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TAL DÍA COMO HOY…

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… 24 de julio, en 1961, se inauguró el Planetario Humboldt, en el Parque de Este, Caracas.

1. El Planetario Humboldt en fechas cercanas a su inauguración (c.1965).

En medio del abrumador peso que tienen las conmemoraciones patrias el día de hoy, cuando se celebra el nacimiento del Libertador Simón Bolívar (1783) y la victoria en la Batalla o Combate Naval del Lago de Maracaibo (1823), el que hace 61 años se haya inaugurado el Planetario Humboldt nos permite entrar a la efeméride desde un tema que es de nuestro interés dedicándole esta nota a tan particular hecho.

Esta notable edificación, proyectada por Carlos Guinand Sandoz (1889-1963), le permitió a su autor dejar sembrada, en un lugar que tanto le debe en términos de su realización como lo es el Parque del Este, la impronta de una arquitectura memorable.

2. Ubicación del Planetario Humboldt en el Parque del Este

Como parte de la última fase de ejecución del espacio que, diseñado por Roberto Burle Marx con la colaboración de Fernando Tábora, John Stoddart, Mauricio Monte y Julio César Pessolani, dotó a Caracas de un área verde con dimensiones metropolitanas y calidad de diseño de alcance internacional, el Planetario se construye entre el 15 de enero de 1959 y el 24 de julio de 1961 (Día de la Armada Venezolana), inaugurándose, por tanto, poco más de seis meses después de la puesta en funcionamiento el 19 de enero por parte del presidente Rómulo Betancourt del recinto que lo acoge. Se ubicó muy cerca del estacionamiento N°2 del parque, lo que facilitaba su accesibilidad para efectos de servicios y para quien se desplazaba en carro en casos de eventos especiales, sin menoscabo de su participación como parte del recorrido peatonal dentro del recinto.

3. Dos vistas cenitales del Planetario Humboldt en la actualidad

Considerado con acierto como “una rareza tipológica dentro de la arquitectura venezolana” por Carmen Araujo Suárez y William Niño Araque, en el texto dedicado al edificio aparecido en el catálogo de la exposición “Wallis, Domínguez y Guinand. Arquitectos pioneros de una época”, realizada en la Galería de Arte Nacional entre junio y septiembre de 1998, el Planetario también se trata del objeto arquitectónico que mayor relevancia cobra dentro del contexto del parque por la peculiaridad, contundencia y autonomía de su forma, la resolución volumétrica del programa que alberga y el evidente contraste que asume al localizarse en medio de un predio en el que predomina la naturaleza.

4. Planetario Humboldt. Planta.
5. Planetario Humboldt. Fachada y corte.
6. Planetario Humboldt. Vestíbulo (izquierda) y espacios de circulación internos (derecha).

Diseñado siguiendo patrones indudablemente clásicos, la planta está organizada con base en un eje de simetría que “marca el portal de acceso, limitado por un gran vestíbulo acristalado y ritmado por la presencia de cuatro columnas rectangulares y perimetrales. Este espacio de acceso (en cuyo tratamiento hace acto de presencia el art decó) se encuentra entre dos volúmenes destinados a oficinas y servicios que completan la volumetría exterior del vestíbulo, enmarcando así, en su disposición de abanico, el eje central de acceso al Planetario”, acotarán Araujo y Niño Araque.

El espacio central en el que se llevan a cabo las proyecciones con un aparato electromecánico de alta definición óptica (proyector Zeiss Mark III) que, localizado en su centro, permite visualizar el firmamento de una manera muy realista y reproducir su movimiento con gran precisión, está rodeado de un amplio corredor el cual, a modo de prolongación del vestíbulo, define una circulación interna vinculada visualmente con el exterior. La parte posterior está conformada por otro volumen que contiene otras áreas de apoyo por donde se previó un acceso secundario de servicio conectado a su vez a un pequeño estacionamiento.

La solución estructural adoptada por Guinand se encuentra estrechamente ligada a la función para la que se destinó el edificio. Está protagonizada por una cúpula o domo de 20 metros de diámetro resuelta mediante una concha de concreto armado sostenida por un total de hasta 12 columnas perimetrales inclinadas que le confieren la imagen que lo caracteriza.

7. Proyector Zeiss modelo Mark III, de tecnología alemana, instalado en el interior del Planetario.

La forma y dimensiones que finalmente se adoptaron para el espacio que lo protagoniza, están absolutamente asociados al sistema de proyección audiovisual que alberga que a su vez “requirió el diseño de una semiesfera interna construida de aluminio perforado, que semeja la bóveda celeste y crea así un sistema de efectos visuales con fines didácticos”. Así, el interior se convierte en una enorme pantalla para el proyector Zeiss pudiéndose apreciar en el borde de la cúpula un horizonte silueteado que representa a la ciudad de Caracas, tal como era para la fecha de construcción del Planetario a comienzos de la década de los 60.

De lo que recogemos de Wikipedia “sus orígenes se remontan a mediados de los años 1950, cuando el entonces director del Observatorio Naval Cagigal el Dr. Eduardo Röhl es comisionado por el gobierno para adquirir equipos ópticos para el observatorio en Alemania, además de un proyector planetario en la casa Zeiss, para el futuro planetario Humboldt. Posteriormente, los equipos adquiridos llegan al país y el proyector es instalado en el planetario…”, destinándose el resto para el desarrollo del Centro de Investigaciones de Astronomía (CIDA) en Mérida dadas sus excelentes condiciones atmosféricas. De acuerdo al mismo portal, el proyector Zeiss instalado fue un aparato electromecánico modelo Mark III modificado, producto de la tecnología alemana de postguerra, “que sin poseer componentes electrónicos de vanguardia, tiene características singulares que lo hacen único en el mundo, pues a través de sus imágenes los usuarios se sumergen en un ambiente que estimula la imaginación y el aprendizaje de una manera muy sencilla y eficaz”.

8. Diversas tomas exteriores del Planetario Humboldt.

Desde que el 6 de agosto de 1961 se iniciaron las actividades al público, dedicado al estudio y enseñanza de la astronomía, astronáutica y ciencias afines tales como la física, matemática, química, geografía y ciencias de la tierra, el Planetario, hoy el más antiguo y aún el de mayor tamaño en Venezuela, se convirtió rápidamente en un importante espacio de investigación y documentación brindando a estudiantes, profesionales y público en general cursos, simposios y conferencias sobre los misterios del Universo. Con el tiempo es triste reconocer que buena parte de su condición de centro de investigación ha desaparecido quedando reducido a lugar de visitas y de realización de algunos eventos que son anunciados por las activas cuentas de twitter e Instagram que como institución posee.

Dentro de las visitas programadas al público, se ha podido durante años disfrutar de observar las estrellas (en número de aproximadamente 9.000), el Sol, la Luna y los planetas visibles a simple vista: Mercurio, Venus, Marte, Júpiter y Saturno.

Adicionalmente, empleando sus proyectores periféricos, se visualizan las coordenadas celestes, figuras de las constelaciones, nebulosas, la Vía Láctea, el Sistema Solar visto desde afuera, estrellas fugaces (meteoros), satélites artificiales, e incluso, simular nubes.

9. Alexander Von Humboldt y Aimé Bonpland en la selva amazónica por Eduard Ender
(c.1850).

El Planetario, que en sus inicios dependió del Observatorio Astronómico y Meteorológico de Caracas (mejor conocido como Observatorio Naval Cajigal) y hoy está adscrito al Servicio de Hidrografía y Navegación de la Armada Bolivariana, debe su nombre al sabio, naturalista y explorador Alejandro Humboldt, a quien Guinand quiso rendirle un homenaje dada la relevancia que tuvo, junto a su compañero Aimé Bonpland, para el estudio de las ciencias naturales del país tras el viaje que los trajera a América 1799 y 1804, permaneciendo en Venezuela, como se sabe, los dos primeros años.

10. Dos fotografías de Carlos Guinand Sandoz con Roberto Burle Marx. Izquierda: Durante la expedición botánica al Amazonas buscando especies para el Parque del Este. Derecha: En el Parque del Este.

Guinand, hombre vinculado y comprometido con el conocimiento de la naturaleza venezolana, tras coordinar durante más de cinco años los diversos destinos que tuvo el lugar donde finalmente se construyó el parque, y ser partícipe de la selección, junto a Burle Marx y su equipo, de muchas de las especies vegetales que se utilizaron para diseñar el paisajismo, es sin duda la principal figura que permitió que todo este complejo proceso llegara a feliz término.

11. Planetario Humboldt. Perspectiva del conjunto dibujada por Carlos Guinand Sandoz.

Quiso el destino que el Planetario fuera la última obra realizada por Guinand (quien falleció dos años después de su puesta en funcionamiento) y que se convirtiera en brillante punto final dentro de la obra de quien fue uno de los más importantes arquitectos venezolanos del siglo XX.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://redpatrimoniove.wixsite.com/redve/forum/publicaciones/delphinus-planetarum-o-el-delfin-del-planetario

2 y 10. Fernando Tábora. Dos parques, un equipo. Parque del Este, Caracas-Venezuela/Aterro do Flamengo, Río de Janeiro-Brasil (2007)

3. https://twitter.com/planethumboldt y https://www.pinterest.cl/pin/420242208956938115/

4, 5 y 11. Galería de Arte Nacional. Catálogo de la exposición Wallis/Domínguez/Guinand. Arquitectos pioneros de una época (1998)

6. Galería de Arte Nacional. Catálogo de la exposición Wallis/Domínguez/Guinand. Arquitectos pioneros de una época (1998) y https://es.wikipedia.org/wiki/Planetario_Humboldt

7. https://www.cinco8.com/periodismo/el-proyector-del-planetario-humboldt-se-apaga/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Planetario_Humboldt

8. Galería de Arte Nacional. Catálogo de la exposición Wallis/Domínguez/Guinand. Arquitectos pioneros de una época (1998), https://twitter.com/laguiadecaracas/status/1259502258347225088, https://peakd.com/hive-178708/@marcosmilano71/eng-an-experience-beyond-earth-planetary-esp-una-experiencia-mas-alla-de-la-tierra-planetario y http://radiomundial.com.ve/cinco-planetas-se-pueden-ver-en-el-cielo-venezolano-en-noches-de-julio/

9. https://es.wikipedia.org/wiki/Planetario_Humboldt

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… 5 de junio, en 1972, en Estocolmo, Suecia, se inaugura la Conferencia de Naciones Unidas sobre el Medio Ambiente Humano.

1. Conferencia de Naciones Unidas sobre el Medio Ambiente Humano. Estocolmo, Suecia. 5 de junio de 1972

También conocida como “Conferencia de Estocolmo”, la celebrada entre el 5 y el 16 de junio en dicha ciudad convocada por la Organización de Naciones Unidas (ONU), fue la primera gran reunión a escala global que se organizó sobre cuestiones medioambientales. Marcó un punto de inflexión en el desarrollo de la política internacional en la materia y el inicio de una conciencia planetaria sobre la incidencia de los problemas que el hombre causa en el medio ambiente.

2. Olof Palme (1927-1986) y Maurice Strong (1929-2015).

Convocada por iniciativa del Gobierno de Suecia con su primer ministro Olof Palme a la cabeza, donde el Secretario General de la ONU U Thant invitó a Maurice Strong para llevar las funciones de Secretario General de la Conferencia, a la cumbre asistieron representantes de 113 países, 19 organismos intergubernamentales, y más de 400 organizaciones intergubernamentales y no gubernamentales. En la reunión se acordó una Declaración de 7 puntos que contiene 26 principios sobre el medio ambiente y el desarrollo y un plan de acción con 109 recomendaciones. Maurice Strong dijo que el mensaje que prevaleció tras el evento fue «la comprensión de que el hombre había llegado a uno de esos puntos fundamentales en su historia donde sus actividades son los principales determinantes de su propio futuro».

