El MET inaugura una exposición sobre la variada trayectoria del arquitecto modernista poco reconocido Paul Rudolph
Perspective drawing of the Lower Manhattan Expressway / City Corridor project (unbuilt), New York ca. 1967–72. The Museum of Modern Art, New York, Gift of the Howard Gilman Foundation (1290.2000).
El Museo Metropolitano de Arte ha inaugurado una importante exposición centrada en la diversa e innovadora carrera de Paul Rudolph, un arquitecto modernista de segunda generación cuyo trabajo se sitúa junto a luminarias como Eero Saarinen e I.M. Pei. Titulada «Espacio materializado: la arquitectura de Paul Rudolph» («Materialized Space: The Architecture of Paul Rudolph»), la exposición estará abierta desde el 30 de septiembre de 2024 hasta el 16 de marzo de 2025 y abarcará un amplio espectro de las contribuciones arquitectónicas de Rudolph, desde sus casas experimentales en Florida, pasando por proyectos cívicos, hasta megaestructuras urbanas visionarias y rascacielos de uso mixto.
Installation view of Materialized Space: The Architecture of Paul Rudolph, on view September 30, 2024–March 16, 2025 at The Metropolitan Museum of Art.
La exposición presenta más de 80 obras diversas que abarcan diversas escalas y medios, incluidos dibujos, modelos, muebles y muestras de materiales, muchos de los cuales proceden de la propia oficina de Rudolph. Esta muestra integral es una colaboración entre el Met y el Archivo Paul Marvin Rudolph de la Biblioteca del Congreso. Su objetivo es destacar las contribuciones radicales de Rudolph a la arquitectura modernista, brindar una perspectiva de su complejo proceso artístico y enfatizar la importancia de la obra de Rudolph en el diálogo de los espacios urbanos modernos.
Paul Rudolph / Perspective section drawing of the Art and Architecture Building, Yale University, New Haven 1958. School of Architecture, Yale University, Manuscripts and Archives, Yale University Library.Installation view of Materialized Space: The Architecture of Paul Rudolph, on view September 30, 2024–March 16, 2025 at The Metropolitan Museum of Art.
Organizada en secciones temáticas, la exposición recorre las etapas evolutivas de la carrera de Rudolph, destacando su trabajo en viviendas, proyectos cívicos y sus encargos en Asia. También examina temas culturales y económicos clave del siglo XX, como las políticas de renovación urbana y las tendencias de construcción de posguerra. Uno de los puntos focales es la ambiciosa pero no realizada autopista del Bajo Manhattan de Rudolph, que refleja sus visiones de la infraestructura urbana.
Además, la exposición aborda la controversia duradera en torno al brutalismo y la arquitectura de hormigón, contextualizando el enfoque de Rudolph dentro del panorama sociopolítico de su tiempo y explorando por qué algunas de sus obras han sido demolidas en los últimos años.
“La negativa a ser categorizado hace que Paul Rudolph sea un arquitecto difícil de resumir, pero esta misma cualidad también lo convierte en un tema fascinante para la investigación, impulsando a nuevos públicos a descubrir, o redescubrir, su obra todos los días. Los intrincados y visionarios dibujos de Rudolph y sus espectaculares edificios terminados representan una voz singular dentro del abarrotado y variable terreno del modernismo tardío arquitectónico, una voz que seguirá siendo fascinante y desconcertante durante muchos años más”. – Abraham Thomas, Curador Daniel Brodsky de Arquitectura Moderna, Diseño y Artes Decorativas del Met
Paul Rudolph / Perspective section drawing of the Lower Manhattan Expressway / City Corridor project (unbuilt), New York 1972. The Museum of Modern Art, New York, Gift of the Howard Gilman Foundation.
En “Espacio materializado” («Materialized Space») se explora la habilidad de Rudolph como dibujante. La exposición presenta sus famosas representaciones y dibujos en perspectiva, que subrayan la importancia de los planos dibujados a mano en la enseñanza y la práctica arquitectónicas actuales. Estas obras, algunas de ellas prestadas por la Biblioteca del Congreso, nunca se han exhibido ni documentado anteriormente, lo que enriquece la narrativa del proceso creativo de Rudolph. La inclusión de elementos del Instituto Paul Rudolph de Arquitectura Moderna mejora aún más la descripción integral que ofrece la exposición de las contribuciones de Rudolph al campo de la arquitectura.
Interior perspective of Tuskegee Institute Chapel (now Tuskeegee University), Tuskeegee Alabama. Prints and Photographs Division, Library of Congress.
