre 1910-15 trabajó en el amplio proyecto de planeamiento urbanístico de Munksnäs-Haga y más tarde publicó un libro sobre el tema”. En la estación de trenes, dentro de su marcado eclecticismo, se incorporaron también elementos prerracionalistas inspirados en la obra de Hendrik Petrus Berlage. Para la fecha de culminación de este edificio Eliel Saarinen ya era ampliamente conocido en Europa por los proyectos de planificación urbana para Reval (ahora Tallin) en Estonia, Budapest (Hungría) y Canberra (Australia). Durante 1917-1918 Saarinen también trabajó en el planeamiento para un Helsinki mayor.

5. **Izquierda:** Propuesta para el Chicago Tribune Tower. **Derecha:** Esquema para el desarrollo de la fachada de Chicago hacia el lago Michigan.

6. Campus de la Cranbrook Educational Community, Bloomfield Hills, Michigan.

“El 6 de marzo de 1904 Saarinen se había casado con Louise (Loja) Gesellius, una escultora de Helsinki, hermana menor de Herman Gesellius. Tuvieron una hija Eva-Lisa (Pipsan) el 31 de marzo de 1905 y un hijo Eero el 20 de agosto de 1910”.

Tras su participación en 1922 en el célebre concurso para el diseño del Chicago Tribune Tower donde obtuvo el segundo premio, Eliel Saarinen junto a su familia se muda a los Estados Unidos en 1923. Cabe acotar que a pesar de que el trabajo de Saarinen alcanzó el segundo lugar del concurso, ejerció gran influencia dentro del ámbito norteamericano siendo utilizado como modelo en numerosos rascacielos construidos entre 1925 y 1931.

Ya en territorio estadounidense la familia Saarinen se estableció primero en Evanston, Illinois, donde Eliel trabajó en su esquema para el desarrollo de la fachada de Chicago hacia el lago Michigan y, finalmente, en 1924 en Ann Arbor donde se convirtió en profesor visitante de la Universidad de Michigan desarrollando allí una importante trayectoria. “Actualmente, una cátedra en el ‘A. Alfred Taubman College of Architecture and Urban Planning’ de Michigan, lleva su nombre, y el College realiza anualmente una serie de conferencias en su honor”.

En 1925, a solicitud de George y Ellen Scipps Booth, Eliel diseña el campus de la Cranbrook Educational Community, Bloomfield Hills, Michigan, 20 millas al noroeste de Detroit (un equivalente estadounidense de la Escuela de la Bauhaus). Allí enseñó y se convirtió en el primer director de la Cranbrook Academy of Art entre 1932 y 1946. Entre sus estudiantes-colaboradores se encontraban Ray y Charles Eames y también Edmund N. Bacon. Desde 1946 hasta su muerte en 1950 fue allí mismo director del departamento de posgrado de arquitectura y planificación urbana.

7. **Izquierda**: Vista aérea del Museo de la Academia de Arte de Cranbrook (izquierda), Peristilo (centro), Biblioteca (derecha) y estudios de pintura (extremo derecho). **Derecha:** Academia de Arte de Cranbrook (peristilo).

8. Christ Lutheran Church, Minneapolis, Minnesota.

Saarinen diseñó un grupo de edificios en Bloomfield Hills, incluida la Escuela Cranbrook para niños (1925-1930), la Escuela Kingswood para niñas (1929-1930), el Instituto de Ciencias (1935-1938), la Academia de Arte (1925-1942) y el Museo y Biblioteca de Cranbrook (1938-1942). Durante el mandato de Saarinen como director de la Cranbrook Academy of Art, supervisó un cuerpo docente que incluía a su hijo, Eero; Carl Milles; Charles Eames; y Harry Bertoia. También enseñó en Cranbrook su esposa, la artista textil, escultora y paisajista Loja Gesellius, fundadora allí en 1928 del Departamento de Tejido y Diseño Textil, uno de los más productivos de los Estados Unidos.

Desde 1938 Eero se asocia en la oficina de su padre y colaboraron en proyectos como Crow Island School (1940) en Winnetka, Illinois, que influyó en el diseño de la escuela de posguerra, y First Christian Church (1942) en Columbus, Indiana. Otra iglesia, Christ Lutheran, en Minneapolis, Minnesota (1949–50), fue el último edificio terminado en vida de Eliel Saarinen considerado por algunos como el mejor.

9. **Arriba:** Dos libros sobre la vida y obra de Eliel Saarinen. Abajo: Dos libros escritos por él.

Eliel Saarinen, quien contribuyó de modo decisivo a la elaboración de la nueva arquitectura estadounidense, recibió la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos (AIA) en 1947. De sus escritos, publicados en Nueva York, destacan:The City. Its Growth, Its Decay, Its Future de 1943 (La ciudad. Su crecimiento, su decadencia, su porvenir) y Search for Form. A Fundamental Approach to Art de 1948 (La búsqueda de la forma. Una aproximación fundamental al arte).

Eero Saarinen nació en Kirkkonummi, Finlandia en 1910, por lo que cuando sus padres deciden trasladarse a la Estados Unidos contaba con 13 años. Ello influirá, sin duda, en que se le considere ciudadano norteamericano, nacionalidad que asumirá en 1940.

La formación de Eero transcurre primero cursando estudios secundarios en Birmingham, Michigan y, siendo aún adolescente, ya había empezado a ayudar a su padre a diseñar muebles y accesorios para el campus de Cranbrook; luego, en 1929 seguirá cursos de escultura en la Académie de la Grande Chaumière de París; y de 1930 a 1934 se formará como arquitecto en Yale University, New Haven.

En 1934 regresó a Michigan donde empezó a enseñar en Cranbrook y en 1936 comenzó a trabajar en el estudio de arquitectura de su padre en Ann Arbor haciéndose su socio en 1938 junto con J. Robert Swanson. Siempre colaboró en la oficina hasta 1950, año de la muerte de Eliel. A partir de entonces el estudio se llamó Eero Saarinen & Asociados.

La influyente personalidad de su padre llevó a Eero a superarse constantemente y a esforzarse por ir forjando un perfil propio. Importante en tal sentido será su contacto mientras dictaba clases en Cranbrook con dos estudiantes: Charles Eames y Florence Basset.

11. Mobiliario propuesto por Charles Eames y Eero Saarinen con el que gananel concurso convocado por el MoMA de Nueva York en 1940.

12. **Izquierda:** butaca Womb. **Derecha:** Colección Tulip

Con Eames participará en 1940 en el concurso convocado por el MoMA de Nueva York para descubrir productos que puedan aportar novedades al mobiliario doméstico y lo ganarán en las dos categorías en que participan basando sus diseños en el uso de madera laminada moldeada. Luego, haciendo equipo con Ray y Charles (ya casados) Eero participará en el diseño de la Case Study House nº9 (Entenza house) dentro de la importante experiencia promovida desde la revista Arts & Architecture para diseñar y construir casas modelo baratas y eficientes.

Su amistad con Florence Basset le valdrá, una vez que ella se casara con el fabricante de muebles Hans Knoll, para incorporarse a la introducción por parte de Florence del diseño de vanguardia en el catálogo de la empresa de su marido. Para Knoll, Saarinen diseñará, entre otros, en 1947 la confortable butaca Womb (útero), la colección de asientos de la serie 70 y también en 1957 la silla y colección Tulip concebidas con la clara intención de ser producidas en serie.

El año de 1947 significará para Eero un momento de gran importancia para definitivamente poder brillar con luz propia. Será a través de su participación en el concurso convocado por el gobierno estadounidense para la construcción de un monumento que conmemorara la adquisición del estado de Louisiana a los españoles por parte de Thomas Jefferson, al cual acudirán también su padre Eliel, Charles Eames, Louis Kahn o Walter Gropius, entre otros.

Eero, flamante ganador del prestigioso evento, propondrá en San Luis, Misuri, en la orilla oeste del río Misisipi (donde se fundó la ciudad) un arco de acero inoxidable de 192 metros de altura (630 pies, que salva una luz de la misma dimensión) ubicado en el punto más alto de la ciudad que además simboliza la puerta de entrada al oeste de los Estados Unidos.

A partir de entonces para Eero, sin conocer lo temprano que le llegaría la muerte, comenzará un frenético y prolífico período en que tendrá la oportunidad de afrontar el diseño de los más diversos tipos de edificios, mostrando una sorprendente habilidad para manejar distintos lenguajes expresivos según la ocasión, enmarcados dentro de los podría denominarse como una segunda oleada de la modernidad.

14. Parte de la prolífica producción de Eero Saarinen durante la década de 1950. **Arriba izquierda:** dibujo de la pista de Hockey David S. Ingalls Rink, New Haven. **A su derecha:** complejo de oficinas y laboratorios para la General Motors, Warren, Detroit. **Izquierda centro:** terminal de la TWA en el Aeropuerto Kennedy, Nueva York, por fuera y por dentro. **Abajo izquierda y centro:** aeropuerto internacional de Dulles, Washington, por fuera y por dentro. Centro: CBS Building, Nueva York. **Derecha arriba y abajo:** capilla Kresge en el Massachusetts Institute of Technology, Boston.

Así, tomando como punto de partida el complejo de oficinas y laboratorios para la General Motors en Warren, Detroit (1948-1956), de 1953 terminados en 1955 serán el auditorio y la capilla Kresge en el Massachusetts Institute of Technology, Boston; de 1954 el Irwin Conference Center en Columbus, Indiana; de 1956 (terminado de construir en 1962) el terminal de la TWA en el Aeropuerto Kennedy de Nueva York; de 1957 el Milwaukee County War Memorial Center y la Miller House and Garden en Columbus, Indiana; la pista de Hockey David S. Ingalls Rink, New Haven, se construirá entre 1953 y 1958; la embajada de los Estados Unidos en Londres se terminará de levantar en 1960; el aeropuerto internacional de Dulles, Washington, en 1962; el Vivian Beaumont Theater de Lincoln Center, Nueva York, en 1965 al igual que el CBS Building en la misma ciudad. Como se podrá ver, desde el propio Gateway Arch en San Luis construido finalmente entre 1963 y 1965, pasando por el terminal de la TWA, el aeropuerto internacional de Dulles, el Vivian Beaumont Theater y llegando al edificio para la CBS, fueron todas obras que se terminaron después de que Saarinen falleciera en septiembre de 1961, a la temprana edad de 51 años, mientras se sometía a una cirugía a causa de la aparición de un agresivo tumor cerebral.