3. Uno de los múltiples banners elaborados para celebrar el Día Mundial del Medio Ambiente.

Como reconocimiento a la trascendencia de lo acontecido en Suecia, la ONU estableció por resolución del 15 de diciembre de 1977 declarar el 5 de junio como Día Mundial del Medio Ambiente y dos días después (el 17 de diciembre de 1977) la Asamblea General de la ONU también aprobó la creación del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA).

La Conferencia de Estocolmo y sus repercusiones sentaron las bases para la realización a posteriori de lo que se han denominado como “Cumbres de la Tierra” o “Cumbres del Clima”, un tipo excepcional de encuentro internacional entre jefes de estado de todos los países del mundo, con el fin de alcanzar acuerdos sobre el medio ambiente, desarrollo, cambio climático, biodiversidad y otros temas relacionados. Así, la de Estocolmo fue seguida 20 años después por la de Río de Janeiro (Brasil) llevada a cabo del 2 al 13 de junio de 1992. La tercera se realizó en Johannesburgo (Sudáfrica) del 23 de agosto al 5 de septiembre de 2002 y la cuarta se reunió en junio de 2012 de nuevo en Río de Janeiro, bajo la denominación de Conferencia de Desarrollo Sostenible. Todas ellas fueron objeto de severas críticas relacionadas con la contundencia de sus resoluciones y los resultados tangibles obtenidos.

4. Pesentación del informe «Nuestro futuro común» ante la Asamblea Genral de las Naciones Unidas por parte de la doctora Gro Harlem Brundtland
5. Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro (Brasil). 2 al 13 de junio de 1992.

Fue en la Cumbre de la Tierra de Río Janeiro, donde se asumió en el Principio 3º de su declaración el concepto de «desarrollo sostenible» que ya había sido formulado en el Informe Nuestro futuro común (1987-1988), fruto de la Comisión Mundial de Medio Ambiente y Desarrollo de Naciones Unidas creada durante la Asamblea General de 1983, coordinado por la doctora Gro Harlem Brundtland, entendiendo por tal aquel que permite “satisfacer nuestras necesidades actuales sin comprometer la capacidad de las generaciones futuras para satisfacer las suyas”. Allí se establecieron, además, el Convenio sobre la Diversidad Biológica y la Convención Marco sobre el Cambio Climático, que más tarde llevaría al Protocolo de Kioto (11 de diciembre de 1997) cuyo objetivo central fue reducir las emisiones de seis gases de efecto invernadero (GEI) y al Acuerdo de París (2015).

6. Protocolo de Kioto, 1997.
7. Acuerdo de París, 2015.

Sólo añadir que, aunque el Protocolo de Kioto comprometió a los países industrializados signatarios a estabilizar las emisiones de GEI, y la Convención por su parte ha alentado a los países a hacerlo estableciendo metas vinculantes de reducción de las emisiones para 37 países y la Unión Europea (UE), reconociendo implícitamente que, en 1997, eran los principales responsables de los elevados niveles de emisiones de GEI en la atmósfera, no entró en vigor hasta el 16 de febrero de 2005. Con lo que se conoció como la Enmienda de Doha (acordada en 2012) se ratificó un segundo periodo de vigencia del Protocolo de Kioto desde el 1 de enero de 2013 hasta el 31 de diciembre de 2020. Vencido este segundo período entró en vigencia la aplicación del Acuerdo de París que a su vez será revisado cada cinco años.

8. Poster de Estocolmo+50, reunión internacional conmemorativa acordada por resolución de la Asamblea General de la ONU
9. Resumen gráfico de los 17 objetivos de Desarrollo Sostenible.

De la Conferencia de Estocolmo se cumplen hoy 50 años motivo por el cual los días 2 y 3 de junio pasados se realizó Estocolmo+50, reunión internacional conmemorativa acordada por resolución de la Asamblea General de la ONU.

De la página del evento rescatamos lo siguiente. “Ahora, 50 años después de la reunión de Estocolmo, el mundo se enfrenta a las tres crisis planetarias que amenazan su futuro: el cambio climático, la pérdida de biodiversidad, y la contaminación y los residuos, así como a otros males que están afectando la prosperidad y el bienestar de esta y de futuras generaciones. Un planeta contaminado pone en riesgo la salud de la humanidad, la prosperidad, la igualdad y la paz, como el mundo ha visto con demasiada claridad durante la pandemia de la COVID-19. Un planeta que no esté sano también pone bajo amenaza el cumplimiento de los Objetivos de Desarrollo Sostenible”.

António Guterres, secretario general de la ONU, ha descrito la triple emergencia planetaria como «la principal amenaza contra nuestra existencia», amenaza que amerita «un esfuerzo urgente y total para cambiar el curso de las cosas».

Con Suecia de nuevo como anfitrión, Estocolmo+50 comprendió una serie de sesiones de apertura, cuatro sesiones plenarias, tres diálogos de liderazgo y una serie de sesiones de clausura. Contó con el apoyo de Kenia, y ha tenido un carácter colaborativo y abierto para que todos los participantes compartan experiencias e iniciativas para proteger el planeta y contribuir al desarrollo sostenible e inclusivo, contemplando también una recuperación sostenible de la pandemia de COVID-19.

Ante la importancia de un día como hoy no estaría de más recordar que en torno al tema medioambiental en fechas muy tempranas ya en nuestro país se produjeron una serie de iniciativas de gran importancia, algunas de ellas previas a la conferencia de Estocolmo, clara demostración que el tema ya venía siendo objeto de estudio en el ámbito académico y de atención de parte de las autoridades.

10. Logo del Centro Interamericano de Desarrollo e Investigación Ambiental y Territorial (CIDIAT).

Así, el 4 de febrero de 1965 mediante un acuerdo firmado en Washington entre el Gobierno de Venezuela y la Secretaría General de la Organización de los Estados Americanos (OEA), se establece el Centro Interamericano de Desarrollo e Investigación Ambiental y Territorial (CIDIAT), inicialmente denominado Centro Interamericano de Desarrollo Integral de Aguas y Tierras, adhiriéndose la Universidad de Los Andes, como Institución sede, el 16 del mismo mes. De lo recogido en el portal http://web.ula.ve/cidiat/, sabemos que “Tal como lo establecía el Acuerdo, se inició en 1971, un proceso de transferencia al país sede, quedando el CIDIAT debidamente constituido el 19 de agosto de 1976, como una asociación civil del Estado, afiliada a la Universidad de Los Andes, con responsabilidad jurídica y patrimonio propio, de carácter interamericano, asumiendo el Ejecutivo Nacional sus responsabilidades por intermedio del antiguo Ministerio de Obras Públicas y del Ministerio de Agricultura y Cría, y luego, a partir del 1º de abril de 1977 a través del Ministerio del Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables”. Desde el año 2000 el CIDIAT fue incorporado a la estructura académico-administrativa de la ULA como una dependencia del Vicerrectorado Académico.

11. Logo del Centro de Estudios Integrales del Ambiente (CENAMB).

También es bueno conocer que en 1971, tras su aprobación por el Consejo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, se crea el Departamento de Acondicionamiento Ambiental, según proyecto de los profesores Augusto Tobito, Ramón González Almeida y José Balbino León, siendo la primera vez que una Facultad de Arquitectura de América Latina incorporaba en sus planes de estudios los temas de la ecología y el ambiente. Luego, en 1977, también por iniciativa de Tobito, González Almeida y León, el Consejo Universitario de la Universidad Central de Venezuela crea el Centro de Estudios Integrales del Ambiente (CENAMB), organismo transdisciplinario con autonomía académica, adscrito al Vicerrectorado Académico, que tiene por objetivo “realizar, promover y fomentar la investigación, la docencia y la extensión de la planificación integral del ambiente, sobre una base ecológica, sistémica y energética”. El geógrafo José Balbino León, sería su primer director.

12. Logo del Ministerio del Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables (MARN).
Diseño: Jesús Emilio Franco, 1976

Por otro lado, en el mes de diciembre de 1977 el gobierno nacional presidido por Carlos Andrés Pérez creó el Ministerio del Ambiente y de los Recursos Naturales Renovables (MARNR) con el objetivo de “garantizar una mejor calidad de vida, mediante la gestión ambiental transversal, rectora, ejecutora y normativa, del uso y conservación de los recursos naturales promoviendo la participación de la sociedad para lograr el desarrollo sostenible”, totalmente en sintonía con el movimiento que se había generado tras la Conferencia de Estocolmo de 1972. El impulsor de la creación de este ministerio, primero en su tipo en toda Latinoamérica, fue el ingeniero civil Arnaldo José Gabaldón Berti, quien fue su primer ministro entre los años (1977-1979), desde el momento en que comenzó sus actividades, cuatro meses después. No obstante, su vital importancia para el equilibrado desarrollo nacional el MARNR fue eliminado por decisión presidencial en noviembre de 2014 y fusionado formando el Ministerio del Hábitat, Vivienda y Ecosocialismo. Cinco meses después, advertido el gobierno nacional del grave error cometido, lo relanzan cambiándole su nombre por el de Ministerio del Ecosocialismo y Aguas.

Cabe destacar la actuación dentro del MARNR del arquitecto y profesor Mario Gabaldón López (1943-2016) quien, siguiendo la oleada de movimientos conservacionistas, logró estructurar la base de un sistema de áreas naturales con distintas categorías de manejo, donde 39 parques nacionales y 41 monumentos naturales (16,06% del territorio nacional) jugaron un rol protagónico para consolidar un sistema debidamente apoyado con leyes y reglamentos. Como producto de su trabajo, la Fundación Centro Consolidado publicó el libro Parques Nacionales de Venezuela en 1991.

13. Seis libros venezolanos relacionados con el ambiente y el desarrollo sostenible.

Así mismo, el concepto de desarrollo sostenible, definido en la Cumbre de la Tierra de Río de Janeiro en 1992 como alternativo al de desarrollo habitual, fue asimilado por un sector importante de los investigadores del Instituto de Desarrollo Experimental de la Construcción (IDEC) de la FAU UCV, produciéndose desde entonces un giro en el énfasis fundamental que hasta aquel momento caracterizaba ese centro creado en 1975. A las líneas de Desarrollo Tecnológico, Habitabilidad de las Edificaciones y Economía de la Construcción se sumó como eje transversal y a la vez con vida independiente el de “construcción sostenible” que, aunque comparte el territorio de un ámbito mayor se refiere a uno específico, la construcción del hábitat, enmarcado en uno más preciso: la construcción del medio ambiente construido, y que. Alfredo Cilento como pionero ha venido desarrollando desde los años 90 hasta la actualidad sumándose muy pronto, entre otros, Domingo Acosta. Producto de ello son los libros de Alfredo Cilento Cambio de paradigma del hábitat (1999) y Construcción Sostenible. Piezas para la investigación y la acción (2015) compilado por Alberto Lovera y participación de Domingo Acosta; Sistemas pasivos de enfriamiento de edificaciones en Venezuela de María Elena Hobaica (2012); el Manual de diseño para edificaciones energéticamente eficientes en el trópico de María Eugenia Sosa y Geovanni Siem (2013); y, más recientemente, Diseñar en el Antropoceno. La arquitectura más allá de la sostenibilidad de Domingo Acosta (2020).

Ecología, sostenibilidad, sustentabilidad, perdurabilidad, equilibrio, ahorro energético, racionalidad constructiva, efecto invernadero, contaminación, agotamiento de los recursos naturales, arquitectura bioclimática, arquitectura sostenible, calidad ambiental, preservación de la biodiversidad, protección del medio ambiente, adaptación al medio, respeto a la naturaleza, límites del crecimiento, impacto ambiental y fuentes de energía renovables, entre otras, son palabras clave que un día como hoy en que se celebra el Día Mundial del Ambiente vale la pena refrescar.