Recientemente se anunció que el Sanderling Beach Club de Paul Rudolph en Florida, construido en 1952, fue destruido por el huracán Helene. En una nota más positiva, se anunció que el Centro de Servicios Gubernamentales Brutalistas de Boston, amenazado desde hace tiempo por propuestas de demolición, se someterá a un proceso de reconversión para transformarlo en viviendas de uso mixto, una oportunidad para preservar la estructura histórica y al mismo tiempo adaptarla para abordar los desafíos urgentes de la ciudad.
… 17 de noviembre, en 1944 nace el arquitecto neerlandés Rem Koolhaas.
1. Rem Koolhaas (c.2010)
Considerado por muchos como el arquitecto más influyente de su generación, Remment Lucas «Rem» Koolhaas arriba hoy a los 80 años, sin haber perdido un ápice del tono polémico y a la vez reflexivo que ha caracterizado tanto sus intervenciones arquitectónicas como sus entrevistas, conferencias y textos escritos. Si algunos lo ven como uno de los pensadores arquitectónicos y urbanos verdaderamente importantes de finales del siglo XX y comienzos del XXI, otros lo consideran un iconoclasta engreído que personifica como pocos al arquitecto-hombre-estrella. Lo cierto es que Koolhaas no pasa desapercibido en cada una de las ocasiones en que tiene oportunidad de intervenir públicamente.
Sus biógrafos indican que nació en Róterdam (Países Bajos) y “vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, hijo de un escritor y nieto de un arquitecto, absorbe ambas profesiones para desarrollarlas a lo largo de su vida”.
Antes de iniciar sus estudios de arquitectura en 1968 en la Architectural Association School of Architecture de Londres (AA), Koolhaas a los diecinueve años, se dedicó al periodismo, trabajando en el Haagse Post un rotativo de La Haya. En la AA presentó en 1972 su proyecto de tesis titulado Exodus or the voluntary prisioners of architecture (en español, Éxodo o los prisioneros voluntarios de la arquitectura) el cual realizó junto con Madelon Vriesendorp, Zoe Zenghelis y Elia Zenghelis, quienes después serían sus primeros socios en la O.M.A (Office for Metropolitan Architecture) a partir de 1975.
Después de presentar la tesis, Koolhaas realizó estudios en la Universidad Cornell en Ithaca, Nueva York, donde cursó con Oswald Mathias Ungers, y luego en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos en la ciudad de Nueva York en momentos en que su fundador Peter Eisenman aún lo dirigía.
2. (Desde la izquierda) Madelon Vriesendorp, Rem Koolhaas, Elia y Zoe Zenghelis en Nueva York, 1978.
En 1975 regresó a los Países Bajos donde estableció su despacho de arquitectura asociado con sus compañeros de estudios en la AA Elia Zenghelis, Madelon Vriesendorp (con quien se casaría) y Zoe Zenghelis, al que, como ya señalamos, le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA) que alcanzó proyección internacional en el campo de la arquitectura, el urbanismo y el análisis cultural. Posteriormente Koolhaas creó AMO para desarrollar la rama de investigación de OMA cuyo pensamiento teórico ha sido aplicado en libros y otros proyectos que van más allá del ámbito de la arquitectura, como los medios de comunicación, la política, las energías renovables y la moda.
3. Carátula de la primera edición de Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (1978).
Cuando OMA aún daba sus primeros pasos, Koolhaas publica en 1978 Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (traducida al español como Delirio de Nueva York y publicado por Gustavo Gili en 2004), libro fundamental y pieza clave dentro de la producción teórica del último cuarto del siglo XX, que Koolhaas calificó “manifiesto retroactivo” y en el que, en forma novelada, analiza Manhattan a lo largo de su historia, centrándose específicamente en la primera mitad del siglo XX, para desentrañar lo que el autor llama la «cultura de la congestión», fenómeno que ve plasmado en la urbe norteamericana. En su disertación habla de la evolución física de la ciudad, que va inevitablemente ligada a su evolución social, política, económica, artística y arquitectónica.
4. Tres de las páginas interiores de Delirious New York.
Para algunos críticos como José M. Torres Nadal en su artículo “Arquitectura …a pesar de Delirio de Nueva York”, publicado en Arquine el 8 de septiembre de 2022, “El proyecto como sistema de exclusiones fue formulado de una manera tan contundente que ha convertido desde su publicación a Delirious New York en mucho más que solo un libro: es un proyecto metapolítico que ha instituido gran parte de las formas de gobernanza del espacio público de la ciudad. Sobre sus enunciados culturales y políticos se han apoyado, hasta muy recientemente, gran parte de las prácticas culturales arquitectónicas y urbanas contemporáneas, y han instituido buena parte de la agenda académica para la docencia de la arquitectura”.