15. Algunos de los libros publicados sobre la obra de Eero Saarinen.

16. Libro y exposición que formaron parte del proyecto divulgativo titulado *Eero Saarinen: Shaping the Future (2006 a 2010).*

Durante su vida y tras su desaparición fueron numerosos los libros dedicados a la obra de Saarinen. Sin embargo, debió esperarse hasta el año 2006 para que se montase un ambicioso proyecto divulgativo titulado Eero Saarinen: Shaping the Future (2006 a 2010), que constaba de tres componentes clave: exposición, publicación y base de datos de investigación donde se exploró el trabajo de toda la vida del arquitecto consistente en más de cincuenta proyectos completados y propuestos que capturaron las aspiraciones y los valores de los Estados Unidos de mediados del siglo XX. La exhibición, organizada por el Instituto Cultural Finlandés en Nueva York, el Museo de Arquitectura Finlandesa y el Museo Nacional de la Construcción, con el apoyo de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, fue comisariada por Donald Albrecht y presentó maquetas de edificios a gran escala, dibujos nunca antes vistos, modelos, fotografías, películas y objetos efímeros. Concebida con carácter itinerante, la muestra, cuyo primer montaje se realizó en la Galería de Arte de la Universidad de Yale el 6 de octubre de 2006, estuvo de gira hasta 2010 por Helsinki, Finlandia; Oslo, Noruega; Bruselas, Bélgica; y en EE. UU. en Cranbrook, Washington, D.C., Minneapolis, St. Louis, New York y New Haven.

17. La monumentalidad de Saarinen en su máxima expresión.

Justamente, a raíz de la llegada de la exposición a Bruselas el 7 de octubre de 2007, William Curtis escribiría un muy valioso reportaje aparecido en el suplemento cultural Babelia del diario español El País titulado “Eero Saarinen y la monumentalidad moderna”, donde toca aspectos que fueron adelantados en este boletín la semana pasada cuando repasábamos el manifiesto “Nueve puntos sobre monumentalidad” escrito por Josep Lluis Sert, Fernand Léger y Sigfried Giedion en 1943.

Del texto de Curtis rescatamos lo siguiente: “Saarinen era el niño mimado de los medios de comunicación y llegó a aparecer en la portada de revistas tan populares como Time, pero causaba escepticismo entre los académicos que se consideraban guardianes de la fe modernista más estricta. La facilidad formal y el éxito profesional de Saarinen no le granjearon las simpatías de todos. Algunos le acusaron de no poseer un estilo coherente, de saltar de un lenguaje arquitectónico a otro y de permitirse un formalismo excesivo. Pero esas acusaciones significaban ignorar la necesidad de una nueva monumentalidad en los años cincuenta y no comprender que Saarinen estaba tratando de ampliar la gama expresiva de la arquitectura moderna”.

18. Jørn Utzon. Ópera de Sidney (1957-1973).

No fue casual, por tanto, que la intervención de Saarinen como miembro del jurado en el concurso para la Ópera de Sidney, en 1957, rescatase de entre los trabajos descartados en primera instancia el presentado por el danés Jørn Utzon: una asombrosa propuesta escultórica con unas bóvedas como velas que se alzaban sobre plataformas y a quien luego se le declaró ganador y se le encargó el proyecto.

Siendo ambos diestros arquitectos y eximios dibujantes, si su padre Eliel desarrolló con sapiencia una actividad ligada a la planificación, cargó siempre con las influencias propias de finales del siglo XIX y comienzos del XX y se abocó con insistencia a la enseñanza y la reflexión teórica, Eero se convirtió desde muy joven en un excelente diseñador industrial, se mostró como un talentoso proyectista de variados edificios enmarcados dentro de la tradición moderna europea, desarrolló una gran capacidad para las relaciones públicas y su pensamiento sólo puede encontrarse a través de frases cortas y escritos breves.

Eero Saarinen, sin que con ello queramos establecer comparaciones con su padre, fue uno de los más prolíficos, heterodoxos y controvertidos arquitectos del siglo XX. Sus diseños, sin duda, ayudaron a crear la imagen internacional de los Estados Unidos en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

ACA

Procedencia de las imágenes

https://arquine.com/los-dos-saarinen/

2. https://es.wikipedia.org/wiki/Eliel_Saarinen y https://www.mfa.fi/en/architects/eliel-saarinen-2/

3. http://intranet.pogmacva.com/es/obras/78230 y https://es.wikipedia.org/wiki/Eliel_Saarinen

4. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Munksnas-haga.jpg, https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Haga_vy.jpg y https://www.europeana.eu/en/blog/eliel-saarinen-finnish-architect

5. https://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o_de_la_Tribune_Tower_de_Eliel_Saarinen y https://www.researchgate.net/figure/Eliel-Saarinens-Chicago-Lake-Front-Plan-perspective-drawing-Source-Arkkitehti-2_fig17_341043798

6. https://cranbrookkitchensink.com/2019/03/22/saarinen-and-students-expand-a-masterpiece/

7. https://cranbrookkitchensink.com/2019/03/22/saarinen-and-students-expand-a-masterpiece/ y https://www.britannica.com/topic/Cranbrook-Academy-of-Art

8. https://homepages.bluffton.edu/~sullivanm/minnesota/minneapolis/saarinen/eliel.html y https://www.britannica.com/biography/Eliel-Saarinen

9, 14 y 15. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

10. https://scaranoarchitect.com/eero-saarinen/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Eero_Saarinen

11. https://batavia.es/blog/eeero-saarinen-impulsor-del-diseno-organico/

12. https://dedece.com/product/knoll-studio/saarinen-womb-chair-and-ottoman/ y https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/eero-saarinen

13. https://www.flickr.com/photos/iamdanwormek/5732683380/

16. https://www.amazon.com/-/es/Donald-Albrecht/dp/0300122373 y https://fciny.org/projects/eero-saarinen-shaping-the-future y

17. https://elpais.com/diario/2006/12/10/eps/1165735613_850215.html

18. http://www.viprocosa.com/news/la-opera-de-sydney-un-modelo-de-construccion/

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TAL DÍA COMO HOY…

9 de julio, 2023 Fundación Arquitectura y Ciudad Deja un comentario

… 9 de julio de 1994 aparece publicado en el semanario Arquitectura HOY el texto “Seis exploraciones arquitectónicas para un mismo tema” de Iván González Viso

1. Páginas centrales del nº69 del semanario **Arquitectura HOY** del 9 de julio de 1994.

Aprovechando que aún sigue abierta en los espacios de la FAU UCV la muestra “Todo llega al mar. Pensamiento y obra del arquitecto Oscar Tenreiro”, nos hemos topado con la feliz coincidencia de que un día como hoy en 1994 las páginas centrales del semanario Arquitectura HOY publicaban, como complemento a la exhibición “Una interpretación gráfica de seis casas de Oscar Tenreiro” (también albergada por la FAU UCV desde mediados de junio hasta el 14 de julio de aquel año), el texto “Seis exploraciones arquitectónicas para un mismo tema” de Iván González Viso, extracto del trabajo final presentado para alcanzar el grado de Magister en Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile con Fernando Pérez Oyarzun como tutor, cuyo título adoptó el nombre de la exposición y estuvo acompañado del subtítulo “Variaciones sobre temas de arquitectura venezolana”.

2. Croquis de estudio elaborados por Iván González Viso durante su investigación.

La investigación llevada a cabo por González Viso se centró en analizar la experiencia desarrollada por Oscar Tenreiro y Francisco Sesto (quienes por aquellos años compartían como socios su oficina de proyectos en Caracas), en torno a una serie de cinco casas que les habían sido encargadas para la venta por el constructor Manuel Furió (cuyo apellido fue tomado para nombrar la serie), proyectadas y levantadas entre 1985 y 1987, las cuales Tenreiro y Sesto trabajaron como variaciones modernas sobre temas propios de la arquitectura venezolana con énfasis diferenciados. Cabe acotar que la sexta casa llamada la Casa Cantero (1990-1992), aunque forma parte de la misma indagación cerrando el ciclo, se realizó fuera de la experiencia constructiva compartida con el Sr. Furió.

3. Láminas de las casas Furió I y II presentadas por González Viso en la exposición.

Las casas estudiadas representan para González Viso “un conjunto de viviendas en las cuales es posible reconocer una exploración acotada y consciente de las posibilidades de desarrollo de ciertos temas de la arquitectura moderna venezolana. Realizadas en forma sucesiva forman parte … de un proceso evolutivo y se fundamentan en dos obras de gran envergadura como lo son la Plaza Bicentenario (1982-1987) y el Proyecto de la Galería de Arte Nacional (1981)”. Así, “la casa Furió I -ubicada en La Lagunita- marcó el comienzo de una serie. Una clásica imagen de ‘vivienda’ proyectada a la manera de una gran nave central que cubre un patio; la Furió II retoma el tema del zaguán y hace alardes estructurales al albergar una piscina en el techo; la Furió III se debate entre dualidades y se identifica con una casa-corredor; la Casa Furió IV explora los recorridos del techo jardín; la Furió V es mezcla de claustro y torre; y la Casa Cantero (la más moderna de todas) se desarrolla bajo una bóveda de concreto sobre la cual se sobrepone el techo jardín”. Cabe destacar que en tres de las casas, la I, la IV y la V hubo una evolución de nació del concepto del patio.

