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VISITAS MEMORABLES

1. Jean Nouvel en 2009.

Jean Nouvel (Fumel, Francia, 1945)

Fue en julio de 1988 cuando Jean Nouvel, el arquitecto francés más afamado y de mayor proyección internacional desde Le Corbusier (que, sin embargo, como sabemos, era suizo de nacimiento), visitó Venezuela. Lo hizo en el marco de la celebración del Mes de la Arquitectura de aquel año, evento que desde 1985 venía organizando el Colegio de Arquitectos de Venezuela (CAV) con el aval de un grupo importante de instituciones y el apoyo de patrocinantes de peso.

2. Afiche elaborado con motivo de la celebración del Mes de la Arquitectura de 1985 (izquierda) y portadas de los números 48 (julio 1985) y 49 (abril 1986) de la revista CAV. Ítalo Balbi Toro era por entonces el presidente del Colegio de Arquitectos de Venezuela y María Teresa Novoa la directora de la revista.

Cabe recordar que aquel primer Mes de la Arquitectura, programado para dinamizar un gremio por lo general pasivo, estuvo repleto de charlas, coloquios y actividades de intercambio, contó con el arquitecto Richard Meier como invitado internacional y sirvió para relanzar a partir del nº48 la revista CAV a través de un nuevo formato y sustancioso contenido, todo ello teniendo como excusa la conmemoración el 4 de julio de los 40 años de la creación de la Sociedad Venezolana de Arquitectos (SVA) y 19 de la fundación del CAV. Presidía el ente gremial el arquitecto Ítalo Balbi Toro y tuvo a su cargo la coordinación general de aquellos 30 días celebratorios el arquitecto Alejandro Mendoza D’Ascoli.

Tras el exitoso Mes de la Arquitectura de 1985 el modelo fue replicado los años 1986, donde se contó con la presencia de Mario Botta y Franco Purini como invitados internacionales, y 1987 con Rogelio Salmona asumiendo ese rol teniendo a Fruto Vivas como contraparte nacional.

Así, en 1988, cuando Shully Rosenthal ya había tomado las riendas del CAV, decide mantener con vida el exitoso programa, ratificar a Mendoza como coordinador general e invitar para el capítulo correspondiente a julio de ese año a Jean Nouvel como la figura de mayor relevancia. 14 instituciones y hasta 8 embajadas le ofrecerían su respaldo y 9 empresas aportarían los recursos.

3. Facsímil desplegable donde se mostraba la programación del Mes de la Arquitectura de 1988. Izquierda: Carátula. Derecha: Créditos.

En el facsímil que recoge la amplia y variada programación del Mes de la Arquitectura 1988, la Junta Directiva y el Comité Organizador señalan con ambición que “El Mes de la Arquitectura es un evento cuyos principales objetivos son proyectar la importancia y trascendencia de la arquitectura, mostrando su evolución e influencia en el desarrollo del hombre, a través de la difusión, discusión y repercusión sobre la obra de aquellos que han logrado relevancia por la calidad e influencias de su trabajo, tanto a nivel local como internacional”.

Nouvel, en la que ha sido su única presencia entre nosotros, junto a la visita a universidades y organismos públicos, dictó una recordada conferencia en la Sala Plenaria de Parque Central el jueves 21 de julio de 1988 a las 6:00 pm. donde mostró su particular manera de entender la arquitectura y su incipiente pero significativa obra acumulada, con una edad muy cercana a los 43 años.

4. Facsímil desplegable donde se mostraba la programación del Mes de la Arquitectura de 1988. Izquierda: Página donde se anuncia la conferencia de Jean Nouvel en la Sala Plenaria de Parque Central. Derecha: Colaboraciones y patrocinios.

Con Nouvel como centro, se puede registrar en la publicación citada, la realización de otras cinco conferencias que serían dictadas por: el equipo interdisciplinario Main Street de EE UU, representado por Betsey Jackson y Richard Blerce (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas); el reconocido fotógrafo italiano Giovanni Chiaramonte (Auditorio de la Electricidad de Caracas); la importante crítica e historiadora alemana Annegret Burg (Auditorio de la Electricidad de Caracas); el arquitecto italiano Pietro Derossi, colaborador frecuente de la revista Lotus (Auditorio de la Electricidad de Caracas); y el director del centro colombiano Las Gaviotas, Paolo Lugari (Auditorio del Colegio de Ingenieros). A ello se deben sumar dos coloquios (uno dedicado a Berlín -MACC- y otro a Caracas -Ateneo de Caracas-); la proyección en el Ateneo de Caracas de cuatro películas (Metrópolis, Blade Runner, Brasil y París, Texas), que muestran la visión de sus directores sobre la relación arquitectura-ciudad; un ciclo de hasta ocho exposiciones en diversas salas de la ciudad; y un extenso e intenso ciclo audiovisual constituido por videos aportados por las embajadas de Estados Unidos (4), Francia (8), Japón (4), Australia (2) y España (1) además de 5 provenientes de otros países.

5. Plaza del mercado de Sarlat ciudad histórica situada en el corazón del Périgord Noir al suroeste de Francia.

En cuanto a la primera etapa de la trayectoria de Nouvel previa a su venida a Caracas, se conoce que, influido por la formación de sus padres (ambos docentes de profesión), creció en un ambiente donde se priorizaba el rigor intelectual y la formación académica tradicional. Durante su infancia, la familia se trasladó de Fumel, en el suroeste de Francia (donde había nacido) a Sarlat, una ciudad de trazado medieval que Nouvel describe como un entorno saturado de arquitectura significativa. Es en este contexto donde germina su fascinación por el espacio, alimentada paradójicamente por sus frecuentes escapadas al cine local, una influencia que resultaría determinante en su comprensión posterior de la arquitectura como una secuencia de encuadres y atmósferas.

Aunque su inclinación natural lo orientaba hacia las artes plásticas, Nouvel aceptó estudiar arquitectura como un compromiso pragmático ante la reticencia de sus padres hacia una carrera puramente artística. Tras fallar el examen de ingreso en Burdeos, se trasladó a París en 1966, donde obtuvo el primer puesto en el prestigioso concurso nacional para ingresar en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de donde egresaría en 1972.

6. Izquierda: Claude Parent (1923-2016). Derecha: Paul Virilio (1932-2018).

La formación de Nouvel en París coincidió con la efervescencia política y teórica que desembocaría en mayo de 1968. Entre 1967 y 1970, trabajó como asistente en el estudio de Claude Parent y Paul Virilio. Esta colaboración fue fundamental para su desarrollo intelectual. Claude Parent, proponente de la «función oblicua», y Paul Virilio, filósofo y urbanista centrado en la velocidad y la desaparición de la forma, proporcionaron a Nouvel las herramientas para cuestionar los dogmas del modernismo tardío. A los veintidós años, bajo la tutela de Parent, Nouvel ya asumía la dirección de proyectos complejos, como un conjunto habitacional de ochenta unidades, lo que le permitió adquirir una madurez técnica inusual antes de su graduación.

7. La universidad de La Sorbona, ocupada por los estudiantes en mayo de 1968, París, Francia.

La década de 1970 marcó el inicio de la faceta de Nouvel como un intelectual público y militante. En un periodo de desilusión con las estructuras corporativas de la arquitectura en Francia, Nouvel se posicionó como un crítico feroz de las instituciones establecidas. En 1976, fue miembro fundador del movimiento «Mars 1976», cuyo manifiesto se oponía al corporativismo de los arquitectos y a la rigidez de la Carta de Atenas. Un año después, cofundó el Syndicat de l’Architecture (Sindicato de la Arquitectura), una organización nacida en abierta oposición al Colegio Nacional de Arquitectos oficial.

Este activismo no se limitaba a la teoría. Nouvel participó activamente en la organización del concurso para la remodelación de Les Halles en 1977, un esfuerzo por proponer soluciones urbanas que respetaran la memoria y la vitalidad del distrito frente a los planes tecnocráticos del gobierno. Asimismo, en 1980, fundó la Bienal de Arquitectura de París como una plataforma para el debate internacional sobre la disciplina.

8. Jean Nouvel. Izquierda: Maison Dick en Saint-André-les-Vergers (1976-1978). Derecha: Centro Médico-Quirúrgico Val-Notre-Dame en Bezons (1976-1980).

Sus primeros proyectos construidos reflejan este espíritu de confrontación y búsqueda de una nueva materialidad. Obras como la Maison Dick en Saint-André-les-Vergers (1978-1978) y el Centro Médico-Quirúrgico Val-Notre-Dame en Bezons (1976-1980), donde explora la metáfora del «hotel» o el «transatlántico», utilizando muros cortina y detalles que evocaban una modernidad tecnológica eficiente, introdujeron un lenguaje que utilizaba componentes industriales y tecnologías contemporáneas para abordar programas tradicionales. Esta etapa inicial se caracteriza, en resumen, por una fascinación con el objeto arquitectónico como un ensamblaje de piezas legibles, influencia directa de su exposición temprana a las teorías de la industrialización.

9. Jean Nouvel. Propuesta presentada para el Concurso del Centro Nacional de Arte y Cultura, Beaubourg, París, 1971 (mejor conocido con el Centro Georges Pompidou).
10. Jean Nouvel. Propuesta presentada para el Concurso del Parque de La Villette, París, 1982.

Asiduo concursante desde muy joven, Nouvel participó, entre otros, en 1971 en el concurso para el Centro Georges Pompidou, Beaubourg, París, Francia; en 1978 en el de Inmeubles de Ville en Cergy-Pontoise, Francia; en 1982 en los convocados para el Parque de la Villette, para del edificio para el Ministerio de Economía y Finanzas y para el Campus Universitario de Jussieu, todos en París, Francia; en 1983 en el de la Tete Defense, Nanterre, Francia y en el de una Sala de Conciertos para 10.000 espectadores, Bagnolet, Francia y para la Exposición Universal de 1989-La Seine, París, Francia.

11. Jean Nouvel. Instituto del Mundo Árabe (IMA), París (1981-1987).
12. Jean Nouvel. Instituto del Mundo Árabe (IMA), París (1981-1987). Fachada sur su imagen más distintiva. Está integrada por 240 módulos de vidrio que contienen miles de diafragmas mecánicos motorizados. Inspirados en las mashrabiyyas o celosías tradicionales, estos dispositivos actúan como un iris fotográfico, abriéndose o cerrándose automáticamente en respuesta a los niveles de luz solar detectados por sensores electrónicos.

Esa insistencia le valió para que en 1981, tras participar en el certamen convocado para proyectar la sede del Instituto del Mundo Árabe (IMA), París, Nouvel resultase ganador siendo el edificio construido y finalizado en 1987. Considerado como un verdadero punto de inflexión dentro de su carrera, el IMA marcó la consagración internacional de Nouvel y definió muchos de los temas que explorarían sus obras posteriores: la luz, la geometría y el diálogo entre culturas.

13. Jean Nouvel. Instituto del Mundo Árabe (IMA), París (1981-1987).

Situado en la orilla del Sena, el edificio se compone de dos volúmenes principales: uno curvo que sigue la trayectoria del río y otro rectangular que se alinea con la trama urbana histórica. El acierto de Nouvel residió en evitar el pastiche orientalista, buscando en su lugar una síntesis tecnológica de los principios espaciales árabes.

De tal manera, a 16 años de haber egresado de la Escuela de Bellas Artes de París, coincidiendo prácticamente con su visita a Caracas, Nouvel comenzaba a recoger los frutos de su primera gran obra como arquitecto que lo catapultó al estrellato. Desde entonces lloverían los encargos y desarrollaría un enfoque que, a partir de la década de 1990, estaría marcado por una transición desde la complejidad mecánica hacia una exploración de la inmaterialidad y la percepción visual. Si el IMA era una máquina para capturar la luz, sus proyectos posteriores buscaron que la propia masa del edificio se desvaneciera en favor de los reflejos, la transparencia y la atmósfera.