5. Rem Koolhaas-OMA. Montaje que formó parte de la entrega de la propuesta ganadora del concurso para Euralille, Francia, 1988.
Pero si de alguna manera Delirious New York tuvo para Koolhaas y su oficina una repercusión clara sobre lo que significa pensar de una manera nueva la ciudad contemporánea, ello se vio plasmado al ganar en 1988 el concurso para Euralille, Lille, Francia, convocado para realizar propuestas para una nueva zona de la ciudad en proceso de transformación a raíz de la nueva línea del TGV y del túnel Inglaterra-Continente, que incorporaba un centro internacional de negocios, equidistante de Londres, Bruselas y París.
6. Rem Koolhaas-OMA. Euralille, Francia, 1989-1994.
Josep María Montaner y Zaida Muxi en “Ciudad-estación: Lille, Euralille, Centro Internacional de Negocios”, artículo publicado en ARQA el 17 de octubre de 2006 precisarán cómo aquel trabajo ofreció a Koolhaas y OMA la “oportunidad de pasar a escala metropolitana las teorías del caos, el azar y la incertidumbre. La gran escala y la complejidad eliminaban la posibilidad del mega-objeto, que también entonces Koolhaas estaba experimentando. No se trataba de hacer edificios sino de prever procesos, proyectar estrategias urbanas, crear sistemas de objetos. Para ello OMA preparó unos nuevos mecanismos urbanos que lograsen la unicidad con la heterogeneidad y la multiplicidad. (…) Ningún elemento es independiente; cada uno se debe interpretar en función de los otros y de las relaciones generadas por los flujos”.
7. Zaha Hadid, Rem Koolhaas y Elias Zenghelis-OMA. Maqueta de la propuesta para el concurso de la Ampliación de Ayuntamiento de La Haya, 1978.8. Rem Koolhaas-OMA. Concurso para la Ville Nouvelle de Melun-Sénart (1986).
También, para Montaner y Muxi, “Euralille fue la ocasión para que Rem Koolhaas afrontara la gran escala, siguiendo las ideas de su manifiesto Delirio de Nueva York (1978). En algunos proyectos anteriores, no realizados, había ensayado una solución de escala urbana similar: para el concurso del Nuevo Ayuntamiento de La Haya (1986), planteó un gran edificio como si fuera un fragmento espontáneo de diversos rascacielos de Manhattan; y en la propuesta para la Ville Nouvelle de Melun-Sénart (1986) trazó una ciudad dispersa y experimental, proyectada como un gran ideograma chino conformado por bandas y archipiélagos de islas”.
9. Otros tres libros publicados por Koolhaas.
Desde Delirious New York, Koolhaas ha seguido abonando ideas que le han permitido continuar su particular interpretación del mundo contemporáneo, las cuales ha plasmado en textos como “La ciudad genérica” (1997) o “Espacio basura” (2005) claves dentro de la crítica urbanística del nuevo milenio. Ya anteriormente al primero había publicado S, M, L, XL (1995) y entre ambos había participado en Mutations (2001), un proyecto conjunto de Rem Koolhaas OMA y el Proyecto Harvard sobre la Ciudad, y había lanzado Content (2004) como resultado de la exposición del mismo título que se inauguró en 2003 en la Neue Nationalgalerie de Berlín.
10. Rem Koolhaas-OMA. Izquierda arriba: Teatro de la Danza de Países Bajos (1980-1987). Derecha arriba: Viviendas Nexus (1991). Izquierda abajo: Lille Grand Palais (1994). Derecha abajo: Edificio multifuncional Educatorium Universidad de Utrecht (1992-1997).
Del lado de las propuestas, todas ellas muy publicitadas, destacan, entre otras: el temprano Teatro de la Danza de Países Bajos (1980-1987, La Haya), Viviendas Nexus (1991, Fukuoka, Japón), Villa Dall’Ava (1991, Saint-Cloud, París), el Museo de Arte Kunsthal (1992, Róterdam), Lille Grand Palais (1994, Lille), Edificio multifuncional Educatorium Universidad de Utrecht (1992-1997, Utrecht, Países Bajos), Casa unifamiliar en Burdeos (1996-1998, Burdeos, Francia), Embajada de los Países Bajos en Berlín (1997-2003, Berlín, Alemania), Biblioteca Central de Seattle (1999-2004, Seattle, USA), Casa da Música (2011-2005, Oporto, Portugal), Sede de la Televisión Central de China (2004-2009, Pekín, China), Shenzhen Stock Exchange (2006-2013, Shenzhen, China), De Róterdam, (2009-2013, Róterdam), la Sede Central y Centro de Estudios Estratégicos Fundación Qatar (2012-2017, Doha, Catar), la Biblioteca Nacional de Catar (2018, Catar) y Grandes almacenes Galleria (2016-2020, Gwanggyo, Corea del Sur).