4. Láminas de las casas Furió III y IV presentadas por González Viso en la exposición.

Las interpretaciones gráficas elaboradas por González Viso como parte fundamental de su trabajo traducidas en dibujos altamente “museables” que dieron vida a la exposición, derivan en “un análisis que estudia la organización de la casa contemporánea, las implicaciones de su origen comercial, los materiales, temas recurrentes, implantación, estructura y uso del color, entre otros aspectos”. De entre ellas, el uso del color no sólo permitió identificarlas (a la Furió III se le llamó “la casa verde”, a la Furió IV “la casa blanca”, a la Furió V “la casa azul” y a Cantero “la casa roja”), sino establecer fuertes conexiones entre la arquitectura propuesta y la popular.

Resalta también González Viso el hecho de que las obras están conformadas por un repertorio de elementos formales autónomos que dan como resultado diversos volúmenes finales producto de “una sintaxis basada en estrategias de montaje, composición y tramas de orden (la yuxtaposición, la superposición y la subdivisión), que se suman y mezclan conjuntamente con ciertas claves o temas tradicionales y modernos que constituyen motivo para la densificación conceptual”.

5. Láminas de la casa Furió V y la Casa Cantero presentadas por González Viso en la exposición.

Oscar Tenreiro dedica a las casas las páginas que van de la 245 a la 277 del libro Todo llega al mar de 2020 (punto de partida de la exhibición que, como mencionamos, hoy se encuentra en la FAU UCV), dentro de la Tercera parte titulada “Incertidumbre”, donde las describe y explica con lujo de detalles. Antecedidas por la Plaza Bicentenario (1982-1987), el Proyecto de la Galería de Arte Nacional (1981), la propuesta para el Concurso de la Catedral de Guayana (1981) y el Proyecto del Museo del Petróleo (1984), la serie, a la cual Tenreiro otorga valor como experiencia de construcción intensiva, lograda en compañía de un promotor experimentado que ofreció pocas resistencias y se mostró siempre abierto a sus sugerencias, puede resumirse en una exploración gramatical que se asoció a la oportunidad de verificar la imagen arquetipal que se tiene de la vivienda; la relación exterior-interior; el uso del color, los materiales (la madera, la arcilla, el concreto en obra limpia); el control y dosificación de la luz en el interior del espacio.

Pese a los rasgos posmodernistas que reconoce en ellas traducidos en gestos y recursos formales, tal vez producto del momento en que se realizaron, para Tenreiro las casas le “ofrecieron oportunidades muy importantes, sin que me atreva a decir que alguna de ellas haya quedado para mí como una realización de las que enorgullecen (con la excepción tal vez de la Casa Verde que es la que encuentro más lograda, aún con su aire vernacular, y desgraciadamente la única que ha sido modificada gravemente). Y más bien me ocurre que algunos de sus rasgos me parecen hoy demasiado glamorosos, si bien deben verse en algunos casos -porque fue así- como mohines destinados a hacerlas atractivas a posibles clientes. Y fueron precisamente esos rasgos los que más despertaron críticas de gente cuyo juicio respeto pero que tal vez fueron incapaces de verlas como lo que fueron: oportunidades de experimentación, aprendizaje de las realidades de la construcción, momentos para la prueba y el error, en fin escalones de conocimiento… y todo ello partiendo de una operación comercial, condición que agrega no poco mérito”.

Pues bien, 29 años después de aquella exposición basada en el trabajo de grado de Iván González Viso reseñada tal día como hoy en Arquitectura HOY, las casas Furió ocupan un lugar destacado dentro de la exposición “Todo llega al mar” convertidas en eslabón que se tradujo, según Tenreiro, en “prolongaciones o más bien consecuencias” para diseños posteriores. Sumadas al conjunto de una sólida trayectoria signada más bien por la prevalencia de proyectos institucionales, aquellas modestas «casas para la venta» han contribuido a conformar un consistente trabajo que permite ubicar a Oscar Tenreiro como uno de los arquitectos venezolanos más importantes de su generación.

7. «La Casa Blanca, la Verde y la Azul se agrupan en un conjunto que no quiere ser conjunto».
Oscar Tenreiro

Nota aclaratoria

La numeración que hemos usado para identificar las casas Furió la hemos tomado del trabajo de Iván González Viso que da origen a esta nota. En tal sentido, debemos mencionar que ella no coincide con la usada por Oscar Tenreiro en su libro Todo llega al mar. Así, aunque hay coincidencias en lo referente a denominar como casa I la ubicada en el sector El Arroyo, La Lagunita y como la casa III a “la casa verde”, la llamada “casa blanca” es para Tenreiro la casa II y para González Viso la IV; la “casa azul” es para Tenreiro la casa IV y para González Viso la V; y la “casa de la piscina” es para Tenreiro la casa V y para González Viso la II.

ACA

Procedencia de las imágenes

1 y 2. Arquitectura HOY, nº69, 9 de julio de 1994.

3, 4 y 5. https://www.behance.net/gallery/35548963/TESIS-MAGISTER-EN-ARQUITECTURA-PUCCH-(1993)

6 y 7. Oscar Tenreiro. Todo llega al mar. Pensamiento y obra del arquitecto Oscar Tenreiro, 2020 (pp. 250, 251 y 255)

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28 de mayo, 2023 Fundación Arquitectura y Ciudad Deja un comentario

… el 28 de mayo de 1994 aparecen en las páginas centrales del nº 63 del semanario Arquitectura HOY los Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano de La Candelaria y San Agustín.

1. Páginas centrales del nº 63 del semanario **Arquitectura HOY** del 28 de mayo de 1994.

Cuando La Causa R (LCR) sorpresivamente alcanza la victoria en las elecciones de diciembre de 1992, en las que presentó como su candidato a la Alcaldía del Municipio Libertador a Aristóbulo Istúriz, se da inicio a una gestión que, para el período 1993-1996, tal y como apunta Margarita López Maya en “Alcaldías de izquierda en Venezuela: gestiones locales de La Causa Radical (1989-1996)”, texto que apareció en Gobiernos de izquierda en América Latina. El desafía del cambio (1999) coordinado por Beatriz Stolowicz, buscaba cambiar la manera de hacer política a esa escala, “desarrollando prácticas de organización y participación ciudadana que permitieran ir transformando lo que se consideraba la tradicional cultura clientelista venezolana por una más democrática”.

Istúriz al momento de asumir la dirección municipal, aunque no contaba con experiencia previa para el cargo, si pudo aprovechar en buena parte el aprendizaje alcanzado por Clemente Scotto, perteneciente a su mismo partido político, quien había ganado las primeras elecciones municipales en 1989 para la Alcaldía del Municipio Caroní del estado Bolívar y que logró ser reelecto en 1992, por lo que ambas se constituyeron en experiencias que corrieron paralelas durante tres años.

Comprender la gestión llevada a cabo por Istúriz significa, por un lado, saber que el Municipio Libertador formaba parte, junto al Municipio Vargas, de lo que se denominaba el Distrito Federal y, por el otro, que integraba el Área Metropolitana de Caracas, entidad creada con fines censales en 1950, junto a los municipios Sucre, Chacao, Baruta y El Hatillo, todos ellos pertenecientes al estado Miranda. Sin embargo, es la de Libertador la que por tradición será conocida como Alcaldía de Caracas ya que en ella se asientan los poderes públicos que estructuran el Estado venezolano.

2. Portada del libro **Gobiernos de izquierda en América Latina. El desafía del cambio** (1999) coordinado por Beatriz Stolowicz.

Otro dato importante que se debe manejar es la dificultad que significaba, a efectos de su gobernabilidad, el tener una elevada densidad poblacional, una variada composición social y más de la mitad de sus integrantes en situación de pobreza a lo que debe añadirse, como señala López Maya, los inconvenientes derivados “de las leyes y reglamentaciones aprobadas para la ciudad en distintas épocas y para distintos fines que han terminado por conformar un laberinto legal que obstruye la posibilidad de un gobierno eficaz y hace sumamente difícil cualquier cambio de políticas para la ciudad. El municipio está regulado por la Ley Orgánica de Régimen Municipal (LORM), sancionada en 1989, pero también por la Ley Orgánica del Distrito Federal. Ambas se contradicen en algunos aspectos y otorgan facultades y atribuciones concurrentes entre gobernador y alcalde. Adicionalmente, el gobernador del D.F. es designado directamente por el Presidente de la República, lo cual crea en él cierta orientación e intereses que difiere de las del alcalde, quien es electo directamente por la comunidad. Otra reglamentación que genera dificultades es la Ley Orgánica de Ordenamiento Urbanístico (1986), que establece planes para las ciudades venezolanas en las cuales una de las dependencias del Gobierno Nacional, el Ministerio de Desarrollo Urbano, tiene una jerarquía superior a los niveles federales o municipales, las acciones de este ente son motivo de tensión y complicaciones por concurrencia de facultades y atribuciones. Por si no bastaran estos inconvenientes, existen leyes o reglamentos que regulan aspectos de la vida urbana, que se remontan a principios de siglo o aun antes, y aguardan hasta ahora por su actualización”.

La larga cita anterior permite contextualizar los problemas afrontados por una gestión que se benefició del voto castigo para alcanzar el poder, ganó con una pequeña diferencia y que, como ya dijimos, lo hizo ante la sorpresa de propios y extraños, lo cual obligó a desarrollar ideas sobre la marcha sobre política local y crear un equipo que compartiera los conceptos fundamentales de transformación y lucha contra el clientelismo político. Para ello contó, por un lado, con el apoyo del gobernador del estado Bolívar, Andrés Velásquez, y del ya mencionado alcalde de Caroní, Clemente Scotto y, por el otro, con la oposición conformada por la gobernación del Distrito Federal y el gobierno central quienes no estaban dispuestos a facilitar el éxito de un partido popular emergente como lo era LCR.

Si quisiéramos resumir al máximo las políticas impulsadas por el alcalde Istúriz ellas se podrían recoger en el término “democracia radical”, principio ideológico básico de LCR que a su vez derivaba en “el gobierno de la gente” o, en otras palabras, en la implementación de una democracia directa. “Esta democratización implicaba el desarrollo de una cultura participativa, cultura que el partido consideraba inexistente en Venezuela por la exacerbación de la práctica populista como forma de relacionamiento entre la sociedad y el poder”, acotará López Maya.