Nota
A la fecha, Perú y Costa Rica son los únicos países latinoamericanos en cumplir a cabalidad con los requisitos fijados por el Acuerdo de París en cuanto a reducción de gases de efecto invernadero, tras vencerse el 30 de julio de 2021 el plazo (ampliado a causa de la pandemia) otorgado por la ONU de actualizar los planes climáticos de cara a 2030. De los 192 países más la Unión Europea que firmaron el acuerdo sólo el 58% presentaron sus propuestas actualizadas.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://www.analitica.com/opinion/volver-a-estocolmo/

2. https://es.wikipedia.org/wiki/Olof_Palme y https://www.mises.org.es/2016/10/maurice-strong-globalista-oligarca-petrolero-y-ecologista/

3. https://www.imer.mx/5-junio-dia-mundial-del-medio-ambiente/

4. http://blogs.uned.es/catedra-aquae/noticias/aquae-blog-30-anos-de-nuestro-futuro-comun/

5. https://sgkplanet.com/resumen-y-conclusiones-de-la-cumbre-de-rio-segunda-cumbre-de-la-tierra/ y https://efeverde.com/cop-cumbre-la-tierra/

6. https://m.facebook.com/169151159917/posts/10156944128719918/?locale2=fa_IR&_rdr y https://unfccc.int/es/kyoto_protocol

7. https://www.agenciasinc.es/Noticias/El-Acuerdo-de-Paris-da-una-nueva-esperanza-al-mundo

8. https://www.stockholm50.global/es

9. https://www.un.org/sustainabledevelopment/es/2015/09/la-asamblea-general-adopta-la-agenda-2030-para-el-desarrollo-sostenible/

10. http://web.ula.ve/cidiat/

11. https://www.linkedin.com/in/cenamb-ucv-b9581b59/?originalSubdomain=ve

12. https://desinganacreativo.blogspot.com/

13. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

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… 24 de abril, Día Internacional del Multilateralismo y la Diplomacia para la Paz, y Día Mundial contra la Meningitis, nace en 1870 Joan Rubió, y fallecen en 1658 Francesco María Richini, en 1980 Alejo Carpentier y en 2014 Hans Hollein.

Vuelve el azar a permitirnos, luego de escoger el día de hoy como parte de la pauta del Contacto FAC, repasar y comentar algunas de sus peculiaridades y datos más interesante de acuerdo a nuestra particular mirada.
Para empezar, conviene recordar que la Asamblea General de las Naciones Unidas proclamó el día 12 de diciembre de 2018, mediante resolución, el 24 de abril como el Día Internacional del Multilateralismo y Diplomacia para la Paz. Este día se instituyó con el propósito de promover los tres pilares de la ONU entre los que se destacan el desarrollo sostenible, la paz y seguridad, además de la protección de los derechos humanos.

También hoy se celebra el Día Mundial contra la Meningitis, con el objeto de recordar a la población la importancia de esta enfermedad, además de exigir a las administraciones un esfuerzo en la prevención y tratamiento de las graves secuelas causadas. La meningitis es una enfermedad caracterizada por la inflamación de las membranas (meninges) que rodean el sistema nervioso central y una de las principales causas de muerte por infección en niños y adolescentes.

1. Detalle del Vaso de Mikonos (Museo Arqueológico de Mikonos, Grecia), del siglo VII a. C. Se trata de una de las más antiguas
representaciones del caballo de Troya.

Haciendo un breve repaso por los acontecimientos más llamativos de este día encontramos que en 1184 a. C., en la actual Turquía, según la leyenda, los griegos, tras nueve años de tenerla sitiada, entran en la ciudad de Troya utilizando un artilugio con forma de enorme caballo de madera y que según relatos que narran aquella guerra fue usado por los aqueos como una estrategia para introducirse en la inexpugnable ciudad fortificada. Tomado por los troyanos como un signo de su victoria, el caballo fue llevado dentro de los gigantescos muros, sin saber que en su interior se ocultaban varios soldados enemigos que salieron sigilosamente de noche, mataron a los centinelas y abrieron las puertas de la ciudad para permitir la entrada del ejército aqueo, lo que provocó la caída definitiva de Troya.

2. Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos (Thomas Jefferson Building). John L. Smithmeyer y Paul J. Pelz (1873-1897).

Por otro lado, un 24 de abril de 1800 en Washington D.C. (Estados Unidos) se funda la Biblioteca del Congreso, cuando el presidente John Adams firmó un Acto del Congreso que aprovisionó para el traslado de la capital desde Filadelfia a la nueva ciudad de Washington. De acuerdo a lo obtenido de Wikipedia, “En esas leyes se estableció un fondo de 5000 $ para la compra de libros necesarios para las funciones del Congreso. La colección, comprada en Londres, consistió en 740 libros y 3 mapas, y se depositó en un ala del nuevo edificio del Capitolio. La colección cubrió una variedad de temas, pero la mayor parte de los materiales eran de naturaleza legal, lo que refleja el papel del Congreso como un fabricante de leyes”. Considerada hoy en día como una de las bibliotecas más grandes del mundo con más de 158 millones de documentos, la edificación que la terminó albergando, el Thomas Jefferson Building, originada en parte debido al crecimiento del Congreso, pero también en parte debido a la Ley de Derechos de Autor de 1870, es construida entre 1890 y 1897 abriendo al público el 1 de noviembre de este año, luego de que John L. Smithmeyer y Paul J. Pelz ganaran el concurso de proyectos convocado en 1873. Siguiendo a Wikipedia encontramos que “si bien Smithmeyer jugó un papel decisivo en la obtención del encargo, Pelz parece haber sido el diseñador principal del edificio y supervisó la mayor parte del trabajo exterior”. Corresponderá a Edward Pearce Casey llevar a cabo la finalización de los interiores y la supervisión artística del programa decorativo único del edificio, cuando en 1892 fuera despedido Pelz como arquitecto principal de la obra.

3. Woolworth Building, Nueva York. Cass Gilbert (1913)

Continuando la aproximación a temas que nos interesan, un día como hoy de 1913, en Nueva York se abre al público el Woolworth Building diseñado por el arquitecto Cass Gilbert, uno de los primeros rascacielos de Estados Unidos y el edificio más alto del mundo hasta 1930, cuando se construyeron el 40 Wall Street y el edificio Chrysler. Fue ejecutado por el financiero estadounidense Frank Woolworth que deseaba un edificio destacable para su sociedad. Originalmente planeado para tener una altura de 190,5 metros, de conformidad con las leyes del momento, finalmente se elevó a los 241 metros (57 pisos), superando al Metropolitan Life Insurance como el edificio más alto del mundo. Su coste de construcción fue de 13.500.000 dólares.

“El edificio se asemeja a una catedral gótica por sus adornos de pináculos y gárgolas. (…) En la antecámara en forma de cruz latina se extiende la galería comercial. El vestíbulo tiene una altura de tres plantas, techo con cristaleras y bóveda cubierta de mosaicos dorados de inspiración bizantina, una gran escalera de mármol y esculturas que caricaturizan a Woolworth contando monedas y Gilbert con una maqueta de su edificio”, se precisará en Wikipedia.

4. Joan Rubió i Bellver. Casa Roviralta (1903-1913).
5. Casa Golferichs (1890-1901) y Puente de estilo gótico flamígero de la calle del Bisbe (1928)

El 24 de abril de 1870 nace Joan Rubió i Bellver, arquitecto catalán fallecido en 1952, “… discípulo de Antoni Gaudí, con el que trabajó entre 1893 y 1905, colaborando en obras como el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, la casa Batlló, la casa Calvet, la torre Bellesguard, el parque Güell, la restauración de la Catedral de Mallorca y la Colonia Güell”. De tendencia catalanista, Rubió fue uno de los principales impulsores de la vinculación de la obra de Gaudí -especialmente la Sagrada Familia- con la identidad catalana y las esencias tradicionales de la sociedad catalana.

“Tras su colaboración con Gaudí desarrolló su propia producción, practicando un eclecticismo goticista, con uso intensivo del aparejo de ladrillo y minuciosidad en el diseño. Al ser nombrado arquitecto de la Diputación de Barcelona (1906) pasó a un clasicismo barroquizante, aunque siempre con pervivencia gaudiniana”, nos aportará Wikipedia complementando lo arriba citado.

De su extensa producción conviene destacar de lo realizado en Barcelona: la casa Golferichs (1890-1901), la casa Roviralta (1903-1913), la casa Pomar (1904-1906), el Pabellón de lavadero y desinfección El Castell (1903-1904), la fábrica algodonera Canals (1906-1907), el edificio de Fomento de la Piedad y Biblioteca Balmes (1916-1934) y el puente de estilo gótico flamígero de la calle del Bisbe, que une el palacio de la Generalitat de Cataluña con la casa de los Canónigos (1928). Fuera de la capital catalana, Rubió realizó los laboratorios Serra en Reus (1911-1912), el Hospital de Campdevánol (1917), el asilo del Santo Cristo en Igualada (1931-1946) y la iglesia del Carmen en Manresa (1940-1952). Fuera de Cataluña fue autor de la farmacia Puig en Azoque (Zaragoza, 1908), la basílica del Sagrado Corazón en Gijón (1910-1925) y la restauración de la casa de san Ignacio de Loyola en Azpeitia (Guipúzcoa, 1920-1921)

6. Francesco María Richini. Iglesia de San Giuseppe (1607-1630) y Colegio de los jesuitas, actual Pinacoteca di Brera (1615)

Entre los fallecimientos acaecidos el 24 de abril se registran el de Francesco María Richini (1658), Alejo Carpentier (1980) y Hans Hollein (2014).

Richini, de lo que recogemos de Wikipedia, “Fue el más notable exponente de una dinastía de arquitectos milaneses, en la que también destacó su padre Bernardo Richini (ca. 1549-1639).

Richini completó su educación artística en Roma, de donde llevó a su ciudad natal el gusto por la cultura barroca romana, fastuosa, exuberante y escenográfica. Fue un arquitecto serio, que adoleció siempre de una falta de sello personal”. Algunas de sus obras más reconocidas (todas realizadas en Milán) son: el Colegio de los jesuitas, actual Pinacoteca di Brera (1615), la Iglesia de Santa Maria alla Porta (1652), la Iglesia de Santa Marta (1621), la Iglesia de San Giuseppe (1607-1630), el Palacio Annoni (1631), y el Palacio Durini (1644).

7. Alejo Carpentier escribiendo y primera página del diario El Nacional del 20 de octubre de 1945.

Alejo Carpentier amerita una particular atención de nuestra parte debido a la estrecha relación que tuvo con nuestro país donde residió entre 1945 y 1959.

Escritor y musicólogo nacido en Lausana, Suiza en 1904 de la unión del arquitecto francés Georges Julien Álvarez Carpentier y de Catherine «Lina» Valmont or Blagoobrasoff, profesora de idiomas de origen ruso, quienes se trasladan a Cuba al poco tiempo después de su nacimiento, Carpentier aterriza en Maiquetía junto a su esposa Lilia poco antes del derrocamiento de Isaías Medina Angarita. Lo hace con la clara intención de establecer una pausa que le permitiera sedimentar y profundizar las indagaciones que ya había adelantado al regreso de su exilio europeo (1928-1939) y con la intuición de que llegaba al país que se lo podría permitir.

El reencuentro con Cuba y su música así como el fascinante contacto con Haití y la historia de su proceso independentista, vistos desde los postulados del surrealismo (movimiento del que formó parte durante su estadía en Francia), le permiten entre 1939 y 1944 desarrollar una teoría interpretativa de lo americano que se enriquece y ensancha gracias a la conexión con un país como Venezuela que cuenta con todos los elementos que componen el Nuevo Mundo: enormes montañas, llanos, ríos caudalosos, selva, mar, y una población mestiza compuesta de blancos, negros e indios. También Venezuela representa para Carpentier la oportunidad de ver la otra cara de la moneda: trabaja como publicista en la empresa ARS, fundada por su amigo parisino Carlos Eduardo Frías, con fuertes lazos con los Estados Unidos, y vive en Caracas parte de la existencia que había rechazado en Nueva York. Como bien apunta Roberto González Echeverría en la «Introducción» de la edición de Los pasos perdidos elaborada por Cátedra, S.A. en 1985: “Caracas … está sufriendo una transformación profunda que pone a Carpentier en contacto con una sociedad posindustrial, y en contacto directo con los medios de comunicación masiva que la caracterizan … Carpentier, en dos palabras, experimenta la América Latina del futuro y del pasado más remoto”. Todo esto, habría que agregar, en medio de circunstancias políticas convulsas y de una bonanza económica vinculada a la abundante producción petrolera.