11. Rem Koolhaas-OMA. Izquierda arriba: Villa Dall’Ava (1991). Izquierda abajo: Casa unifamiliar en Burdeos (1996-1998). Derecha: Embajada de los Países Bajos en Berlín (1997-2003).
Tan variada producción confirma lo expresado en la página epdlp.com (https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=84): “La arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos. Su arquitectura es una arquitectura de lo esencial, ideas a las que se da una forma constructiva. Es un profesional que se siente manifiestamente a gusto con el futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al armazón que termina por ser una casa, un centro de congresos, el proyecto de un campus o un libro”.
12. Rem Koolhaas-OMA. Izquierda arriba: Biblioteca Central de Seattle (1999-2004). Derecha arriba: Sede de la Televisión Central de China (2004-2009). Izquierda abajo: Biblioteca Nacional de Catar (2018). Derecha abajo:Shenzhen Stock Exchange (2006-2013).
Koolhaas ha ganado varios premios internacionales, incluido el Premio Pritzker de Arquitectura en 2000, el Praemium Imperiale en 2003, el León de Oro a la trayectoria en la Bienal de Venecia de 2010, el Premio RIBA Charles Jencks en 2012 y el Premio Johannes Vermeer en 2013. En 2008, Time lo colocó entre las 100 personas más influyentes del mundo. Fue elegido director de la Biennale di Venezia y la American Philosophical Society en 2014. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard.
En la actualidad OMA está dirigida por Rem Koolhaas y siete socios más: Reinier de Graaf, Ellen van Loon, Shohei Shigematsu, Iyad Alsaka, Chris van Duijn, Jason Long y el socio gerente y arquitecto David Gianotten, y tiene oficinas en Róterdam, Nueva York, Hong Kong, Doha y Australia. Los edificios diseñados por OMA actualmente en construcción son la renovación de Kaufhaus des Westens (KaDeWe) en Berlín, The Factory en Manchester, Hangzhou Prism, CMG Times Center en Shenzhen y Simone Veil Bridge en Burdeos.
13. AMO. Diseño de los espacios para el desfile de moda femenina otoño/invierno 2020 de Prada.
Por otro lado, como se señala en Metalocus (https://www.metalocus.es/es/autor/office-metropolitan-architecture) “AMO a menudo trabaja en paralelo con los clientes de OMA para fertilizar la arquitectura con inteligencia de esta variedad de disciplinas. Este es el caso de Prada: la investigación de AMO sobre identidad, tecnología en la tienda y nuevas posibilidades de producción de contenido en la moda ayudó a generar los diseños arquitectónicos de OMA para las nuevas tiendas del epicentro de Prada en Nueva York y Los Ángeles”.
Para finalizar cuatro citas de Koolhaas que queremos compartir:
«Si uno no cambia, no evoluciona y termina por dejar de pensar».
«Habla sobre la belleza y obtendrás respuestas aburridas, pero habla sobre la fealdad y las cosas se vuelven interesantes».
«La sostenibilidad se ha convertido en un adorno».
«Cuanto más fuerte es la identidad, más encierra, más resiste la expansión, la interpretación, la renovación, la contradicción».
Una visión valiosa de las obras y la mente del arquitecto japonés Shigeru Ban. El autor Philip Jodidio explora los edificios completados de larga data, nuevos proyectos y una perspectiva futura del estudio Shigeru Ban después de que Taschen haya seguido su carrera desde el principio. Esta monografía es un viaje a través de los años y la evolución de un arquitecto que se hizo un nombre con verdaderas maravillas arquitectónicas que no pueden superarse en la innovación, la elegancia y la sensibilidad. Junto a los primeros edificios que despliegan tubos de papel como elementos estructurales, así como casas que desafían una idea tan fundamental como muros, como la casa de la pared de la cortina en Tokio y la casa sin pared en el campo de Nagano, vemos muchos proyectos versátiles recientes. Ver un ático de dos pisos sobre una casa histórica de hierro fundido de la ciudad de Nueva York de 140 años, el campus Swatch/Omega en Suiza, y el Sena Musicale, una sala de conciertos insertada en un plan maestro general concebido por Jean Nouvel para la isla île Seguin en Francia.