Así, el eje articulador de las acciones conducentes a impulsar la democratización es el llamado “gobierno parroquial”, nos recordará López Maya, y ya que el mismo superaba los alcances que la LORM otorgaba a las juntas parroquiales, se procedió a promover la “Ordenanza para la Creación y Funcionamiento del Gobierno Parroquial en el Municipio Libertador”, la cual fue aprobada a punto de culminar el último año de gestión (1995) mientras Istúriz buscaba ser reelecto, cosa que no consiguió.

3. Resumen del artículo de Marta Vallmitjana “Plan de Ordenamiento Urbano Local y Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano. Un diálogo necesario. Caso: Municipio Libertador”, aparecido en la revista **Urbana** nº 20 (1997).

Siendo pues el gobierno parroquial el motor de la democratización buscada y las juntas parroquiales los entes que a tal fin debían ponerla en marcha, se emprenden desde la recién creada Oficina Municipal de Planeamiento y la Dirección de Obras Municipales programas tendientes a ofrecer una mejora sustantiva en el ordenamiento de cada una de las 19 parroquias que conformaban el municipio, dándose origen así al nombramiento de los arquitectos parroquiales y, sobre todo, a la experiencia que derivará en la realización de los denominados Planes Parroquiales (PP), 14 de los cuales serán asignados a un grupo de profesionales seleccionados por credenciales. Por otro lado, respetando lo señalado por la Ley Orgánica de Ordenamiento Urbanístico, el Instituto de Urbanismo de la FAU UCV va elaborando simultáneamente el Plan de Ordenamiento Urbano Local (PDUL), lo cual, como diría Marta Vallmitjana en “Plan de Ordenamiento Urbano Local y Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano. Un diálogo necesario. Caso: Municipio Libertador”, texto aparecido en la revista Urbana nº 20 (1997), dejaría de lado la tradicional planificación “en cascada” (jerarquizada, centralista y dirigida desde arriba “en la que se hacen difíciles las debidas consultas a las diversas expresiones de las fuerzas sociales, económicas y políticas”) por una “planificación de compatibilización” que buscaba reconciliar y establecer vasos comunicantes entre enfoques contrapuestos: los representados por los planes de desarrollo urbano (PDUL) y por el proyecto de diseño urbano (PP). Se aprovecharía así el importante factor participativo que los Planes Parroquiales tenían implícitos para poder formularse dentro de las políticas generales de “democracia radical” y “gobierno de la gente”.

Toda esta intensa, rica y variada experiencia que vitalizó a buena parte del medio profesional y académico, así como los lineamientos estratégicos y las dificultades y tropiezos que acompañaron a la gestión de Istúriz, fueron seguidos con interés y atención por las diferentes páginas que en la prensa nacional se ocupaban de temas de arquitectura y ciudad, fenómeno particularmente relevante durante la década de los años 1990. Así, con diferentes grados de compromiso, frecuencia y enfoque, hemos podido detectar que las secciones dominicales de “Ciudad” o “Arquitectura y diseño” de El Diario de Caracas a cargo de Oscar Tenreiro y Farruco Sesto, de “Arquitectura” de El Nacional donde participan William Niño Araque, Hannia Gómez y Federico Vegas, y el encartado sabatino Arquitectura HOY coordinado por Juan Pedro Posani, van dando cuenta desde el llamado a elecciones municipales hasta el proceso que se desencadena luego de conocerse los resultados y se inicia la acción de gobierno, dentro de lo que consideran son sus respectivas responsabilidades divulgativas y de generación de opinión.

Tenreiro y Sesto dotarán a los contenidos de sus artículos de mayor carga política en virtud de su compromiso con la gestión de Istúriz, cosa que asumen desde el momento mismo de su elección a finales de 1992 y con gran intensidad durante todo 1993, hasta el punto en que, cerrando el año, en pleno proceso electoral para las presidenciales, son vetados por la dirección de El Diario de Caracas al tomar partido por la candidatura de Andrés Velásquez, lo que derivó en la salida de ambos y el abandono del espacio (ocupado durante casi 4 años) y con ello el acompañamiento a la gestión de Istúriz.

William Niño, por su parte, será quien se dedique con mayor ahínco desde El Nacional a hacer seguimiento y plantear recomendaciones e ideas permanentemente a la labor de Istúriz sobre la temática que más le apasionaba: la ciudad de Caracas, lo cual abarcará los tres años que duró su gobierno.

4. Despliegue del nº 57 de Arquitectura HOY, preámbulo a la presentación en posteriores entregas de los Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano del Municipio Libertador.

El equipo de Arquitectura HOY asumiría en cierta forma el relevo de Tenreiro-Sesto con otra actitud, dedicándose más a la tarea de registrar el proceso de conceptualización, discusión y presentación de los Planes Parroquiales que se fueron gestando. Es así como, a modo de preámbulo, en el nº 57 del encartado (23/04/94) aparecen “Credo de Caracas” (bajo la responsabilidad de Enrique Larrañaga), “Descentralizar la ciudad y descentralizar el pensamiento” de Miguel Posani y “Retrato de Caracas” de Azier Calvo.

Luego de que en el nº 61 (14/05/94) se reseñara la Presentación en la FAU UCV del primer grupo de Planes Parroquiales encargados por la Alcaldía del Municipio Libertador, en el nº 63 (28/05/94, tal día como hoy) aparecen los Planes Parroquiales de ordenamiento urbano de La Candelaria y San Agustín elaborados por Enrique Larrañaga e Isabel Sánchez, respectivamente.

Respondiendo a las particularidades de cada parroquia e inmersos en el espíritu de empezar a legislar la ciudad buscando controlar la morfología de las edificaciones desde la prefiguración del espacio público, saliéndole al paso a lo que se había demostrado como un caótico crecimiento producto de permitir que la forma urbana fuese el resultado de la actuación independiente en cada parcela, los planes de La Candelaria y San Agustín se amoldaron a los postulados establecidos en el “Credo de Caracas” (“programa ideológico” que buscaba darle coherencia a una idea de ciudad que debía ser compartida), asumido por todos los equipos participantes de la experiencia: unidades ambientales: la ciudad policéntrica; intensificación de las especificidades y el carácter; continuidad del tejido como espacio común; unidad múltiple y continua de usos y actividades; caracterización de la esquina como marca y medida; clasificación de las vías por tipificación espacial; clarificar lo estructural; y domesticar lo vial.

5. **Izquierda:** Páginas centrales del nº 67 de **Arquitectura HOY**. **Derecha:** Páginas centrales del nº 71 de Arquitectura HOY.

6. **Izquierda:** Páginas centrales del nº 78 de **Arquitectura HOY**. **Derecha:** Páginas centrales del nº 97 de Arquitectura HOY.

La labor divulgativa de Arquitectura HOY continuará cuando en el nº 67 (25/06/94) se publiquen los Planes Parroquiales de Ordenamiento Urbano de Altagracia y Catedral, y San José; en el nº 71 (23/07/94) los de El Recreo y Santa Rosalía Sur; en el nº 78 (10/09/94) el de Sucre (Catia Sur y Catia Norte); y en el nº 97 (04/03/95) el de Antímano, por lo que se llegarán a publicar sólo 9 de los 14 planes encargados quedando por fuera Caricuao, Macarao, El Valle, La Vega y el 23 de Enero.

7. Nº 203 de **Arquitectura HOY** donde se reseña la exposición «Trazos de ciudad», dedicada a mostrar los Planes Parroquiales, montada en los espacios del Museo de Artes Visuales Alejandro Otero bajo la curaduría de William Niño Araque y Fabiola
López Durán.

Los Planes Parroquiales, que no dudamos en calificar como la experiencia más importante de los últimos 50 años en lo relacionado a pensar y visualizar la urbe como un todo, planteados en su momento como 14 trozos de la Caracas contemporánea que apuntaban imaginar la ciudad del siglo XXI y como pequeñas ciudades dentro de un conglomerado mayor, fueron expuestos en mayo de 1997 en los espacios del Museo de Artes Visuales Alejandro Otero (La Rinconada) a través de la exposición “Trazos de ciudad” (con curaduría de William Niño Araque y Fabiola López Durán, reseñada por Arquitectura HOY en su nº 203 del 16/05/97), en un postrero intento por sacarlos de las gavetas en los que las gestiones municipales posteriores los depositaron. Se trató de la única oportunidad que el ciudadano común tuvo de enterarse de una empresa que demandó un esfuerzo extraordinario pero que, paradójicamente con relación a lo anhelado por aquel gobierno municipal liderado por Istúriz, careció del vital aporte de la participación, constituyéndose ello en su verdadero talón de Aquiles.

Nota

El texto que hoy hemos presentado aquí proviene en muy buena parte de la nota complementaria a la Postal nº 209 que publicáramos en el Contacto FAC 174 del 10 de mayo de 2020, y de la que acompañó al «Tal día como hoy…» del Contacto FAC 20 del 23 de abril de 2017.

ACA

Procedencia de las imágenes

1, 4, 5, 6 y 7. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

2. https://books.google.co.ve/books/about/Gobiernos_de_izquierda_en_Am%C3%A9rica_Latin.html?id=hyTgmKoPNxMC&redir_esc=y

3. Revista Urbana nº 20 (1997).

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TAL DÍA COMO HOY…

16 de abril, 2023 Fundación Arquitectura y Ciudad Deja un comentario

… 16 de abril de 1970, en Wuppertal, Alemania, fallece Richard Neutra.

«Si hay que diseñar para la gente, es imprescindible observarla, comprenderla y simpatizar con ella…Un arquitecto es un observador atento y vigilante mientras hace o se prepara para hacer algo. Es un previsor, consecuencia de su experiencia, y esto es precisamente ‘proyectar’: una especialidad humanística».