8. Dos novelas fundamentales de Alejo Carpentier escritas en Venezuela. El reino de este mundo (1949) y Los pasos perdidos (1953).

Así, la consolidación del pensamiento carpenteriano sobre lo americano, aunque no puede verse exento de toda una serie de circunstancias que envuelven su vida, su formación y su trayectoria intelectual, es posible referirlo a dos aspectos fundamentales producto de la totalidad de la obra que escribe en Venezuela. El primero es la gestación y posterior desarrollo de una verdadera teoría estética centrada en lo que se podría llamar una visión optimista de América desde el surrealismo. El segundo es la transformación que sufre la actitud de Carpentier, luego del primer impacto producido por su redescubrimiento de América por la vía surrealista, al contactar a nivel físico y vivencial, antropológico y etnográfico con la selva venezolana y los estadios culturales que allí se le presentan, en la que juega un papel fundamental la influencia que sobre él ejerce el existencialismo sartriano. Carpentier manifiesta su conexión con las tendencias filosóficas del momento que se evidencia en toda una serie de cuestionamientos y reflexiones en torno al tema de la autenticidad o buena fe del hombre moderno; el papel que juega la cultura en la civilización occidental particularmente cuando se aborda desde ella el conocimiento de pueblos distantes y diferentes a los patrones que la caracterizan; los efectos de la modernidad, su relación con el drama urbano y su influencia sobre el sujeto que lo vive; y ante todo el angustioso problema de la creación artística. El primer aspecto conviene revisarlo a la luz del ensayo “Lo real maravilloso de América” (1948) complementado con aclaraciones que en ensayos posteriores ha podido incorporar Carpentier con relación al tema del mismo. Para el segundo aspecto no creemos que exista mejor documento que la lectura analítica de Los pasos perdidos (1953), la que consideramos su novela más importante.

Podríamos decir que Carpentier a su paso por Venezuela reelabora su tesis sobre “lo real maravilloso”, marcando diferencias con lo que se denomina como “realismo mágico”, reforzando su proximidad expresiva con lo barroco, rasgo fundamental asociado a América. Manteniendo una postura cercana a los planteamientos teóricos de Eugenio d’Ors y de Fernando Chueca Goitia quienes, ya sea mediante la presencia de constantes humanas en el caso del primero o de elementos invariantes en el del segundo, coinciden en abrir posibilidades de reconstruir de una manera peculiar la historia de la cultura o, en todo caso, encontrar explicaciones a aquellos casos de civilizaciones o estilos que no responden con precisión a los patrones de análisis y clasificación canónicamente establecidos, Carpentier llega a afirmar que “… el espíritu barroco puede renacer en cualquier momento y renace en muchas de las creaciones de los arquitectos más modernos de hoy. Porque es un espíritu y no un estilo histórico”.

A mediados de 1959 tras el triunfo de la revolución cubana, Carpentier regresa a su país y ocupa altos cargos en el sector cultural hasta que es nombrado embajador en Francia (1966), cargo que desempeña hasta su muerte en París (1980).

En 1978 le es concedido el Premio Cervantes, máximo galardón de las letras hispanas, en reconocimiento a su significativo aporte a la literatura latinoamericana.

9. Hans Hollein. Tienda de velas Retti (1966).
10. Galería Richard Feigen en Nueva York (1970) y Museo de Arte de Frankfurt (1991).

En 2014, un 24 de abril, fallece a la edad de 80 años el arquitecto austríaco Hans Hollein quien en 1985 recibió el Premio Pritzker cuando era uno de los representantes más cualificados del posmodernismo. Vuelve Wikipedia a auxiliarnos cuando apunta que Hollein “fue alumno de Clemens Holzmeister en la Academia de Bellas Artes de Viena. Posteriormente, amplió sus estudios en el IIT de Chicago y en la Universidad de Berkeley. Entre 1963 y 1966, fue profesor en Estados Unidos. Posteriormente, entre 1967 y 1976, enseñó en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. Desde 1976, fue profesor de la Universidad de Artes Aplicadas de Viena y desde 2002 ocupaba el cargo de profesor emérito”.

Anatxu Zalbalbeascoa a raíz de su muerte redactó para El País el 28 de abril de 2014 una especie de obituario en el que remarcaba la condición de Hollein de arquitecto ecléctico y atrevido, atributos que según ella fueron fundamentales en la obtención del Premio Pritzker. También remarca que en el IIT “tuvo como profesor a Mies van der Rohe, al que no se puede negar que no imitó” y que desde Berkeley “recorrió Estados Unidos en un viejo Chevrolet rastreando todas las Vienas que hay en ese país”.

Sin embargo, “Fue al regresar cuando firmó en su ciudad la pequeña tienda de velas Retti que daría la vuelta al mundo. El cuidado puesto en el contenedor iba de la mano de un meticuloso trabajo de interiorismo. Corría el año 1966 y su fama no tardaría en extenderse por Graben, la gran calle monumental y comercial vienesa donde todavía hoy pueden visitarse, como si fueran las perlas de un collar, las joyerías Schullin -una con forma de cristal de roca, de 1974, y otra posterior, de 1982- o la tienda de tabacos que firmó en 1992. En realidad, se podría decir que esa calle peatonal del centro de Viena resume al arquitecto porque más allá de esos menudos y extraordinarios proyectos, en uno de los extremos del paseo, frente a la Catedral de San Esteban, el Centro Comercial Haas Haus está ideado con idéntico cuidado y osadía”.

Hollein, quien dominaba como pocos la pequeña escala “con la calidad de los antiguos mueblistas y con el cuidado de los joyeros” diseñó “teteras, gafas, butacas, mesas, inolvidables joyas y hasta el piano que ideó para Bosendorfer Flügel en 1990”. Como docente siempre enseñó a sus alumnos la importancia de correr riesgos los cuales fue evidenciando a través de su obra “mezclando estilos y materiales como el mármol y el plástico”.

Participó en gran cantidad de concursos y dejó para la posteridad su marca a través de obras como: la Galería Richard Feigen en Nueva York (1970), la remodelación del Museo del Cristal y la Cerámica de Teherán (1978), el Museo de Arte de Frankfurt (1991) y el centro Vulcania en Auvergne (2002), entre otras.

Zabalbeascoa concluirá (y nosotros con ella este largo repaso al día 24 de abril), señalando lo siguiente: “Hollein sabía que la calidad y la sorpresa exigen idéntico esfuerzo y se empeñó en conseguir ambas. Por eso su obra ecléctica retrata más experimentación que ideas fijas. Irónico y osado, Hollein fue una figura importante en su ciudad. Todavía lo es gracias a las joyas que salpican la calle Graben casi medio siglo después de inaugurarse. Esos proyectos atestiguan, queda dicho, que fue mejor en la pequeña escala … que en la grande. (…) Es complicado salvar un gran edificio con detalles exquisitos. Es necesario buscar atributos específicos según el tamaño de cada proyecto”.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://www.peaceandcooperation.org/dia-internacional-del-multilateralismo-y-la-diplomacia-para-la-paz/ y https://www.gob.mx/insabi/articulos/24-de-abril-dia-mundial-de-la-meningitis

  1. https://es.wikipedia.org/wiki/Caballo_de_Troya

2. https://www.istockphoto.com/es/vector/ilustraci%C3%B3n-antigua-biblioteca-del-congreso-washington-d-c-gm1257089681-368288688

3. https://www.archdaily.com/477187/ad-classics-woolworth-building-cass-gilbert

4 y 5. https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Rubi%C3%B3

6. https://es-academic.com/dic.nsf/eswiki/496322

7. https://www.granma.cu/cultura/2015-04-23/como-recordar-a-alejo-carpentier y elnacional.com

8. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

9. https://es.wikipedia.org/wiki/Hans_Hollein y https://artchist.blogspot.com/2015/05/retti-candle-shop-en-viena-hans-hollein.html

10. http://www.hollein.com/eng/Architecture/Typology/shops-and-interiors/Feigen-Gallery-New-York y https://www.guiadealemania.com/museo-de-arte-moderno/

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TAL DÍA COMO HOY…

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… 6 de marzo, en 1475 nace Michelangelo Buonarroti y en 1683 fallece Guarino Guarini.

1. Michelangelo Buonarroti (izquierda) y Guarino Guarini (derecha)

El 6 de marzo, escogido al azar para formar parte hoy de nuestra pauta, es un día lleno de curiosidades y datos interesantes. Para empezar cabe destacar que se celebra desde 2008 el Día Mundial del Linfedema (enfermedad crónica, generada como consecuencia del tratamiento quirúrgico del cáncer de mama, caracterizada por la acumulación anormal de líquido y macromoléculas en los tejidos blandos, debido a una alteración de la capacidad de transporte del sistema linfático en el organismo); el Día Internacional del Escultor (para conmemorar el natalicio de Miguel Ángel Buonarroti en 1475), y el más curioso de todos: en 1930, propuesto por iniciativa de la Internacional Comunista, se celebró el Día Internacional del Desempleado sin que sepamos si aún hoy dicha conmemoración se mantiene.

2. Programa del 6 de marzo de 1853 día en que se estrenó en el teatro La Felice de Venecia la obra cumbre de Giuseppe Verdi: ‘La Traviata’. Hay que recordar que aquella primera representación de la ópera de Verdi fue un fracaso.
3. Carátula del LP Let It Be de Los Beatles donde aparece el sencillo del mismo nombre publicado el 6 de marzo de 1970 en Inglaterra.
4. Félix Hoffmann, químico alemán que trabajaba para la empresa Bayer, descubre en 1893 la fórmula de la aspirina, patentada el 6 de marzo de 1899.
5. Foto del último avistamiento del cometa Halley el 6 de marzo de 1986

Si nos detenemos un instante en el mundo de la música, nos encontramos con eventos tan lejanos y dispares como que un 6 de marzo de 1853 se estrena en Venecia la ópera La Traviata de Giuseppe Verdi y en 1970, en el Reino Unido, Los Beatles publican su penúltimo sencillo: Let It Be.

En medio de ambas fechas melódicas, en 1899 la empresa farmacéutica alemana Bayer inscribe la aspirina (ácido acetilsalicílico) como marca registrada convirtiéndose desde entonces en el analgésico, antipirético y antiinflamatorio de mayor popularidad y alcance a nivel mundial. Posteriormente, en 1986, se produjo el último avistamiento del cometa Halley en las cercanías de la órbita de la tierra calculándose que la siguiente visita sea en el año 2061.

Mucho más próximos a los temas que nos incumben, como señala el encabezado, coinciden tal día como hoy el ya mencionado nacimiento de Miguel Ángel (escultor, pintor y arquitecto) en Caprese, Roma y el fallecimiento en Milán de Guarino Guarini (arquitecto, filósofo y matemático) en 1683 a los 59 años.

6. Augusto Font Carreras. Torre Font, 1913.

Y, por si fuera poco, también un 6 de marzo de 1924 fallece en Barcelona a la edad de 77 años el arquitecto catalán Augusto Font Carreras quien, tal y como se expone en una parte del artículo dedicado a él en Wikipedia fue “alumno aventajado de Elías Rogent se licenció en 1869. Comenzó su actividad profesional más destacable en El Pilar de Zaragoza, donde dirigió las obras de restauración y reforzamiento de la cúpula central. Intervino también en la redacción, junto a Rogent, del proyecto de restauración de la catedral de Tarragona, y participó en la de Gerona”. Realizó, entre otras, las siguientes obras: Restauración de la Catedral, Barcelona, 1887-1913; el derribado palacio de Bellas Artes para la Exposición Universal de 1888, Barcelona; Sucursal Ronda Sant Pere Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Barcelona, 1891; Plaza de toros Las Arenas, Barcelona, 1899-1900; Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Barcelona, 1900-1903; y Sucursal Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Gràcia-Barcelona, 1906.