El trabajo de Ban se caracteriza por una búsqueda para comprender los edificios y un compromiso de guardar y usar materiales descartados, lo que lo llevó a soluciones inventivas y reclamar el papel material como el elemento básico de varios de sus proyectos. Junto con esta ambición, Ban dio una cara a la arquitectura japonesa mientras se mantenía en contacto con su escritura arquitectónica única, lo que le permite crear una magnitud de proyectos en todo el mundo. La notoriedad del arquitecto ganador del premio Pritzker no le ha impedido dedicar su talento e ideas innovadoras a quienes necesitan ayuda. Ha construido refugios para refugiados en Ruanda y Sri Lanka, y ha utilizado sus estructuras de tubo de papel para erigir rápidamente alojamientos de emergencia en Fukushima y Ucrania en tiempos de crisis. Con su enfoque de resolución de problemas, generoso y elegante, Shigeru prohíbe la arquitectura humanitaria y sigue empujando los límites de su oficio.
Pablo Nascimento, Tani Neuberger y Claudia Nascimento (eds.)
Arquitectura y Urbanismo Neuberger Nascimento/Instituto de Urbanismo de la FAU UCV/Ediciones FAU UCV
2013
El libro PEDRO NEUBERGER. Arquitecto abrió para el sello editorial de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV la posibilidad de poner en marcha un tipo de modalidad de coedición hasta entonces inexplorado. En momentos en que ya se había agudizado la crisis presupuestaria universitaria y se habían disparado los costos de producción e impresión de todo tipo de publicaciones, llegó el año 2012 al Comité Editorial de Ediciones FAU UCV la solicitud de la profesora Tani Neuberger (directora del Instituto de Urbanismo entre 2003 y 2006), encauzada por la siempre recordada profesora Marta Vallmitjana (integrante en aquel entonces del Comité), de avalar, previa revisión del contenido, la publicación de un libro destinado a honrar la memoria de su padre (Rolf Peter -Pedro- Neuberger Gattman, Frankfurt 1923- Caracas 2011), que buscaba, además, rendirle homenaje y dejar testimonio de su trayectoria profesional.
Aunque no se podía considerar una obra estrictamente académica, ni procedía de un trabajo de investigación formalmente formulado, o de la distinción otorgada por el jurado evaluador a algún trabajo de postgrado o de ascenso, el Comité Editorial, sin embargo, consideró que se trataba de una recopilación documental relevante, que pondría en manos de estudiosos y público en general un valioso material rigurosamente ordenado y muy bien ilustrado sobre uno de los arquitectos integrante de una generación que impulsó a partir de los años 1950 la modernización de la arquitectura venezolana desde una práctica profesional diversa, dilatada y prolífica.
Por un lado, el participar en el proyecto le brindaba la oportunidad a Ediciones FAU UCV de ofrecer su ya para entonces bien posicionado prestigio, como garantía a un tipo de trabajos que, con rigor, van llenando los innumerables vacíos que hay detrás de figuras conocidas y no tan conocidas de nuestra arquitectura, cuyos archivos en algunos casos se encuentran bien preservados. Por el otro, se le abría la puerta a iniciativas que contaban con posibilidades económicas para cubrir todos los gastos inherentes a la producción e imprenta para que se acercaran a la academia con temas afines a sus intereses en una política de “ganar-ganar” donde el solicitante publica con la garantía que ofrece una “marca” reconocida y ésta mantiene su presencia en el mercado pese a la crisis.
Página de créditos y primera de la «Biografía» del libro.
Así, PEDRO NEUBERGER. Arquitecto, concebido por Pablo Nascimento (su yerno, primero colaborador y luego socio con una relación de más de 35 años), Tani Neuberger y Claudia Nascimento (la hija de Pablo y Tani), quien también realizó el diseño, la diagramación y montaje, se trata de una publicación de 160 páginas, en tapa dura y papel glasé, de 30,5 x 21,5 cms, apaisada, profusamente ilustrada, que, como ya adelantamos, registra la biografía y trayectoria profesional quien fuera desde su llegada a Venezuela en 1951 partícipe de los años dorados de nuestra arquitectura moderna, amén de profesor de la Escuela de Arquitectura de la UCV entre 1960 y 1968.
La obra cuenta con una “Introducción”, seguida de un “Prólogo”, redactado por Nascimento, y un cuerpo conformado por tres partes: la primera no es otra cosa que una pincelada biográfica con algunas anécdotas y fotografías donde se resaltan las características de su vida personal y profesional.