Richard Neutra

Richard Neutra, a quien en dos ocasiones anteriores ya habíamos dedicado sendas notas al comentar sus visitas al país (Contacto FAC 97 del 7 de octubre de 2018) y el diseño de la quinta Alto Claro para la familia González Gorrondona (Contacto FAC 289 del 11 de septiembre de 2022), ocupa un importante sitial entre los mejores arquitectos del siglo XX.

Como recuerdo de los 43 años de su fallecimiento, hoy creemos que valdría la pena resaltar de Neutra aspectos biográficos y llevar a cabo un recuento somero tanto de su prolífica obra construida como del pensamiento que acompaña su arquitectura.

De acuerdo a lo que se puede recoger de diferentes fuentes, Richard Josef Neutra nació en Viena el 8 de abril de 1892 en el seno de una rica familia judía. Estudió arquitectura en la Universidad Técnica de Viena a partir de 1910 y, luego de haber tenido que interrumpir sus estudios a causa del estallido de la Primera Guerra Mundial, terminó licenciándose en 1918. Asistió también a clases en la escuela de construcción de Adolf Loos, uno de los arquitectos que más respetaba, considerándolo «el maestro a quien debo mis ideas sobre la arquitectura» y con quien trabajó en su taller hasta 1914.

1. De izquierda a derecha: Adolf Loos, Rudolf Michael Schindler y Erich Mendelson.

2. Viena 1914. Funeral del Archiduque de Austria Francisco Fernando y su esposa, asesinados en Sarajevo, evento que marcó el inicio de la Primera Guerra Mundial.

En 1912, Neutra conoció a Rudolf Michael Schindler, otro arquitecto vienés, alumno de Otto Wagner en la Academia de Viena, con quien trabajaría posteriormente en los Estados Unidos entre 1925 y 1926 hasta que se produjo entre ambos una muy sonada separación a raíz del diseño de la casa Lovell.

Terminada su formación, sus primeros trabajos a partir de 1918 fueron en arquitectura del paisaje en Zúrich, Suiza, bajo la tutela del arquitecto Gustav Ammann. Es ahí donde conoce a su esposa Dione, hija del también arquitecto Alfred Niedermann.

Según Wikipedia, “luego dejaría Zúrich y se iría a Berlín, donde se ganó la vida un tiempo trabajando en un teatro y como dibujante publicitario, antes de incorporarse a la oficina municipal de obras públicas y urbanismo de Luckenwalde, una población al sur de Berlín, en el distrito de Brandeburgo”. Allí conoció al arquitecto Erich Mendelsohn, principal representante de la arquitectura expresionista alemana, del que se convirtió en asistente en su estudio de Berlín entre 1921 y 1923, participando en el clima cultural dinámico e innovador que caracterizaba la vida de la capital alemana durante aquel período.

En 1922 contrajo matrimonio con Dione Niedermann y en 1923 emigró a Estados Unidos donde se radicaría y posteriormente, en 1929, adquiriría la nacionalidad. Allí, tuvieron sus tres hijos, Frank Lloyd, Dion y Raymond Richard. De ellos, Dion sería arquitecto, consultor y socio de su padre.

3. **Izquierda arriba**: William Holabird y Martín Roche. **Izquierda abajo**: The New Palmer House, Chicago. **Derecha**: Wie baut Amerika? (¿Cómo construye América?) de Richard Neutra publicado en Stuttgart (1927)

4. Frank Lloyd Wright y Taliesin, Wisconsin (1911-1959).

Ya en territorio norteamericano Neutra trabajaría un tiempo en Nueva York y en Chicago. En Chicago entró en el estudio de Holabird & Roche, en el período en que éste estaba trabajando en el proyecto de la New Palmer House, de 2.400 habitaciones, y tenía un papel decisivo en la evolución de la moderna arquitectura estadounidense, siguiendo las huellas de la Escuela de Chicago. De esta experiencia surgió su polémica obra Wie baut Amerika? (¿Cómo construye América?), que se publicó en Stuttgart en 1927, y llamó la atención en el sector construcción norteamericano. En Chicago conoció también a Louis. H. Sullivan, durante su último año de vida, cuando el maestro estaba terminando su principal obra teórica y testamento cultural, The Autobiography of an Idea, publicada en 1924.

Neutra conoció a Frank Lloyd Wright en el funeral de Sullivan. Su admiración por Wright y el respeto que tenía por el arquitecto estadounidense lo llevó a llamar a su primer hijo Frank Lloyd. Tras aquel primer encuentro, Wright lo llevaría a su estudio de Taliesin, Wisconsin, donde trabajaría en algunos de sus proyectos.

6. Casa de habitación de Richadr Neutra o VDL House (1933).

Alrededor de 1925, Neutra se mudó a California, para trabajar en el estudio de Schindler y tras romper la relación con éste, se instaló definitivamente en Los Ángeles, donde abrió su propio despacho en 1926. Desde allí no se movería y desarrollaría su exitosa carrera que, basada en su sólida formación, logró “introducir el método y el lenguaje de la arquitectura europea moderna en el ambiente abierto y opulento de Los Ángeles, con las aportaciones del organicismo de Wright, y se convirtió muy pronto en el primer exponente del racionalismo orgánico estadounidense y en uno de los personajes más famosos de la ciudad de Los Ángeles en las décadas de 1930 y 1940. Su poética, basada en la estrecha relación entre la arquitectura y el habitante, contribuyó en gran manera a la definición del denominado ‘estilo californiano’, que se impuso a partir de la década de 1950 en el ámbito internacional”, como bien señalan Tomás Fernández y Elena Tamaro en “Biografía de Richard Neutra”, publicada en Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea (2004). En casi un centenar se cuentan las viviendas diseñadas por Neutra a lo largo de su trayectoria la mayor parte de ellas ubicadas al sur de California.

El comienzo de su ejercicio en Los Ángeles estuvo signado por la realización de proyectos que incorporaban criterios novedosos, como la estructura de hormigón armado y refuerzos metálicos en las ventanas. También diseñó viviendas prefabricadas que denominó «One Plus Two» (uno más dos) y trabajó en un proyecto de ciudad de futuro. En 1927 recibió el encargo de la Casa de Salud Lovell terminada en 1929 que lo dio a conocer en Europa. Para esta obra diseñó un esqueleto de acero que podía montarse en muy poco tiempo.

8. **De izquierda a derecha**: Nesbitt House (1942), Tremaine House (1948) y Hammerman House (1954)

10. Richard Neutra junto a su hijo Dion, también arquitecto.

Neutra fue en los años siguientes fundador y profesor de la Academia de Artes Modernas en Los Ángeles. Además, trabajó en numerosos proyectos, y fue experimentando en todos ellos con nuevos materiales y nuevas estructuras. Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando no se podían conseguir materiales de construcción especiales, Neutra utilizó en algunas obras madera de pino, ladrillos y vidrio. También participó entre 1945 y 1948, ejecutando tres modelos, en la experiencia “Case Study Houses” patrocinada por la revista de John Entenza Arts & Architecture.

Junto a la Lovell House destacan dentro de la obra de Neutra: su casa familiar o VDL (1932, dañada por un incendio en 1963 y reconstruida entre 1965 y 1966 con la participación de su hijo Dion), la casa Nesbitt (1942), la casa Kaufmann (1946), la casa Tremaine (1948), la casa Hemmerman (1954), la casa Kronish (1955) y la casa Coveney (1966).

11. Richard Neutra y Robert E. Alexander. Embajada de los Estados Unidos en Karachi, Pakistán (1961).

Volviendo a recurrir a Wikipedia encontramos que, “A partir de 1949 Neutra estableció una colaboración con Robert E. Alexander, que duró diez años. Juntos proyectaron también edificios de carácter público, como iglesias, colegios, clínicas y edificios de oficinas. En 1953 escribió un nuevo libro, Survival through Design, en el que expuso sus ideas sobre una arquitectura que tiene en cuenta el factor humano en sus diseños. (…) En 1955, el Departamento de Estado de los Estados Unidos encargó a Neutra el diseño de una nueva embajada en Karachi. El nombramiento de Neutra formó parte de un ambicioso programa de comisiones arquitectónicas a arquitectos de renombre, que incluyeron embajadas de Walter Gropius en Atenas, Edward Durrell Stone en Nueva Delhi, Marcel Breuer en La Haya, Josep Lluis Sert en Bagdad y Eero Saarinen en Londres. (…) En 1965 Neutra formó una sociedad con su hijo Dion Neutra, también arquitecto y durante sus últimos años le cedió gradualmente el control de su estudio. Entre 1960 y 1970, Neutra proyectó y construyó ocho villas en Europa: cuatro en Suiza, tres en Alemania, una en Francia (a las que hay que sumar una en Venezuela). Entre los clientes más destacados en este período se encuentran Gerd Bucerius, editor de Die Zeit, así como figuras del comercio y la ciencia”.

12. Algunos de los libros publicados por Richard Neutra.

“Además de su amplia e intensa actividad profesional, desarrollada mayoritariamente en California, realizó una investigación teórica destinada a precisar su propio método y su filosofía de la arquitectura. En 1948 publicó en Sao Paulo, en Brasil, Arquitectura sociale em paises de clima quente; y en 1956, Mensch un Wohnen, traducido más tarde al inglés y publicado con el título World and Dwelling. Destaca también Realismo biológico, publicado en Buenos Aires en 1958, obra donde expone sistemáticamente su teoría sobre la relación entre la arquitectura y el organismo humano, formulando el problema del disfrute de la arquitectura en términos psicosomáticos”, nos aportarán Tomás Fernández y Elena Tamaro.

En la escuela de la arquitectura moderna norteamericana, Richard Neutra fue uno de los primeros en declarar su interés por las ciencias biológicas y referir la importancia de recurrir a la neurociencia como fuente de conocimiento en arquitectura y de aplicación en el diseño arquitectónico. Con su ya mencionado libro Survival Through Design (Supervivencia a través del diseño) publicado en 1953, abre una constelación de referencias basadas en la investigación en el campo de la psicología y la fisiología integradas con su experiencia en el campo de la arquitectura, todo para advertirnos de la necesidad de comprender el funcionamiento biológico del cuerpo para proyectar en arquitectura.