14. Jean Nouvel. Ópera Nacional de Lyon, Francia (1986-1993).

De esta etapa son ejemplos emblemáticos: la Ópera Nacional de Lyon (1993, proyecto ganado por concurso en 1986) en el que insertó un inmenso volumen semicilíndrico de cristal sobre el edificio original del siglo XIX, y la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo (1994) un edificio de vidrio y acero donde las fachadas se extienden más allá de los límites del volumen habitable, punto culminante de una exploración que iba tras la búsqueda de ligereza, donde participan la desmaterialización y el juego de reflejos como temas complementarios. También en este período Nouvel ganará el concurso convocado para ampliar el Museo Reina Sofía en Madrid (1999) que terminaría inaugurándose en 2005.

15. Jean Nouvel. Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo, París (1991-1994).

En adelante, Nouvel consolidará una trayectoria profesional que se constituye en uno de los arcos más complejos y teóricamente densos de la arquitectura contemporánea. A diferencia de otros arquitectos de su generación que han consolidado un lenguaje formal repetitivo o una «marca» estética fácilmente identificable, Nouvel ha operado bajo la premisa de la «arquitectura de la singularidad», donde cada proyecto surge como una respuesta específica y única a las condiciones de lugar, tiempo y cultura. Esta actitud lo conducirá a otro punto de inflexión dentro de su trayectoria: la obtención del Premio Pritzker en 2008, veinte años después de su visita a Caracas.

16. Jean Nouvel. Ampliación del Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid (1999-2005).

Si uno quisiera resumir la obra de Nouvel en cifras de acuerdo con los dos hitos más importantes en su carrera, podría decirse que de los más de 250 proyectos que acumula hasta la actualidad diseminados por el mundo, sólo 36 fueron realizados entre 1971 y 1987, momento en que finaliza la construcción del IMA. Entre 1988 y 2008 (cuando obtiene el Pritzker) son casi 140 los trabajos realizados, producto del impacto de aquél emblemático edificio, contabilizándose 85 entre 2008 y 2025.

17. Jean Nouvel. Torre Agbar, Barcelona. (1999-2005). Inspirada en los perfiles de la montaña de Montserrat y en los pináculos de la Sagrada Familia de Gaudí, su forma cilíndrica, recubierta por una piel de lamas de vidrio de colores, crea una vibración visual que cambia según la hora del día y la posición del observador. La incursión de Nouvel en la tipología del rascacielos supuso otra ruptura con la monotonía del Estilo Internacional.
18. Jean Nouvel. Filarmónica de París. (2007-2015).
19. Jean Nouvel. Museo Louvre Abu Dhabi. (2006-2017).
20. Jean Nouvel. Museo Nacional de Qatar. (2003-2019).

Obras como el Museo del Quai Branly en París (2006) en la que llevó su teoría del contextualismo y la desmaterialización hacia una dimensión más emocional y sombría, el Louvre Abu Dhabi (2017) donde la evolución hacia una arquitectura de atmósferas alcanzó su punto más alto, o el Museo Nacional de Qatar (2019) cuya volumetría imita las «rosas del desierto», a las que se podrían sumar edificios en altura como la Torre Agbar (Barcelona, 2005) y la Doha Office Tower (Qatar, 2011), le han servido para reafirmar la idea de que la arquitectura es una forma de resistencia contra lo genérico. Su colaboración con el filósofo Jean Baudrillard en los diálogos sobre los «Objetos Singulares» profundizó en esta visión: la arquitectura no debe ser un sistema de signos predecibles, sino un evento que desafía la percepción y afirma la especificidad de lo real.

21. Ediciones en francés y castellano de Los objetos singulares, Arquitectura y filosofía de Jean Baudrillard y Jean Nouvel cuya primera edición se dio en 1997.

Dicha postura, sumada a su rechazo a tener un «estilo», le ha permitido a Nouvel navegar por diversas culturas y contextos, dejando en cada ciudad un edificio que parece haber brotado orgánicamente de sus propias contradicciones y deseos. Así pues, a casi 38 años de su paso por nuestro país, podríamos decir que, al comparar sus comienzos con su producción actual, se observa en Nouvel un desplazamiento desde la fascinación por la máquina constructiva hacia la creación de atmósferas inmateriales. Mientras que en el Instituto del Mundo Árabe la tecnología era visible y protagonista, en el Louvre Abu Dhabi o el Museo del Quai Branly la tecnología se oculta para servir a una experiencia fenomenológica pura de luz, agua y sombra.

22. Parte de la bibliografía dedicada a recoger la obra de Jean Nouvel.

Nouvel, poseedor de múltiples distinciones, objeto de exposiciones antológicas y numerosos libros, siempre polémico y sin duda digno producto de la época en que ha vivido, es un arquitecto acostumbrado a ejercitar la mirada y que entiende que construir un edificio es, sobre todo, construir una forma de ver el mundo. Dicho en otras palabras, su obra puede ser entendida como la crónica de una búsqueda incansable de la singularidad en un mundo estandarizado. Su capacidad para transformar programas técnicos en experiencias estéticas memorables asegura su lugar como uno de los arquitectos contemporáneos más influyentes.

ACA

Procedencia de las imágenes

1. Wikipedia (https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Nouvel)

2. Colección Crono Arquitectura Venezuela y Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

3 y 4. @nlabropoulosk (https://www.instagram.com/p/DQAh1xQEVCKhsWoiDcika7-e30HEmA4MQVUkuk0/?img_index=1)

5. Lascaux-Dordogne (https://www.lascaux-dordogne.com/es/a-voir-a-faire/nos-visites/la-vallee-de-la-dordogne/visiter-sarlat/)

6. Architectuul (https://architectuul.com/architect/claude-parent); y VERSO (https://www.versobooks.com/en-gb/blogs/news/4042-paul-virilio-1932-2018)

7. El País (https://elpais.com/ideas/2022-01-22/nostalgia-e-iconoclastia.html)

8 a 11 y 13 a 20. Ateliers Jean Nouvel (https://www.jeannouvel.com/projets/?list=1)

12. archdaily (https://www.archdaily.cl/cl/02-265617/clasicos-de-arquitectura-instituto-del-mundo-arabe-jean-nouvel)

21 y 22. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

VISITAS MEMORABLES

1. Nicholaas John Habraken (c.1975)

Nicholaas John Habraken

(29 de octubre 1928-21 de octubre 2023)

En la revista Punto nº 65 (1983) dedicada al tema “Arquitectura y Ciudad”, hemos encontrado en la sección de “Noticias” la siguiente nota: “VISITA DEL PROFESOR N. J. HABRAKEN – Julio 1982. Invitado por la Facultad de Arquitectura de la Universidad del Zulia, pudimos contar con la presencia del Prof. Habraken durante tres días en nuestra Facultad, realizando durante su estadía con nosotros reuniones con docentes e investigadores, dictando además, una conferencia abierta en el Auditorio”.

2. De izquierda a derecha: portadas de las ediciones en neerlandés (1962), inglés (1972) y castellano (1976) de SOPORTES una alternativa al alojamiento de masas, primer libro importante de N.J. Habraken.

En virtud de la relevancia que para la fecha tenía la figura de Habraken, arquitecto, educador e investigador neerlandés, cuyas contribuciones teóricas fueron plasmadas por primera vez en 1962 en el libro originalmente publicado en neerlandés titulado De Dragers en de Mensen (traducido al inglés en 1972 como Supports: an Alternative to Mass Housing y al castellano en 1976 como Soportes: una alternativa al alojamiento de masas), donde propone un marco para el diseño de viviendas que prioriza la adaptabilidad, la autonomía y la participación de los usuarios en el proceso de proyecto dentro de una estructura compartida más amplia, pensamos que su paso por Venezuela había sido registrado de alguna manera, pero hasta ahora nuestras pesquisas han sido infructuosas, lo cual no le resta importancia a la visita.

En todo caso, el fallido intento por ampliar detalles sobre la estadía de Habraken en nuestro país no impide que presentemos resumidamente el trabajo y trascendencia de una serie de ideas que pensamos tienen plena vigencia y que con el tiempo han quedado en el olvido inspirando, sin embargo, “una devoción casi de culto entre unos pocos dedicados, mientras que son ignoradas constantemente por los guardianes de la historia de la arquitectura canónica”, como dirá Cassim Shepard en “Mass Support” texto de dedicado a Habraken publicado en el blog Places en abril de 2023.

3. Calle Braga en Bandung, Java Occidental, en la década de 1930, lugar de nacimiento de Habraken.

El personaje del cual hoy nos ocupamos nació en Bandung, Indias Orientales Neerlandesas (Indonesia), en 1928 donde cursó sus estudios de primaria y parte de los de secundaria. Se formó en arquitectura en la Universidad Técnica de Delft, Países Bajos, de 1948 a 1955. Ya desde muy temprano había mostrado su preocupación por la manera como se estaba enfrentando el problema de la producción de viviendas estandarizadas para el sector público en su país como respuesta a la reconstrucción posterior a la Segunda Guerra Mundial, lo cual amenazaba con homogeneizar la forma urbana en nombre de la eficiencia y el bajo costo trayendo como consecuencia que lo que fue concebido como una solución de emergencia había acabado por convertirse en la raíz del problema.

4. Plano principal del Plan de Extensión de Amsterdam. Van Eesteren y Van Lohuisen, 1934.
5. Diez bloques de viviendas de posguerra en Amsterdam, enumerados por arquitecto y fecha de finalización, fotografiados en el momento de la construcción. 1. J. F. Berghoef, 1953; 2. A. Staal, 1953; 3. T. J. Lammers, 1953; 4. J. P. Kloos, 1956; 5. J. Bot, 1958; 6. J. F. Berghoef, 1960; 7. A. Komter, 1958; 8. W. F. van Bodegraven, 1961; 9. H. van Vreeswijk, 1960; 10. J. Brouwer, 1962.

Habraken se sumó de esta manera a otras voces que, durante los años 1960, señalaban el agotamiento de los postulados de la arquitectura moderna como guía para acometer las necesidades no sólo técnicas sino humanas que se buscaba afrontar en la posguerra para resolver “el problema del alojamiento”. Gordon Cullen, Kevin Lynch y Jane Jacobs junto a Alison y Peter Smithson, Aldo van Eyck, Georges Candilis , Shadrach Woods y Giancarlo De Carlo (integrantes del Team X), Christopher Alexander, Lucien Kroll, Bernard Rudofsky, Serge Chermayeff, John F. C. Turner o Amos Rapoport, al igual que Habraken y desde ángulos diferentes, comenzaron a levantar la bandera de la necesidad de cambiar el enfoque desde donde se concebían la ciudad y la arquitectura, abogando por una participación más activa de los habitantes y usuarios en la toma de decisiones, remitiéndose a experiencias propias de la arquitectura sin arquitectos y a la manera como la cultura popular ha resuelto sus problemas de habitación ancestralmente.

6. Estado original y transformado de varias viviendas de Pessac de Le Corbusier (1924-1925) registrado por Philippe Boudon en 1969 en su ensayo Pessac de Le Corbusier (traducido al inglés en 1972 como Lived-in Architecture: Le Corbusier’s Pessac Revisited). Claro ejemplo de la intervención de los usuarios a un hábitat que no los identificaba aprovechando el soporte que Le Corbusier les había ofrecido.