Sin ser especialistas en la materia, lo más atractivo de la fecha se encuentra en la posibilidad de repasar, aunque sea someramente y con mucho apoyo bibliográfico, a través de las figuras de Buonarroti y Guarini buena parte de lo que fue la etapa final del Renacimiento italiano, la llegada del Manierismo y la entrada del Barroco que ocurren entre el nacimiento del primero y la muerte del segundo. En otras palabras: el acontecer entre finales del siglo XV, todo el XVI y bien entrado el XVII que de forma magistral desarrolla Giulio Carlo Argan en El concepto del espacio arquitectónico desde el barroco hasta nuestros días (1973).

7. Cúpula de la catedral de San Pedro, Roma, proyectada por Miguel Ángel. Se comienzó a construir en 1547 y se finalizó en 1591. A partir de la muerte en 1564 de su autor será concluida por su discípulo Giacomo Della Porta.

En tal sentido, corresponderá a quien es considerado uno de los más grandes escultores de la historia, recoger el testigo dejado por Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti como figuras descollantes del Renacimiento temprano, basado en el clasicismo de inspiración vitruviana, la visión de la naturaleza como creación suprema y del hombre como medida y referencia del universo, desarrollado en lo que se conoce como el Quattrocento (siglo XV). Así, le tocará a Miguel Ángel participar en la primera parte del siglo XVI como parte del alto Renacimiento que tiene como epicentro el desarrollo de las obras de San Pedro en Roma, incorporándose para concluir con broche de oro la obra iniciada por Donato Bramante y que irá sumando sucesivamente a Rafael Sanzio y Antonio da Sangallo el Joven con la colaboración de Baldassarre Peruzzi.

También la figura de Miguel Ángel dejará sembrada la semilla para el surgimiento del Renacimiento tardío conocido como “Manierismo”: para algunos “imitación de la manera de los grandes maestros”, para otros “‘personalidad artística’, es decir ‘estilo’ en el más amplio sentido de la palabra” y para casi todos la exacerbación del elemento individual en el arte. En esta fase, siguiendo la maniera de Miguel Ángel, las individualidades de los arquitectos comienzan a imponerse al proyecto teórico clásico donde destacan maestros como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della Porta o Andrea Palladio.

8. Miguel Ángel Buonarroti. Frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512)
9. Miguel Ángel Buonarroti. Izquierda: la Piedad (1498-1499) Derecha: el Moisés (encargada en 1505 y realizada entre 1513 y 1515) ubicado en la tumba de Julio II

Cabe recordar que cuando en 1516 Buonarroti recibió su primer encargo arquitectónico (un proyecto para la fachada de la iglesia florentina de San Lorenzo, templo familiar de los Médicis, solicitado por el papa León X, hijo de Lorenzo el Magnífico), ya había realizado buena parte de su obra escultórica y pictórica. Para entonces tenía en su haber, entre otras, piezas como Ángel de la basílica de Santo Domingo de Bolonia (1495), el Baco con un sátiro (1496-98), la Piedad (1498-1499), el David (1501-1504), la Madonna de Brujas (1504), el Moisés (encargada en 1505 y realizada entre 1513 y 1515) para la accidentada ejecución de la tumba de Julio II que demoró en total 40 años, y el Esclavo moribundo junto al Esclavo rebelde (ambos de 1513). También había pintado el Santo Entierro (1500-1501), Tondo Doni o la Sagrada Familia (1504-1505) y su magna obra: la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512).

10. Miguel Ángel Buonarroti. Izquierda: Vestíbulo de la sala de lectura y escalera de la Biblioteca Laurenciana, Florencia (1524-1534). Derecha: Reordenación de la plaza del Campidoglio, Roma (1546), sobre la antigua colina del Capitolio.

A la fachada de la iglesia de San Lorenzo, seguirá su segunda obra arquitectónica: la Sacristía Nueva en el mismo templo iniciada en 1520 y terminada en 1524, paralela a la que Brunelleschi había edificado un siglo antes al otro lado del transepto. La Biblioteca Laurenciana (también en Florencia) comenzada en 1524, interrumpida en 1527, retomada en 1530 y vuelta a abandonar cuando en 1534 Miguel Ángel se marcha definitivamente a Roma, será una de sus creaciones más conocidas, en especial el vestíbulo y la magnífica escalera allí ubicada que da paso a la sala de lectura.

Tal y como se recoge en https://www.biografiasyvidas.com/monografia/miguel_angel/arquitectura.htm, “Pablo III, que ocupó el solio pontificio el mismo año en que Miguel Ángel se instalaba en Roma, le confiaría los más importantes proyectos de su mandato. El primero fue la reordenación de la plaza del Campidoglio (1546), sobre la antigua colina del Capitolio, donde modificó las fachadas de los palacios Senatorio y Dei Conservatori, y además duplicó el segundo con objeto de formar una plaza de forma trapezoidal. El conjunto no fue concluido hasta finales del siglo XVII, pero los planos originales fueron respetados escrupulosamente”. Tras la plaza del Campidoglio, “proyecto verdaderamente revolucionario desde un punto de vista urbanístico, Miguel Ángel sucedió a Antonio da Sangallo el Joven en el palacio Farnesio (1546-1549) y en la dirección de la magna obra de San Pedro a partir de 1546”. Más delante realizaría también en Roma el proyecto para San Giovanni dei Fiorentini (1559), la Capilla Sforza en Santa Maria Maggiore o la reordenación de Santa Maria degli Angeli (1563), lo que denota que estuvo en plena actividad prácticamente hasta sus últimos días.

11. Catedral de San Pedro, Roma. Izquierda: Proyecto de Bramante. Derecha: Proyecto de Miguel Ángel
12. Catedral de San Pedro, Roma. Planta definitiva

Sin entrar en detalles y como se sabe, la crucial participación de Miguel Ángel en San Pedro consistió en presentar un proyecto completamente distinto al originalmente planteado por Bramante destinado a resolver los problemas que habían desalentado a los más destacados constructores de la época y donde todos los elementos estaban sometidos a un criterio de unidad: “Propuso una vuelta al esquema de cruz griega, simplificando las rotondas de los ángulos y eliminando tanto los deambulatorios de los extremos de la cruz como los campanarios. Por otro lado, simplificó y reforzó la estructura, aumentando el grosor de los pilares principales y fusionando los laterales con el muro exterior. De este modo conseguía dar la rotundez necesaria a la base que había de soportar el peso de la gigantesca cúpula, que se mostraba por vez primera lo bastante cohesionada”.

Cuando muere Miguel Ángel en 1564 a los 89 años, las obras del nuevo San Pedro estaban en marcha. “Vignola introdujo unas cúpulas menores, y la principal fue erigida entre 1586 y 1591 por Giacomo della Porta, quien le imprimió un perfil apuntado no previsto por el maestro. Carlo Maderno, a comienzos del siglo XVII, prolongó la nave hasta la actual fachada, y Bernini completó el conjunto con la columnata. Más de ciento veinte años y una docena de arquitectos fueron necesarios para llevar a término el proyecto, pero Miguel Ángel había conseguido que en el centro del crucero, bajo la enorme cúpula, continuase latiendo el espíritu de la obra emprendida por Bramante y Julio II”.

Resumiendo, se podría decir que Miguel Ángel primero fue escultor, luego pintor y finalmente arquitecto lo cual no hace sino corroborar su condición de genio integral y personificación, junto a Leonardo Da Vinci, del hombre del Renacimiento.

13. Guarino Guarini. Palazzo Carignano, Turín (1679)

Camillo Guarino Guarini (1624-1683) siguió la estela dejada por las dos grandes figuras del barroco italiano: Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) y Francesco Borromini (1599-1667) y, dada su condición de matemático, desarrolló obras de gran complejidad e imaginación analizadas a profundidad por Argan en el libro ya citado entre las páginas 122 y 130. En su biografía se registra que Guarini “entró en la Orden Teatina en 1639 y ese mismo año se trasladó para hacer el noviciado a Roma, donde estudió hasta 1647, teología, filosofía, matemáticas y arquitectura. En Roma conoció la arquitectura de Francesco Borromini, entonces todavía vivo, que más tarde influyó profundamente en su obra y, en particular en los primeros proyectos”.

Tras sus estudios en Roma, Guarini trabajó en Módena, Parma, Guastalla, Messina, París y Lisboa, pero es en Turín, su lugar de residencia desde 1666, donde desarrolló de forma más completa y extensa su obra arquitectónica.

“Su relación con la arquitectura se estableció a través de las matemáticas, dada su cualidad de gran geómetra. Su gusto por las intersecciones de espacios circulares y elípticos tuvo influencia en el Barroco del sur de Alemania y Austria, en arquitectos como Johann Dietzenhofer y Johann Balthazar Neumann (…) Utilizó de modo personal determinados elementos estructurales y decorativos, como pilastras salomónicas, óculos trilobulados y cartelas asimétricas”.

En Turín Guarini reconstruyó la capilla della Santa Sindone (capilla del Santo Sudario, 1667-1694), la iglesia de San Lorenzo (1668-1687) -su obra maestra-, la primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en una Villa di delizie (1676-1681), la Immacolata Concezione (1673 – 1677) y el Palazzo Carignano (1679) donde refleja su admiración por Borromini, con su salón ovalado y su fachada ondulada al estilo de San Carlino alle Quattro Fontane.

14. Guarino Guarini. La Iglesia de San Lorenzo (1668-1687) dentro del paisaje urbano de Turín.
15. Guarino Guarini. Izquierda: Primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en Castillo (1676-1681). Derecha: Interior y cúpula de la Iglesia de San Lorenzo (1668-1687)

En la iglesia de San Lorenzo Guarini “parte de una base cuadrada que se transforma en octogonal gracias a los pilares y las columnas que sostienen las arcadas curvas. La cúpula que cubre el espacio central es de ascendencia califal cordobesa, formada por ocho nervios entrecruzados que arrancan desde la misma galería de las ventanas del tambor”.

Argan refiriéndose a la obra de Guarini expresará: “»La idea de Bernini (la imaginación que se realiza) se convierte en Guarini en la idea de la hipótesis que ocurre, y ocurre en el hacer humano, en una técnica: pero una técnica que, siendo más bien investigación que implementación, es muy similar a la técnica de Borromini. Guarini, finalmente, es quien logra dialogar las posiciones opuestas de Bernini y Borromini; y unirse, en un momento en que la cuestión de la técnica se está colocando como fundamental para la cultura europea, dos concepciones éticas y religiosas antitéticas de la tecnología”.

Guarini dejó numerosos escritos. “En 1674 publicó en Turín un tratado sobre el Modo di misurare le fabbriche, que demuestra su interés por los restos del arte clásico. Además, Guarini también ha escrito varios libros sobre matemáticas tanto en latín como en italiano, entre ellos uno, Euclides adauctus, sobre geometría descriptiva, que fue uno de los primeros en Italia sobre este tema”. De entre su obra escrita destaca Architettura civile, Turín (1737) publicada después de su muerte por su discípulo Bernardo Vittone. En Wikipedia se comenta: “A nivel teórico se observa a menudo que el tratado de Guarini es una de las primeras manifestaciones de interés por el gótico después de un largo período de abandono”.