Neutra murió en Alemania, el 16 de abril de 1970, a la edad de 78 años, durante una gira de conferencias. En 1977 fue galardonado póstumamente con la Medalla de Oro AIA, y en 2015 fue honrado con una Estrella de Palma de Oro en el Paseo de las Estrellas en Palm Springs, California.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://www.biografiasyvidas.com/biografia/n/neutra.htm

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4393/Adolf%20Loos, https://en.wikipedia.org/wiki/Rudolph_Schindler_%28architect%29 y https://es.wikipedia.org/wiki/Erich_Mendelsohn

2. https://www.meisterdrucke.ie/fine-art-prints/Carlo-Wulz/997525/Funerals-of-Archdukes-Franz-Ferdinand-of-Austria-and-his-wife-were-killed-in-Sarajevo-July-28.html

3. https://webapps1.chicago.gov/landmarksweb/web/architectdetails.htm?arcId=9, https://artic.contentdm.oclc.org/digital/collection/mqc/id/24115 y https://www.zvab.com/buch-suchen/titel/wie-baut-amerika/autor/neutra-richard/

4. https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Frank_Lloyd_Wright_LC-USZ62-36384.jpg y https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Looking_at_Taliesin_from_Hill_Crown.jpg

5. https://www.metalocus.es/es/noticias/la-casa-lovell-health-de-richard-neutra-prepara-su-venta

6. https://www.metalocus.es/es/noticias/casa-de-investigacion-vdl-por-richard-neutra

7. https://www.latimes.com/business/realestate/la-hm-lost-la-kronish-20110806-story.html

8. https://www.arquitecturaydiseno.es/arquitectura/casas-que-hicieron-richard-neutra-arquitecto-mas-famoso-y-moderno-angeles_4728 y https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/richard-neutra

9. https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/richard-neutra

10. https://www.arquitecturaydiseno.es/arquitectura/muere-dion-neutra-hijo-gran-maestro-arquitectura-richard-neutra_3265

11. https://barbaralamprecht.com/2012/06/23/the-obsolescence-of-optimism-neutra-and-alexanders-u-s-embassy-karachi-pakistan/

12. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

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TAL DÍA COMO HOY…

12 de marzo, 2023 Fundación Arquitectura y Ciudad Deja un comentario

… 12 de marzo, en 2015, fallece Michael Graves.

Cuando el arquitecto norteamericano Michael Graves, nacido en 1934 en Indianápolis, dejó de existir hace exactamente ocho años, el obituario publicado por el New York Times lo describió como “uno de los más prominentes y prolíficos arquitectos estadounidenses de finales del siglo XX, con más de 350 edificios construidos alrededor del mundo”, lo cual no es poca cosa.

Graves se graduó de la escuela secundaria Broad Ripple de Indianápolis en 1950 y obtuvo una licenciatura en arquitectura en 1958 de la Universidad de Cincinnati. Posteriormente aprobó una maestría en arquitectura de la Universidad de Harvard en 1959. En 1960 recibió el premio de Roma y trabajó durante dos años como ayudante de la Academia Americana en la capital italiana. En 1962, de regreso a los Estados Unidos, inicia su carrera como docente en Princeton University (de la que se retirará en 2001 como profesor emérito), y en 1964 también en Princeton, Nueva Jersey, abre su oficina particular Michael Graves & Associate desde la que ejercerá la profesión el resto de su vida.

1. **Izquierda**: “The New York Five”, Revista Vanity Fair de 1996. De izquierda a derecha: Michael Graves, Charles Gwathmey, Richard Meier y Peter Eisenman (John Hejduk no aparece en la fotografía). **Derecha**: Portada del libro Five Architects (Arthur Drexler, Colin Rowe y Keneth Frampton), 1972

2. Michael Graves. **Izquierda**: Residencia Hanselman, Fort Wayne, Indiana (1967). **Derecha**: anexo a la Residencia Benacerraf, Princeton, New Jersey (1969)

Su nombre salta a la palestra a finales de los años 1960, cuando Colin Rowe lo sumó a Peter Eisenman, Charles Gwathmey, John Hejduk y Richard Meier para presentarlos como los New York Five, grupo cuyo trabajo apareció en una exposición del Museo de Arte Moderno (MoMa) organizada por Arthur Drexler en 1967, y en el libro subsiguiente titulado Five Architects publicado en 1972 por Oxford University Press. En la muestra, Graves presentó dos de sus primeros trabajos: la Residencia Hanselman (1967) y el anexo a la Residencia Benacerraf (1969) las cuales, en la publicación, son contextualizadas y analizadas críticamente por William La Riche (profesor de Princeton) mediante el texto “¿La Arquitectura como un Mundo Nuevo?”, que bien vale la pena revisar para entender cómo ya desde muy temprano Graves recurre a la cita y la metáfora como dos figuras que cultivará y desarrollará durante toda su trayectoria.

En el texto en que los presentaba, Rowe decía que, si bien era difícil generalizar el trabajo de los cinco, “hay un punto en común que es simplemente este: en vez de constantemente apoyar el mito revolucionario [de la arquitectura moderna], resulta más razonable y más modesto reconocer que, en los primeros años del siglo XX, ocurrieron grandes revoluciones en el pensamiento que tuvieron como resultado profundos descubrimientos visuales que aún deben explicarse”, con lo que podría decirse que Rowe, de alguna manera, ya abría la posibilidad de un revisionismo post-moderno de la tradición, moderna en este caso, hacia la que los “five” apuntaban y que Helio Piñon años más tarde (1984) incorporará con sentido crítico como parte del libro Arquitectura de las neovanguardias.

Por otra parte, Charles Jencks quien publica en 1977 El lenguaje de la arquitectura posmoderna, un verdadero best seller en el que ofrece argumentos para dar por muerta a la arquitectura moderna, y le abre la puerta a diferentes manifestaciones que dentro del panorama internacional mostraban maneras diferentes de superar en lo expresivo el discurso de la modernidad, también incorpora la obra temprana de Graves de la que resalta la reelaboración mediante una sintaxis barroca de diversos elementos procedentes de la experiencia vanguardista de los años XX.

La prestigiosa crítica Ada Louis Huxtable escribiría en su columna sobre arquitectura de The New York Times (citada por la revista Arquine https://arquine.com/michael-graves/ el 9 de julio de 2018), que el joven “Graves era pintor antes que arquitecto y que tanto su pintura como su arquitectura tenían méritos propios. Su obra, dice Huxtable, era al final un arte híbrido, entre pintura y arquitectura”. Y, en el mismo artículo de Arquine, encontramos lo siguiente: “Lo mismo pensaba Charles Jenks quien en la segunda edición a su Modern Movements in Architecture, de 1985, se atrevió a decir que ‘las habilidades sintéticas de Graves como pintor y diseñador le permitieron, como a Le Corbusier, reunir muchas ramas de la escena actual, en particular el contextualismo de Leon Krier, el fundamentalismo de Aldo Rossi y el historicismo colorido de Venturi y Moore”. De más está decir que el demoledor y agudo Jenks siempre tuvo una particular debilidad y condescendencia a la hora de aproximarse a la obra de Graves.

La reseña de Arquine terminará apuntando cómo Huxtable también afirmaría que “la arquitectura de Graves iba ‘considerablemente más allá de préstamos del pasado’ y que ‘lenta y trabajosamente inventaba un nuevo lenguaje formal’. En un artículo publicado en el Journal of Architectural Education en 1975, el propio Graves daba algunas pistas de sus intereses al abrir diciendo que ‘mientras las premisas del movimiento moderno del plano como generador de forma se acepta generalmente, su énfasis en la enseñanza de la arquitectura ha resultado en una relativa falta de atención a los elementos verticales’, léase a las fachadas. El texto estaba dedicado a analizar una villa diseñada por Gunnar Asplund en 1918”.

3. Michael Graves. Casa Schulman, Princeton, New Jersey (1976).

4. **Izquierda**: edificio para las oficinas municipales de Portland (1982). **Derecha**: sede de Humana en Louisville (1984).

Así, más temprano que tarde, Graves empezará a desarrollar un estilo propio que lo afianzará como uno de los puntales de la arquitectura decididamente posmoderna que empezó a recorrer el mundo a partir de la segunda mitad de la década de los años 70 del siglo XX. Será en 1975 cuando Graves experimente una enorme modificación de los principios que lo vinculaban con la arquitectura blanca corbusiana de entreguerras, para adoptar un lenguaje figurativo cargado de historicismo del que acabó siendo un indiscutible maestro. Esta etapa, cuyo inicio algunos ubican a partir de la intervención sobre las paredes exteriores de la casa Schulman (1976), tendrá en el edificio para las oficinas municipales de Portland (1982) -primera obra de gran envergadura por él diseñada- o la sede de Humana en Louisville (1984), dos íconos de la arquitectura posmoderna (en su momento, dos polémicos edificios de los que sus respectivas ciudades muestran hoy un particular orgullo), y demostraciones coincidentes a lo expuesto por Robert Venturi más de una década atrás, y a quien Graves “se adhiere en la oposición, sobre todo a la arquitectura y los conceptos de Mies van der Rohe, compartiendo un nuevo dicho: ‘menos es aburrido’, asignándole así al estilo internacional una absoluta incapacidad de comunicación”, como bien expresará Rómulo Moya Peralta en “Michael Graves: la forma como expresión máxima”, texto de 2015 publicado en https://arqa.com.

5. **Izquierda**: resorts Dolphin (1987) y Swan (1988) en Walt Disney World, Florida. **Derecha**: sede de Team Disney en Burbank, California (1986).