“Habraken consideraba que los arquitectos modernos continuaban con una concepción renacentista que entendía al diseñador como un demiurgo de microcosmos ideales, un creador de monumentos solemnes y eternos. Una especie de rey Midas que buscaba convertir todo lo que hacía en algo especial. El problema comenzaba cuando esta lógica se extrapolaba hacia ámbitos de mayor escala y complejidad, como la vivienda colectiva o la ciudad. No todo podía ser especial. En ese intento por construir el entorno como una sumatoria de monumentos, Habraken notaba un desinterés por la arquitectura cotidiana, el tejido de la ciudad que la población habita y transforma día a día”, acotará Juan Santiago Palero en “Habraken y la coordinación de la diversidad”, artículo publicado en Constelaciones nº 9, 2021.

7. Izquierda: Sección esquemática de un soporte. N.J. Habraken. Centro: Viñeta publicada en 1909 en la revista Life, conocida como Theorema 1909. Derecha: Ilustración empleada por Habraken negando la relación entre la Maison Domino y los Soportes.

Dentro de este marco, Habraken, quien propuso “una completa redefinición de los papeles de los distintos agentes que intervienen en la construcción del alojamiento: fabricantes, promotores, arquitectos, urbanistas y habitantes, a través de una nueva ordenación del proceso de toma de decisiones que se transforma en un sistema de acuerdos entre las partes y una mejor distribución del conocimiento y del control sobre cada una de ellas”, afirmaba que los conjuntos de vivienda colectiva debían abordarse a partir de la separación conceptual entre dos dominios diferentes. Por un lado, los “soportes”, constituían aquella porción del edificio de carácter colectivo, más estable y duradero; por otro lado, las unidades separables reunían aquellos componentes que los habitantes podían transformar según su voluntad explotando el potencial de abordar las necesidades dinámicas de distintos tipos de hogares.

8. Ilustraciones empleadas por Habraken en su artículo «Three R’s for Housing» publicado en la revista Forum, vol. XX, no 1, 1966. Habraken prefería comparar la arquitectura de viviendas con una carretera donde los automóviles individuales siguen las reglas de la estructura propuesta por la comunidad.

“No se trataba de la misma división moderna entre estructura y cerramiento que Le Corbusier había ensayado en las viviendas Dom-ino (1914). No era solamente una diferenciación técnica sino una delimitación de ámbitos de acción. Por eso, Habraken utilizaba el juego de palabras del soporte, para referirse no solo a su connotación ingenieril como estructura resistente, sino principalmente para rescatar el sentido social como apoyo o posibilitante. La estabilidad del ámbito colectivo permitía la diversidad y el dinamismo de lo individual”, expondrá Palero. Dicho de otra manera, para Habraken el mejor soporte es el que sugiere al individuo formas de ser ocupado.

9. El proceso de diseño como una secuencia de acuerdos.

El método y los planteamientos de Habraken lo llevarán participar en la creación en 1965 del SAR (Stichting Architecten Research), grupo dedicado a la investigación y el desarrollo de métodos para el diseño y la construcción de viviendas adaptables basados en los planteamientos formulados en su libro Supports que, establecido en Eindhoven, dirigiría hasta 1975. Aquel año, coincidiendo con el traslado de Habraken a Boston, donde había sido nombrado Director del Departamento de Arquitectura del MIT, Cambridge (cargo que detentará hasta 1981), el SAR derivará hacia el establecimiento en 1976 (bajo la conducción de Nicholas Wilkinson) de un grupo de estudio independiente llamado Open Building que culminó con la fundación de la Open Building Fundation, activa hasta la actualidad.

10. Izquierda: Planta y secciones de soportes (aquella parte de una estructura habitable, sobre la cual el residente no tiene un control individual. Derecha: Zonas, márgenes y espacios.

De tal manera, cuando Habraken es invitado a venir a Venezuela, además de lo ya señalado, había sido profesor de la Universidad Técnica de Eindhoven en 1967, donde fundó su nuevo Departamento de Arquitectura y fue su primer director, y había coincidido Kevin Lynch en MIT (quien trabajaba en el Departamento de Planificación Urbana) entre 1975 y 1978. En 1979, además, había recibido el premio David Roëll de 1979 del Fondo Príncipe Bernardo de los Países Bajos.

11. Espacios, categorías (usos especiales, usos generales y de servicio) y posición (I, II y III)
12. Izquierda: Fotografía de la maqueta con la malla 10-20 grabada en la base. Derecha: Sistema de anotación de variaciones posibles para un determinado grupo de sectores
13. Izquierda: Maqueta de demostración de vivienda con paredes interiores móviles, desarrollada por arquitectos de la Fundación para la Investigación Arquitectónica (SAR), 1969-72. Derecha: Maqueta de interior con un conjunto modular flexible desarrollado por SAR architects, compuesto por tres paneles de pared y dos volúmenes interiores, 1969-72.

A Supports…, Habraken sumaría, hasta 1982, entre otras: la publicación como investigador principal con la colaboración de Hans van Olphen de «SAR 65, Proposals by the Foundation for Architect’s Research», primera publicación de los principios básicos del método SAR para el diseño de soportes. (1965); Three R’s for Housing (1970), originalmente publicado en Forum, vol. XX, no 1, 1966; «SAR Design Method for Housing: Seven Years of Development in the Real World» (1973); «SAR 73, The Methodical Formulation of Agreements in the Design of Urban Tissues» con Henk Reyenga y Frans van der Werf, primera publicación sobre los principios básicos del método SAR en el diseño de tejidos urbanos (1973); Variations, the Systematic Design of Supports, con J.T.Boekholt, A.P.Thyssen, P.J.M. Dinjens (1976), traducido al castellano como El Diseño de Soportes (1979); y, justo en 1982, presentaría como invitado al Coloquio Internacional sobre Financiamiento de Vivienda Popular, INFONAVIT, Ciudad de México (5 al 9 de julio) la ponencia “Methods for Efficient Housing Design» (Métodos para el diseño eficiente de viviendas).

14. Portadas de las ediciones en inglés (izquierda) y castellano (derecha) de El diseño de soportes.

Entre 1982 y 1989 (año de su jubilación) Habraken continuó impartiendo docencia en el MIT. Luego, hasta su fallecimiento, su influencia continuaría siendo importante en el debate sobre como mostrar “una forma de ejercer la profesión sin construir, pero manteniéndose muy cerca de la realidad, en un acto voluntario de dar un paso atrás y revelarse como organizador más que como ‘creador”’”, hasta diluirse atrapado por las propias reglas que el método SAR imponía traicionando así la búsqueda inicial de libertad a la que se aspiraba. Erróneamente, “la narrativa pública en torno a su obra, si es que existe, lo relega al ámbito de la fabricación industrial y los sistemas de construcción”, dejando de lado “su contribución al pensamiento arquitectónico que surge de su compromiso con la participación del usuario, de reimaginar el proceso de diseño de una manera que honre lo poco que sabemos sobre los usos futuros de los edificios construidos hoy”, señalará Cassim Shepard.

15. Portadas de los tres últimos libros publicados por Habraken.

Sus tres últimos libros: The Appearance of the Form, Cambridge (1985); The Structure of the Ordinary, Form and Control in the Built Environment (1998); y Palladio’s Children, seven essays on everyday environment and the architect (2005), reiteran los aspectos fundamentales de su línea de trabajo y pensamiento. En el primero, reflexiona sobre la naturaleza del diseño; en el segundo, investiga las leyes que rigen el entorno construido, reveladas por patrones de transformación; y en el tercero intenta explicar por qué los arquitectos no saben cómo abordar el entorno cotidiano. Habraken recibiría el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Técnica de Eindhoven en 2005.

16. Izquierda: Kampung Nava en Java Occidental, 2011. Derecha: Imagen de un pólder en los Países Bajos, tomada desde un satélite.

Las ideas de participación, flexibilidad, crecimiento y soporte que acompañan los planteamientos de Habraken tiene antecedentes en su experiencia personal vivida de joven en Indonesia donde, según Palero, entró en contacto con la austeridad, la simpleza y la claridad organizativa de los kampungs, la vivienda tradicional palafítica del sudeste asiático. También en la influencia de su padre (ingeniero civil) por su constante preocupación por buscar el correlato técnico de toda propuesta teórica. Con la  Escuela de Ámsterdam guarda similitudes en cuanto a la capacidad de conciliar tensiones contrapuestas, y de la consolidación del territorio holandés a partir de polders, donde las obras hidráulicas colectivas permitían anexar gradualmente las parcelas ganadas al mar, Habraken asimilaría su aporte “a la concepción de un espacio flexible, infinito, que se subdividía parcialmente con base en la adhesión de componentes geométricos enmarcados en una trama estructural continua” traducidos, a su vez, en el respeto por una rigurosa planificación previa, de carácter colectivo, donde cada individuo orientaba sus esfuerzos a lograr el máximo aprovechamiento de su porción edificada.

17. Izquierda: Walter Gropius. Vivienda ampliable (1931). Derecha: Van Den Broek. Vivienda extensible (1963).

De la capacidad de apostar por un diseño para la transformación, los planteamientos de Habraken remiten a la Casa Schroeder (G. Rietveld, 1924), la Vivienda ampliable (W. Gropius, 1931), las Unité d´Habitation (Le Corbusier, 1952), New Babylon y las utopías nómadas (Constant, 1956-1974), la Arquitectura Móvil (Yona Friedman, 1958), la Vivienda extensible (Van Den Broek, 1963) y el Proyecto Experimental de Vivienda, PREVI (Lima, 1965). Entre quienes recogen sus frutos (o parte de ellos) podríamos mencionar, en Venezuela las indagaciones adelantadas acerca del concepto de vivienda progresiva en el Instituto de Desarrollo Experimental de la Construcción (IDEC), y los resultados del Concurso de Anteproyectos para Desarrollos Urbanísticos de Vivienda Multifamiliar Ampliable para el Área de Asistencia I de la Ley de Política Habitacional de 1992, del cual resultó ganador el equipo integrado por los arquitectos Edwing Otero, Alfredo Sanabria, Hugo D’Enjoy y Juan Luchsinger (OSLD). Y, a nivel internacional, entre otros, las experiencias llevadas adelante por Alejandro Aravena en Chile a través de su oficina ELEMENTAL desde 2001 o los recientes trabajos sobre vivienda social elaborados por la firma catalana Peris+Toral Arquitectes.

18. Izquierda: OSLD. Alternativas presentadas como parte de la propuesta ganadora del Concurso de Anteproyectos para Desarrollos Urbanísticos de Vivienda Multifamiliar Ampliable. Derecha: Modalidades de progresividad según Dayra Gelabert y Dania González.

De su paso por la FAU UCV y sus “reuniones con docentes e investigadores”, presumimos que algunas de ellas pudieron darse con integrantes del Instituto de Desarrollo Experimental de la Construcción (IDEC) en momentos en que se debatían temas como la industrialización de la industria de la construcción y se daban los primeros pasos en torno a la gestación de viviendas de desarrollo progresivo. Tampoco descartamos que Habraken centrase su conferencia en el Auditorio de la FAU sobre “El Diseño de Soportes” o “Métodos para el diseño eficiente de viviendas”, temas que venía desarrollando desde hacía tiempo que habían derivado en sendas publicaciones.

19. Izquierda: ELEMENTAL. Quinta Monroy, Iquique, 2001-2003. Izquierdas: Viviendas básicas sin intervenir. Derecha: Intervenciones y ampliaciones de las viviendas básicas por autoconstrucción. Derecha: Modulus Matrix: 85 viviendas sociales en Cornellà. Peris+Toral Arquitectes, 2021. Axonometría.

Para terminar, nada mejor que rescatar una cita de Habraken extraída del libro Supports…:

«Al considerar la vivienda del futuro, no deberíamos intentar predecir lo que sucederá, sino intentar prever lo imprevisible. La incertidumbre del futuro mismo debe ser la base sobre la que se toman las decisiones presentes».