Página interior correspondiente a la primera etapa de la obra de Pedro Neuberger.Página interior correspondiente a la segunda etapa de la obra de Pedro Neuberger.
La segunda parte y la más voluminosa, consiste en una recopilación gráfica (fichas, planos y fotografías) de sus principales obras y proyectos recogidos en cuatro etapas: la primera va desde 1945, cuando en Buenos Aires colabora en la oficina de los arquitectos Sánchez Elías, Peralta Ramos y Agostini (acumulando, pese a no haber podido culminar la carrera de arquitecto, una importante experiencia en diseño y construcción de varias obras de importancia), hasta 1951 año que marca su llegada a Venezuela en busca de abrir oportunidades de trabajo; la segunda, signada por su asociación con Jorge Romero Gutiérrez y Dirk Bornhorst en la oficina Arquitectura y Urbanismo C.A. entre 1952 y 1960, concluye con la paralización definitiva de El Helicoide; la tercera comprendida entre 1961 y finales de la década de los 80 la recorrerá junto a Dirk Bornhorst en el Taller de Arquitectura Bornhorst-Neuberger; y la cuarta se inicia a comienzos de los años 90, asociado a Pablo Nascimento, cuando se constituye la oficina Arquitectura y Urbanismo Neuberger Nascimento, donde trabajará hasta su fallecimiento.
Página interior correspondiente a la tercera etapa de la obra de Pedro Neuberger.Página interior correspondiente a la cuarta etapa de la obra de Pedro Neuberger.
La tercera parte del libro está constituida por un listado cronológico de la mayoría de sus obras y proyectos que en un número de 164 fueron realizados entre 1952 y 2012.
Del total de trabajos registrados se llevó a cabo, para conformar la segunda parte del libro, una selección de 53 obras y 30 proyectos realizados por Neuberger individualmente o en asociación con Jorge Romero Gutiérrez, Dirk Bornhorst, Pablo Nascimento y un numeroso grupo de arquitectos colaboradores, los cuales se agruparon con base en 8 categorías: casas, edificaciones institucionales, edificios de oficinas, edificaciones industriales, centros comerciales, edificios residenciales, hoteles y conjuntos vacacionales, y propuestas de urbanismo.
Dos páginas interiores correspondientes a la cuarta etapa de la obra de Pedro Neuberger.
La impresión de PEDRO NEUBERGER. Arquitecto la realizó Intenso Offset C.A. Litografía y Tipografía (Grupo Intenso) en el 2013 y su presentación se llevó a cabo 2 de julio de 2014 en el Caracas Sport Club, Baruta. Por ser una iniciativa de carácter familiar el tiraje se limitó a pocos ejemplares muy bien distribuidos, por lo que ha quedado circunscrito a ser un necesario libro de consulta.
Después de 10 años, a PEDRO NEUBERGER. Arquitecto, mediante otra asociación estratégica de Ediciones FAU UCV ahora con la Universidad Católica Andrés Bello a través de su editorial ABEdiciones y gracias a la iniciativa de los profesores José Humberto Gómez y Víctor Sánchez Taffur, le seguirá la aparición a finales del próximo mes de noviembre, en el marco de la Feria del Libro de la UCAB, del primer título de una serie dedicada a maestros de la arquitectura venezolana que se inicia con Gustavo Legórburu Rodríguez (1930-2013), Premio Nacional de Arquitectura 1989. Ojalá sea el comienzo de otras colaboraciones interinstitucionales tan necesarias en los tiempos que transcurren.
ACA
Procedencia de las imágenes
Todas. Pablo Nascimento, Tani Neuberger y Claudia Nascimento (eds.), PEDRO NEUBERGER. Arquitecto, 2013
Cuando Oscar Niemeyer (1907-2012) arribó a su cumpleaños nº100 el 15 de diciembre de 2007, fueron numerosas las celebraciones y eventos que se organizaron en torno a tan importante fecha, considerada todo un acontecimiento en Brasil. Oscar, como se le conocía popularmente, se encontraba aún lúcido y activo y por ello, con la finalización ese año del Teatro Popular de Niterói, también se conmemoraron 70 años de actividad profesional ininterrumpida desde su primer proyecto realizado en 1937: la Obra do Berço en Río de Janeiro.
Desde el gobierno brasileño varias fueron las iniciativas emprendidas de entre las cuales algunas fueron exposiciones que empezaron a recoger, una vez más, lo más relevante de una trayectoria centrada en la pasión por la arquitectura y la política, determinada por una serie de relaciones profesionales, políticas y de amistad, tanto en Brasil como en Europa y Estados Unidos que, traducidas en encuentros, acontecimientos, encargos, viajes, y vínculos personales, lo situaron en el epicentro de las enormes transformaciones ocurridas en Brasil y el mundo durante el correr del siglo XX.
1. Izquierda: Portada del libro The Curves of Time. The Memoirs of Oscar Niemeyer (Phaidon) reeditado en 2007 con motivo del centenario del maestro brasileño. Derecha: Imagen del acceso al capítulo «Poética de la forma» que formó parte de la exposición «OSCAR NIEMEYER» realizada en Santiago de Chile en 2008.
Tomando como antecedente, por un lado, la aparición en 1998 de la autobiografía As curvas do tempo. Memórias (traducida a varios idiomas), publicada en inglés en 2000 con el título The Curves of Time. The Memoirs of Oscar Niemeyer (Phaidon), y reeditada en 2007 con motivo del centenario y, por el otro, la exposición itinerante procedente de Brasil titulada “OSCAR NIEMEYER” abierta en Santiago de Chile en 2008, que contó con dos capítulos (La invención del tiempo y Poética de la forma) y se mostró en dos lugares (Espacio ArteAbierto y Museo Nacional de Bellas Artes, respectivamente), curada por Marcus Lontra con fotografías de Kadu Niemeyer (nieto del arquitecto) y la presentación de un video-documental realizado por Fernando Maciel, será inaugurada en Caracas el 21 de mayo de 2009 la muestra con el mismo título que contó, fundamentalmente, con el material elaborado para el primer capítulo.
2. Oscar Niemeyer fotografiado por su nieto Kadu Niemeyer.3. Detalle del afiche-invitación elaborado con motivo de la inauguración de la exposición en Caracas.
Montada en los espacios del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas -MACC- (antes “Sofía Imber”), “OSCAR NIEMEYER. Una invención del tiempo” se trató de un esfuerzo conjunto entre la Embajada de la República Federativa del Brasil en Venezuela, el Museo de Arquitectura (MUSARQ) y el Instituto Cultural Brasil-Venezuela, que contó con el patrocinio del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Fundación Museos Nacionales y la empresa Odebrecht.
Para la inauguración se contó con la presencia de Antonio José Simoes (Embajador de Brasil en Venezuela), Marcus Lontra (Curador de la Exposición), Heloisa Alves (Coordinadora Técnica de la exposición), Kadu Niemeyer (Fotógrafo), Luis Angel Duque (Director del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas), Juan Pedro Possani (Director del Museo de Arquitectura) y Domingo Álvarez (Museógrafo).
Aunque su estructura estuvo basada en el proyecto expositivo realizado desde Brasil por Kadu Niemeyer y Heloisa Alves con Marcus Lontra como curador, responsables todos del guión, y estuvo constituida por croquis, maquetas y fotografías (tomadas Kadu Niemeyer), la muestra, que llegaba a Venezuela procedente del Museo de Arte de las Américas de la OEA, Washington (donde había recalado proveniente la estadía en Chile ya comentada), contó con una curaduría particularmente adaptada a nuestro país asumida por el arquitecto Domingo Álvarez (1935-2018), pionero de la museografía venezolana.
Álvarez, quien manifestó en su momento que se había hecho muy amigo de Niemeyer cuando llevó en 1992 la exposición retrospectiva de Armando Reverón a Brasilia, Río de Janeiro y finalmente a Sao Paulo, también confesó que en aquel momento Oscar le manifestó el deseo de que su obra fuese mostrada en suelo venezolano, por lo que tenía una deuda con el maestro brasileño de montar una exposición, “y por coincidencia aparece la oportunidad”, 17 años después.
4. Disposición de la exposición «OSCAR NIEMEYER» dentro del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.5. Izquierda: Vista de la Sala Principal del MACC durante la exposición. Derecha:Oscar Niemeyer. Memorial de la América Latina, Sao Paulo, 1989.
De tal manera, sería Álvarez con la colaboración de Carola Barrios quien trabajaría en la adaptación de 5 salas del MACC a la exposición itinerante agregando “unos elementos que consideraba fundamentales dentro de la obra de Niemeyer, dedicando a ellos la sala principal del Museo. Utilizando la ambientación como recurso museográfico recibía al público con una réplica de la escultura ubicada en el Memorial de América Latina construido en Sao Paulo. Esta escultura que representa una mano abierta y en la palma dibuja con sangre el mapa de América Latina, la hicimos prácticamente a escala 1:1 aprovechando la altura de la sala, estaba acompañada de imágenes, videos y otros elementos complementarios. También añadimos un espacio (sala 8, Oscar Niemeyer: Imágenes y juegos) dedicado a los niños donde podían jugar con una geometría que en cierta forma se acercaba a la volumetría de la arquitectura del Maestro y podían también hacer dibujos sobre la exposición que habían visto”. Además, se tomó en consideración por parte del equipo del Museo de Arte Contemporáneo facilitar el recorrido y apreciación de lo exhibido a personas invidentes.