6. Izquierda: Biblioteca Pública de Denver (1990). Derecha: Saint Coletta of Greater Washington, Washington, D.C. (2006)

De Wikipedia rescatamos que “Graves y su firma también diseñaron varios edificios para Walt Disney Company en estilo posmoderno. Estos incluyen la sede de Team Disney en Burbank, California; los resorts Dolphin (1987) y Swan (1988) en Walt Disney World en Florida; y Disney’s Hotel New York (1989) en Disneyland París. Patrick Burke, el arquitecto del proyecto de los dos hoteles turísticos en Florida, comentó que Walt Disney Company describió los diseños de Graves como ‘arquitectura de entretenimiento’. Además de los edificios del hotel Swan y Dolphin, la firma de Graves diseñó sus interiores originales, muebles, señalización y obras de arte. Otros encargos notables de Graves para edificios que se completaron en la década de 1990 incluyen una expansión de la Biblioteca Pública de Denver (1990) y la renovación del Instituto de Artes de Detroit (1990)”.

Siempre se ha debatido acerca de la condición efímera que conllevó aquel período, cuyo auge se ubica en la década de los años 1980, lleno de escenografía figurativa, revivals indiscriminados, guiños a la cultura “pop” y manejo arbitrario de las referencias históricas en la que se apelaba en el mejor de los casos a la memoria colectiva. Sin embargo, puede decirse que Graves, protagonista junto Charles Moore, Ricardo Bofill, Phillip Johnson y Peter Eisenman, entre otros, logró sobrevivir cuando el posmodernismo convertido en estilo no dio para más, pero no pudo evitar caer muy pronto en el olvido.

Moya Peralta precisará que en la arquitectura de Graves “el espacio es un escenario en donde forma y función están separados, siendo la forma la que predomina a la función. Nuevamente apartándose del movimiento moderno que planteaba que la forma sigue a la función. Así separadas, la función se resuelve de acuerdo a ciertas necesidades prácticas, mientras que la forma corresponde al campo de lo sensible e “importante”. (…) Graves creyó que este nuevo lenguaje (neoclásico reinventado) iba a salvar a la arquitectura de la severidad moderna”.

7. Diversos dibujos de Michael Graves que forman parte de la colección adquirida por The Princeton University Art Museum en 2019.

8. Objetos diseñados por Michael Graves para Alessi.

Extraordinario dibujante (una colección de cerca de 5000 de sus obras fue adquirida por The Princeton University Art Museum en 2019), amén de diseñador y productor de muebles y objetos para el hogar “para clientes importantes como Target Corporation, Alessi, Steuben y The Walt Disney Company”, a lo largo de los años, Michael Graves Design Group, una parte de su firma de diseño, diseñó y lanzó al mercado más de 2000 productos”, encontramos en Wikipedia.

En vida, Graves fue elegido “Fellow” del American Intitute of Architects (1979); recibió el premio Golden Plate de la American Academy of Achievement (1986); fue galardonado con el Premio Americano de Arquitectura (1994); y obtuvo la Medalla Nacional de las Artes (1994) y la Medalla de Oro de AIA (2001).

Eduardo Prieto al comentar en Arquitectura Viva el 30 de junio de 2018 el más reciente libro editado sobre Graves, titulado Michael Graves: Design for Life (2017), biografía realizada rigurosamente por el periodista Ian Volner, apuntará con precisión “tres hechos que marcaron la carrera del arquitecto nacido en 1934 y fallecido en 2015: su estancia en la Academia Americana de Roma, que le abrió los ojos a la belleza intemporal del lenguaje clásico; su participación en el grupo de los Five Architects, que le dio visibilidad en el marco de la arquitectura estadounidense; y la construcción de las Oficinas Municipales en Portland, que hicieron de él en un arquitecto admirado e imitado en el mundo».

9. Algunos de los libros dedicados a recoger la obra y vida de Michael Graves.

Quien “comenzó como entregado seguidor de Le Corbusier y acólito del culto a lo blanco y terminó convertido en el desprejuiciado fautor de la estética de Disneylandia”, y siempre visualizó la arquitectura como un objeto de arte que había que cuidar hasta el más mínimo detalle, dejó a través de su obra (discutible en cuanto a estilo y pertinencia dentro del contexto urbano en el que se ha insertado), una impronta difícil de imitar. Hoy, al observarla, no deja de transmitirnos, sin embargo, cierta nostálgica alegría asociada a un particular sentido del humor asumido, por cierto, muy en serio.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://arquine.com/michael-graves/

https://fabricadeideasbo.wordpress.com/2021/03/01/the-new-york-five-la-pandilla-que-gesto-el-neo-racionalismo-en-los-estados-unidos/

2. https://tecnne.com/arquitectura/michael-graves-casa-hanselmann/ y https://twitter.com/retokommerling/status/1281166493355511808/photo/4

3. https://www.facebook.com/photo/?fbid=1211290405568124&set=pcb.769560919853154

4 y 6. https://arqa.com/actualidad/colaboraciones/michael-graves-la-forma-como-expresion-maxima.html

5. https://www.michaelgraves.com/projects/swan-and-dolphin-hotels/ y https://www.latimes.com/entertainment/arts/culture/la-et-cm-michael-graves-architect-disney-20150312-story.html

7. https://www.architecturaldigest.com/story/michael-graves-drawings-acquired-princeton-university-art-museum y https://www.domusweb.it/en/architecture/2015/01/22/history_as_contraband.html

8. https://www.michaelgraves.com/projects/alessi/

9. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

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TAL DÍA COMO HOY…

5 de febrero, 2023 Fundación Arquitectura y Ciudad Deja un comentario

… 5 de febrero de 1994, el semanario Arquitectura HOY en su nº48 abre las puertas a temas que van más allá de la disciplina arquitectónica.

1. Primera página del nº48 de *Arquitectura HOY* del 5 de febrero de 1994.

A casi tres años de su aparición (el número 1 es del 2 de mayo de 1992), el semanario Arquitectura HOY, que circulaba encartado en el diario Economía HOY y cuya coordinación general estaba a cargo de Juan Pedro Posani acompañado desde el comité de redacción por Alberto Sato, Azier Calvo, Henrique Vera y Enrique Fernández-Shaw, toma la decisión de dar cabida a partir del número 48 a la publicación en sus páginas de temas que fuesen más allá de la disciplina arquitectónica, a la cual había dedicado casi exclusivamente sus 47 entregas anteriores.
Será Alberto Sato, en una breve nota editorial titulada “Inclusiones”, quien explique cómo entre los responsables de redactar la página, que ya se había posicionado como espacio amplio y nada discriminado de intercambio de ideas, debate e información en torno a la arquitectura, cuya única limitación podría haber sido la hermeticidad y la presencia de algún que otro texto tedioso, surge el interés, impulsado por el entusiasmo y colaboración con los lectores, de incorporar nuevos temas de entre los que destacarían el diseño industrial, las técnicas constructivas y el diseño gráfico.

Este giro editorial signado por “mantener la vigilia ante nuevos caminos, nuevos enfoques y nuevas preocupaciones que se abren en el intercambio”, y basado en la obligación de “revisar actuaciones y desconfiar de las certezas”, conduciría “más que a una ampliación del campo, a salir del ensimismamiento arquitectónico-urbano”.
Descartando que este cambio de rumbo refleje un compromiso atado a la premisa de que “nada de lo que sucede en mundo me es ajeno”, Sato justifica la apertura al hecho, indiscutible por demás, de que “las disciplinas del diseño industrial y gráfico, junto con la cultura técnica, viven mundos fronterizos con la arquitectura, a veces desdibujados, aunque participan del mismo espacio de producción cultural; son presencias objetivas, pero actúan virtualmente en silencio, como la sombra”. Es por ello, dirá Sato, que “muchas veces los arquitectos actuamos sobre campos específicos, realizando afirmaciones acerca de temas sobre los cuales conocemos poco, es decir, ignoramos mucho. En resumen, son temas hablados por actores que leen otros textos, los de arquitectura”.

De esta manera, los editores empezarán a contar con la colaboración de “sujetos actuantes de cada saber específico” para con ello “enriquecer el conocimiento de nuestro propio campo, al tiempo de reconocer los mundos que se abren a través del diseño industrial y gráfico” y así “ampliar la interlocución”.

2. Primera página del nº4 de *Arquitectura HOY* dedicado al «Diseño Industrial en Venezuela».

Este impulso tiene claros antecedentes desde el propio momento en que Arquitectura HOY dio sus primeros pasos, buscando convertirse en una publicación monográfica trimestral (cosa que logró durante sus primeros cuatro números), que luego trocó en semanario. Es así como justamente el número 4, también motorizado por Sato, estuvo dedicado al “Diseño Industrial en Venezuela”, correspondiéndole a los miembros de su comité editorial (todos arquitectos) elaborar los contenidos. Ese persistente deseo de Sato por dar cabida a esta disciplina se corresponderá, además, con la presencia durante mucho tiempo de una columna sabatina en el propio diario Economía HOY, dedicada justamente a temas vinculados al diseño en general y al industrial en particular, que luego daría origen en 2005 al libro Cotidiano. Manual de instrucciones.

En el número que hoy nos ocupa, mediante el texto titulado “Analogías”, Sato abrirá el camino ilustrando de manera clara y aguda la importante diferencia que se estaba suscitando en el territorio del diseño industrial entre función y significado.

Para demostrar que los diseñadores a partir de la posmodernidad ya no se preocupaban como antes en lograr resolver problemas relacionados al uso de sus productos, Sato establece una impecable comparación entre la silla diseñada por el holandés Mart Stam en 1924 (una silla hecha para sentarse y todo un ejemplo en el que se mostraba el diseño moderno en su máxima expresión), y la diseñada por Mies van der Rohe y Lilly Reich para el pabellón de Alemania en la exposición de Barcelona de 1929 la cual, tras una puesta en escena deslumbrante en lo relacionado a su elaboración y línea, puso en aprietos a los reyes de España cuando, tras constatar su comodidad al sentarse, encontraron dificultades al intentar levantarse cuando la usaron por primera vez. “La silla -dirá Sato- representaba la más avanzada modernidad dentro del pabellón más moderno de la Feria. La silla de Mart Stam era moderna, el sillón Barcelona…representaba la modernidad”.

5. Helmut Palla. Chaise Longue «Locus Transporticus» (1992)

Así, la crisis entre lo que un objeto era en esencia y lo que representaba, que no es otra que la crisis de la propia modernidad, “se incubó en el momento en que se gestaba”. La modernidad, que levantaba la bandera sullivaniana de “la forma sigue a la función”, ya empezaba a sucumbir desde el momento en que el valor simbólico de los objetos empezó a adquirir mayor importancia que su valor meramente utilitario, con repercusiones muy claras en el campo de la arquitectura. “Afectada por las desilusiones del moderno, la silla parecía estar condenada a comunicar su función, no a cumplirla”, concluye Sato, para rematar diciendo: “Pero, como es sabido, la gente puede sentarse sobre cualquier cosa; mientras un objeto cualquiera se denomine ‘silla’, no perderá su identidad. Tal es el poder de la cultura”.
La semblanza que elabora Sato se compadece con un momento (mediados de los años 1990) en el que la disciplina parecía retomar el interés por lo funcional, así como por los sistemas constructivos tradicionales y las innovaciones tecnológicas a favor de una arquitectura más comprometida con el medio ambiente, interesada en afrontar el deterioro de la ciudad y en conservar el patrimonio construido, dejando atrás la ola individualista propiciada por la posmodernidad. Se notaba entonces el resurgimiento de un nuevo realismo basado en el optimismo, muy presente en la arquitectura venezolana y latinoamericana. Sin embargo, advierte: “Pero, así como ocurrió a la silla de Stam, en cualquier momento puede aparecer, henchido de lujo y ostentación, no la sencillez, sino su representación”.

6. Páginas centrales del nº48 de Arquitectura HOY del 5 de febrero de 1994.

El otro artículo dedicado al diseño industrial, que ocupa en este caso las páginas centrales del semanario, estaría a cargo de Juan Pedro Posani con el título “Más que un toque de locura”. Allí, observando el panorama internacional y ante el despliegue inusitado de objetos que asemejan cualquier cosa menos para lo que pueden servir (claro síntoma del momento que se vive), Posani, al igual que Sato, basará su discurso en torno al significado que encierra la elaboración de cualquier producto salido de la mano de connotados diseñadores. “Subiendo y bajando con las olas de las variaciones periódicas de la moda, sillas, sillones, butacas, taburetes, mesas, estantes, camas y divanes, en todas sus modalidades y tipología más o menos funcionales, van adquiriendo características que distan, a veces muchísimo, de ser una respuesta racional a una necesidad concreta. Inmersos en los cambiantes vapores del gusto, los muebles declaran otras intenciones, proyectan otros intereses. Y no se trata de que ignoren necesidades. Simplemente, responden a otra categoría de intereses. Porque una silla, en realidad, no sirve sólo para sentarse…, sino que también sirve para comunicarse”.

7. **Izquierda**. Arriba: Ron Arad. Estantería (1990). Abajo: Helmut Palla. Silla Berrendo (2001, de GymnasticFurniture).
**Derecha**. Arriba: Francesco Spada. Lámpara (1993). Abajo: Van Hong Tsai. Tostadora. (1986)

El imperante deseo de novedad, impulsó la aparición de los más disímiles objetos que, aunque destinados a una función, declaraban a gritos su antifuncionalidad, echando mano de la extravagancia y el kitsch en un tono abiertamente paradójico. “Sillas precarias, asientos que al utilizarlos amenazan con atravesarnos con sus estacas, estanterías que desafían la Ley de la Gravedad, gaveteros que no permiten su empleo normal, lámparas que simulan ser hachas o saurios, combinaciones de materiales insólitos y fuera de lugar, agresivos y hostiles, todos estos muebles invitan al rechazo y al repudio. Pero lo más probable es que, justamente por ello, por la sensación de asombro, sorpresa y perplejidad que provocan, es que se sitúan en el borde de la originalidad y lo memorable”, expresará Posani quien considera que detrás de tales manifestaciones lo que se esconde es el “cansancio moral” y la “decepción intelectual” como parte de “cierta demencia que atraviesa a toda la cultura mundial y que se revela en tanta inútil barbarie”.
El tono moralista de Posani se verá reflejado en las palabras del reconocido diseñador italiano Vico Magistretti, quien entrevistado por la revista Abitare expresará con respecto a la ruta tomada por el diseño industrial en aquel momento: “¿Pertenezco a una civilización de basuras?”, para luego agregar señalando lo mostrado en la gran exposición del diseño industrial montada en el Grand Palais de París: “… sospecho que responde a una visión del diseño que es todo lo contrario de lo que yo siempre he respetado, la idea de Bauhaus, para entendernos… ¿Qué significa, por ejemplo, un diván con grandes huecos cuadrados en el respaldo, justo donde sería más conveniente colocar unos buenos cojines? ¿A quién sirve tal cosa? Yo siempre diseño cosas que sirvan principalmente… En cambio, encuentro (en esos objetos) la inutilidad de lo que se hace sin motivación alguna”.

8. Página 4 del nº49 de *Arquitectura HOY* con el primer artículo publicado por Ignacio Urbina Polo.

El anuncio hecho por Sato de solicitar colaboraciones para el semanario de «sujetos que conocieran a fondo su saber específico», tendrá su primera manifestación en el nº49 de Arquitectura HOY (12 de febrero de 1994), cuando aparecerá la firma del diseñador industrial Ignacio Urbina Polo escribiendo, en tono complementario a lo señalado por Sato y Posani una semana antes, el artículo “El diseño industrial y la semántica de los productos”. Urbina Polo, egresado del Instituto Antonio José de Sucre, quien para entonces recién llegaba de Brasil tras realizar una Maestría en Ingeniería de Productos y en 1996 empezó a ejercer la docencia en Prodiseño, Escuela de Comunicación Visual y Diseño, fundada en 1990 que recogió la línea abierta en 1964 por el pionero Instituto de Diseño Neumann y hoy Profesor Asociado a tiempo completo en el Departamento de Diseño Industrial del Pratt Institute en New York, asumió con dedicación y rigor su compromiso, apareciendo en Arquitectura HOY 9 veces durante 1994 y otras 8 entre 1995 y 1996 sumando en total 22 hasta 1998.

Valga decir que hasta el día de hoy Urbina Polo se ha mantenido como importante divulgador de su disciplina a través de múltiples iniciativas y en particular desde la red mediante la página di-conexiones.

NOTA

9. Izquierda: Museo el Hermitage, San Petersburgo, Rusia. Centro: Poster de la presentación inaugural de Otello en Teatro de la Scala de Milán, Italia. Derecha: Poster del estreno de la película «Tiempos modernos».

No queríamos dejar de pasar por alto el mencionar que hoy, 5 de febrero, pero de 1852, en San Petersburgo (Rusia) se inauguró el Museo el Hermitage; en 1887, en el Teatro de la Scala de Milán (Italia), se estrenó la ópera Otello de Giuseppe Verdi; y, en 1936, en Estados Unidos, se estrenó la película “Tiempos modernos” de Charles Chaplin.

10. El arquitecto uruguayo Jorge Herrán (1897-1969) y sus dos obras más emblemáticas ubicadas ambas en el puerto de Montevideo: la Dirección de Aduanas y Capitanía General de Puertos (centro) y la Sede del Yacht Club Uruguayo (derecha), en colaboración con Luis Crespi.

También, pero en 1897, nació en Montevideo, Uruguay, el destacado arquitecto Jorge Herrán, quien estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República de donde egresó en 1921 y cuenta entre sus obras dos que vale la pena destacar por su importancia: el edificio de la Dirección de Aduanas y Capitanía General de Puertos, en el puerto de Montevideo (1923, ganado por concurso) y, junto a Luis Crespi, la Sede del Yacht Club Uruguayo, ubicado en el borde costero en el Puerto del Buceo (1934).

Por otro lado, en nuestro país, el 5 de febrero de 1998, un incendio destruyó parcialmente la Torre Europa (Premio Nacional de Arquitectura 1976), ubicada sobre la avenida Francisco de Miranda en Caracas. Los pisos mayormente afectados (el 4 y el 5) albergaban las oficinas del Sistema Económico Latinoamericano y del Caribe (SELA).

ACA

Procedencia de las imágenes

1, 2, 6 y 8. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

3. https://www.disenoyarquitectura.net/2011/09/mart-stam-padre-de-los-muebles-de-tubo.html

4. https://www.ingeniacontract.com/pieza-iconica-silla-barcelona-o-modelo-mr90/ y https://www.naharro.com/mobiliario/butacas/butaca-barcelona-knoll/

5. https://www.dorotheum.com/en/l/6661040/

7. https://www.tiovivocreativo.com/blog/arquitectura/ron-arad/, http://www.artnet.de/k%C3%BCnstler/helmut-palla/gabelbock-sessel-from-m%C3%B6bel-aus-turnger%C3%A4ten-XWSSS77eehvp-VKNGFUtcQ2, https://www.wow.gallery/Large-Papiermache-Wall-Lamp-Sculpture-design-by-Francesco-Spada-for y http://glob.daniel-letson.com/posts/tomes-cranbrook-design-the-new-discourse/

9. https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Hermitage, https://www.facebook.com/efemeridesmusica/photos/estreno-1887-otelo-giuseppe-verdiel-5-de-febrero-de-1887-se-estren%C3%B3-en-el-teatro/2587543347928719/?paipv=0&eav=Afa1d9JLVRY_Dqy3fmtVqR3zDyBlBxIpTPE9br4macL2ihmp7eBuaj8lYLr4mbo8YJY&_rdr y https://es.wikipedia.org/wiki/Tiempos_modernos

10. https://montevideoantiguo.net/index.php/presentes/el-edificio-de-la-aduana.html?fb_comment_id=1930671976984173_4196002177117797 y https://www.pinterest.com/pin/59954238790593249/