ACA

Procedencia de las imágenes

1. MIT News (https://news.mit.edu/2024/remembering-nicolaas-john-habraken-1112)

2, 14 y 15. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

3, 5 y 13. PLACES. Mass Support (https://placesjournal.org/article/reconsidering-housing-theorist-john-habraken/#0)

4. Josefina Gómez Mendoza. El maravilloso plano de Amsterdam (https://josefinagomezmendoza.com/el-maravilloso-plano-de-amsterdam/)

6. Arquitectura a contrapelo (https://arquitecturaacontrapelo.es/tag/habraken/)

7. Colmenares, Silvia. “La simplificación como problema complejo: Habraken y el S.A.R.” en com-densidad. Estrategias de actuación
urbana en áreas de baja densidad. Mairea Libros. Madrid: 2010.

8. Habraken N.J. «Three R’s for Housing», revista Forum, vol. XX, no 1, 1966.

9, 10, 11 y 12. Habraken, N.J.. El diseño de soportes. Barcelona: Gustavo Gili, 1979

16. PLACES. Mass Support (https://placesjournal.org/article/reconsidering-housing-theorist-john-habraken/#0); y Wikipedia. Pólder (https://es.wikipedia.org/wiki/P%C3%B3lder)

17. METODOLOGÍAS DE DISEÑO ARQUITECTÓNICO:
HABRAKEN Y LA TEORIA DE LOS SOPORTES (https://nuevasalternativasparaelhabitatcontemporaneo.wordpress.com/wp-content/uploads/2014/03/clase-teorica-04-habraken.pdf)

18. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad; y Dayra Gelabert y Dania González. «Vivienda progresiva y flexible. Aprendiendo del repertorio». Arquitectura y Urbanismo, vol.34 no.2, mayo.-ago. 2013

19. Quinta Monroy / ELEMENTAL (https://www.archdaily.cl/cl/02-2794/quinta-monroy-elemental?ad_medium=gallery); y ArchDaily (https://www.archdaily.cl/cl/976931/85-viviendas-sociales-en-cornella-peris-plus-torarquitectes/620c053c0af305384df32fbf-85-viviendas-sociales-en-cornella-peris-plus-torarquitectes-foto?next_project=no)

VISITAS MEMORABLES

1. Un joven Anthony Vidler impartiendo clases en Princeton (c.1970).

Anthony Vidler

(4 de julio 1941-19 de octubre 2023)

Cuando el recientemente fallecido historiador y crítico inglés Anthony Vidler visita por primera y única vez Venezuela en 1981 invitado por el Instituto de Arquitectura Urbana (IAU, creado en 1977), tenía 40 años recién cumplidos y una interesante trayectoria acumulada a pesar de su corta edad.

Llega a nuestro país cuando, luego de haber obtenido el diploma de arquitecto en 1965 en la Universidad de Cambridge y de haberse trasladado casi de inmediato a los Estados Unidos para entrar a dar clases en la Universidad de Princeton, ya poseía el grado de Associate Professor of Architecture en esa casa de estudios.

2. Compañeros y amigos de IAUS en una cena (c.1974). En el sentido de las agujas del reloj, desde abajo a la izquierda: Bill Ellis, Rick Wolkowitz, Peter Eisenman, Liz Eisenman, Mario Gandelsonas, Madelon Vriesendorp, Rem Koolhaas, Julia Bloomfield, Randall Korman, Stuart Wrede, Andrew MacNair, Anthony Vidler, Richard Meier, mujer no identificada, Kenneth Frampton, Diana Agrest, Caroline Sidnam, Jane Ellis, Suzanne Frank, Alexander Gorlin.

Para entonces, también, tenía la condición de fellow desde 1971 en el Institute for Architecture and Urban Studies (IAUS) de Nueva York, la cual se prolongará hasta 1984. El IAUS, institución fundada en 1967 por Peter Eisenman (quien asumirá desde entonces su dirección), como una organización independiente sin fines de lucro, no acreditada por la Junta Nacional de Acreditación de Arquitectura ni por otra junta de acreditación y que, por lo tanto, no podía otorgar títulos, se ocupaba de la investigación, la educación y el desarrollo en arquitectura y urbanismo, modelo que, sin duda, el IAU buscaba emular en cuanto a ofrecer alternativas a las formas tradicionales de educación y práctica disciplinares. En 1981 fungía aún de director ejecutivo del IAUS Peter Eisenman, cargo que Vidler pasará a ocupar en 1982. Luego le correspondería a Mario Gandelsonas (1983), quien también estuvo en Caracas el mismo año que Vidler y, más tarde, a Stephen Peterson (1984). En 1985, tras 18 años de exitoso desempeño el IAUS cerrará sus puertas.

Las vinculaciones de algunos de los miembros del IAU con el IAUS son las que harán posible la venida de Vidler, quien ya era ampliamente conocido por sus trabajos de investigación como académico en Princeton y sus artículos publicados en un buen porcentaje en la célebre revista Oppositions. A Journal for Ideas and Criticism in Architecture, órgano de difusión del IAUS entre 1973 y 1984, de la que fue colaborador desde el nº1 (1973) y director a partir del nº 6 (1976) junto a Eisenman, Kenneth Frampton y Gandelsonas.

3. Portada del nº1 de Oppositions, septiembre 1973. Diseño gráfico: Massimo Vagnelli.
4. Primeras páginas de los números 1 y 2 (1 de abril 1978 y 1 de mayo 1978, respectivamente) de Skyline. The New York Architecture and Design Calendar, editado por el IAUS, diseñado también por Massimo Vignelli.

Oppositions merece un comentario aparte ya que, como bien comenta Josep María Montaner en “La arquitectura radical está hecha de papel”, artículo publicado en Arquitectura Viva el 30 de abril de 2009, se funda “…en el momento de transición del estructuralismo al posestructuralismo” confluyendo allí “…textos de miembros de la Tercera Generación (como Alison y Peter Smithson, Jerzy Soltan, Oriol Bohigas), y de autores que mantenían la confianza en el estructuralismo, o que pertenecían a sistemas de pensamiento anteriores o colaterales (como Adorno, Norberg-Schulz, Rowe, Colquhoun, Scully, Ungers, Vidler, Venturi, Moneo) con autores protagonistas de la apertura hacia interpretaciones posestructuralistas (como Derrida, Eisenman, Hejduk, Libeskind, Agrest, Gandelsonas, Tafuri, Dal Co)”.

La revista, diseñada por Massimo Vagnelli (quien diagramó otra publicación del IAUS en colaboración con Rizzoli llamada Skyline de la que Vidler también fue director y colaboró como miembro de su comité editorial), alcanzó 26 números y tuvo como objetivo “acercar la historia y teoría de la arquitectura y de la filosofía a la crítica de arquitectura, con la intención de fundamentar unos nuevos parámetros interpretativos basados, precisamente, en la contraposición de las diversas visiones que existían en un mundo fragmentado (situándose) a caballo de esta radical transformación del pensamiento que se estaba produciendo…”, precisará Montaner.

5. Página con el índice y el editorial del nº 1 de Oppositions.

Por otro lado, de acuerdo al artículo de Jana Culek titulado Oppositions. An architectural journal as a manifestation of the architectural, social, cultural and political situation of the 1970s in the United States and Europe”, publicado en su blog https://www.janaculek.com el 18 de marzo de 2017, el propio Vidler, en consonancia con la línea editorial establecida desde el nº1 (elaborado por Eisenman, Frampton y Gandelsonas), “explicó en una entrevista que la idea inicial de los editores de la revista no era desarrollar una posición específica, sino más bien una serie de posiciones que se relacionaran con la discusión y debate arquitectónico. La idea era más bien evaluar críticamente el discurso arquitectónico del momento y oponerse a él con una variedad de posturas diferentes (dependiendo por supuesto del editor o escritor que estaba haciendo la evaluación crítica), más que proponer una posición al unísono, marcando un comportamiento que la revista nutrió a lo largo de los años venideros. La necesidad de estos múltiples puntos de vista y de la ambigüedad del nombre de la propia publicación (destinado a tener diversos significados: el título debía leerse tanto como posiciones, oposiciones y posiciones ‘de cero’), puede ser explicada por el estado de la arquitectura misma en el período de los años 70. Hoy nos referimos a este período como posmodernismo”.

Además de conocer su experiencia tanto en el IAUS como con la revista Oppositions, a Vidler se le invita a Caracas para escucharlo e intercambiar puntos de vista sobre los temas que desde el punto de vista teórico le interesaban en aquel entonces, de los cuales sus artículos más destacados daban cuenta: la necesidad de la utopía, la idea de “tipo” y de “tipología” producto de su aproximación crítica a la arquitectura del siglo XIX y su particular mirada hacia lo que fue el surgimiento, desarrollo y evolución del Movimiento Moderno.

6. Anthony Vidler (c.1990).

Poco después de su visita a Venezuela será cuando Vidler desarrollará a profundidad su condición de investigador y se convertirá en un destacado experto en la vida y obra de Claude-Nicolas Ledoux, sobre quien escribió varios libros. Como parte de su carrera académica, asumirá la cátedra de arquitectura William R. Kenan, Jr. en Princeton (1990-1993) y luego primer director del programa de Doctorado en Historia y Teoría; será decano de la Facultad de Arte, Arquitectura y Planificación de la Universidad de Cornell (1997-1998); catedrático y profesor del Departamento de Historia del Arte y profesor de la Escuela de Arquitectura de la UCLA (1993-2002); y decano y profesor de la Escuela de Arquitectura Irwin S. Chanin en The Cooper Union (2002-2013), donde se le recuerda por haber sucedido con éxito a John Hejduk, primer dean de esa institución fallecido el año 2000. Además, en 2005 terminará su doctorado en Historia y Teoría de la Arquitectura en la Universidad de Delft.

7. Algunos de los libros publicados por Vidler entre 1987 y 2011.
8. Dos ediciones en español de títulos publicados por Vidler.

También publicará la mayoría de sus libros (esbozados casi todos en su incansable labor como articulista), de los que destacan: The Writing of the Walls. Architectural Theory in the Late Enlightenment (1987), Claude-Nicolas Ledoux: Architecture and Social Reform at the End of the Ancien Régime -First edition- (1990), The Architectural Uncanny: Essays in the Modern Unhomely (1992), Warped Space: Art, Architecture, and Anxiety in Modern Culture (2000), Histories of the Immediate Present. Inventing Architectural Modernism (2008), James Frazer Stirling: Notes from the Archive (2010), The Scenes of the Street and Other Essays (2011) y Claude-Nicolas Ledoux. Architecture and Utopia in the Era of the French Revolution -Second and expanded edition- (2021). Del amplio conjunto de su producción solo conocemos dos versionados al español: El espacio de la Ilustración (Alianza, 1997) e Historias del presente inmediato. La invención del Movimiento Moderno arquitectónico (Gustavo Gili, 2011)

Adicionalmente, Vidler desplegará una interesante carrera como curador y se convertirá en una referencia internacional en su campo, lo que le valdrá para obtener el reconocimiento de instituciones de prestigio, incluyendo la Academia Americana de Artes y Ciencias, la Academia Americana de Artes y Letras, la Fundación Guggenheim, el Fondo Nacional de las Humanidades, y becas en instituciones como el CCA y la Fundación Getty.

9. Vidler y una de sus últimas presentaciones en público. Lisboa, marzo 2022.

Vidler, afectado por un linfoma no Hodgkin a causa del cual fallecerá, dictó una de sus últimas conferencias titulada Histories of Architecture Then and Now: Theory and Practice in the Anthropocene (marzo de 2022), en el marco del curso de Doctorado en Arquitectura Contemporánea de la Universidad Autónoma de Lisboa que puede verse en https://www.youtube.com/watch?v=VbnTLJed-T4.

Cuatro años después de que Vidler dejara Caracas, como vimos, cerrará el IAUS newyorkino y, por cosas del destino, también el IAU caraqueño. Ambas experiencias, salvando grandes distancias, dejaron una reconocible estela de esfuerzo, trabajo y productos tangibles, una a nivel internacional y la otra a escala más local. En las dos, también con diferentes énfasis, quedó como legado su don de gente y valioso aporte intelectual.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://www.archpaper.com/2023/10/anthony-vidler-educator-historian-architect-and-philosopher-dies/

2. https://placesjournal.org/article/the-moment-for-something-to-happen/

3. https://pallantbookshop.com/product/oppositions-a-journal-for-ideas-and-criticism-in-architecture-vols-1-26-all-published/

4. https://www.moma.org/collection/works/89291 y Massimo Vignelli, Lella Vignelli. Skyline, No. 2, May 1, 1978. 1978 | MoMA

5. http://cronologiadourbanismo.ufba.br/apresentacao.php?idVerbete=126

6. https://www.aaschool.ac.uk/news/remembering-anthony-vidler

7 y 8. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

9. https://www.youtube.com/watch?v=VbnTLJed-T4

VISITAS MEMORABLES

1. Umberto Eco

Umberto Eco (1932-2016)

El reconocido semiólogo, filósofo y escritor piamontés Umberto Eco visitó por primera y única vez Venezuela entre el 26 de junio y el 2 de julio de 1994, invitado por la Cátedra Permanente de Imágenes Urbanas de la Fundación para las Artes y la Cultura -Fundarte- (organización cultural de la Alcaldía de Caracas), a instancias de su presidente el sociólogo, escritor y profesor universitario Tulio Hernández, quien estableció contacto con Eco a través de Rocco Mangieri, arquitecto, profesor universitario y semiólogo venezolano, que había sido su alumno y lo había convencido de aceptar la invitación.

Adentrándonos un poco en su biografía encontramos que, tras terminar sus estudios secundarios con los salesianos, Eco se trasladó de Alessandria a Turín en cuya universidad entró a estudiar Derecho, carrera que abandonó por la de Filosofía y Letras, especializándose en el medioevo, época histórica de la que se convirtió en un experto y que sirvió de base temporal para varias de sus futuras novelas. En Turín se doctoró en filosofía con Luigi Pareyson como director de su tesis, la cual versó sobre El problema estético en Santo Tomás de Aquino (1956), posteriormente publicada.

2. Cinco libros fundamentales dentro de la obra filosófico-ensayística de Umberto Eco.

Eco, quien había desarrollado su carrera profesoral en las universidades de Turín y de Florencia antes de ejercer durante dos años en la de Milán (1956-1964), comenzando en 1971 a enseñar en la Universidad de Bolonia donde entre 1975 y 2007 ocupó la cátedra de semiótica, llegaba a Venezuela precedido por obras fundamentales como Obra abierta (1962) Apocalípticos e integrados (1964), La estructura ausente (1968), Tratado de Semiótica General (1975) y Lector in fabula (1979), por las cuales era ampliamente conocido en los medios académicos.

Pero el libro que lo hizo popular en todo el mundo data de 1980 y no es otro que El nombre de la rosa. Publicado en treinta y cinco países, traducido a varios idiomas y con millones de copias vendidas desde entonces, Eco se convirtió en un personaje mediático (con portada en la revista Time), permanentemente solicitado para ahondar sobre sus opiniones acerca de los más diversos temas que siguió publicando con asiduidad a través de ensayos y artículos de prensa.

En 1985 apareció Apostillas a El nombre de la rosa, texto, a modo de tratado de poética, en el que Eco comentaba cómo y por qué escribió la novela, un ensayo sobre el proceso de creación, pero que no desvela realmente ninguno de los misterios que se plantean en la trama, los cuales deja a la libre interpretación de cada lector, tal y como siempre sostuvo a través de sus escritos.

3. Portadas de las primeras ediciones en italiano y español de El nombre de la rosa.
4. Poster y dos fotogramas de la versión cinematográfica de El nombre de la rosa. Director: Jean-Jacques Annaud. 1986.
5. Las dos novelas publicadas por Eco a continuación del éxito de El nombre de la rosa.

Para cuando Eco nos visita también había salido a la luz El péndulo de Foucault (1988) su segunda obra narrativa y estaba a punto de aparecer La isla del día antes (1994).

Según comenta Tulio Hernández (su anfitrión durante los tres días que pasó en Caracas) en “Umberto Eco: entre Juan Félix Sánchez y el papa” (texto que puede descargarse en https://tulio-hernandez.com/wp-content/uploads/2021/01/Umberto-Eco.pdf), al llegar a Maiquetía el escritor “… nos pidió que evitáramos a los periodistas. Venía de Buenos Aires un poco perturbado por, según él, una mala interpretación de unas declaraciones suyas en contra de Berlusconi, por entonces candidato a la jefatura de gobierno de su país”.

La Cátedra Permanente de Imágenes Urbanas, evento ideado y promovido por Hernández, inaugurada en 1993 con una clase magistral del antropólogo argentino-mexicano Néstor García Canclini, aclamado por entonces gracias a la publicación de su best-seller Culturas híbridas, tuvo a Umberto Eco como personaje central del ambicioso programa estructurado en 1994 conformado por 25 conferencias dictadas en los espacios del Ateneo de Caracas los días 27 y 28 de junio. Participarían en el evento, además del escritor italiano, intelectuales de la talla de Juan Nuño, Julio Ortega, Adriano González León, Jesús Martín Barbero, Nestor García Canclini y Juan Villoro, entre otros. También estarían: Marco Negrón, Rocco Mangieri, Arturo Almandoz Marte, Ramón Paolini y William Niño Araque. La totalidad de las exposiciones fueron publicadas en 2010 por la Fundación para la Cultura Urbana, actuando Tulio Hernández como editor, bajo el título Ciudad, espacio público y cultura urbana.

6. Umberto Eco y Tulio Hernández durante el desarrollo del evento que lo trajo a Caracas.
7. Eco en amena conversación con un grupo de jóvenes periodistas durante el evento.
8. Libro que recoge la totalidad de las conferencias del evento en el que Eco participó en Caracas en 1994, publicado en 2010.

La presentación de Eco dentro de la Cátedra fue programada para el 28 de junio inicialmente en la Sala Ana Julia Rojas del Ateneo de Caracas. Hernández acota: “Tan intensa fue la presión del público (más de mil personas habían llamado solicitando cupo y el aforo era sólo para 400) que decidimos mudarla a la Sala Ríos Reyna del Complejo Cultural Teresa Carreño” que, como se sabe, cuenta con más de 2500 butacas las cuales se llenaron en su totalidad luego de que la gente hiciera cola desde tres horas antes, muestra clara de que la “ecomanía” se había apoderado de la ciudad. Su disertación, titulada “Personajes imaginarios y ciudades reales”, estuvo dedicada “a desmenuzar las relaciones entre realidad y ficción, entre el París realmente existente –el que se puede ubicar en planos y listas de direcciones- y el París en donde se mueven los personajes de Los miserables la legendaria novela de Víctor Hugo”, puntualizará Hernández. Ante las dudas sobre lo especializado del tema junto a la erudición con que se desenvolvería Eco, los organizadores guardaban cierto temor de que los asistentes se aburrieran. “Pero el público… se mantuvo atento hasta el final; asistía con la veneración de quien escucha un oficio religioso porque, lo entendimos después, lo importante era escuchar y ver a Eco, no entender lo que estaba diciendo. Estábamos ante un superstar de la cultura y la gente le pedía autógrafos sobre el programa de mano. Eco lo hizo con gusto, hasta que se agotó físicamente”.

Aquel día 28, en horas de la mañana, Eco visitó la Ciudad Universitaria, único lugar del que traía referencias claras de su importancia como recinto en que se había producido una importante experiencia de integración de las artes, que en algún momento había mencionado en uno de sus ensayos. Pasado el mediodía fue atendido en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo por el decano, Marco Negrón, y su equipo directivo donde se le ofreció un sencillo almuerzo y se departió, entre otras cosas, del desempeño de Italia en el Mundial de Fútbol que se desarrollaba por aquellas fechas.

Al día siguiente (29 de junio) partió, junto a Rocco Mangieri y su esposa hacia Maracaibo y Mérida donde se le esperaba con admiración y entusiasmo y donde daría sendas conferencias igualmente abarrotadas de público.

9. Lecturas juveniles de Umberto Eco de las cuales la última (El corsario negro) vino a recrear durante su visita a Maracaibo.

El periodista Roberto Arapé enUmberto Eco, en la memoria de Maracaibo” (https://grupolipo.blogspot.com/2013/01/umberto-eco-en-la-memoria-de-maracaibo.html) nos relata cómo el escritor “tuvo razones muy personales para viajar al Zulia”, atribuyéndolo al hecho de que “desde niño, leyó con pasión las sagas del escritor italiano Emilio Salgari, cuyos famosos personajes como Barba Negra vivieron fabulosas odiseas hasta desembarcar en las cálidas arenas de Maracaibo, en ese momento una selva calurosa, a la orilla de una playa rodeada de palmeras y donde se tomaron un agua de coco, muertos de sed. Y así, a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, Salgari ya ubicaba a la Tierra del sol amada en el panorama universal de las letras”. De allí surgirían claras imágenes que Eco incorporaría a su libro La isla del día antes que se publicaría en invierno de 1994.

La conferencia que dictaría Eco en la capital zuliana el 29 de junio, particularmente en el Centro de Bellas Artes, la tituló “Los límites de la interpretación”. Al igual que en Caracas, finalizado el acto saludó a los presentes y firmó autógrafos como una celebridad de las letras que era.

10. Aviso de prensa publicado en el diario El Vigilante de la ciudad de Mérida, invitando a participar de los actos en los que estaría presente Umberto Eco durante su visita a esa ciudad.

La apretada agenda que cubrió Eco a su llegada a Mérida el 1 de julio, una vez que fuese recibido en la mañana por el rector de la Universidad de Los Andes (ULA) Miguel Rodríguez V. y las demás autoridades de la universidad en el salón rojo del rectorado, contempló un encuentro con académicos en la recién inaugurada sede de la Facultad de Humanidades y Educación, en el campus de La Liria. Para las 7:30 p.m. estaba pautada la conferencia que dictaría en el Aula Magna de la ULA bajo el título “La búsqueda de la lengua perfecta en la cultura europea”.

El profesor Mariano Nava en “El día que Umberto Eco vino a Mérida” (https://mariainescarvajal.wordpress.com/2016/02/27/el-dia-que-umberto-eco-vino-a-merida/) expresará lo siguiente: La conferencia sin duda recogía muchas de las reflexiones expresadas en su libro La búsqueda de la lengua perfecta, que había aparecido meses antes. Allí, Eco nos condujo con pasmosa erudición a través de los caminos transitados por la cultura europea, del mito de Babel a la invención del esperanto, en busca de la lengua total. La vieja utopía de la lengua perfecta que de nuevo pudiera comunicarnos a todos todas las experiencias, expresar todos los sentimientos, que pudiera transmitir todos los conocimientos, como era antes de Babel. Un viejo sueño del hombre y una constante de la humanidad. Al final de la conferencia todos abandonamos el aula magna compartiendo la misma sensación de haber presenciado uno de los momentos más importantes de la historia de nuestra universidad”.

11. Juan Félix Sánchez (1900-1997) y una de sus obras en el Complejo Religioso de El Tisure.

A su regreso de Mérida el 2 de julio, lo esperaba Tulio Hernández en Maiquetía para acompañarlo mientras hacía escala para seguir rumbo a Europa y para despedirse. En aquel momento Hernández (https://americanuestra.com/tulio-hernandez-con-umberto-eco-en-caracas/) le preguntó qué cosa le había impresionado más de este viaje a Venezuela. “Sin titubear me respondió: ‘La visita a Juan Félix Sánchez’. Le pregunté cómo había llegado allí. Me contó que en su visita a Mérida había visto un bello libro sobre el artista del páramo. Se impresionó con su obra ‘que hablaba de Gaudi sin pronunciarlo’, dijo. Tanto que pidió conocerlo. Lo llevaron a un pueblito muy pequeño. A una casa muy modesta. Y en un cuarto casi a oscuras lo recibió un anciano en su lecho de enfermo.

‘Era él. Apena si hablamos’, dijo sonreído. Entonces se explayó: ‘Me preguntó si yo era italiano. Le dije que sí. Me habló de un accidente en la rodilla del Papa. Le dije que todavía caminaba con dificultad. Me pidió que si veía al Papa le diera un saludo de su parte. Y yo se lo prometí’. No hablaron más. Permanecieron unos diez o quince minutos en silencio y Eco no pudo siquiera despedirse porque el artista anciano dormitaba.

Ya era hora de entrar a migración y remató apresuradamente: ‘Sólo por haber visto el mural de Léger y los móviles de Calder en la obra de Villanueva valió la pena este viaje. ¡Ah, y por conocer a Juan Félix Sánchez! No siempre tiene uno oportunidad de pasar un rato con un genio’”.

La Cátedra Permanente de Imágenes Urbanas, que funcionó durante los tres años en que Tulio Hernández fue Presidente de Fundarte (1993–1996), se suspendió hasta el año 2003 cuando, bajo el auspicio de la Fundación para la Cultura Urbana, reanudó las actividades. Luego volvió a interrumpirse para ser relanzada en 2020 (otra vez con una conferencia de Nestor García Canclini), manteniéndose su continuidad hasta la fecha.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://esferacultural.com/eco-del-oficio/13477

2, 3 y 5. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

4. https://antoniopuentemayor.com/desmontando-el-nombre-de-la-rosa/ y https://www.filmaffinity.com/es/movieimage.php?imageId=193862038

6. https://americanuestra.com/tulio-hernandez-con-umberto-eco-en-caracas/

7. http://oficiodeperiodista.blogspot.com/2016/03/umberto-eco-el-periodismo-y-los.html

8. https://cultura-urbana.com/libros/ciudad-espacio-publico-y-cultura-urbana/

9. http://bibliotecasparaarmar.blogspot.com/2021/04/salgari-el-nombre-de-la-aventura.html

10. https://mariainescarvajal.wordpress.com/2016/02/27/el-dia-que-umberto-eco-vino-a-merida/

11. https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_F%C3%A9lix_S%C3%A1nchez y https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_F%C3%A9lix_S%C3%A1nchez#/media/Archivo:Capilla_del_Tisure.jpg

VISITAS MEMORABLES

1. Paolo Portoghesi en 1970.

Paolo Portoghesi (1931-2023)

Paolo Portoghesi, el reconocido arquitecto, teórico e historiador italiano, quien falleciera el pasado 30 de mayo en la localidad de Calcata, cerca de Roma (su ciudad natal) donde residía hace algún tiempo, visitó por única vez Venezuela cuando fue invitado por Graziano Gasparini a participar en el Seminario Internacional en torno al tema “Situación sobre la historiografía de la arquitectura latinoamericana”, realizado en la Ciudad Universitaria de Caracas entre 9 al 14 de octubre de 1967, organizado por el Centro de Investigaciones Históricas y Estéticas (CIHE), bajo los auspicios del Consejo de Desarrollo Científico y Humanístico de la UCV (CDCH).

Portoghesi, hijo de arquitecto, se graduó en 1957 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la Sapienza, Roma. Comenzó a enseñar Historia y crítica de la arquitectura en la misma facultad en 1961, y en 1964 abrió un estudio de arquitectura junto al arquitecto e ingeniero Vittorio Gigliotti en la capital italiana. Como académico, Portoghesi enseñó Historia de la Crítica hasta 1966 y al año siguiente se convirtió en profesor de Historia de la Arquitectura en el Politécnico de Milán, donde se desempeñó como decano de 1968 a 1976. Desde 1995, había estado enseñando diseño en la facultad de arquitectura de la Universidad de Roma.

2. Octubre de 1967. Tres imágenes de Paolo Portoghesi en Venezuela. Izquierda: En el Seminario Internacional “Situación sobre la historiografía de la arquitectura latinoamericana”. Arriba: Compartiendo con Fernando Chueca Goitia. Abajo: Al lado de Ricardo de Robina en medio de una sesión. Derecha: En la casa de Alfredo Boulton, Pampatar, Isla de Margarita.

Para aquel evento de Caracas, en el que también participaron otros reconocidos investigadores como Erwin Walter Palm de Alemania, George Kubler y Sibyl Moholy-Nagy de Estados Unidos, Leonardo Benevolo (que junto a Portoghesi vino por Italia), Fernando Chueca Goitia de España, Ricardo de Robina, Pedro Rojas Rodríguez y Salvador Pinoncelly de México, José García Bryce y Frederick Cooper Llosa de Perú y Germán Téllez de Colombia, a los que se sumaron Alfonso Venegas Rizo, Juan Pedro Posani, Carlos Raúl Villanueva y Graziano Gasparini por Venezuela, Portoghesi, a punto de cumplir 36 años, presentó la ponencia “La contribución americana al desarrollo de la arquitectura barroca”, que junto al resto serían publicadas en el número 9 (especialmente dedicado al evento) del Boletín del CIHE en abril de 1968.

Al igual que gran parte de los asistentes al Seminario, Portoghesi tuvo la ocasión de conocer la Isla de Margarita gracias a la gentileza del Sr. Alfredo Boulton y su esposa la Sra. Yolanda Delgado Lairet quienes los hospedaron en su casa ubicada en Pampatar. De esta manera entraría en contacto con una región del país que contaba con un acervo patrimonial importante acompañado por dos de sus más conspicuos estudiosos y cultores: Gasparini y Boulton.

3. Dos libros publicados por Paolo Portoghesi en 1967.

Para cuando Portoghesi visita nuestro país ya había acumulado una valiosa obra tanto investigativa como proyectual que denotaban su muy temprano interés por estudiar la arquitectura barroca italiana y en particular la figura de Francesco Borromini. Prueba de ello lo constituyó la publicación, justamente en 1967, del libro Borromini: architettura come linguaggio (Electa Editore) traducido al inglés como The Rome of Borromini: Architecture as Language (George Braziller editor); y también de Roma barocca: Storia di una civiltà architettonica (Carlo Bestetti editor).

4. Paolo Portoghesi y Vittorio Gigliotti. Casa Baldi, Roma (1959-1961). Hoy alberga el nuevo Centro Creativo Casalgrande Padana.

Otra importante prueba la evidenció el proyecto para la casa Baldi, Roma, (1959-1961, realizado por Portoghesi junto a Vittorio Gigliotti), que Charles Jenks en El lenguaje de la arquitectura posmoderna (1977, primera edición en castellano de 1980), no duda en calificar al inicio del tercer capítulo (“Historicismo, los principios del Movimiento Posmoderno”) como “uno de los edificios historicistas más convincentes de los años cincuenta…un ensayo en curvas de forma libre definitivamente reminiscente de Borromini, al que (Portoghesi) estaba estudiando, no obstante estar inconfundiblemente influenciado por Le Corbusier. He aquí el cruce esquizofrénico entre dos códigos que es característico del Posmoderno: las envolventes y majestuosas curvas del barroco, la superposición de espacios, los varios focos del espacio interfiriéndose y el tratamiento brutalista, la exhibición de los bloques de hormigón, las juntas rústicas y las formas de guitarra del Moderno”.

Como se ve el Posmoderno no nace en Norteamérica como se ha hecho creer sino en Italia donde la pequeña casa de Portoghesi es pieza clave, siendo él mismo promotor años después del movimiento cuando en 1980, al nombrársele el año anterior como director de la primera Exposición Internacional de Arquitectura oficial de la Bienal de Venecia, invita a los más dilectos representantes de esa tendencia (Ricardo Bofill, Frank Gehry, Arata Isozaki, Hans Hollein, Rem Koolhaas, Franco Purini, Laura Thermes, Denise Scott-Brown, John Rausch y Robert Venturi) a participar en la llamada Strada Novissima, calle ficticia de 70 metros de largo dentro de la Corderie dell’Arsenale, para la cual cada uno diseñó fachadas a tamaño real, siendo la primera vez que la Bienal utilizó el Arsenale, hoy considerado un elemento básico para sus exposiciones.

5. Strada Novissima. Primera Exposición Internacional de Arquitectura oficial
de la Bienal de Venecia. Director-curador: Paolo Portoghesi

La Bienal de 1980, titulada “La presencia del pasado”, le valió a Portoghesi para que tres años más tarde fuese nombrado como su presidente, cargo que ocupó hasta 1992. Durante esos años seleccionó a los directores de cada sector (arquitectura, arte, cine, música, teatro). Portoghesi dirigió la segunda y Aldo Rossi y Francesco Dal Co les correspondió hacerlo para la tercera y la cuarta ediciones de la Bienal, respectivamente.

Por otra parte, una de las primeras actuaciones de Portoghesi en Venecia en 1979 consistió en encargarle a Aldo Rossi el diseño del Teatro del Mondo, anclado en la Punta della Dogana, justo enfrente de la Piazza San Marco. Rossi también diseñaría una entrada para la exposición de 1980.

6. Edición en italiano (1980) y en español (1981) de Después de la arquitectura moderna.

Casi al unísono con la apertura de la Bienal, Portoghesi publica en 1980 Dopo l’architettura moderna (Laterza) editado en español por Gustavo Gili como Después de la arquitectura moderna en 1981, antología de lo acontecido en los años 1970 donde reafirma su compromiso con la posmodernidad englobando todas las arquitecturas que supusieron alguna revisión de la modernidad, desde los Five Architects, Venturi, Rauch y Scott Brown, y Aldo Rossi hasta Quinlan Terry, Robert Stern y los postmodernos propiamente dichos quienes promovieron un serio intento de liquidarla y de la que la Strada Novissima es un claro ejemplo.

Cabe añadir que la Strada Novissima se convirtió en un símbolo duradero del componente de arquitectura de la Bienal, viajando finalmente a San Francisco y París y sobreviviendo en fotografías y dibujos de libros y antiguas revistas, e incluso exposiciones hasta el punto que fue el tema de una muestra en MAXXI en 2018-2019 titulada Dentro La Strada Novissima, también comisariada por Portoghesi.

7. Paolo Portoghesi. Dibujos 1949-2003 (2003)
8. Algunos dibujos de Paolo Portoghesi.

Insigne dibujante, sobre esa actividad, en una entrevista Portoghesi afirmó según se refiere en https://arquine.com/paolo-portoghesi-1931-2023/: “Construir quiere decir poner juntas cosas según una lógica, según un pensamiento. También, al menos dentro de ciertos límites, teniendo en cuenta los vínculos de la línea, del peso. El dibujo es un instrumento indispensable. Es también un instrumento que da un gran placer a quien lo ejerce porque podría decir que una de las características del dibujo es ser ya, de alguna manera, un fenómeno estético. Por tanto, digamos, y la persona que dibuja lo sabe muy bien, es una actividad que tiene un aspecto, ¿cómo se podría decir?, fascinante. Coger una hoja que primero es un vacío absoluto y luego, poco a poco, se enriquece y se convierte en un objeto”. Sólo recordemos el auge que tuvo también dentro de la posmodernidad lo que se dio en llama “arquitectura dibujada” como clave para interpretar las palabras del arquitecto italiano que nos ocupa.

9. Dos exposiciones montadas en Caracas en las que la obra de Portoghesi hizo acto de presencia.

Aunque, como ya dijimos, Portoghesi no volvió a visitarnos, sin embargo, se haría presente en dos exposiciones montadas en Caracas durante la última década del siglo XX: la primera en 1991 cuando la Fundación Museo de Arquitectura y el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Ímber, exhibieron en las salas del MACCSI, la muestra «Las Escalas del Espacio. Arquitectos Italianos Contemporáneos», organizada por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Italia, con la Embajada de Italia en Venezuela y el Instituto Italiano de Cultura en Venezuela, donde junto a los de Portoghesi se pudieron ver trabajos de Carlo Aymonimo, Guido Canela, Costantino Dardi, Roberto Gabetti y Aimaro Isola, Vittorio Gregotti, Renzo Piano, Franco Purini y Laura Thermes, Aldo Rossi y Gae Aulenti.

La segunda aconteció en 1996 cuando el 25 de marzo se inauguró en la Sala de Exposiciones del Centro de Información y Documentación de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela «Paolo Portoghesi: Naturaleza y Arquitectura», organizada por el Instituto Italiano de Cultura en Venezuela y la FAU UCV. Esta muestra itinerante tuvo la particularidad de presentar el avance de una investigación en curso donde se profundiza en la búsqueda de la conexión entre arquitectura y naturaleza rescatando una línea de pensamiento tradicional en la historia de la arquitectura. Portoghesi posteriormente, el año 2000, publicaría sus resultados en un hermoso libro titulado justamente Naturaleza y arquitectura, donde expone su teoría sobre la relación entre ellas acompañada de una multiplicidad de ilustraciones y donde son analizados conceptos como centralidad, frontalidad, curvatura y geometría que constituyen un patrimonio universal que el arquitecto ha tenido en cuenta como instrumento creativo.

Tal y como se recoge también en https://arquine.com/paolo-portoghesi-1931-2023/: “En los últimos treinta años, Portoghesi dejó de hablar del posmoderno para interesarse en la ‘geoarquitectura’, una disciplina que, según dijo él mismo, ‘busca corregir la relación entre arquitectura y naturaleza sobre la base de una nueva alianza: el hombre debe dejar de construir según una lógica puramente económica que produce despilfarro de energía, contaminación y explotación del patrimonio de los antiguos pueblos en lugar de abandonarlos a la destrucción’”.

11. Arriba: Perspectiva de Portoghesi de la Gran Mezquita de Estrasburgo. Abajo: Interior de la sala principal de la Mezquita de Roma

Más allá de la casa Baldi y la Strada Novissima, destacan entre las obras arquitectónicas de Portoghesi cuatro proyectos: la casa Papanice (1968), la Mezquita y Centro Cultural Islámico de Roma (1984-1995), el barrio renacentista del Parco Talenti de Roma (2001) y la Mezquita de Estrasburgo (2012). Aunque acumuló una importante obra construida, Portoghesi en Architecture on Display: On the History of the Venice Biennale of Architecture (historia oral de la Bienal de Arquitectura de Venecia) de William Menking y Aaron Levy, publicada en 2020, confesó: «En mi vida sólo he hecho exposiciones para la Bienal. En general, hacer exposiciones no es lo mío; mi trabajo preferido es el diseño. Pero recuerdo la bienal como un momento muy interesante de mi vida…».

12. Paolo Portoghesi (c. 2010).

Como mencionamos, el 30 de mayo, días después de que la bienal veneciana de arquitectura arrancase por decimoctava vez, Paolo Portoghesi, quien fuese su primer director, fallecía a los 92 años. Según un reportaje sobre su muerte aparecido en ANSA, se mantuvo «lúcido hasta el final, estaba escribiendo un libro sobre la belleza».

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://es.wikipedia.org/wiki/Paolo_Portoghesi

2. Boletín del CIHE, nº9, abril de 1968.

3, 6 y 7. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

4. https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/czAzq88, https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/cRRLxre, https://www.casalgrandepadana.com/en/magazine/detail/e-nato-roma-il-nuovo-creative-centre-casalgrande-p/, https://www.archiproducts.com/en/news/casa-baldi-hosts-the-new-creative-center-casalgrande-padana_61228 y https://www.pinterest.es/pin/290622982180688970/

5. https://casabellaweb.eu/2019/04/27/strada-novissima/

8. https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/c5ezXek, https://www.amazon.es/Portoghesi-Disegni-1949-2003-illustrata-schizzi/dp/8871794060 y https://www.centrepompidou.fr/es/ressources/oeuvre/cdqnEe8

9. Colección Crono Arquitectura Venezuela.

10. https://www.archdaily.cl/cl/1001763/paolo-portoghesi-primer-director-de-la-bienal-de-arquitectura-de-venecia-fallece-a-los-92-anos/647652083d39be7feb0dac93-paolo-portoghesi-first-director-of-the-venice-architecture-biennale-passes-away-at-the-age-of-92-photo?next_project=no y https://www.archilovers.com/projects/41198/complesso-residenziale.html

11. https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/cGbo4xK y https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Moschea_-_sala_principale_3082-6.JPG

12. https://arquine.com/paolo-portoghesi-1931-2023/

VISITAS MEMORABLES

Henry-Russell Hitchcock (1903-1987)

El haber podido seguir la pista de varios de los arquitectos conocidos y reconocidos en el mundo a través de esta sección periódica de nuestro boletín, nos ha permitido registrar la amplia diversidad de motivos que se encuentra detrás de la visita de cada uno a Venezuela. Desde el encargo que se le haya podido hacer para proyectar una edificación hasta la participación en actividades académicas organizadas por diferentes universidades, pasando por la invitación como figuras centrales de importantes eventos o como jurados de concursos nacionales o internacionales, lo cierto es que, por lo general, se ha tenido la oportunidad de escucharlos exponiendo sus ideas o presentando sus trabajos indagatorios o proyectuales gracias la organización de parte de los entes involucrados en el viaje del personaje o personajes de foros, conferencias magistrales o charlas dirigidas a todo público, pero muy especialmente al universo de los profesionales, profesores y estudiantes de arquitectura.

1. Acceso a la exposición Latin American Architecture since 1945 organizada en 1955 por el MoMA. Al fondo una gran foto de la fachada del Aula Magna de la Ciudad Universitaria de Caracas hacia la «tierra de nadie».

Hoy nos dedicaremos a rastrear el paso por tierras venezolanas por un período muy corto (como el que generalmente suelen dedicar quienes nos visitan), de uno de los más importantes estudiosos de la arquitectura moderna del siglo XX, el norteamericano Henry-Russell Hitchcock, a quien el Museo de Arte Moderno de Nueva York (comúnmente conocido como el MoMA), había encargado en 1954 hacer la curaduría y adelantar la investigación correspondiente al montaje de la primera exposición de arquitectura a nivel internacional en la que se daría a conocer de manera amplia la producción edilicia que ya llevaba tiempo desarrollándose en territorio latinoamericano de la mano de una buena cantidad de talentosos profesionales. La muestra, cuya definición y alcances fue motivo de variaciones producto de un intenso debate en el seno de la institución museística promovido por Arthur Drexler, quien para entonces era curador en el departamento de arquitectura dirigido por Philip Johnson, se terminó denominando Latin American Architecture since 1945 (Arquitectura Latinoamericana desde 1945).

2. Izquierda: Nelson Rockefeller, director de la Oficina de Asuntos Interamericanos (1940-1944). Derecha: Presentación de dos de las más de 45 películas- documentales elaboradas por Julien Bryan para la Oficina de Asuntos Interamericanos entre 1941 y 1945.

Latin American Architecture since 1945, programada inicialmente para ser abierta en marzo de 1955 como parte de las celebraciones de los 25 años del MoMA, y que finalmente terminó abriéndose el 23 de noviembre, fue una de más de 25 exhibiciones preparadas por el Museo bajo su Programa Internacional (dirigido por Porter McCray), para fomentar el intercambio de exposiciones de arte entre los Estados Unidos y otros países. El programa se inscribía dentro de la política más amplia del “Buen vecino” diseñada por el gobierno norteamericano como parte de su acercamiento a la América Latina, en la que se buscaba desarrollar la idea de que el subcontinente “ya formaba parte de nosotros” en virtud, entre otras cosas, del boom que durante la postguerra se había desatado en torno a la industria de la construcción gracias a la inversión estadounidense y, en consecuencia, al desarrollo adquirido por su arquitectura y el crecimiento sorprendente que mostraban sus ciudades. Prueba de esta política son las películas filmadas por Julien Bryan entre 1941 y 1945 para la Oficina de Servicios Estratégicos en colaboración con la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos (Office of Coordinator of Inter-American Affairs) -creada en 1940 como oficina ejecutiva del presidente de los Estados Unidos por Franklin Roosevelt- que dirigía Nelson Rockefeller, como muy bien nos lo hace ver Horacio Torrent en la conferencia “Latin American Architecture since 1945. MoMA, 1955. Recepción crítica” que puede consultarse en https://www.youtube.com/watch?v=SdTLJtFra5k.

3. Carátulas de los catálogos de las cinco exhibiciones temáticas previas a Latin American Architecture since 1945 organizadas por MoMA.

Por otro lado, Latin American Architecture since 1945 se inscribía dentro de una secuela de exposiciones que el MoMA, tras su creación en 1930, pondría en marcha a través del departamento de arquitectura de la mano de su primer director, Philip Johnson, a partir de 1932. Así, el MoMA organizaría, pudiendo considerarse como sus antecedentes temáticos: Modern Architecture: International Exhibition (1932), Brazil Builds: architecture new and old, 1652-1942 (1943); Built in U.S.A., 1932–44 (1944); Two Cities: Planning in North and South America (1947); y Built in U.S.A.: Post-War Architecture (1953). Henry-Russell Hitchcock, por su parte, tendría participación directa en la de 1932 (de la que se derivará, basado en el catálogo, el célebre libro The International Style, realizado conjuntamente con Philip Johnson), y en la de 1953 en la que trabajará junto a Arthur Drexler. Esta última y Brazil Builds son las que tendrá más presentes Hitchcock al emprender la realización de Latin American…

4. Izquierda: Rosalie (Rollie) Thorne McKenna (1918-2003). Derecha arriba: Esquema del itinerario seguido por Hitchcock y McKenna por Latinoamérica. Derecha abajo: Mapa «surrealista» que denota proporcionalmente los tiempos de estadía de Hitchcock y McKenna en cada país visitado.
5. Dos imágenes de Caracas recogidas por el lente de Rollie McKenna.

De tal forma, una vez incorporada la muestra dentro del programa internacional del MoMA y asumida por parte de Hitchcock la responsabilidad de organizarla, programará un viaje de investigación, corto y apurado que le permitirá visitar 11 países en seis semanas entre octubre y diciembre de 1954, para el cual estuvo acompañado por la fotógrafa Rosalie (Rollie) Thorne McKenna. El itinerario de la travesía sería el siguiente: Nueva York-Ciudad de México (donde permanecerían 5 días); de allí pasarían a Panamá, a Bogotá, a Lima (con permanencia de 5 días), a Santiago de Chile, a Buenos Aires (3 días de estadía), a Montevideo, a Rio de Janeiro (con viajes al interior de Brasil intercalados sumando en total 11 días), a Caracas, a San Juan de Puerto Rico, a La Habana y retorno a Miami.

Del registro adelantado por quienes han convertido la exposición en objeto de estudio, se sabe que en Caracas, Hitchcock y McKenna estuvieron sólo dos días caracterizados por un arduo trabajo (sin tiempo para realizar otras actividades), donde fueron atendidos y guiados a través de la ciudad por los arquitectos cuyas obras serían reseñadas, a saber: la Unidad de Habitación “Cerro Grande” (Guido Bermúdez); el desarrollo habitacional “Multicelulares Cerro Piloto”, (Guido Bermúdez con J. Centellas, Carlos Brando, José Hoffmann, J.A. Roig Madriz, J. Noriega, José Manuel Mijares y Carlos Raúl Villanueva -consultor-); edificio de apartamentos “Montserrat” (Guinand & Benacerraf -Carlos Guinand Baldó y Moisés Benacerraf-); el edificio Polar (Vegas & Galia -Martín Vegas Pacheco y José Miguel Galia-); el Aula Magna y la Plaza Cubierta de la Ciudad Universitaria de Caracas (Carlos Raúl Villanueva); y el estadio Olímpico también en la Ciudad Universitaria de Caracas (Carlos Raúl Villanueva). En total seis de los cuarenta y siete proyectos mostrados en la exposición, un 13% nada despreciable. Las obras, hay que decirlo, fueron todas ellas visitadas y recorridas, siguiendo la convicción que profesaba Hitchcock de no llevar a cabo su trabajo si no mediaba el conocimiento in situ del objeto que se pretendía analizar, comentar, historiar o criticar.

6. Algunas de la publicaciones internacionales que ya habían registrado la arquitectura que se hacía en Latinoamérica previamente al viaje de Hitchcock.

Hitchcock emprendió el viaje acompañado también del amplio bagaje producto de su formación y experiencia como historiador, así como de sus propios prejuicios, todo lo cual se ve reflejado tanto en la selección de la muestra como en el libro-catálogo que la acompañó.

Pese a haber recopilado previamente gran cantidad de información a través de las revistas latinoamericanas que consultó en las bibliotecas de las universidades de Columbia y Harvard, que para la época ya habían publicado buena parte de las obras que iría a visitar, Hitchcock no dejó de reconocer que el viaje había superado sus expectativas y que “la arquitectura latinoamericana había alcanzado la mayoría de edad”, llegando a niveles de calidad superlativos en comparación con lo que a partir de la postguerra se estaba realizando en los Estados Unidos, a cuyos arquitectos instaba a emular la experiencia que se desarrollaba al sur del continente. Valga decir que esta relación ambivalente entre las dos Américas cada una prefigurando la otra, que Hitchcock no oculta, permanece en el centro de las exposiciones organizadas por el MoMA.

Por otro lado, habría que señalar que Hitchcock suponía que no había mayores conexiones entre la arquitectura y los arquitectos de la región, cosa que él pretendía lograr con la exposición y la publicación del catálogo-libro, pero se equivocaba. Para cuando se monta la exposición ya la arquitectura latinoamericana era conocida en todo el mundo a través de una serie de publicaciones. Además, ya estaba en desarrollo la elaboración de las historias de la arquitectura moderna de cada país tanto en formato de libro como en artículos de revistas. Tampoco olvidemos el papel jugado por la exhibición Brazil Builds para que ello ocurriera, lo cual colocaba a este país a la cabeza de una vanguardia “periférica” que ya se estaba manifestando.

7. Brazil Builds, referencia ineludible en la visión de Hitchcock al visitar Latinoamérica.

Hitchcock intenta, sin embargo, pese a tenerla como referencia, desmarcarse de Brazil Builds. En tal sentido evita insistir en la influencia carioca reflejada en el uso del brise-soleil y del hormigón armado como sellos distintivos de lo mostrado en 1943. De allí que tilde de “mediocre” el Centro Simón Bolívar de Caracas (y lo señale con ironía como “el Rockefeller Center del centro de la ciudad” al compararlo con la Torre Polar, a la cual califica como “rascacielos que tiene poca relación con otras obras latinoamericanas”), y no lo incluya en la selección apostando por valorar expresiones más independientes de la influencia carioca. También valora a la propia Torre Polar por encima de la Ciudad Universitaria quizás por las reminiscencias brasileras de ésta última.

Algunos datos de interés con relación al libro-catálogo nos indican que contiene en sus 204 páginas en formato 24.1 x 21.3 cms., además del texto de Hitchcock, 140 fotografías tomadas por 32 fotógrafos de las cuales 52 (37%) son de la autoría de McKenna. No obstante, de las 18 fotos que se muestran de los proyectos y ciudad venezolanos, McKenna es autora de 12 (las dos terceras partes) por lo que nuestro país fue uno de los con mayor interés atendió su cámara. Está de más decir que fue publicado junto a la muestra en 1955.

Su contenido está dividido en 5 partes: “Prefacio y agradecimientos”; el ensayo “Arquitectura latinoamericana desde 1945” de Hitchcock; “Plates” -con un subtema titulado “Urban façades”-; “Biografía de los arquitectos”; e “Índice de arquitectos”.

8. Portada, página de contenidos y páginas interiores con parte de la arquitectura venezolana presente en el libro-catálogo de Latin American Architecture since 1945.
9. Parte del segmento “Urban façades” incluido en el libro-catálogo.

Quienes se han dedicado a llevar a cabo una valoración del libro (sin dejar de reconocer su trascendencia e influencia), lo caracterizan como informativo, esquemático y superficial, así como carente de información necesaria para contextualizar las obras presentadas las cuales se ven como objetos siempre aislados (curiosamente, el único edificio que se muestra dentro de su contexto es la Torre Polar de Vegas & Galia). En Hitchcock, las consideraciones estéticas, por lo general, ahogan los contextos culturales, sociales y políticos que sí cobran importancia para otros autores.

Por otro lado, la exposición tenía un enfoque si se quiere “atrasado” con relación a los debates del momento. “The new brutalism” de Reyner Banham, por ejemplo, se publicaba en simultáneo nos recordará Horacio Torrent. También se señala que repite un paradigma interpretativo que parte de Brazil Builds extendido en este caso a toda la arquitectura latinoamericana.

Sin embargo, se señalan como aspectos rescatables, por un lado, el mostrar la ciudad latinoamericana en construcción donde se resaltan los casos de Sao Paulo, La Habana, Río de Janeiro, Ciudad de México y Caracas y, por el otro, la novedad que se encierra en el apartado titulado “Urban façades”.

10. Tres importantes obras publicadas por Henry-Russell Hitchcock.

Solapado al trabajo desplegado en Latin American…, ya Hitchcock había comprometido su tiempo para la realización durante el sabático solicitado entre 1955 y 1956 del monumental libro Architecture: Nineteenth and Twentieth Centuries, el cual se inscribió en la colección Historia del Arte dirigida por Nikolaus Pevsner para Penguin Books, que terminó en septiembre de 1956 y se publicó en 1958. Sobre este último versa el ensayo “Para caer en el olvido: Henry-Russell Hitchcock y la arquitectura latinoamericana” de Patricio del Real.

Del Real destaca cómo la postergación de la fecha de apertura de Latin American… le impidió a Hitchcock estar presente en su inauguración por compromisos adquiridos en Londres. También señala de forma clara y contundente cómo a pesar de que en la primera edición de Architecture: Nineteenth and Twentieth Centuries se valora de manera importante la arquitectura latinoamericana, aprovechándose el esfuerzo realizado y la cercanía a la exposición del MoMA, dicha valoración va cambiando para la segunda edición (1963) hasta casi desaparecer en la tercera edición (escrita en 1969, publicada en 1971). Ello pareciera corroborar lo que Hitchcock habría afirmado en 1986: “América Latina había sido sobrevalorada debido a su viaje a la región” dándole a su travesía de 1954 una importancia desmedida.
Hitchcock, quien escribe en fechas tan tempranas como 1929 Modern architecture: romanticism and reintegration, siendo durante algún tiempo el único texto sobre ese tema disponible en inglés, es equiparado a Nikolaus Pevsner (alemán de nacimiento nacionalizado inglés) y Sigfried Giedion (suizo que escribió en alemán) como pionero de la historiografía del siglo XX y predecesor de figuras como Peter Collins, Kenneth Frampton y William Curtis en cuanto a ubicar los orígenes de la arquitectura ‘moderna’ a mediados del siglo XVIII.

11. Tres libros en los que se analiza la obra de Hitchcock.

Profesor del Smith College, Hitchcock nació en Boston, Massachusetts, en el año de 1903. Realizó sus estudios en la Escuela de Middlesex y posteriormente en la Universidad de Harvard, donde recibió su Bachelor in Architecture en 1924, y su Master in Architecture en 1927. Sus biógrafos señalan que “En Harvard, escribió para el periódico vanguardista Hound & Horn que Lincoln Kirstein (1907-1996) había fundado. Allí también se reunió con el grupo de jóvenes intelectuales que lanzaría el modernismo en los Estados Unidos. Entre ellos se encontraban Arthur Everett “Chick” Austin (1900-1957), Philip Johnson (1906-2005), el musicólogo Virgil Thomson (1896-1989) y Edward Warburg (1908-1992). (…) Enseñó en una serie de colegios y universidades, pero principalmente en el Smith College (donde también fue director del College Museum of Art Smith 1949-1955). En 1968 se trasladó a la ciudad de Nueva York y posteriormente enseñó en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de New York. También enseñó en la Universidad de Wesleyan, Massachusetts Institute of Technology, la Universidad de Yale, la Universidad de Harvard y la Universidad de Cambridge”.

Hitchcock fue autor de más de una docena de libros sobre arquitectura, algunos de los cuales ya hemos señalado, destacando: Modern architecture: romanticism and reintegration (1929), The International Style (1932, realizado conjuntamente con Philip Johnson), The Architecture of H. B. Richardson and his Time (1936), Built in U.S.A.: Post-War Architecture (1953), Latin American Architecture since 1945 (1955) y Architecture: Nineteenth and Twentieth Centuries (1958).

Calificado como un historiador “formalista”, en todo lo que escribe “demuestra que es meticuloso y competente, aunque carece del tipo de interés conceptual o intelectual que caracteriza la obra de los historiadores del arte de inspiración alemana”, señalará David Watkin en The rise of architectural history (1980).

12. Tres imágenes del montaje de Latin American Architecture since 1945 en los espacios del MoMA en 1955.

Latin American Architecture since 1945, concebida como casi todas las exposiciones del MoMA bajo un criterio itinerante, se presentó en Caracas en junio y julio de 1958 (clausurando el 31 de ese mes) en los espacios de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (FAU) de la UCV, auspiciada por y traída gracias a las gestiones de la Sociedad Venezolana de Arquitectos que para entonces tenía allí su sede. Si bien la muestra no presentó en cuanto a los trabajos venezolanos nada desconocido, si sirvió para abrir los ojos hacia la riqueza arquitectónica moderna del resto del continente.

60 años después (2015), en conmemoración de aquella célebre exposición y emulando sus ambiciones abarcantes, el MoMA, con Barry Bergdoll como curador, realizaría otra importante antología titulada Latin America in construction: Architecture 1955-1980, que también dejó un catálogo memorable en el que colaborarían Carlos Eduardo Comas, Jorge Francisco Liernur y Patricio del Real.

Henry-Russell Hitchcock murió en New York, Estados Unidos, en el año de 1987, a los 83 años de edad.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado, 1, 8, 9 y 12. https://www.moma.org/calendar/exhibitions/2436

2. https://www.wikiwand.com/es/Coordinador_de_Asuntos_Interamericanos y Horacio Torrent, conferencia “Latin American Architecture since 1945. MoMA, 1955. Recepción crítica” (https://www.youtube.com/watch?v=SdTLJtFra5k)

3, 7, 10 y 11. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

4. https://www.moma.org/calendar/exhibitions/2436 y Horacio Torrent, conferencia “Latin American Architecture since 1945. MoMA, 1955. Recepción crítica” (https://www.youtube.com/watch?v=SdTLJtFra5k)

5. https://www.academia.edu/80311434/Latin_American_architecture_since_1945_la_mirada_de_Rollie_McKenna

6. Horacio Torrent, conferencia “Latin American Architecture since 1945. MoMA, 1955. Recepción crítica” (https://www.youtube.com/watch?v=SdTLJtFra5k)