Para cerrar, sólo recordar que hoy 6 de marzo también se cumplen 95 años del nacimiento en Aracataca del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Premio Nobel de literatura en 1882, fallecido en Ciudad de México en 2014.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://twitter.com/tribunavigila/status/1103325944956243968?lang=no

  1. https://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel y https://es.wikipedia.org/wiki/Guarino_Guarini

2. https://cadenaser.com/programa/2017/03/06/la_ventana/1488820713_266822.html

3. https://www.amazon.co.uk/Let-Be-VINYL-Beatles/dp/B097CKL5BT

4. https://buendianoticia.com/nota/18908/felix-hoffmann-creo-el-analgesico-mas-popular-la-aspirina-pero-tambien-sintetizo-una-peligrosa-droga-la-heroina

5. https://www.nostalgia80.com/el-paso-del-cometa-halley-1986/

6. https://www.arquitecturacatalana.cat/es/obras/placa-de-toros-de-les-arenes y https://www.epdlp.com/edificio.php?id=8647

7. https://www.pinterest.com/pin/6755468179062563/

8. https://blogarteehistoria.blogspot.com/2017/04/?view=classic

9. https://classicmusica.blogspot.com/2012/03/pergolesi-stabat-mater.html y https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mejores-esculturas-miguel-angel-buonarroti_11182

10. https://www.pinterest.com/pin/527343437602445592/ y http://urban-networks.blogspot.com/2015/01/escenografias-trascendentales-el-caso.html

11 y 12. https://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Pedro

13. https://www.123rf.com/photo_150130232_turin-italy-27-june-2019-facade-of-the-carignano-palace-in-turin-italy.html

14. https://www.istockphoto.com/es/foto/la-iglesia-de-san-lorenzo-tur%C3%ADn-italia-gm844216754-138104507

15. https://kripkit.com/guarino-guarini/ y https://www.istockphoto.com/es/foto/decoraci%C3%B3n-interior-barroco-de-la-iglesia-de-san-lorenzo-dise%C3%B1ada-y-construida-por-gm964566938-263323138

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… 24 de octubre, varios eventos pueden ser reseñados relacionados con asuntos que nos interesan.

1. Creación de la Organización de las Naciones Unidas (ONU). 24 de octubre de 1945.

En un mes que debería ser conocido como el de la institucionalización de los estudios de arquitectura en el país, ya que un día 13 de octubre de 1941 (hace 80 años) se creó la primera escuela y un 20 de octubre de 1953 (hace 68) la primera facultad, ambas en la Universidad Central de Venezuela, de un día como hoy, cuando en 1945 se constituyó en Nueva York la Organización de las Naciones Unidas (ONU) y en 1953 se fundó la Universidad Católica Andrés Bello, el primer hecho que llama nuestra atención es la consagración en 1260, con la presencia del rey Luis IX el Santo, de la Catedral de Chartres.

2. Catedral de Chartres. Planta y fachada principal

Apoyados en Wikipedia,  podemos compartir que en torno al santuario de Chartres se construyó un mito que vinculaba su origen a los druidas carnutes (pueblo del que deriva el nombre de la ciudad) quienes ocuparon una antigua gruta cien años antes de la era cristiana. “Este mito sobre los druidas comienza a constituirse en una corriente más amplia que hace abandonar la anterior leyenda del origen troyano de los pueblos francos, para volver a una tradición gala”.

Según otras tradiciones tardías y legendarias “la construcción de la primera iglesia habría tenido lugar hacia el año 350. Llamada ‘catedral de Aventin’, por el nombre del primer obispo de la ciudad, Aventin de Chartres …, habría sido probablemente construida a principios del siglo VI. La catedral original aún no estaría vinculada a un culto mariano, sino al de unos mártires locales…”.

Sin embargo, “la primera iglesia … desapareció en un incendio hacia 740 o 750 durante el saqueo de los visigodos de Hunaldo, duque de Aquitania”. Un segundo templo es destruido por los piratas normandos al mando de Hastings el 12 de junio de 858, que el obispo Gisleberto reconstruyó y amplió y de la que queda una capilla que forma parte de la actual cripta. “En esta época es cuando la catedral recibe la reliquia de la túnica de la virgen, que aumentó la importancia del lugar”.

En 962, la iglesia de Gisleberto vuelve a ser destruida durante una guerra que enfrentó a Ricardo I, duque de Normandía con Teobaldo I de Blois, conde de Chartres. Reconstruida parcialmente en 1020 otro incendio la destruye “tras lo cual el obispo Fulberto de Chartres (la figura más importante en la historia de la diócesis) inicia la construcción de la cripta de una nueva catedral románica”. Realizada rápidamente “debido a una explosión de fervor religioso” fue consagrada por Geoffroy de Lèves en 1031 (dos años después de la muerte de Fulberto) y en 1037 se concluyen las obras.

En 1194 junto a un gran incendio que devastó gran parte de la ciudad de Chartres, la antigua catedral románica, “que contaba con una enorme cripta que albergaba la famosa reliquia”, quedó destruida permaneciendo en pie únicamente “las torres occidentales y la fachada entre estas y la cripta”. También en un hecho calificado de milagroso apareció intacta la prenda de la Virgen asunto que influyó en su rápida reconstrucción “generosamente financiada tanto por los Capetos, dinastía tradicionalmente vinculada a Chartres, como por el cabildo y los gremios locales. (…) Hacia 1220 el cuerpo principal estaba concluido, en un plazo de sólo unos 26 años, tiempo notablemente corto para una obra de estas características. Se empleó piedra local de unas canteras situadas a unos 8 km.”.

3. Catedral de Chartres. Vista general
4. Catedral de Chartres. Izquierda: Puerta central norte. Derecha: dos tomas del espacio interior

La catedral, consagrada un 24 de octubre de 1260, conservó del edificio anterior la cripta y la fachada oeste con el Pórtico Real.

Desde entonces otra larga serie de acontecimientos giraron en torno a la vida de la catedral que funcionó como escuela durante la edad media y, a diferencia de otros edificios, no sufrió daños durante la Revolución Francesa y ha sido objeto de restauraciones sucesivas que respetaron su diseño original. Se señala como hechos importantes, en primer lugar el incendio que sufrió en 1836 que “destruyó las cerchas de la techumbre de castaño danés. El arquitecto Edouard Baron la sustituyó por una estructura de hierro fundido cubierta por láminas de cobre, imitando la técnica usada en la catedral de Maguncia”; y en segundo lugar el desmontaje de sus vitrales durante la Segunda Guerra Mundial para “evitar daños por parte de los bombardeos alemanes” quienes, sin embargo, la usaron como club social.

Chartres, es de planta cruciforme organizada en tres naves con el cuerpo principal mucho más alto que los laterales lo cual ofrece una disposición sumamente original para la época. La cabecera, situada al este, tiene un deambulatorio radial con cinco capillas semicirculares. La bóveda central tiene 36 m de altura, la más alta hasta la fecha cuando fue construida, lo que dio pie al menos a dos importantes novedades constructivas relacionadas con la altura y amplitud de las naves, a saber: “el abandono de la bóveda sexapartita cuadrangular, que se había usado frecuentemente en el siglo XII … en favor de la cuatripartita rectangular”; y “el empleo de un tipo de arbotante totalmente desarrollado…”.

“De los 186 vitrales originales se conservan 152, ya que en 1753 se sustituyeron algunos de ellos por parte del obispado que pretendía modernizar la catedral”. La riqueza que ofrecen los trabajos escultóricos realizados en sus cuatro fachadas es fruto, como se habrá podido deducir de sus accidentados inicios, de diversas intervenciones a lo largo del tiempo.

Esta catedral marcó un hito y desarrolló una fase de plenitud en el dominio de la técnica y el estilo gótico, y estableció un equilibrio entre ambos. Fue muy influyente en numerosas construcciones posteriores que se basaron en su estilo y sus numerosas innovaciones, como las catedrales de Reims y de Amiens, a las que sirvió de modelo directo.

En 1979, Chartres fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Pasando la página y por razones que tienen que ver con nuestro permanente interés en seguirle la pista al mundo de las publicaciones, curiosamente hoy 24 de octubre coinciden dos eventos que son de un singular significado. En 1808 aparece por primera vez el que es considerado el primer periódico publicado en Venezuela, la Gazeta de Caracas y, ochenta años después (1888), coincidiendo con el centenario del nacimiento del prócer marabino Rafael Urdaneta, sale a la luz la primera revista venezolana: El Zulia Ilustrado.

5. Primera página del primer ejemplar de la Gazeta de Caracas del lunes 24 de octubre de 1808

Siguiendo las huellas dejadas por los primeros periódicos del continente y tomando de ellos como título el sustantivo que los encabezaba (Gazeta de México, Gazeta de La Habana o Gazeta de Buenos Aires nombres que, a su vez, recordaban a la moneda veneciana gazetta, a cuyo precio se vendían los periódicos en la floreciente ciudad italiana), la Gazeta de Caracas, fundada el 24 de octubre de 1808, estuvo vinculada con la llegada a Venezuela de la primera imprenta a bordo del “Leander” en la expedición que comandó el Generalísimo Francisco de Miranda en 1806. Montado en Coro, se dice que el aparato, luego del fracaso de la intentona, fue a parar a Trinidad donde a mediados de 1808, los experimentados impresores británicos Mateo Gallagher y James Lamb lo compraron a través de las diligencias que había iniciado Francisco González de Linares enviado por el Capitán General Juan de Casas y Barrera, interesado en que la capital se pusiera a tono con los tiempos ilustrados que se vivían. 

Cierta o no la identidad existente entre el artefacto traído por Miranda y el adquirido en Trinidad lo cierto es, tal y como se recoge en https://memoriasdevenezuela.wordpress.com/2017/01/25/la-gazeta-de-caracas-es-reflejo-de-la-historia-de-la-independencia/ que “tan solo a un mes de su desembarque en La Guaira en la fragata Fénix, la imprenta ya estaba funcionando, gracias a que las autoridades coloniales dispusieron de todo lo necesario para que se desempeñara con normalidad. El inicio de sus operaciones se integró a la dinámica de construcción de la nueva mentalidad en Venezuela, propia del proceso de expansión político-cultural de la modernidad ilustrada en el mundo occidental”.

6. Izquierda: Réplica de la imprenta traída por Miranda en 1806 cuando desembarcó en las costas de Coro. Derecha: ejemplar del 1 de febrero de 1815, momento en que la Gazeta pasa a ser Gaceta

Gallagher y Lamb, instalaron su taller cerca de la Catedral siendo la Gazeta de Caracas la primera publicación que salió de allí, marcándose el inicio de la primera etapa del periódico bajo el control de la Capitanía General de Venezuela. En este período que transcurre entre 1808 y 1810 un joven de 27 años llamado Andrés Bello se convirtió en el primer redactor. “Se componía de cuatro páginas a doble columna. Anunciaba que su precio sería de real y medio; la suscripción anual de los siguientes números, editados los viernes de cada semana, costaría 8 pesos”, extraemos de https://es.wikipedia.org/wiki/Gazeta_de_Caracas.

La Gazeta tuvo una vida accidentada sujeta a los vaivenes que se suscitaron una vez se desata el movimiento independentista. En cuanto a su orientación política, como bien acotó Pedro Grases la Gazeta “es ciertamente, el reflejo de la historia de la epopeya emancipadora”, porque “así como el control del poder político se mantuvo en disputa a lo largo de todo el proceso de la guerra, este periódico, como importante instrumento de opinión pública, también lo estuvo; es por ello que al aproximarnos a una imagen cenital de su existencia, podemos distinguir claramente las etapas del control editorial del bando patriota o del realista”, se apuntará en el blog Memorias de Venezuela ya citado.

Así, a partir de los acontecimientos del 19 de abril de 1810, se inicia la segunda época que durará hasta 1812 cuando capitula Miranda cuya redacción estuvo a cargo de los patriotas Juan Germán Roscio (1810), Francisco Xabier Ustáriz (1811) y Francisco Isnardi (1811-1812). “La primera edición republicana, que lleva el Nº 95, trae un título distinto a los anteriores. Su tipo es ahora gótico y de unos tantos puntos más grande que el anterior. Debajo de este título, el lema romano: ‘Salus populi suprema lex est’ ”.