6. Oscar Niemeyer. Proyecto para el Museo de Arte Moderno de Caracas, Colinas de Bello Monte, 1955.
Adicionalmente, se incorporaría en una de las salas un capítulo titulado Venezuela, con la propuesta del Museo de Arte Moderno de Caracas (MAMC). Este proyecto realizado por Niemeyer en 1955, que nunca fue construido, fue gestionado por el empresario urbanizador Inocente Palacios y contó con la colaboración de los estudiantes de arquitectura de la UCV cursantes de los últimos años de carrera: Fruto Vivas, Henrique Hernández, Elio Vidal, Gustavo Legórburu y Pedro Valenti. La presentación se complementó con los planos originales y la maqueta del edificio que el arquitecto brasileño hizo durante su estadía en nuestra ciudad que, procedentes del archivo de Inocente Palacios, fueron cedidos por la Fundación para la Memoria Urbana, un boceto perteneciente a la FAU UCV, cartas, un video donde el arquitecto Fruto Vivas (uno de los jóvenes colaboradores de entonces) aportó datos interesantes acerca de la propuesta, y una maqueta del proyecto realizada para la ocasión.
7. Fotografías de Kadu Niemeyer que formaron parte de la muestra. Arriba izquierda: Interior de la Catedral de Brasilia (1960). Arriba derecha: Sede de la editorial Mondadori, Milán, 1968. Centro: Museo Oscar Niemeyer, Curitiba, 2002. Abajo: Casa das Canoas, Rio de Janeiro, 1952.
La exposición, para la que se elaboró un catálogo y de la cual hemos podido encontrar sólo una imagen, además de concentrar sus mayores obras, recogió los 40 proyectos que a pesar de su avanzada edad Niemeyer había realizado en los últimos tres años. También, se presentaron el Sambódromo de Río de Janeiro; el Conjunto de Ibirapuera, en São Paulo; el Museo Oscar Niemeyer, en Curitiba; el centro cultural que también lleva su nombre en Goiana; la Torre del Parque, de Natal; y el Museo de Arte Contemporáneo en Niteroi (donde busca recrear, sin lograr el mismo efecto y potencia, la idea del MAMC). Tuvo especial significado la proyección de una video-entrevista en la que el maestro dibuja mientras conversa y la presencia de una réplica a gran escala del vitral de la catedral de Brasilia.
En el marco de la muestra el crítico y presidente del DO.CO.MO.MO. del Brasil, arquitecto Hugo Segawa, dictó una charla sobre el legado y vigencia del maestro Niemeyer que estaba a punto de cumplir 102 años.
Ante el interés que el evento despertó, la clausura prevista inicialmente para el 16 de agosto logró prorrogarse hasta 6 de septiembre.
8. Foto de la exposición «OSCAR NIEMEYER» montada en los espacios de la Fundación Telefónica, Madrid, en 2009.
Nota
Aquel mismo año 2009 del 18 de septiembre hasta el 22 de noviembre se realizó en Madrid, España, en la Sala de Exposiciones de Fundación Telefónica otra exhibición titulada “OSCAR NIEMEYER”, comisariada en este caso por el arquitecto, antropólogo y escritor Lauro Cavalcanti, considerada como la retrospectiva más completa realizada en España hasta aquella fecha del maestro brasileño.
De acuerdo a lo que aparece en https://www.fundaciontelefonica.com/noticias/17_01_2014_esp_6370-124/, “La muestra incluye desde sus primeros proyectos de arquitectura moderna en Brasil hasta las obras más recientes, como el Centro Niemeyer de Avilés, en proceso de construcción y el único trabajo en España de este arquitecto que a sus 102 años de edad continúa con su tarea creativa. La exposición (…) está compuesta por maquetas, dibujos, croquis, libros, fotografías, un sofá, una escultura, proyecciones y películas”.
Se trató, como se puede observar, de otra iniciativa en paralelo a la que hoy nos ha ocupado vinculada a la celebración del centenario del más importante arquitecto brasileño del siglo XX.
Fundación Arquitectura y Ciudad 