Entre 1812 y 1813  y luego de 1815 a 1821, en manos realistas, la Gazeta es redactada por José Domingo Díaz según Grases “brillante propagandista caraqueño que se encargará de enfilar sus baterías de tinta contra Bolívar y sus patriotas”, mostrando un breve lapso de control independentista (1813-1814) en el que Vicente Salias fue el redactor.

La Gazeta, convertida en Gaceta a partir de 1815, “sale en su última y tercera época patriótica en el segundo semestre de 1821. Se encabeza su título con ‘República de Colombia’. Apareció hasta 1822. Fue imposible que se mantuviera en pie, después de haber sido desprestigiada por la última redacción imperialista”.

Logró, por tanto, sobrevivir 14 años a la difícil situación material y espiritual generada por la guerra, pero la nueva realidad condujo a su desaparición. Su último número salió el 3 de enero de 1822.

7. Portada y primera página del nº 1 de El Zulia Ilustrado del 24 de octubre de 1888

De lo que recogemos una vez más de Wikipedia, “El Zulia Ilustrado fue la primera revista de Venezuela y la primera publicación periódica venezolana que reprodujo imágenes fotográficas y fotograbado. La revista fue editada a finales del siglo XIX en la ciudad de Maracaibo, Estado Zulia. Esta revista fue creada por el periodista maracaibero Eduardo López Rivas, con el objeto de dar a conocer el estado Zulia en Venezuela y en el exterior”.

La publicación, cuya periodicidad fue mensual, circuló entre el 24 de octubre de 1888 (coincidiendo con el centenario del natalicio de Rafael Urdaneta) y terminó su ciclo de vida en diciembre de 1891 alcanzando en total 35 números. López Rivas, propietario de una moderna imprenta, logró que la revista por él dirigida, de excelente calidad de diseño e impresión e interesante contenido, circulara tanto en Venezuela como en el exterior.

Diseñada a tres columnas y sin avisos comerciales, El Zulia Ilustrado logró publicar en sus tres años de vida artículos de 45 autores diferentes y 108 grabados. “El total de páginas de la colección fue de 315, todas ellas numeradas a excepción de la portada y el índice. … Se financiaba con las ventas y los fondos personales del director, comprometido profundamente en promover su amada tierra”.

Opositor a ultranza de los abusos de los políticos, López Rivas nunca aceptó contribuciones del gobierno y en su actividad periodística al frente de diferentes medios fue censurado en repetidas ocasiones por el régimen de Guzmán Blanco.

8. Selección de diversos números de El Zulia Ilustrado con el Primer Plano Topográfico a color de Maracaibo confeccionado por Manuel Salvador Soto abajo a la derecha

Como ya dijimos, el afán de promover la región zuliana dentro y fuera de Venezuela condujo a que cada número de la revista tuviese ilustraciones con próceres, poetas, personalidades, edificios y paisajes de la región pasando a ser las imágenes el gran atractivo de la publicación por la novedad que tanto fotografías como fotograbados representaban para la época. También formaban parte del contenido de El Zulia Ilustrado artículos escritos por destacadas plumas abarcando temas históricos, culturales, ambientales y costumbristas.

“Los grabados eran dibujos hechos por el mismo López Rivas, dibujante profesional, educado en Francia; profesor de dibujo natural, de elaboración de planos y de mapas geográficos”, de allí que el Primer Plano Topográfico a color de Maracaibo confeccionado por Manuel Salvador Soto (en colaboración con López Rivas) con gran fidelidad, a escala y con indicaciones de orientación apareciera en 1889 en el nº 22 de El Zulia Ilustrado.

Al dejar de salir, la revista “dejó para la posteridad una documentación detallada, escrita y visual, de la región zuliana de finales del siglo diecinueve. Los grabados de las plazas y edificios de Maracaibo, son una representación artística exacta de la apariencia que la ciudad tenía por entonces, al igual que las imágenes del lago, los indígenas y otras poblaciones del Estado Zulia. Los interesantes y bien documentados textos forman todos parte de la historia del Zulia, con su correspondiente significado para la investigación”.

Para cerrar es bueno añadir y con ello no olvidar momentos importantes vinculados al paradójico mundo en que vivimos cómo, por un lado, un 24 de octubre de 1917 estamos a las vísperas de la formación un gobierno revolucionario bolchevique bajo el liderazgo de Lenin y, por el otro, en 1929 en los Estados Unidos se da la caída de la Bolsa de Valores de Nueva York (conocida también como sucede el “Jueves Negro”) hecho que marcó el inicio de la “Gran Depresión”. Y formando parte de esos numerosos saludos a la bandera a los que nos tiene acostumbrados la ONU, a partir de 1978 declaró del 24 al 30 de octubre como la “Semana del desarme”.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://www.semana.com/mundo/articulo/aniversario-75-de-la-organizacion-de-naciones-unidas-onu-mision-cumplida/651992/

2. https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres

3. https://www.arkiplus.com/catedral-de-chartres/

4. https://www.wikiwand.com/es/Catedral_de_Chartres, https://saltaconmigo.com/blog/2020/02/catedral-chartres-francia/ y https://www.viajesdeprimera.com/grandes-viajes-mundo/europa/turismo-en-chartres/26216

5. https://es.wikipedia.org/wiki/Gazeta_de_Caracas

6. https://memoriasdevenezuela.wordpress.com/2017/01/25/la-gazeta-de-caracas-es-reflejo-de-la-historia-de-la-independencia/

7. https://es.wikipedia.org/wiki/El_Zulia_Ilustrado

8. https://www.trendsmap.com/twitter/tweet/1397559682508673031, https://docplayer.es/76455639-Las-artes-plasticas-en-maracaibo.html y colección Fundación Arquitectura y Ciudad

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TAL DÍA COMO HOY…

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… 29 de agosto, falleció en 1780 el arquitecto francés Jacques-Germain Soufflot, nació en 1910 el arquitecto uruguayo Luis García Pardo y en 1993 apareció otra entrega de la página de arquitectura y diseño en El Diario de Caracas.

Entrar a revisar lo acontecido el 29 de agosto, “Día Internacional contra los ensayos nucleares”, fecha en que se celebra el martirio de San Juan Bautista y en que por esas casualidades de la vida nace en 1915 y muere en 1982 la célebre actriz sueca Ingrid Bergman, permite ponernos en contacto de manera azarosa con tres asuntos relacionados con temas que nos interesan.

1. Jacques-Germain Soufflot por Louis-Michel van Loo, Musée du Louvre

En primer lugar, hemos detectado que un día como hoy del año 1780 fallece en París Jacques-Germain Soufflot, quien es considerado el principal representante del estilo neoclásico durante el reinado de Luis XVI.

Soufflot, según vamos repasando diversos portales en los que se presenta su biografía, había nacido en 1713 en Irancy, localidad y comuna francesa situada en la región de Borgoña, departamento de Yonne, en el distrito de Auxerre y cantón de Coulanges-la-Vineuse, fue un afamado autodidacta.

Tras haber dejado el hogar a la edad de 19 años, contra el consejo de sus padres, asistió a la Academia Francesa en Roma ubicada en la Villa Medicis entre 1731 y 1738, donde también estudió los monumentos clásicos, así como la arquitectura renacentista de diseñadores como Andrea Palladio (1508-80), y ejemplos de la arquitectura barroca italiana como la Basílica de San Pedro (1506-1626).

2. Jacques-Germain Soufflot. Izquierda: Hôtel-Dieu (fachada), Lyon, 1761. Derecha: Temple du Change, Lyon, 1750
3. Jacques-Germain Soufflot & Ange-Jacques Gabriel. Hôtel de la Marine, Paris (1775)

En 1738 Soufflot dejó Roma y regresó a Lyon, donde comenzó a ejercer como arquitecto. En https://www.britannica.com/biography/Jacques-Germain-Soufflot se señala: “La simplicidad, la amplitud y los detalles clásicos arqueológicamente precisos de las principales obras de su período de Lyon, la ampliación del Hôtel-Dieu (comenzada en 1741) y el Loge des Changes (1751-1752), presagiaron el movimiento del gusto francés del Rococó hacia el neoclasicismo”. En 1752 Soufflot fue elegido miembro de la Academia de Lyon.

De https://www.urbipedia.org/hoja/Jacques-Germain_Soufflot rescatamos que “En 1747, Soufflot presentó una memoria sobre la arquitectura gótica, tema que contaba con pocos adeptos en la época. Hizo luego un nuevo viaje a Italia en compañía de Abel-François Poisson de Vandières, marqués de Marigny y después volvió a Lyon, en 1751, para realizar el teatro del barrio de Saint-Clair. Se estableció definitivamente en París en 1754, a petición de Marigny, convertido en su protector, que le confió la construcción de su palacete particular (destruido)”.

Designado intendente general de las obras de la corona, el Marqués de Marigny nombró a Soufflot ‘Contrôleur des bâtiments du Roi’ y lo hizo admitir en la primera clase de la ‘Académie royale d’arquitecture’ de París. Además fue distinguido como caballero de la orden de Saint-Michel y fue nombrado director de la Fábrica de los Gobelinos. “Soufflot -según http://www.urbipedia.org- fue igualmente convocado a reflexionar sobre la renovación del Louvre y formuló algunas propuestas que no tuvo tiempo de poner en práctica”.

4. Primer proyecto para la iglesia de Sainte-Geneviève (1756)

A Soufflot el Marqués de Marigny le confía en 1755 el diseño de la que estaba destinada a ser la iglesia principal de París: Sainte-Geneviève. Ubicada en la cima de una colina cercana al palacio de Luxemburgo en el corazón del Barrio Latino, el primer proyecto de la edificación data de 1756. En 1764 se terminó la cripta y desde entonces hasta su muerte en 1780, mientras se construía, el arquitecto no dejó de modificar y perfeccionar su proyecto el cual fue terminado por Jean-Baptiste Rondelet y Maximilien Brébion en 1790 ya en tiempos de la Revolución. Al ser abolida la religión y tras ser proclamado santuario laico de la nación por la Asamblea Legislativa, el edificio fue remodelado entre 1791 y 1793 por Quatremère de Quincy suprimiéndose los campanarios, momento en que adquiere su aspecto actual rebautizándose a partir de entonces como El Panteón.

5. El Panteón, París (1756-1790)
6. El Panteón, París. Vista interior

En http://www.visual-arts-cork.com/architecture/soufflot-jacques-germain.htm encontramos que “La característica más resaltante del Panteón es su cúpula de 272 pies de alto, basada en la de la Catedral de San Pablo, diseñada por Christopher Wren (1632-1723). También destaca … el plano de planta de cruz griega (360 pies de largo por 279 pies de ancho), mientras que su estricto diseño neoclásico está ejemplificado por el frente del templo corintio (basado en el Panteón de Roma). En el interior, la idea básica de Soufflot era combinar una bóveda clásica monumental con esbeltos soportes de estilo gótico y columnas corintias”. Las esbeltas columnas independientes resultaron inadecuadas para soportar la cúpula del edificio, que finalmente tuvo que ser reforzada.

El Panteón, que desde 1793 fue objeto de diversas intervenciones y cambios de uso hasta consolidar su función de mausoleo de los héroes civiles, es el lugar donde reposan junto a los restos del propio Soufflot (trasladados en 1829), los de “Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Victor Hugo, Sadi Carnot, Émile Zola, Jean Jaurès, Jean Moulin, Jean Monnet, Pierre y Marie Curie, André Malraux o incluso Alexandre Dumas, que hizo su entrada en 2002”, información que extraemos de https://es.wikipedia.org/wiki/Panteón_de_París.

7. Arq. Luis García Pardo (1910-2006)

En segundo lugar, dando un salto hacia nuestro continente, también un 29 de agosto pero de 1910 nace en Montevideo, Luis García Pardo (f. 2006) considerado uno de los arquitectos que forjaron nuevos caminos en la arquitectura uruguaya del siglo XX.

De la “Síntesis biográfica” publicada en el catálogo de la exposición “LUIS GARCÍA PARDO” realizada bajo la responsabilidad de Santiago Medero y el IHA (Instituto de Historia de la Arquitectura. Facultad de Arquitectura. Universidad de la República), se desprende los siguiente: “Proveniente de una familia de clase media de origen español, su infancia transcurrió en el barrio montevideano de Colón. Su formación inicial incluyó estudios en dibujo, litografía y grabado. Posteriormente estudió meteorología y astronomía, obteniendo los respectivos títulos en 1931 y 1934”.

García Pardo inicia sus estudios en 1930 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República obteniendo el grado en 1941, destacando entre sus profesores los arquitectos Rius y Carré. En el transcurso de su formación convive una enseñanza clásica con los nuevos valores de la modernidad. “Como estudiante se destacó en las materias de proyecto, composición decorativa, historia y construcción. Su vida universitaria continuó como docente titular de la cátedra de Acondicionamiento Físico de los Edificios y de Acústica aplicada al Urbanismo y a la Arquitectura, disciplina esta última en la que fue pionero a nivel local y regional. Simultáneamente ejerció la docencia en educación secundaria como profesor de Astronomía, Geografía y Geometría y trabajó como meteorólogo y astrónomo en institutos y observatorios de Montevideo”, acotará Medero.

Integra García Pardo junto a Raúl Sichero, Ildefonso Aroztegui, Mario Payssé Reyes y otros colegas uruguayos una generación que se destaca por la introducción de los fundamentos de la arquitectura moderna a través de edificios de una elevada calidad arquitectónica. Su producción y sus intereses abarcaron el proyecto arquitectónico en todas las escalas, la investigación en técnicas constructivas, las artes plásticas y el estudio de diversas disciplinas científicas.

Tras manejar en sus primeras obras durante la década de 1940, al igual que ocurría con otros importantes arquitectos latinoamericanos, “una heterogénea y poco ortodoxa suma de fuentes de inspiración”, los proyectos de García Pardo “a partir de 1948-1949, … comienzan a denotar un alejamiento de la heterodoxia estilística y un acercamiento más decidido a las premisas de la arquitectura moderna internacional. La arquitectura brasileña jugó un papel importante en este sentido: la obra de Niemeyer en Pampulha, los edificios de Reidy y Rino Levi. La década de 1950 fue una etapa fructífera tanto en términos de producción como de logros arquitectónicos. En una nueva sociedad, con el entonces joven arquitecto Adolfo Sommer Smith, realizó los edificios de viviendas en altura Gilpe (1953), Guanabara (1954), El Pilar (1957) y Positano (1957), obras de gran interés por sus búsquedas espaciales, estructurales y materiales”.

8. Luis García Pardo. Izquierda: edificio Gilpe, Montevideo (1953). Derecha: edificio Guanabara, Montevideo (1954)
9. Luis García Pardo. Izquierda: edificio El Pilar, Montevideo (1956). Derecha: edificio Chiloé, Montevideo (1958)
10. Luis García Pardo. Izquierda: edificio Positano, Montevideo (1959). Derecha: edificio Iporá, Montevideo (1963)

Diego López de Haro, quien estudió la obra de García Pardo para elaborar la Tesis Doctoral presentada en diciembre de 2016 en la UPC de Barcelona titulada “Luis García Pardo (1953-1963): el proyecto como revelación”, dirigida por Helio Pinón y Cristina Gastón, apunta: “Conforme avanza la década del 50, la arquitectura de García Pardo progresa en abstracción para finalmente en 1953, afrontar un encargo de edificio de viviendas asumiendo plenamente los valores de la modernidad. A partir de entonces y durante una década, su obra se asentará en el encuentro de la sistematicidad propiciada por la modernidad y la singularidad de las condiciones en que emerge. El marco cronológico queda determinado por un decenio, limitado en sus comienzos por el Edificio Gilpe (Montevideo 1953) y terminado con el edificio Iporá (Montevideo, 1963) último edificio de viviendas construido por García Pardo en Montevideo”. Y continúa: “El proyecto supone en su caso, un proceso de síntesis, ligado tanto a sus condiciones físicas como al programa, comprendiendo así una lógica distinta en cada caso. La arquitectura moderna rara vez cuenta con una formulación que establezca con claridad un ámbito capaz de determinar el planteamiento del proyecto, el programa por si solo es incapaz de sugerir la propuesta, de manera que es el proyecto la instancia que establece los términos de la solución. Dicho de otro modo, el proyecto de arquitectura no se ajusta a un esquema, según el cual, a partir de una definición objetiva del problema, se elabora una solución racional por parte del autor: en arquitectura, es el proyecto quien revela la naturaleza del problema, en la medida que da lugar a una situación que antes no existía. Los criterios de proyecto encuentran estímulo en la técnica o el programa, pero en modo alguno son capaces de prefigurarlo”.

García Pardo tuvo también a su cargo durante un año un Taller de Anteproyectos y Proyectos de Arquitectura en 1952. Ejerció la docencia en otros países, dictó cursos y conferencias sobre arte, acústica y sistemas de prefabricación de vivienda en Facultades de Arquitectura en varias ciudades de Latinoamérica.

En 1973, tras el ofrecimiento de una empresa privada, se radicó en Brasil para trabajar como arquitecto y asesor en acústica, y a su regreso a Uruguay una década después continuó con sus estudios sobre vivienda industrializada. “En este marco, promovió el sistema Predes para su uso en el Programa de Integración de Asentamientos Irregulares y colaboró activamente con la fundación española ‘Rafael Leoz’ ”, señalará Medero.

García Pardo, quien vivió hasta los 95 años, “durante la década de los noventa continuó trabajando en diversos proyectos arquitectónicos y urbanísticos y se presentó a diversos concursos de arquitectura”. A lo largo de su fructífera carrera desarrolló proyectos de arquitectura doméstica y religiosa, integrando el arte en sus edificios, dándole importancia a la estructura y el espacio, la racionalización y la vivienda económica. Se esforzó en implementar estructuras novedosas para resolver nuevas situaciones.

Tras su fallecimiento la familia realizó una donación de material perteneciente al arquitecto al Instituto de Historia de la Arquitectura de la Universidad de la República en el año 2007.

11. Página de arquitectura y diseño de El Diario de Caracas del 29 de agosto de 1993

Para cerrar este repaso por lo acontecido el 29 de agosto añadiremos, como tercer asunto, que por estas fechas del año 1993 en nuestro país se discutía la Ley de Protección y Defensa del Patrimonio Cultural y, con ello como excusa, Oscar Tenreiro clama el 29 de agosto desde la página de arquitectura de El Diario de Caracas que compartía con Farruco Sesto, en el artículo “Respetar a los muertos”, por recuperar el Cementerio General del Sur conminando al entonces alcalde del Municipio Libertador, Aristóbulo Istúriz, a que “ponga en marcha un ambicioso plan de rescate para un monumento esencial en cualquier gran ciudad”, remitiendo a las fotografías aparecidas del Cementerio de Igualada de Enric Mirales y Carme Pinós en el libro de  Klaus Kinold titulado Bauen Beton (Construir en hormigón), señalándolo claro ejemplo de dignificación de dicho uso en la actualidad.

Con “Un triste General en el Sur” y “El Cementerio como problema” Tenreiro y Sesto, respectivamente, retomarán una semana después el debate sobre el tema que finalmente, aunque de manera tibia, producirá la reacción de las autoridades municipales traducida en la convocatoria del Concurso Nacional de Ideas Áreas de Acceso al Cementerio General del Sur que se dio a finales de 1995 resultando ganador Doménico Silvestro.

Con relación a la Ley de Patrimonio, Sesto, en su columna “La Poesía de la Ciudad” aquel mismo día 29 de agosto, relataba una reunión sostenida con el entonces presidente del CONAC, José Antonio Abreu, en la que le solicitó devolver al Congreso el instrumento legal, y le manifestó su oposición a ella por centralista y porque “existe el peligro cierto de que alguien (una persona o un grupo), basado en el poder que le otorgue la ley, imponga una única visión en el tratamiento de los asuntos patrimoniales. Defendimos con ahínco la necesidad del pluralismo cultural en el área”. Cosas veredes.

Abreu, por su parte, afirmando que “puesto que la ley se acoge a la descentralización, el instituto (que se creará y servirá para ejecutarla) podrá regionalizarse a petición de los gobernadores”. También le ofreció a Sesto contemplar los aspectos por los que reclamaba y corregir las imperfecciones de la ley y sus peligros a través del reglamento que la acompañaría. Cabe acotar que la ley apareció finalmente en la Gaceta Oficial del 3 de septiembre por lo que se trataba de un hecho consumado. El Reglamento Parcial nº 1 se publicó el 18 de octubre de 1994 y en realidad no sabemos si satisfizo las aspiraciones de Sesto en cuyas discusiones aparentemente participó “buscando la transparencia que se le negó a la discusión de la ley”.
Desde “NAVE”, tercer componente de la página, Oscar Tenreiro se dedicó a reflexionar sobre el papel de los intelectuales luego de descubrir con asombro la gran cantidad de ellos que se habían suicidado en Portugal a comienzos del siglo XX, llamándole la atención particularmente el caso de Sá Carneiro “gran amigo de Francisco Pessoa”.

En el artículo hay una serie de reflexiones que tienen plena vigencia trasladables a los tiempos que hoy vivimos, en los que han aumentado exponencialmente las circunstancias que entonces se comentaron. Señalaba Tenreiro, luego de subrayar la crisis política y cultural que atravesaba Portugal en la segunda década del siglo XX que condujo a los casos que le impresionaron, cómo “la situación del intelectual en momentos en los que todo apunta hacia la divergencia, el desencuentro, el consenso de la mediocridad”, propia del período que atravesaba nuestro país, permitía extrapolar “la relación crisis-suicidios del Portugal de los años 15 a la Venezuela de los 90, para quedarse mudo ante el inmenso número de suicidas, o de inmolados en batalla, que sería dable esperar en este país de crisis tan amplia y tan aguda” pero donde finalmente no pasaba nada. Y es que para Tenreiro aquí “los intelectuales son otros, tienen que ser otros, porque ante tamaña crisis no es posible que haya tan pocos caídos, para no hablar de suicidios, que ya es demasiado. ¿Pero no hay acaso una fachada intelectual parecida a la que ha habido en lo político, en lo social, en lo sindical y en tantos otros mundos, incluyendo por supuesto al arquitectónico?”.

Tenreiro, sin embargo, aventura una respuesta: «En la Portugal de principios de siglo, como en el resto del mundo, la esfera intelectual estaba claramente separada de la esfera política y social. El poder no usaba a la cultura, en cierta manera la ignoraba…(…)  Hoy, en los 90, el poder coquetea, halaga, se gana, sostiene, a los que se reconocen como representantes de la cultura». La crisis a la que se refiere Tenreiro traería a finales de esa década la llegada al poder de quienes hoy continúan allí llevando al país a una degradación que no tiene parangón con otro momento de nuestra historia. Y aunque las comparaciones son odiosas siempre será posible contraponer aquella crisis a la que hoy nos aqueja, repleta de numerosos caídos y desplazados, para luego determinar con cuál nos quedamos.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://www.pressenza.com/es/2014/08/29-de-agosto-dia-internacional-contra-los-ensayos-nucleares/

1 y 4. https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Germain_Soufflot

2 y 3. https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=10246

5. https://co.pinterest.com/pujarqmodol/01-santa-genoveva-soufflot/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Germain_Soufflot

6. https://es.wikipedia.org/wiki/Pante%C3%B3n_de_Par%C3%ADs

7. https://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Garc%C3%ADa_Pardo

8, 9 y 10. https://upcommons.upc.edu/bitstream/handle/2117/96164/TDLdH1de1.pdf;jsessionid=97F929656D46CE3B2E3A14B0A00A4D05?sequence=1.

11. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad