Archivo de la categoría: Tal día como hoy…

TAL DÍA COMO HOY…

… 24 de octubre, varios eventos pueden ser reseñados relacionados con asuntos que nos interesan.

1. Creación de la Organización de las Naciones Unidas (ONU). 24 de octubre de 1945.

En un mes que debería ser conocido como el de la institucionalización de los estudios de arquitectura en el país, ya que un día 13 de octubre de 1941 (hace 80 años) se creó la primera escuela y un 20 de octubre de 1953 (hace 68) la primera facultad, ambas en la Universidad Central de Venezuela, de un día como hoy, cuando en 1945 se constituyó en Nueva York la Organización de las Naciones Unidas (ONU) y en 1953 se fundó la Universidad Católica Andrés Bello, el primer hecho que llama nuestra atención es la consagración en 1260, con la presencia del rey Luis IX el Santo, de la Catedral de Chartres.

2. Catedral de Chartres. Planta y fachada principal

Apoyados en Wikipedia,  podemos compartir que en torno al santuario de Chartres se construyó un mito que vinculaba su origen a los druidas carnutes (pueblo del que deriva el nombre de la ciudad) quienes ocuparon una antigua gruta cien años antes de la era cristiana. “Este mito sobre los druidas comienza a constituirse en una corriente más amplia que hace abandonar la anterior leyenda del origen troyano de los pueblos francos, para volver a una tradición gala”.

Según otras tradiciones tardías y legendarias “la construcción de la primera iglesia habría tenido lugar hacia el año 350. Llamada ‘catedral de Aventin’, por el nombre del primer obispo de la ciudad, Aventin de Chartres …, habría sido probablemente construida a principios del siglo VI. La catedral original aún no estaría vinculada a un culto mariano, sino al de unos mártires locales…”.

Sin embargo, “la primera iglesia … desapareció en un incendio hacia 740 o 750 durante el saqueo de los visigodos de Hunaldo, duque de Aquitania”. Un segundo templo es destruido por los piratas normandos al mando de Hastings el 12 de junio de 858, que el obispo Gisleberto reconstruyó y amplió y de la que queda una capilla que forma parte de la actual cripta. “En esta época es cuando la catedral recibe la reliquia de la túnica de la virgen, que aumentó la importancia del lugar”.

En 962, la iglesia de Gisleberto vuelve a ser destruida durante una guerra que enfrentó a Ricardo I, duque de Normandía con Teobaldo I de Blois, conde de Chartres. Reconstruida parcialmente en 1020 otro incendio la destruye “tras lo cual el obispo Fulberto de Chartres (la figura más importante en la historia de la diócesis) inicia la construcción de la cripta de una nueva catedral románica”. Realizada rápidamente “debido a una explosión de fervor religioso” fue consagrada por Geoffroy de Lèves en 1031 (dos años después de la muerte de Fulberto) y en 1037 se concluyen las obras.

En 1194 junto a un gran incendio que devastó gran parte de la ciudad de Chartres, la antigua catedral románica, “que contaba con una enorme cripta que albergaba la famosa reliquia”, quedó destruida permaneciendo en pie únicamente “las torres occidentales y la fachada entre estas y la cripta”. También en un hecho calificado de milagroso apareció intacta la prenda de la Virgen asunto que influyó en su rápida reconstrucción “generosamente financiada tanto por los Capetos, dinastía tradicionalmente vinculada a Chartres, como por el cabildo y los gremios locales. (…) Hacia 1220 el cuerpo principal estaba concluido, en un plazo de sólo unos 26 años, tiempo notablemente corto para una obra de estas características. Se empleó piedra local de unas canteras situadas a unos 8 km.”.

3. Catedral de Chartres. Vista general
4. Catedral de Chartres. Izquierda: Puerta central norte. Derecha: dos tomas del espacio interior

La catedral, consagrada un 24 de octubre de 1260, conservó del edificio anterior la cripta y la fachada oeste con el Pórtico Real.

Desde entonces otra larga serie de acontecimientos giraron en torno a la vida de la catedral que funcionó como escuela durante la edad media y, a diferencia de otros edificios, no sufrió daños durante la Revolución Francesa y ha sido objeto de restauraciones sucesivas que respetaron su diseño original. Se señala como hechos importantes, en primer lugar el incendio que sufrió en 1836 que “destruyó las cerchas de la techumbre de castaño danés. El arquitecto Edouard Baron la sustituyó por una estructura de hierro fundido cubierta por láminas de cobre, imitando la técnica usada en la catedral de Maguncia”; y en segundo lugar el desmontaje de sus vitrales durante la Segunda Guerra Mundial para “evitar daños por parte de los bombardeos alemanes” quienes, sin embargo, la usaron como club social.

Chartres, es de planta cruciforme organizada en tres naves con el cuerpo principal mucho más alto que los laterales lo cual ofrece una disposición sumamente original para la época. La cabecera, situada al este, tiene un deambulatorio radial con cinco capillas semicirculares. La bóveda central tiene 36 m de altura, la más alta hasta la fecha cuando fue construida, lo que dio pie al menos a dos importantes novedades constructivas relacionadas con la altura y amplitud de las naves, a saber: “el abandono de la bóveda sexapartita cuadrangular, que se había usado frecuentemente en el siglo XII … en favor de la cuatripartita rectangular”; y “el empleo de un tipo de arbotante totalmente desarrollado…”.

“De los 186 vitrales originales se conservan 152, ya que en 1753 se sustituyeron algunos de ellos por parte del obispado que pretendía modernizar la catedral”. La riqueza que ofrecen los trabajos escultóricos realizados en sus cuatro fachadas es fruto, como se habrá podido deducir de sus accidentados inicios, de diversas intervenciones a lo largo del tiempo.

Esta catedral marcó un hito y desarrolló una fase de plenitud en el dominio de la técnica y el estilo gótico, y estableció un equilibrio entre ambos. Fue muy influyente en numerosas construcciones posteriores que se basaron en su estilo y sus numerosas innovaciones, como las catedrales de Reims y de Amiens, a las que sirvió de modelo directo.

En 1979, Chartres fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Pasando la página y por razones que tienen que ver con nuestro permanente interés en seguirle la pista al mundo de las publicaciones, curiosamente hoy 24 de octubre coinciden dos eventos que son de un singular significado. En 1808 aparece por primera vez el que es considerado el primer periódico publicado en Venezuela, la Gazeta de Caracas y, ochenta años después (1888), coincidiendo con el centenario del nacimiento del prócer marabino Rafael Urdaneta, sale a la luz la primera revista venezolana: El Zulia Ilustrado.

5. Primera página del primer ejemplar de la Gazeta de Caracas del lunes 24 de octubre de 1808

Siguiendo las huellas dejadas por los primeros periódicos del continente y tomando de ellos como título el sustantivo que los encabezaba (Gazeta de México, Gazeta de La Habana o Gazeta de Buenos Aires nombres que, a su vez, recordaban a la moneda veneciana gazetta, a cuyo precio se vendían los periódicos en la floreciente ciudad italiana), la Gazeta de Caracas, fundada el 24 de octubre de 1808, estuvo vinculada con la llegada a Venezuela de la primera imprenta a bordo del “Leander” en la expedición que comandó el Generalísimo Francisco de Miranda en 1806. Montado en Coro, se dice que el aparato, luego del fracaso de la intentona, fue a parar a Trinidad donde a mediados de 1808, los experimentados impresores británicos Mateo Gallagher y James Lamb lo compraron a través de las diligencias que había iniciado Francisco González de Linares enviado por el Capitán General Juan de Casas y Barrera, interesado en que la capital se pusiera a tono con los tiempos ilustrados que se vivían. 

Cierta o no la identidad existente entre el artefacto traído por Miranda y el adquirido en Trinidad lo cierto es, tal y como se recoge en https://memoriasdevenezuela.wordpress.com/2017/01/25/la-gazeta-de-caracas-es-reflejo-de-la-historia-de-la-independencia/ que “tan solo a un mes de su desembarque en La Guaira en la fragata Fénix, la imprenta ya estaba funcionando, gracias a que las autoridades coloniales dispusieron de todo lo necesario para que se desempeñara con normalidad. El inicio de sus operaciones se integró a la dinámica de construcción de la nueva mentalidad en Venezuela, propia del proceso de expansión político-cultural de la modernidad ilustrada en el mundo occidental”.

6. Izquierda: Réplica de la imprenta traída por Miranda en 1806 cuando desembarcó en las costas de Coro. Derecha: ejemplar del 1 de febrero de 1815, momento en que la Gazeta pasa a ser Gaceta

Gallagher y Lamb, instalaron su taller cerca de la Catedral siendo la Gazeta de Caracas la primera publicación que salió de allí, marcándose el inicio de la primera etapa del periódico bajo el control de la Capitanía General de Venezuela. En este período que transcurre entre 1808 y 1810 un joven de 27 años llamado Andrés Bello se convirtió en el primer redactor. “Se componía de cuatro páginas a doble columna. Anunciaba que su precio sería de real y medio; la suscripción anual de los siguientes números, editados los viernes de cada semana, costaría 8 pesos”, extraemos de https://es.wikipedia.org/wiki/Gazeta_de_Caracas.

La Gazeta tuvo una vida accidentada sujeta a los vaivenes que se suscitaron una vez se desata el movimiento independentista. En cuanto a su orientación política, como bien acotó Pedro Grases la Gazeta “es ciertamente, el reflejo de la historia de la epopeya emancipadora”, porque “así como el control del poder político se mantuvo en disputa a lo largo de todo el proceso de la guerra, este periódico, como importante instrumento de opinión pública, también lo estuvo; es por ello que al aproximarnos a una imagen cenital de su existencia, podemos distinguir claramente las etapas del control editorial del bando patriota o del realista”, se apuntará en el blog Memorias de Venezuela ya citado.

Así, a partir de los acontecimientos del 19 de abril de 1810, se inicia la segunda época que durará hasta 1812 cuando capitula Miranda cuya redacción estuvo a cargo de los patriotas Juan Germán Roscio (1810), Francisco Xabier Ustáriz (1811) y Francisco Isnardi (1811-1812). “La primera edición republicana, que lleva el Nº 95, trae un título distinto a los anteriores. Su tipo es ahora gótico y de unos tantos puntos más grande que el anterior. Debajo de este título, el lema romano: ‘Salus populi suprema lex est’ ”.

Entre 1812 y 1813  y luego de 1815 a 1821, en manos realistas, la Gazeta es redactada por José Domingo Díaz según Grases “brillante propagandista caraqueño que se encargará de enfilar sus baterías de tinta contra Bolívar y sus patriotas”, mostrando un breve lapso de control independentista (1813-1814) en el que Vicente Salias fue el redactor.

La Gazeta, convertida en Gaceta a partir de 1815, “sale en su última y tercera época patriótica en el segundo semestre de 1821. Se encabeza su título con ‘República de Colombia’. Apareció hasta 1822. Fue imposible que se mantuviera en pie, después de haber sido desprestigiada por la última redacción imperialista”.

Logró, por tanto, sobrevivir 14 años a la difícil situación material y espiritual generada por la guerra, pero la nueva realidad condujo a su desaparición. Su último número salió el 3 de enero de 1822.

7. Portada y primera página del nº 1 de El Zulia Ilustrado del 24 de octubre de 1888

De lo que recogemos una vez más de Wikipedia, “El Zulia Ilustrado fue la primera revista de Venezuela y la primera publicación periódica venezolana que reprodujo imágenes fotográficas y fotograbado. La revista fue editada a finales del siglo XIX en la ciudad de Maracaibo, Estado Zulia. Esta revista fue creada por el periodista maracaibero Eduardo López Rivas, con el objeto de dar a conocer el estado Zulia en Venezuela y en el exterior”.

La publicación, cuya periodicidad fue mensual, circuló entre el 24 de octubre de 1888 (coincidiendo con el centenario del natalicio de Rafael Urdaneta) y terminó su ciclo de vida en diciembre de 1891 alcanzando en total 35 números. López Rivas, propietario de una moderna imprenta, logró que la revista por él dirigida, de excelente calidad de diseño e impresión e interesante contenido, circulara tanto en Venezuela como en el exterior.

Diseñada a tres columnas y sin avisos comerciales, El Zulia Ilustrado logró publicar en sus tres años de vida artículos de 45 autores diferentes y 108 grabados. “El total de páginas de la colección fue de 315, todas ellas numeradas a excepción de la portada y el índice. … Se financiaba con las ventas y los fondos personales del director, comprometido profundamente en promover su amada tierra”.

Opositor a ultranza de los abusos de los políticos, López Rivas nunca aceptó contribuciones del gobierno y en su actividad periodística al frente de diferentes medios fue censurado en repetidas ocasiones por el régimen de Guzmán Blanco.

8. Selección de diversos números de El Zulia Ilustrado con el Primer Plano Topográfico a color de Maracaibo confeccionado por Manuel Salvador Soto abajo a la derecha

Como ya dijimos, el afán de promover la región zuliana dentro y fuera de Venezuela condujo a que cada número de la revista tuviese ilustraciones con próceres, poetas, personalidades, edificios y paisajes de la región pasando a ser las imágenes el gran atractivo de la publicación por la novedad que tanto fotografías como fotograbados representaban para la época. También formaban parte del contenido de El Zulia Ilustrado artículos escritos por destacadas plumas abarcando temas históricos, culturales, ambientales y costumbristas.

Los grabados eran dibujos hechos por el mismo López Rivas, dibujante profesional, educado en Francia; profesor de dibujo natural, de elaboración de planos y de mapas geográficos”, de allí que el Primer Plano Topográfico a color de Maracaibo confeccionado por Manuel Salvador Soto (en colaboración con López Rivas) con gran fidelidad, a escala y con indicaciones de orientación apareciera en 1889 en el nº 22 de El Zulia Ilustrado.

Al dejar de salir, la revista “dejó para la posteridad una documentación detallada, escrita y visual, de la región zuliana de finales del siglo diecinueve. Los grabados de las plazas y edificios de Maracaibo, son una representación artística exacta de la apariencia que la ciudad tenía por entonces, al igual que las imágenes del lago, los indígenas y otras poblaciones del Estado Zulia. Los interesantes y bien documentados textos forman todos parte de la historia del Zulia, con su correspondiente significado para la investigación”.

Para cerrar es bueno añadir y con ello no olvidar momentos importantes vinculados al paradójico mundo en que vivimos cómo, por un lado, un 24 de octubre de 1917 estamos a las vísperas de la formación un gobierno revolucionario bolchevique bajo el liderazgo de Lenin y, por el otro, en 1929 en los Estados Unidos se da la caída de la Bolsa de Valores de Nueva York (conocida también como sucede el “Jueves Negro”) hecho que marcó el inicio de la “Gran Depresión”. Y formando parte de esos numerosos saludos a la bandera a los que nos tiene acostumbrados la ONU, a partir de 1978 declaró del 24 al 30 de octubre como la “Semana del desarme”.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://www.semana.com/mundo/articulo/aniversario-75-de-la-organizacion-de-naciones-unidas-onu-mision-cumplida/651992/

2. https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres

3. https://www.arkiplus.com/catedral-de-chartres/

4. https://www.wikiwand.com/es/Catedral_de_Chartres, https://saltaconmigo.com/blog/2020/02/catedral-chartres-francia/ y https://www.viajesdeprimera.com/grandes-viajes-mundo/europa/turismo-en-chartres/26216

5. https://es.wikipedia.org/wiki/Gazeta_de_Caracas

6. https://memoriasdevenezuela.wordpress.com/2017/01/25/la-gazeta-de-caracas-es-reflejo-de-la-historia-de-la-independencia/

7. https://es.wikipedia.org/wiki/El_Zulia_Ilustrado

8. https://www.trendsmap.com/twitter/tweet/1397559682508673031, https://docplayer.es/76455639-Las-artes-plasticas-en-maracaibo.html y colección Fundación Arquitectura y Ciudad

TAL DÍA COMO HOY…

… 29 de agosto, falleció en 1780 el arquitecto francés Jacques-Germain Soufflot, nació en 1910 el arquitecto uruguayo Luis García Pardo y en 1993 apareció otra entrega de la página de arquitectura y diseño en El Diario de Caracas.

Entrar a revisar lo acontecido el 29 de agosto, “Día Internacional contra los ensayos nucleares”, fecha en que se celebra el martirio de San Juan Bautista y en que por esas casualidades de la vida nace en 1915 y muere en 1982 la célebre actriz sueca Ingrid Bergman, permite ponernos en contacto de manera azarosa con tres asuntos relacionados con temas que nos interesan.

1. Jacques-Germain Soufflot por Louis-Michel van Loo, Musée du Louvre

En primer lugar, hemos detectado que un día como hoy del año 1780 fallece en París Jacques-Germain Soufflot, quien es considerado el principal representante del estilo neoclásico durante el reinado de Luis XVI.

Soufflot, según vamos repasando diversos portales en los que se presenta su biografía, había nacido en 1713 en Irancy, localidad y comuna francesa situada en la región de Borgoña, departamento de Yonne, en el distrito de Auxerre y cantón de Coulanges-la-Vineuse, fue un afamado autodidacta.

Tras haber dejado el hogar a la edad de 19 años, contra el consejo de sus padres, asistió a la Academia Francesa en Roma ubicada en la Villa Medicis entre 1731 y 1738, donde también estudió los monumentos clásicos, así como la arquitectura renacentista de diseñadores como Andrea Palladio (1508-80), y ejemplos de la arquitectura barroca italiana como la Basílica de San Pedro (1506-1626).

2. Jacques-Germain Soufflot. Izquierda: Hôtel-Dieu (fachada), Lyon, 1761. Derecha: Temple du Change, Lyon, 1750
3. Jacques-Germain Soufflot & Ange-Jacques Gabriel. Hôtel de la Marine, Paris (1775)

En 1738 Soufflot dejó Roma y regresó a Lyon, donde comenzó a ejercer como arquitecto. En https://www.britannica.com/biography/Jacques-Germain-Soufflot se señala: “La simplicidad, la amplitud y los detalles clásicos arqueológicamente precisos de las principales obras de su período de Lyon, la ampliación del Hôtel-Dieu (comenzada en 1741) y el Loge des Changes (1751-1752), presagiaron el movimiento del gusto francés del Rococó hacia el neoclasicismo”. En 1752 Soufflot fue elegido miembro de la Academia de Lyon.

De https://www.urbipedia.org/hoja/Jacques-Germain_Soufflot rescatamos que “En 1747, Soufflot presentó una memoria sobre la arquitectura gótica, tema que contaba con pocos adeptos en la época. Hizo luego un nuevo viaje a Italia en compañía de Abel-François Poisson de Vandières, marqués de Marigny y después volvió a Lyon, en 1751, para realizar el teatro del barrio de Saint-Clair. Se estableció definitivamente en París en 1754, a petición de Marigny, convertido en su protector, que le confió la construcción de su palacete particular (destruido)”.

Designado intendente general de las obras de la corona, el Marqués de Marigny nombró a Soufflot ‘Contrôleur des bâtiments du Roi’ y lo hizo admitir en la primera clase de la ‘Académie royale d’arquitecture’ de París. Además fue distinguido como caballero de la orden de Saint-Michel y fue nombrado director de la Fábrica de los Gobelinos. “Soufflot -según http://www.urbipedia.org- fue igualmente convocado a reflexionar sobre la renovación del Louvre y formuló algunas propuestas que no tuvo tiempo de poner en práctica”.

4. Primer proyecto para la iglesia de Sainte-Geneviève (1756)

A Soufflot el Marqués de Marigny le confía en 1755 el diseño de la que estaba destinada a ser la iglesia principal de París: Sainte-Geneviève. Ubicada en la cima de una colina cercana al palacio de Luxemburgo en el corazón del Barrio Latino, el primer proyecto de la edificación data de 1756. En 1764 se terminó la cripta y desde entonces hasta su muerte en 1780, mientras se construía, el arquitecto no dejó de modificar y perfeccionar su proyecto el cual fue terminado por Jean-Baptiste Rondelet y Maximilien Brébion en 1790 ya en tiempos de la Revolución. Al ser abolida la religión y tras ser proclamado santuario laico de la nación por la Asamblea Legislativa, el edificio fue remodelado entre 1791 y 1793 por Quatremère de Quincy suprimiéndose los campanarios, momento en que adquiere su aspecto actual rebautizándose a partir de entonces como El Panteón.

5. El Panteón, París (1756-1790)
6. El Panteón, París. Vista interior

En http://www.visual-arts-cork.com/architecture/soufflot-jacques-germain.htm encontramos que “La característica más resaltante del Panteón es su cúpula de 272 pies de alto, basada en la de la Catedral de San Pablo, diseñada por Christopher Wren (1632-1723). También destaca … el plano de planta de cruz griega (360 pies de largo por 279 pies de ancho), mientras que su estricto diseño neoclásico está ejemplificado por el frente del templo corintio (basado en el Panteón de Roma). En el interior, la idea básica de Soufflot era combinar una bóveda clásica monumental con esbeltos soportes de estilo gótico y columnas corintias”. Las esbeltas columnas independientes resultaron inadecuadas para soportar la cúpula del edificio, que finalmente tuvo que ser reforzada.

El Panteón, que desde 1793 fue objeto de diversas intervenciones y cambios de uso hasta consolidar su función de mausoleo de los héroes civiles, es el lugar donde reposan junto a los restos del propio Soufflot (trasladados en 1829), los de “Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Victor Hugo, Sadi Carnot, Émile Zola, Jean Jaurès, Jean Moulin, Jean Monnet, Pierre y Marie Curie, André Malraux o incluso Alexandre Dumas, que hizo su entrada en 2002”, información que extraemos de https://es.wikipedia.org/wiki/Panteón_de_París.

7. Arq. Luis García Pardo (1910-2006)

En segundo lugar, dando un salto hacia nuestro continente, también un 29 de agosto pero de 1910 nace en Montevideo, Luis García Pardo (f. 2006) considerado uno de los arquitectos que forjaron nuevos caminos en la arquitectura uruguaya del siglo XX.

De la “Síntesis biográfica” publicada en el catálogo de la exposición “LUIS GARCÍA PARDO” realizada bajo la responsabilidad de Santiago Medero y el IHA (Instituto de Historia de la Arquitectura. Facultad de Arquitectura. Universidad de la República), se desprende los siguiente: “Proveniente de una familia de clase media de origen español, su infancia transcurrió en el barrio montevideano de Colón. Su formación inicial incluyó estudios en dibujo, litografía y grabado. Posteriormente estudió meteorología y astronomía, obteniendo los respectivos títulos en 1931 y 1934”.

García Pardo inicia sus estudios en 1930 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República obteniendo el grado en 1941, destacando entre sus profesores los arquitectos Rius y Carré. En el transcurso de su formación convive una enseñanza clásica con los nuevos valores de la modernidad. “Como estudiante se destacó en las materias de proyecto, composición decorativa, historia y construcción. Su vida universitaria continuó como docente titular de la cátedra de Acondicionamiento Físico de los Edificios y de Acústica aplicada al Urbanismo y a la Arquitectura, disciplina esta última en la que fue pionero a nivel local y regional. Simultáneamente ejerció la docencia en educación secundaria como profesor de Astronomía, Geografía y Geometría y trabajó como meteorólogo y astrónomo en institutos y observatorios de Montevideo”, acotará Medero.

Integra García Pardo junto a Raúl Sichero, Ildefonso Aroztegui, Mario Payssé Reyes y otros colegas uruguayos una generación que se destaca por la introducción de los fundamentos de la arquitectura moderna a través de edificios de una elevada calidad arquitectónica. Su producción y sus intereses abarcaron el proyecto arquitectónico en todas las escalas, la investigación en técnicas constructivas, las artes plásticas y el estudio de diversas disciplinas científicas.

Tras manejar en sus primeras obras durante la década de 1940, al igual que ocurría con otros importantes arquitectos latinoamericanos, “una heterogénea y poco ortodoxa suma de fuentes de inspiración”, los proyectos de García Pardo “a partir de 1948-1949, … comienzan a denotar un alejamiento de la heterodoxia estilística y un acercamiento más decidido a las premisas de la arquitectura moderna internacional. La arquitectura brasileña jugó un papel importante en este sentido: la obra de Niemeyer en Pampulha, los edificios de Reidy y Rino Levi. La década de 1950 fue una etapa fructífera tanto en términos de producción como de logros arquitectónicos. En una nueva sociedad, con el entonces joven arquitecto Adolfo Sommer Smith, realizó los edificios de viviendas en altura Gilpe (1953), Guanabara (1954), El Pilar (1957) y Positano (1957), obras de gran interés por sus búsquedas espaciales, estructurales y materiales”.

8. Luis García Pardo. Izquierda: edificio Gilpe, Montevideo (1953). Derecha: edificio Guanabara, Montevideo (1954)
9. Luis García Pardo. Izquierda: edificio El Pilar, Montevideo (1956). Derecha: edificio Chiloé, Montevideo (1958)
10. Luis García Pardo. Izquierda: edificio Positano, Montevideo (1959). Derecha: edificio Iporá, Montevideo (1963)

Diego López de Haro, quien estudió la obra de García Pardo para elaborar la Tesis Doctoral presentada en diciembre de 2016 en la UPC de Barcelona titulada “Luis García Pardo (1953-1963): el proyecto como revelación”, dirigida por Helio Pinón y Cristina Gastón, apunta: “Conforme avanza la década del 50, la arquitectura de García Pardo progresa en abstracción para finalmente en 1953, afrontar un encargo de edificio de viviendas asumiendo plenamente los valores de la modernidad. A partir de entonces y durante una década, su obra se asentará en el encuentro de la sistematicidad propiciada por la modernidad y la singularidad de las condiciones en que emerge. El marco cronológico queda determinado por un decenio, limitado en sus comienzos por el Edificio Gilpe (Montevideo 1953) y terminado con el edificio Iporá (Montevideo, 1963) último edificio de viviendas construido por García Pardo en Montevideo”. Y continúa: “El proyecto supone en su caso, un proceso de síntesis, ligado tanto a sus condiciones físicas como al programa, comprendiendo así una lógica distinta en cada caso. La arquitectura moderna rara vez cuenta con una formulación que establezca con claridad un ámbito capaz de determinar el planteamiento del proyecto, el programa por si solo es incapaz de sugerir la propuesta, de manera que es el proyecto la instancia que establece los términos de la solución. Dicho de otro modo, el proyecto de arquitectura no se ajusta a un esquema, según el cual, a partir de una definición objetiva del problema, se elabora una solución racional por parte del autor: en arquitectura, es el proyecto quien revela la naturaleza del problema, en la medida que da lugar a una situación que antes no existía. Los criterios de proyecto encuentran estímulo en la técnica o el programa, pero en modo alguno son capaces de prefigurarlo”.

García Pardo tuvo también a su cargo durante un año un Taller de Anteproyectos y Proyectos de Arquitectura en 1952. Ejerció la docencia en otros países, dictó cursos y conferencias sobre arte, acústica y sistemas de prefabricación de vivienda en Facultades de Arquitectura en varias ciudades de Latinoamérica.

En 1973, tras el ofrecimiento de una empresa privada, se radicó en Brasil para trabajar como arquitecto y asesor en acústica, y a su regreso a Uruguay una década después continuó con sus estudios sobre vivienda industrializada. “En este marco, promovió el sistema Predes para su uso en el Programa de Integración de Asentamientos Irregulares y colaboró activamente con la fundación española ‘Rafael Leoz’ ”, señalará Medero.

García Pardo, quien vivió hasta los 95 años, “durante la década de los noventa continuó trabajando en diversos proyectos arquitectónicos y urbanísticos y se presentó a diversos concursos de arquitectura”. A lo largo de su fructífera carrera desarrolló proyectos de arquitectura doméstica y religiosa, integrando el arte en sus edificios, dándole importancia a la estructura y el espacio, la racionalización y la vivienda económica. Se esforzó en implementar estructuras novedosas para resolver nuevas situaciones.

Tras su fallecimiento la familia realizó una donación de material perteneciente al arquitecto al Instituto de Historia de la Arquitectura de la Universidad de la República en el año 2007.

11. Página de arquitectura y diseño de El Diario de Caracas del 29 de agosto de 1993

Para cerrar este repaso por lo acontecido el 29 de agosto añadiremos, como tercer asunto, que por estas fechas del año 1993 en nuestro país se discutía la Ley de Protección y Defensa del Patrimonio Cultural y, con ello como excusa, Oscar Tenreiro clama el 29 de agosto desde la página de arquitectura de El Diario de Caracas que compartía con Farruco Sesto, en el artículo “Respetar a los muertos”, por recuperar el Cementerio General del Sur conminando al entonces alcalde del Municipio Libertador, Aristóbulo Istúriz, a que “ponga en marcha un ambicioso plan de rescate para un monumento esencial en cualquier gran ciudad”, remitiendo a las fotografías aparecidas del Cementerio de Igualada de Enric Mirales y Carme Pinós en el libro de  Klaus Kinold titulado Bauen Beton (Construir en hormigón), señalándolo claro ejemplo de dignificación de dicho uso en la actualidad.

Con “Un triste General en el Sur” y “El Cementerio como problema” Tenreiro y Sesto, respectivamente, retomarán una semana después el debate sobre el tema que finalmente, aunque de manera tibia, producirá la reacción de las autoridades municipales traducida en la convocatoria del Concurso Nacional de Ideas Áreas de Acceso al Cementerio General del Sur que se dio a finales de 1995 resultando ganador Doménico Silvestro.

Con relación a la Ley de Patrimonio, Sesto, en su columna “La Poesía de la Ciudad” aquel mismo día 29 de agosto, relataba una reunión sostenida con el entonces presidente del CONAC, José Antonio Abreu, en la que le solicitó devolver al Congreso el instrumento legal, y le manifestó su oposición a ella por centralista y porque “existe el peligro cierto de que alguien (una persona o un grupo), basado en el poder que le otorgue la ley, imponga una única visión en el tratamiento de los asuntos patrimoniales. Defendimos con ahínco la necesidad del pluralismo cultural en el área”. Cosas veredes.

Abreu, por su parte, afirmando que “puesto que la ley se acoge a la descentralización, el instituto (que se creará y servirá para ejecutarla) podrá regionalizarse a petición de los gobernadores”. También le ofreció a Sesto contemplar los aspectos por los que reclamaba y corregir las imperfecciones de la ley y sus peligros a través del reglamento que la acompañaría. Cabe acotar que la ley apareció finalmente en la Gaceta Oficial del 3 de septiembre por lo que se trataba de un hecho consumado. El Reglamento Parcial nº 1 se publicó el 18 de octubre de 1994 y en realidad no sabemos si satisfizo las aspiraciones de Sesto en cuyas discusiones aparentemente participó “buscando la transparencia que se le negó a la discusión de la ley”.
Desde “NAVE”, tercer componente de la página, Oscar Tenreiro se dedicó a reflexionar sobre el papel de los intelectuales luego de descubrir con asombro la gran cantidad de ellos que se habían suicidado en Portugal a comienzos del siglo XX, llamándole la atención particularmente el caso de Sá Carneiro “gran amigo de Francisco Pessoa”.

En el artículo hay una serie de reflexiones que tienen plena vigencia trasladables a los tiempos que hoy vivimos, en los que han aumentado exponencialmente las circunstancias que entonces se comentaron. Señalaba Tenreiro, luego de subrayar la crisis política y cultural que atravesaba Portugal en la segunda década del siglo XX que condujo a los casos que le impresionaron, cómo “la situación del intelectual en momentos en los que todo apunta hacia la divergencia, el desencuentro, el consenso de la mediocridad”, propia del período que atravesaba nuestro país, permitía extrapolar “la relación crisis-suicidios del Portugal de los años 15 a la Venezuela de los 90, para quedarse mudo ante el inmenso número de suicidas, o de inmolados en batalla, que sería dable esperar en este país de crisis tan amplia y tan aguda” pero donde finalmente no pasaba nada. Y es que para Tenreiro aquí “los intelectuales son otros, tienen que ser otros, porque ante tamaña crisis no es posible que haya tan pocos caídos, para no hablar de suicidios, que ya es demasiado. ¿Pero no hay acaso una fachada intelectual parecida a la que ha habido en lo político, en lo social, en lo sindical y en tantos otros mundos, incluyendo por supuesto al arquitectónico?”.

Tenreiro, sin embargo, aventura una respuesta: «En la Portugal de principios de siglo, como en el resto del mundo, la esfera intelectual estaba claramente separada de la esfera política y social. El poder no usaba a la cultura, en cierta manera la ignoraba…(…)  Hoy, en los 90, el poder coquetea, halaga, se gana, sostiene, a los que se reconocen como representantes de la cultura». La crisis a la que se refiere Tenreiro traería a finales de esa década la llegada al poder de quienes hoy continúan allí llevando al país a una degradación que no tiene parangón con otro momento de nuestra historia. Y aunque las comparaciones son odiosas siempre será posible contraponer aquella crisis a la que hoy nos aqueja, repleta de numerosos caídos y desplazados, para luego determinar con cuál nos quedamos.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado. https://www.pressenza.com/es/2014/08/29-de-agosto-dia-internacional-contra-los-ensayos-nucleares/

1 y 4. https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Germain_Soufflot

2 y 3. https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=10246

5. https://co.pinterest.com/pujarqmodol/01-santa-genoveva-soufflot/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Germain_Soufflot

6. https://es.wikipedia.org/wiki/Pante%C3%B3n_de_Par%C3%ADs

7. https://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Garc%C3%ADa_Pardo

8, 9 y 10. https://upcommons.upc.edu/bitstream/handle/2117/96164/TDLdH1de1.pdf;jsessionid=97F929656D46CE3B2E3A14B0A00A4D05?sequence=1.

11. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

ANTE DOS SIGNIFICATIVOS OLVIDOS, ALGO MÁS SOBRE EL 29 DE AGOSTO

1. Izquierda: Miguel Arroyo (1920-2004). Derecha: Joel Sanz (1947-2013)

El pasado domingo 29 de agosto en la nota “TAL DÍA COMO HOY…”, pasamos inexcusablemente por alto que en esa fecha también, muy relacionados con nuestra cultura, se produjeron el nacimiento en 1920 de Miguel Arroyo (f. 2004) y el fallecimiento en 2008 de Joel Sanz (n. 1947), dos personas que además de destacar en sus respectivos ámbitos profesionales dejaron una huella indeleble como docentes en las generaciones que formaron.

2. Miguel Arroyo y Harry Abend en en el Taller de Ensayos de Texturas (hoy Taller Galia) de la FAU UCV (circa 1958)

1

Para subsanar (sólo en parte) la primera de esas importantes omisiones que se nos hizo patente al visitar la página de facebook de nuestro amigo Enrique Larrañaga, le hemos pedido autorización para transcribir el sentido texto que elaborara hace un año con motivo del centenario del nacimiento de Miguel Arroyo.

El 29 de agosto de 1920, hace hoy cien años, nació en Caracas Miguel Arroyo, persona y personalidad fundamental en el desarrollo artístico venezolano durante el siglo XX y en su introducción a la modernidad.

Desarrolló su trabajo como ceramista, diseñador, museólogo, museógrafo, crítico y teórico y, en mi opinión, esa variedad de dedicaciones pueden resumirse en su permanente y persistente afán docente. Así tuve la suerte de conocerlo cuando no sabía quién era y mi padre me sugirió que le preguntara cuál era la diferencia entre grabados y aguafuertes (se lo había preguntado a él y tampoco sabía) en la inauguración de una exhibición de Goya en el Museo de Bellas Artes y aquel hombre, que hoy presumo muy ocupado con las obligaciones de una inauguración, le dedicó un tiempo que percibí muy largo y minucioso a un muchachito a quien paseó por buena parte de la muestra haciéndole ver las diferencias entre las técnicas a partir de su expresión en las obras y sus soportes.

Años más tarde disfruté su sabiduría (tan intensa que podía desplegarla sin alarde alguno sino con una humildad sobrecogedora) en la Universidad Simón Bolívar y en las varias veces en que me recibió en su casa para conversar sobre casi cualquier tema, consultar dudas, apoyar inquietudes y compartir su extensa biblioteca (de la que me regaló más de un libro que hoy atesoro con el doble interés de los títulos y de su origen).

Hasta en este país desmemoriado e ingrato con sus verdaderos héroes estoy seguro que la fecha generará distintos homenajes y recuerdos y en cada uno seguramente se destacará alguna o varias de las muchas facetas de su trabajo y su legado.

3. Miguel Arroyo compartiendo con sus estudiantes de la Universidad Simón Bolívar durante el receso entre alguna de sus clases de Plástica; posiblemente en 1978 o 1979.

En esta breve nota apenas quiero recordar, con profundo agradecimiento, la generosidad didáctica de ese hombre que compartía lo que sabía y lo que le preocupaba con verdadero interés y serena contundencia, Virtudes que quienes tuvimos la suerte de nutrirnos de ellas recordaremos siempre; cada siglo que pase, como lo hacemos con emoción en este primer siglo de presencia de un maestro integral que hoy se cumple.

Enrique Larrañaga

4. Gerd Leufert, Jesús Soto y Miguel Arroyo en el patio del Museo de Bellas Artes, 1967
5. Luis Alfredo López Méndez y Miguel Arroyo. Intervención de la parte inferior de la marquesina de entrada del Pabellón de Venezuela en la Feria Mundial de New York,1939, proyectado por Gordon Bunshaft para Skidmore & Owings.
6. Miguel Arroyo. Izquierda: Botella (cerámica, arcilla roja, torneado), 1959. Derecha: Arte, Educación y Museología: Estudios y Polémicas 1948-1988 (Caracas, Academia Nacional de la Historia), 1989
7. Miguel Arroyo. Sillas para el estar de la casa de Pampatar de Alfredo Boulton, 1954
8. Miguel Arroyo. Dos de los murales que sirven de división en el Taller de Ensayos de Texturas (hoy Taller Galia) en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (FAU) de la Universidad Central de Venezuela (UCV)

Síntesis biográfica

Miguel Gerónimo Arroyo Castillo nació en Caracas el 29 de agosto de 1920.

Fue ceramista, pintor, diseñador, museólogo, museógrafo, crítico y teórico del arte. Entre 1934 y 1937 asistió a la Academia de Bellas Artes, posteriormente llamada Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas, donde inició su formación de la mano de Antonio Edmundo Monsanto. En 1937, a los 17 años de edad, fue asistente de Luis Alfredo López Méndez realizando con él en 1939 diferentes intervenciones artísticas en el interior del Pabellón de Venezuela en la Feria Mundial de New York, ciudad en la que vivirá durante dos años. En 1943 expuso en la sección de pintura del IV Salón Oficial Anual de Arte Venezolano (MBA) la obra Negros e India. Profesor de Dibujo e Historia del Arte en el Liceo de Aplicación de Caracas (1944-46), entre 1947 y 1948 realizó una especialización en Educación Artística en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh. En 1950, se une al grupo Los Disidentes, liderados desde París por Alejandro Otero. Desde 1951 hasta 1953 trabajó en diseño de interiores y muebles. En 1953, es nombrado profesor del curso de cerámica y de esmalte sobre metal de la Escuela de Artes Plásticas, la Escuela que lo había formado. En 1956 diseñó dos murales tridimensionales y cuatro murales que sirven de división en el Taller de Ensayos de Texturas (hoy Taller Galia) en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela (UCV). En 1954 fue reconocido con el Premio Oficial de Artes Aplicadas del Salón Oficial Anual de Arte Venezolano (Museo de Bellas Artes) con un conjunto de piezas cerámicas. Entre 1957 y 1959 fue profesor Jefe del Taller de Plástica de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV. Diseñó e instaló la colección egipcia del Museo de Bellas Artes, del cual fue director entre 1959 y 1976. Durante su gestión, organizó el museo en departamentos y curadurías, así como también el Servicio de Registro. Profesor invitado de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Simón Bolívar entre 1976 y 1981 y profesor en la Escuela de Artes de la Facultad de Humanidades de la UCV entre 1978 y 1985. Su libro Arte, Educación y Museología: Estudios y Polémicas 1948-1988 (Caracas, Academia Nacional de la Historia, 1989), recopila sus ensayos críticos. En 1992 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Fallece en Caracas el 3 de noviembre de 2004.

9. Joel Sanz en su oficina atendiendo a un grupo de estudiantes de la USB, 2010.

2

Para dejar al menos una pincelada sobre la figura de Joel Sanz apelamos primero a la nota, también muy emotiva, montada justo el pasado domingo 29 de agosto por Víctor Sánchez Taffur en su página de Instagram, y luego al texto “LO MEJOR DE NUESTRAS VIDAS (A causa de una ausencia)”, publicado por Oscar Tenreiro el 7 de septiembre de 2013 en el diario TalCual y que se encuentra desde esa misma fecha en su blog Entre lo cierto y lo verdadero.

Joel fue arquitecto y un profesor a tiempo completo, un monje del claustro académico. Gracias a su legado docente obtuvo los méritos suficientes para recibir el Premio Nacional de Arquitectura de Venezuela en el año 2000.

Fue uno de los fundadores de la Unidad Docente Nueve, y allí dio clases alrededor de cuatro décadas. Por cierto, la UD9 se prepara para cumplir sus 50 años en este 2022 y es importante recalcar que el maestro Sanz dirigió como coordinador casi la mitad del tiempo que tiene el grupo académico.

Conocí a Joel a los 15 años, luego entré a estudiar arquitectura, trabajé en su oficina, compartimos infinidad de actividades, clases, eventos, viajes y reuniones. Fuimos amigos.

10. Imágenes de la última visita de Joel Sanz al curso del profesor Víctor Sánchez Taffur en la Unidad Docente 9

Estas imágenes pertenecen a la última vez que visitó mi curso y los estudiantes tuvieron la oportunidad de escucharlo.

Hoy se cumplen 8 años del fallecimiento del maestro Joel Sanz, pasa el tiempo y seguimos escrutando todas las cartas que nos dejó sobre la mesa.

Víctor Sánchez Taffur

11. Charla del profesor Joel Sanz en el Museo Arqueológico de Quíbor durante la visita realizada por el curso del profesor Víctor Sánchez Taffur, 2005.

I

Ricardo Lagos, ex-Presidente de Chile declara en una entrevista para El País de Madrid: En Chile, la dictadura nos robó lo mejor de nuestras vidas. ¿No podemos decir los venezolanos, exactamente lo mismo? Lo creo, y vuelve en mí esa convicción con toda su fuerza con motivo de la reciente muerte, súbita, del colega Joel Sanz, nacido en Noviembre de 1947.

Si dejamos aparte todo aquello que nos hace singulares, Joel era uno más de los venezolanos que han visto con estoicismo mezclado con una muy explicable sensación de frustración el transcurrir de los últimos quince años, dominados por una especie de reinado de la mediocridad y el resentimiento. Tiempo en el cual el desdén hacia la idoneidad profesional en provecho de la sujeción política ha sido la norma, con algunos momentos, muy raros y ya lejanos en el tiempo, de efímera apertura.

Sabemos que esa sujeción impuesta desde el Poder ha sido un mal venezolano, pero en este tiempo de espejismos revolucionarios ha llegado a niveles como nunca en nuestra historia. Y si los espacios de trabajo públicos para los arquitectos han sido aquí tradicionalmente una reserva para allegados y amigos, siempre hubo alguna posibilidad de que se abrieran oportunidades, algo que hoy resulta prácticamente imposible a menos que se cultive y rinda culto a la hipocresía.

En un escenario así personas como Joel Sanz, veraces, de cordialidad sincera pero nunca complaciente, conscientes de que su valor personal y profesional era resultado de un proceso de maduración profundo y auténtico, en el que las apariencias poco contaban, tenía necesariamente que verse en situación difícil, colocado en cierto modo al margen, en una frontera problemática.

12. Joel Sanz. La Casa de mi Madre, Higuerote, 1987. Mención Especial en la Categoría Diseño Arquitectónico en la VII Bienal de Arquitectura de Quito de 1990

II

Todos en nuestro mundo profesional hemos estado asediados por este contexto hostil y desde todo punto de vista absurdo en un país donde todo está por hacerse. Y la muerte de Sanz, Premio Nacional de Arquitectura del año 2000, nos lo hace notar, de nuevo, de un modo estridente y doloroso.

Toda muerte, eso creo, es un mensaje, una llamada, una señal a menudo incomprensible. Y para mí la de Joel Sanz, aparte de esa dificultad para entenderla, me induce en cierto modo a gritarle en la cara a quienes teniendo en sus manos la posibilidad de que gentes como él dijesen una palabra fuerte a través del hacer, de su obra, se mantengan pasivos o incluso sigan practicando esa absurda doctrina de la exclusión, asunto central del proceder público dominante aquí. Porque Joel era un arquitecto que pudo construir muy poco hasta llegar últimamente a enfocarse sólo en la docencia, pese a su muy sólida formación: conocimiento constructivo que se expresaba por ejemplo en el dominio del detalle, hábil y atractivo manejo de los materiales, un sentido intuitivo de las formas de trabajo de la estructura, y una gran facilidad para la organización del edificio. Todo unido a un sólido compromiso estético que lo llevó a proponer imágenes de arquitectura que deben perdurar aunque sea en el mundo virtual, tarea que corresponde realizar ahora a sus legatarios, sus colegas cercanos del mundo universitario (la Unidad Nueve de la UCV), compromiso docente que cultivó con entrega y una rara vocación. Porque no puede dejarse de relacionar la personalidad de Sanz con esa labor de profesor que estimuló en muchos el amor a la arquitectura, a la vez que insistía en la necesidad de rigor, de estudio y de trabajo fuerte, virtudes que le fueron propias.

13. Joel Sanz. Propuesta ganadora del Concurso Nacional de Ideas “La Cultura Libera al San Carlos”, 2000

III

Era Joel Sanz ese tipo de arquitecto nuestro que, sin estar demasiado consciente de ello, ejerce considerando suyas las mejores cosas de la tradición moderna: la forma es esencialmente resultado y mucho menos imposición previa, siendo la organización del edificio uno de sus orígenes; la propuesta estructural se asume como hilo conductor del proceso; el edificio resuelve problemas, responde a ellos, se vincula positivamente a un programa sin que este requisito se imponga; agudeza en la identificación de ciertas líneas maestras que orientan el diseño (la topografía, los accidentes naturales, las direcciones visuales en contextos urbanos); importancia de las proporciones: el hombre como referencia permanente. Agudeza ayudada por un talento innato, reconocible en su capacidad para el dibujo, expresiva, precisa, capaz de, incluso, llevarlo a la vez por direcciones opuestas, lo cual le provocaba no pocos conflictos. Y objetivos estéticos muy bien inscritos en nuestro momento histórico. Tal vez digo demasiadas cosas difíciles de expresar (recordemos que la arquitectura se muestra, no se explica) pero sé también que hay pocos arquitectos de ese tipo aquí y en cualquier parte, porque ha ido pesando demasiado la superposición de modas o tendencias orientadas por la pulsión artística.

No creo que haya entre los colegas de aquí, que ven en nuestra disciplina un sentido más profundo que el de simple medio de sustento, conscientes de su dimensión cultural, de las exigencias intelectuales en el sentido tan bien definido por Carlos Raúl Villanueva, que dude en decir que con la muerte de Joel Sanz pierde Venezuela uno de sus mejores arquitectos. Y lo más irónico, lo que precisamente nos lleva a increpar al puñado de colegas que conscientes o no de su complicidad son parte de una suerte de mafia sumisa que soporta directa e indirectamente la parodia política que rige a Venezuela, es que muere sin haber podido dejarnos lo que sus capacidades le hubieran permitido hacer. La cultura venezolana es la que pierde y eso cuenta, porque en ella se mostrarán las consecuencias de la desgraciada coyuntura política que hemos vivido, sea cual sea su nombre, durante quince años. Y ha hecho posible tantas cosas que nos han robado lo mejor de nuestras vidas.

Oscar Tenreiro

14. Carlos Gómez de Llarena y Joel Sanz (colaborador). Residencia Geriátrica en Caraballeda, 1971-1973
15. Joel Sanz. Museo Arqueológico de Quibor (hoy Museo Antropológico de Quibor Francisco Tamayo). Vista del edificio Residencia y del edificio de Investigación, 1996
16. Izquierda: Joel Sanz. Museo Arqueológico de Quibor (hoy Museo Antropológico de Quibor Francisco Tamayo). Sección frontal del edificio de Investigación, 1996. Derecha: Joel Sanz (coord.) Carceri d´ Invenzione, v 2.0, 2005.
17. Joel Sanz. Centro de tenis para los XV Juegos Deportivos Nacionales, San Carlos, Cojedes, 2003

Síntesis biográfica

Joel Sanz Pino nació en Caracas el 23 de noviembre de 1947.

Fue arquitecto, diseñador y docente. En 1964 se inscribe en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela. Mientras estudiaba realizó una pasantía con el arquitecto Jesús Tenreiro. Recibe su título de arquitecto el 12 de marzo de 1970 graduándose con honores. Fue ganador de un concurso como preparador de Geometría Descriptiva, y fue preparador de los profesores Ángel Martin, Omar Carnevalli y de Pablo Lasala quien fue su profesor y luego amigo. En el año 1971 comienza a trabajar con el arquitecto Carlos Gómez de Llarena y desarrollan una Residencia para ancianos en Caraballeda para la Fundación Planchart. En el año 1972 funda un taller de proyectos, junto a Pablo Lasala, Carlos Gómez de Llarena y Jacobo Koifman, que se denominó Unidad Docente 5, que pasó a ser Unidad Docente 7 y luego Unidad Docente 9, taller que actualmente continúa en la Facultad de Arquitectura, que cuenta con 40 años de actividad académica, del que Sanz fue coordinador desde el año 1985 hasta el año 2005. Ha sido profesor de Historia de la Arquitectura Moderna desde 1980 hasta 1984, profesor invitado al Taller de Diseño Inter-facultades de la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile en Santiago de Chile en el año 1998, profesor de la Maestría de Diseño Urbano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en el año 2000 y en noviembre de 2007 fue Profesor Visitante de la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Fue coordinador de la publicación Carceri d´ Invenzione, v 2.0, que incluyó los proyectos de titulación de sus alumnos en el primer período académico del año 2005. Como profesor de la asignatura Diseño sus alumnos han obtenido 21 premios Axis: 8 premios únicos y 13 menciones. En 1975, se une a Juan Carlos Parilli y Francisco Arocha como socio de la firma S+P+A, Arquitectos, C.A. Participó en gran cantidad de proyectos de diferentes escalas, y de concursos de arquitectura ganando cuatro premios y cuatro menciones honoríficas. El año 2000 obtiene el Premio Nacional de Arquitectura.

Fallece en Caracas el 29 de agosto de 2013.

ACA

Procedencia de las imágenes

1 izquierda. http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/Arroyo,_Miguel

1 derecha. https://oscartenreiro.com/2013/09/14/no-perder-el-alma/

2. https://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2009/05/12/villanueva-en-barcelona-o-tenreiro-tal-cual-venezuela/

3. https://www.ceciliadetorres.com/exhibitions/enlarge/gerd_leufert_-_life_gestures_works_on_paper_1960-1995/1091

4. https://www.facebook.com/search/top?q=enrique%20larra%C3%B1aga

5, 6 y 16 derecha. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

7. https://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2010/11/15/miguel-arroyo-1920-2004-pionero-del-mobiliario-moderno-el-nacional-caracas/

8. https://www.flickr.com/photos/hzdedalus/14870403299 y-horizontes-del-taller/ y https://www.picuki.com/tag/TallerGalia

9. https://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2013/09/23/lo-mejor-de-nuestras-vidas-homenaje-a-joel-sanz-1947-2013-oscar-tenreiro/

10, 11, 15 y 16 izquierda. https://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2010/10/15/bitacora-de-tres-propuestas-para-quibor-museo-antropologico-de-quibor-francisco-tamayo-joel-sanz-venezuela/

12, 14 y 17. Colección Crono Arquitectura Venezuela.

13. https://hanniagomez.blogspot.com/2009/01/joel-sanz-premio-nacional-de.html

HA SIDO NOTICIA

CARACAS LLEGA HOY A 454 AÑOS

Hoy, día en que nuestra capital cumple un nuevo aniversario, creímos oportuno, hacer un registro y dejar sentado nuestro reconocimiento a todas aquellas personas y organizaciones comprometidas con la ciudad, que han organizado o participado en una amplia gama de eventos distribuidos a lo largo de este mes de julio y que han tenido la fecha conmemorativa su epicentro. También, como modesto aporte, hemos recopilado una serie de textos en su mayoría de carácter poético que tienen a Caracas como protagonista y que siempre es bueno releer para  constatar las diferentes maneras como ha sido y es entendida una urbe.

La primera y más grata sorpresa ha sido el encontrarnos con la importante coordinación organizativa que ha asumido @siudad_ve quien a través de #CaracasViva y #CC454 ha ofrecido la oportunidad de seguir una notable cantidad de actividades entre el 19 y el 31 de julio que se resumen en un nutrido programa donde se resalta “lo mejor que la Ciudad nos da cada día”, publicado gracias al apoyo de @nthonymarquez de #SingularityUCaracasChapter quien aportó la imagen gráfica que le ha dado un carácter unitario a la celebración.

Así, con el soporte de cerca de 50 organizaciones y aglutinando 46 actividades la gente de @siudad_ve, ha planteado lo siguiente: “La pandemia lejos de paralizarnos nos ha inquietado más, y el tiempo que no hemos podido salir a la calle nos ha revelado realidades que nunca antes imaginamos, y justo al saber que, en el mismo aislamiento social/físico hay acciones que se pueden impulsar desde el espacio virtual, nos lleva a ver la gran crisis que atraviesa Caracas como una gran oportunidad para resaltar su aniversario 454”.

A modo de declaración de principios @siudad_ve dio inicio a la presentación de las actividades desde el lunes 19 de julio exponiendo: “Vamos a contrarrestar la violencia, escasez, la crisis en general, con iniciativas que permitan ver una Caracas donde los buenos somos más. (…) Por muy difícil que parezca, SI hay razones para seguir insistiendo en transformar esta realidad tan dura que atravesamos todos, en la ciudad y el País sostenible que nos merecemos ser. (…) Desde hace cuatro años entre varias organizaciones hemos promovido actividades de construcción de ciudadanía en pro de la defensa del derecho a la Ciudad. (…) Se trata de motivarnos a nosotros y motivar a nuestro entorno, cualquier iniciativa que nos conecte con lo bueno que se está haciendo y todo lo que podemos llegar a lograr, será el mejor regalo para nuestra Caracas en su 454 Aniversario”.

Destacan de entre las actividades programadas a lo largo de la semana que hoy concluye la activa participación de @diseñoenvenezuela mediante la serie “Publicación Stories” y el tema “Publicaciones en Redes” donde se incorporaron @turutadigital, @arquitectura_ccs, @ssmbranding, @samsam85 y @mauroesmoda y @esrivenezuela.

El activismo incansable de nuestro colega y amigo Enrique Larrañaga se puso de manifiesto a través de la publicación el 20 de julio en https://www.cinco8.com del texto “¿Qué dice la ciudad?”, su participación ese mismo día dictando la charla “Pandemias, ciudad y ciudadanía” y el jueves 22 en el Encuentro virtual “Caracas 454, reflexiones y proyecciones” organizado por la Fundación para la Cultura Urbana en el que estuvo acompañado por María Isabel Peña y Alonso Moleiro tratando el tema “Pandemia, coexistencia y sostenibilidad”.

En un jueves 22 particularmente activo destacaron el Foro Virtual “Articuladores de los posible”, el conversatorio “Hacer arquitectura interior es también hacer arquitectura” organizado por @revistaentrerayyas y @proseinvenezuela, y la presentación “Río Guaire” a cargo de @glocalstudio.

Capítulo aparte lo constituye la actividad desplegada por la Fundación Espacio entre el jueves 22 y hoy domingo 25 en el marco de “454 aniversario. Caracas x una ciudad + verde. Celebrando iniciativas sostenibles” inscrita en el proyecto “Reframing Green Spaces”. “La preservación de un santuario natural” (Compostero Natural de La Floresta), “Remediación ecológica y participación ciudadana” (Vivero municipal de Chacao), “Formación de Eco-ciudadanos” (Jardín La Salle) y El espacio público y la organización vecinal” (Parque Aruflo) ha sido el programa presentado por una organización que resalta por su compromiso con temas relacionados a lo urbano y lo arquitectónico.

El viernes 23, entre otros programas, la Academia Nacional de la Ingeniería y el Hábitat organizó el foro vía zoom “Espacio público y movilidad urbana sostenible” y en la Sala Cabrujas se realizó el conversatorio “Caracas ciudad creativa” a cargo de @culturachacao.

La movilidad y el recorrido se adueñaron del día de ayer, sábado 24. Collectivox (@ccsen365) bajo el lema Caminatas sonoras propuso ir “De Catia a Petare” a través de una Intagram Live Session; @arquitecturacaracas planteó la ruta histórica “Ccs y su Arquitectura de siglo a siglo”; @enlace_arq y @ciudlab organizaron el recorrido presencial “Nacimiento del Río Guaire, la autopista como barrera”; y @culturachacao montó otro Arquitour que tituló “3 Municipios, 1 Ciudad, la arquitectura anónima de Caracas”.

Fuera del programa coordinado por @siudad_ve, encontramos que el Centro de Arte Los Galpones hizo el jueves 23 su particular “Homenaje a Caracas en su aniversario” invitando a María F. Sigilio, Martín Julio Padrón y Nicomedes Febres a participar en una conversación presencial “sobre la arquitectura, las costumbres y la vida cotidiana de Caracas hace un siglo, con especial referencia a lo femenino”, realizada en el marco de la exposición “Caracas, un tributo, una mirada”. Por otra parte en La voce d’Italia apareció el 29 de junio la convocatoria a participar una exposición colectiva virtual donde se invitó a los interesados “a escribir a norte14.ccs@gmail.com para ampliar la información y ser parte de la muestra» y donde se señala que “ las obras se recibirán entre el 30 de Junio y el 13 de Julio de 2021 y la exhibición será a partir del 25 de Julio 2021, día del 454° Aniversario de Caracas”.

Para hoy domingo 25, día de Caracas, obviamente se han concentrado numerosas actividades que no desglosaremos invitándolos a revisarlas para seleccionar aquellas a las que decidan asistir. Lo mismo sugerimos para el resto del programa que se prolonga hasta el 31 de este mes.

Como ya adelantáramos, transcribiremos en primer lugar un fragmento del conocido poema Vuelta a la patria (1877) de Juan Antonio Pérez Bonalde (1846-1892) como ejemplo de una mirada decididamente romántica que en algún momento inspiró nuestra ciudad.

Luego colocaremos “El día de Caracas” de Aquiles Nazoa (1920-1976) extraído de su libro Poemas populares (1987) que habla en tono sencillo pero muy ilustrativo de las trasformaciones que durante el siglo pasado fue sufriendo la ciudad.

De Terredad (1978), hemos escogido un poema de Eugenio Montejo que se centra en el tema del extrañamiento que un ciudadano va sintiendo del lugar que, sumido en una modernidad sin pies ni cabeza, lo vio nacer y crecer.

Y, para finalizar, dentro del espacio ocupado en el ideario de José Ignacio Cabrujas por el tema de la provisionalidad, el cual identificaba como atributo de lo caraqueño, otro poema que Ibsen Martínez dio a la prensa en el texto “La Caracas de Cabrujas. Mientras tanto y por si acaso” el 16 de mayo de 2011, “originalmente escrito para recitante, para una voz entreverada con la música de Juan Carlos Núñez”. Se trataba de “una edición discográfica, conmemorativa de la fundación de Caracas y costeada por una empresa de ingenieros consultores … virtualmente inédito hasta hoy” y que lleva por título “No hay Fanfarrias solemnes” (circa 1978).

Feliz domingo.

Vuelta a la patria (1877)

Fragmento

Juan Antonio Pérez Bonalde

De pronto, al descender de una hondonada,

“¡Caracas, allí está!” dice el auriga,

y súbito el espíritu despierta

ante la dicha cierta

de ver la tierra amiga.

Caracas, allí está; sus techos rojos,

su blanca torre, sus azules lomas

y sus bandas de tímidas palomas

hacen nublar de lágrimas mis ojos.

Caracas, allí está; vedla tendida

a las faldas del Ávila empinado,

odalisca rendida

a los pies del sultán enamorado.

Hay fiesta en el espacio y la campiña,

fiesta de paz y amores:

acarician los vientos la montaña;

del bosque los alados trovadores

su dulce canturía

dejan oír en la alameda umbría;

los menudos insectos en las flores

a los dorados pistilos se abrazan;

besa el aura amorosa al manso Guaire,

y con los rayos de la luz se enlazan

los impalpables átomos del aire.

De Poemas populares (1987)

El día de Caracas

Aquiles Nazoa.

Sentado como un tonto en El Calvario

—refugio de poetas y de flojos—,

mi corazón recoge tus despojos

en un sentimental itinerario.

Tu antigua sencillez de campanario

flota en el aire aún, pero los ojos

ya nunca más verán los techos rojos

que te dieron prestigio literario.

Pues enferma de snob cosmopolita,

te dio por transformarte -¡pobrecita!-

en una Nueva York de a cuatro reales.

Y así llegar lograste a lo que hoy eres:

una Babel de radios y choferes,

¡y ese montón de Casas Regionales!

De Terredad (1978)

Eugenio Montejo

Tan altos son los edificios

que ya no se ve nada de mi infancia.

Perdí mi patio con sus lentas nubes

donde la luz dejó plumas de ibis,

egipcias claridades,

perdí mi nombre y el sueño de mi casa.

Rectos andamios, torre sobre torre,

nos ocultan ahora la montaña.

El ruido crece a mil motores por oído,

a mil autos por pie, todos mortales.

Los hombres corren detrás de sus voces

pero las voces van a la deriva

detrás de los taxis.

Más lejana que Tebas, Troya, Nínive

y los fragmentos de sus sueños,

Caracas, ¿dónde estuvo?

Perdí mi sombra y el tacto de sus piedras,

ya no se ve nada de mi infancia.

Puedo pasearme ahora por sus calles

a tientas, cada vez más solitario;

su espacio es real, impávido, concreto,

sólo mi historia es falsa.

No hay fanfarrias solemnes

José Ignacio Cabrujas (circa 1978)

Conviene recordar a veces

Que se trata de un valle y de unas gentes

Y de un lugar de paso

Que nadie vino a quedarse demasiado

Porque todos los carteles que medían la distancia

Hablaban de exilio y mientras tanto

Que las casas se entendían en los planos

Con esa facilidad de los cuadrados

Que no hubo un ser con imaginación de triángulo

Que fue un lugar de obstinados terremotos

Que Catedral fue un por decir y no una torre

Que eran hombres de prisa

Y que cualquier constancia partió de una derrota

Conviene recordar que fue ciudad de locos

Al norte de una empresa

Que entrar en ella era bajar de la montaña

Y que todo iba a ser mejor mañana

Que una cosa antes de ser, se parecía

Así la gente, así la música

Así esta historia

Siempre al norte, mientras tanto y por si acaso.

ACA

Procedencia de las imágenes

En el texto

TAL DÍA COMO HOY…

… se celebra el Día Mundial de la Población, nace el pintor venezolano Juan Lovera y en el país se dan dos curiosos acontecimientos.

Como un tema que tiene múltiple aristas y toca a casi todas las ramas del conocimiento, el de la Población, en la medida que se convirtió en asunto que había que atender, alertar sobre sus consecuencias y hacer seguimiento, fue motivo para que en junio de 1989 el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD) tomara la iniciativa y recomendara su instauración con la jerarquía de Día Mundial. Ello ocurrió teniendo como referencia que el 11 de julio de 1987 de manera simbólica el número de habitantes del mundo llegó a los 5.000 millones, cifra que desde entonces no ha dejado de multiplicarse. Según el PNUDla intención de este día es centrar la atención en la urgencia y la importancia de las cuestiones de población, particularmente en el contexto de los programas y planes generales de desarrollo, y en la necesidad de encontrar soluciones a estos problemas”.

Para la Organización de las Naciones Unidas (a quien está adscrito el PNUD), a partir de entonces se ha convertido en prioritario poner a disposición del público en general información sobre una cuestión del más alto interés así cmo movilizar la voluntad política y los recursos para abordar un problema de alcance universal. Con la decisión se busca que las organizaciones y oficinas del sistema de las Naciones Unidas y, lo que es más importante, los gobiernos, la sociedad civil, el sector público y el privado, las escuelas, las universidades y, en general, los ciudadanos, hagan de este día un trampolín para actividades de sensibilización.

1. La población mundial alcanzó los 7 mil millones el 31 de octubre de 2011. En la foto, cerca de una entrada a la Sede de las Naciones Unidas, hay una pancarta de una campaña mundial del UNFPA para crear conciencia sobre las oportunidades y los desafíos que plantea este hito.

Tuvieron que pasar cientos de miles de años para que la población mundial creciera hasta alcanzar los 1.000 millones, y sólo en unos 200 años más se multiplicó por siete. La página https://www.un.org/es/global-issues/population indica que “en 1950, cinco años después de la fundación de las Naciones Unidas, se estimaba que la población mundial era de 2.600 millones de personas. Se alcanzaron los 5.000 millones en 1987 y, en 1999, los 6.000 millones. En octubre de 2011, se estimaba que la población mundial era de 7.000 millones de personas. (…) Se espera que la población mundial aumente en 2.000 millones de personas en los próximos 30 años, pasando de los 7.700 millones actuales a los 9.700 millones en 2050, pudiendo llegar a un pico de cerca de 11.000 millones para 2100”. Y añade: “Este crecimiento tan drástico se ha producido en gran medida por el aumento del número de personas que sobreviven hasta llegar a la edad reproductiva y ha venido acompañado de grandes cambios en las tasas de fecundidad, lo que ha aumentado los procesos de urbanización y los movimientos migratorios. Estas tendencias tendrán importantes repercusiones para las generaciones venideras”.

Como resumen se sabe que al día de hoy son China e India los países más poblados y que “a comienzos de la década de 1970, las mujeres tenían una media de 4,5 hijos cada una; en 2015, la fecundidad total mundial había caído hasta unos 2,5 hijos por mujer. Mientras tanto, la vida media de una persona ha aumentado de 64,6 años a comienzos de la década de 1990 hasta 72,6 años en 2019”. Para 2100 África será el continente con más rápido crecimiento y como contraparte seguirá disminuyendo la población de Europa. Se prevé también un incremento en los niveles de urbanización y una aceleración de la migración: “En 2007, por primera vez, vivieron más personas en zonas urbanas que en zonas rurales, y en 2050 alrededor del 66% de la población mundial vivirá en ciudades”.

Aunque el enfoque que el PNUD y el Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA) le han querido dar a este día está dirigido, principalmente, a generar reflexiones y debates en torno a los desequilibrios poblacionales que se pueden generar por fenómenos como el aumento en la esperanza de vida, el envejecimiento de la población mundial, las enfermedades y la sobrepoblación de algunos territorios, los cuales a su vez afectan al desarrollo económico, al empleo, a la distribución de la renta, a la pobreza y a las protecciones sociales, el hecho es que tanto para la arquitectura como para el urbanismo y su enseñanza, a partir de lo señalado, se les presentan importantes retos. Los mismos se vinculan a los esfuerzos por garantizar el acceso universal a la atención médica, la educación, la vivienda, el saneamiento, el agua, los alimentos y la energía así como a la posibilidad de que la población pueda planear sus familias y por tanto puedan planear su vida.

Se ha escogido como tema para el Día Mundial de la Población 2021, “Los derechos y las opciones son la respuesta: priorizar los derechos en materia de salud reproductiva de todas las personas”.

2. Juan Lovera. «El tumulto del 19 de abril de 1810«, 1835

Como ya adelantamos, hoy 11 de julio pero de 1776 nació en Santiago de León de Caracas el pintor Juan Lovera Arrechederra. Tal y como reza en su biografía publicada en Wikipedia Juan fue “hijo del cerero Atanasio Lovera y de Juana Rosalba Arrechederra, ambos pardos libres. Realizó sus primeros estudios en el Convento de San Jacinto de los frailes dominicos. Asistió al taller del pintor y dorador Antonio José Landaeta, en calidad de aprendiz, en donde tuvo como condiscípulo al artista José Hilarión Ibarra. Según el historiador Manuel Landaeta Rosales, tras la muerte de su maestro, Lovera instala su propio taller en donde habría pintado un retrato del sabio alemán Alejandro de Humboldt durante su visita a Caracas en 1799”.

Lovera militó por la causa independentista de los territorios americanos, lo que le valió ser perseguido tras el triunfo del realista Domingo de Monteverde (1812). Cuando el ejército de José Tomás Boves invadió Caracas (1814), migró a Cumaná, donde impartió clases de pintura. Carlos Duarte, sin embargo, afirma que su migración fue a las Antillas de donde regresó en 1820.

Trabajó en la decoración del Cabildo Municipal de Caracas (1821-1823). Fue nombrado en septiembre de 1821 Corregidor de Caracas y un año más tarde se desempeñó como Alcalde ordinario del Cabildo caraqueño.

3. Juan Lovera. «El 5 de julio de 1811«, 1838.

A partir de 1824, realizó retratos de ciudadanos notables como José Antonio Páez, Cristóbal Mendoza (1823), Simón Bolívar (1827) y José María Vargas por lo que se le conoció como “el pintor de los próceres”; además, en 1828 fundó el primer taller litográfico del país. En 1835 pintó El tumulto del 19 de abril de 1810 que obsequia a la Diputación Provincial de Caracas, junto a una carta que explica su intención de preservar la memoria de tan importante suceso histórico. En 1838 pinta su obra El 5 de julio de 1811, que esta vez obsequia al Congreso Nacional. En la parte inferior de este último cuadro dibuja a cada personaje firmante, acompañado de una guía numérica con los nombres respectivos. Ambos cuadros se exhiben en la Capilla Santa Rosa de Lima, Caracas.

Los últimos años de su vida se dedica a enseñar, mostrando gran interés en sus discípulos Pedro Lovera (de quien Manuel Landaeta Rosales afirma era su hijo) y Celestino Martínez. Fue profesor de la Academia de Dibujo que funcionaba en Caracas. También se menciona a Lovera como uno de los promotores de la fundación de la Compañía de Artistas de Caracas en el año de 1841.

Lovera fue objeto de la que se considera la primera crítica de arte en Venezuela, un artículo de 1811 publicado en El Mercurio Venezolano de Caracas donde Francisco Isnardirefiere que Lovera estaba pintando una copia de Los cuatro elementos del pintor francés Charles Lebrun y merecía la protección del nuevo gobierno republicano”.

Los primeros datos biográficos sobre el artista los aporta en 1906 el historiador Manuel Landaeta Rosales. Por otro lado, en vista que Lovera no firmó la mayoría de sus obras, la construcción de una posible colección de sus cuadros ha sido algo complicada. “En 1939 se incluye su obra La Divina Pastora (1820) en la primera exposición sobre Pintura colonial venezolana organizada en el Museo de Bellas Artes de Caracas. (…) En 1951 el crítico de arte Enrique Planchart publica un artículo en la Revista Nacional de Cultura en el cual analiza por primera vez algunas obras de Juan Lovera. (…) En 1960 se realiza la primera exposición de 21 obras atribuidas a Juan Lovera bajo la curaduría del historiador del arte Alfredo Boulton en Museo de Bellas Artes de Caracas. (…) En 1978 se realiza la exposición Juan Lovera y su tiempo, con todas las obras atribuidas al artista, en la Galería de Arte Nacional, Caracas.

4. Cuatro retratos realizados por Juan Lovera. Simón Bolívar (1827), Francisco Antonio Paúl (c. 1820), Presbítero Dr. Domingo Sixto Freites (1831) y Lino Gallardo (c. 1830).

Para cerrar, en el artículo dedicado a Juan Lovera para el tomo 2 del Diccionario biográfico de las artes visuales en Venezuela (2005), Alejandro Salas, luego de un exhaustivo repaso por quienes han estudiado su obra, señala que “Francisco Da Antonio no duda en incluirlo dentro de lo que él ha llamado ‘arclásico’, es decir, el estilo de los pintores americanos de la época independentista: ‘para nosotros, más que pintor de género o iniciador de la pintura histórica en Venezuela, Lovera fue un pintor realista; independientemente del testimonio histórico que aportan sus obras, Lovera ni pintó cuadros ‘de historia’, ni escenas de ‘costumbres’: él transcribió en imágenes plásticas los acontecimientos de los cuales fue testigo presencial, y a los hombres que fueron sus contemporáneos”.

Juan Lovera, luego de ejercer el oficio de pintor por más de 50 años, falleció en Caracas el 20 de enero de 1841. En su testamento afirma estar soltero y sin hijos por lo que la hipótesis de que el pintor Pedro Lovera era más bien su sobrino cobra fuerza.

5. Izquierda: Primer Teatro Baralt de Maracaibo (1877-1883). Derecha: Fotografía de la esquina de Las Gradillas, Caracas

Los dos curiosos acontecimientos que anunciáramos acaecidos tal día como hoy 11 de julio fueron, por un lado, la Primera Proyección de vistas animadas que se conoció en nuestro país realizada en 1896 en el Teatro Baralt de Maracaibo y, por el otro, el primer accidente automovilístico sucedido en Caracas cuando en 1913 colisionaron dos automóviles en la esquina de “Las Gradillas”.

6. Vitascopio, modelo que forma parte de la evolución del Cinematógrafo, con el cual se lleva a cabo el estreno en Maracaibo.
7. Izquierda: Derecha: Cuadro de «Un célebre especialista sacando muelas en el gran Hotel Europa», estrenado el 28 de enero de 1897.

Con respecto al primero de ellos vale la pena recordar que la ilustrada y a la vez romántica Maracaibo de finales del siglo XIX pudo disfrutar de aquella primera proyección gracias a que el empresario Luis Manuel Méndez había adquirido en Nueva York y traído a la ciudad el Vitascopio del inventor estadounidense Thomas Alba Edison, siendo el joven fotógrafo, fotograbador y pintor retratista zuliano Manuel Trujillo Durán (1871-1933) el operario que contratara Méndez para manejar aquella primera máquina cinematográfica que llegara territorio nacional, y quien luego se encargaría de difundir el novedoso dispositivo mediante varias giras itinerantes.

Tal y como recoge Ricardo Tirado en Memorias y Notas del Cine Venezolano 1897-1959 (1988), entre las películas proyectadas aquel 11 de julio de 1996 se encontraban «The Monroe Doctrine» y «Anabella Serpentine Dance», que causó grata impresión entre los asistentes por la voluptuosa soltura de la bailarina Anabelle Whitford.

8. Teatro Barat, Maracaibo. Grabado de comienzos del siglo XX (izquierda) y postal de los años 50 cuando ya había sido remodelado (derecha).

Vale la pena recordar también que aquel Teatro Baralt inaugurado en 1883 contaba con un pórtico conformado por cuatro columnas toscanas y una terraza protegida con barandas de hierro, y que fue demolido en 1928 para colocar en su lugar al que hoy conocemos donde intervino como arquitecto Leon Achiel Jerome Höet.

Al año siguiente, el 28 de enero de 1897, apenas seis meses después del histórico día, el viejo Teatro Baralt también tuvo el honor de albergar la primera función cinematográfica corrida de la que exista memoria convirtiéndose en “cuna del cine venezolano”. Fue ofrecida a las 7:00 en punto de la noche donde había subido a escena la ópera «La Favorita» y, para concluir el programa, se exhibieron (en este caso utilizando el Cinematógrafo de los hermanos Lumière) junto a dos documentales de dichos hermanos (“Los Campos Elíseos” y “La llegada de un tren”), unos cuantos metros de celuloide impreso, totalmente realizado en el país (en Maracaibo más específicamente): “Un célebre especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa” y “Muchachos bañándose en la laguna de Maracaibo”. La dirección de los filmes venezolanos se atribuye al ya mencionado a Manuel Trujillo Durán, aunque no hay documentación histórica muy precisa. Ya para entonces Trujillo Durán ejercía la representación de firmas fotográficas extranjeras y de la revista especializada Luz y Sombra, que se editaba en New York.

9. Esquina de Las Gradillas años 1940 y noticia publicada el 12 de julio de 1913 en la primera página del diario El Universal.

El hecho inédito acaecido el 11 de julio de 1913 en la esquina que desde muy temprano en la colonia había sido bautizada como “Las Gradillas” (ya que permitían bajar a la Plaza de Armas o Plaza Mayor), cuando dos automóviles chocaron, fue publicado al día siguiente en el diario El Universal revelándose tras su lectura no sólo a un redactor que al detallar el hecho hacía uso de manera apropiada del lenguaje sino también el impacto que el mismo causó en la colectividad. El texto titulado “Primer choque en Caracas. ‘Un problema que necesita solución’ ”, se encabeza con la siguiente frase: “Nosotros lo habíamos predicho. Tarde o temprano iba a suceder lo inevitable. Ayer, por desgracia, los hechos nos dieron la razón”.

Con transcribir los tres primeros párrafos el lector podrá darse cuenta la desproporción que adquirió aquel evento: “A las once y media de la mañana, cuando el Dios Febo estaba en su esplendor, dos de esos vehículos de motor que llaman inapropiadamente automóviles, y que andan por esas calles a 15 y hasta a veinte kilómetros por hora, tuvieron un encontronazo nada menos que en el ombligo de la ciudad, en la propia esquina de Las Gradillas. (…) El vehículo manejado por el joven Gustavo Zingg ‘chocó’ (si se nos permite usar este galicismo), con el otro que conducía el ingeniero alemán que fue traído con este objeto por la Casa Blohm de esta ciudad. (…) Este espectáculo, casi terrorífico, no se había visto jamás en la Capital y puede afirmarse, sin cometer pecado, que todo Caracas desfiló por Las Gradillas a mirar el estado en que por justo y merecido castigo quedaron los dos coches. A tal punto llegó la marejada humana que el Gobierno del Benemérito General Juan Vicente Gómez, Caudillo de Diciembre, siempre vigilante de la tranquilidad colectiva, tuvo que sacar la caballería y ocupar las cuatro bocacalles de la Plaza Bolívar”.

Ni se imaginaban los caraqueños de entonces cual sería el destino definitivo de una ciudad que fue presa de “flamígeros aparatos de hierro” que terminaros corriendo por sus  calles “como alma que lleva el diablo”. Y todo, como recoge la crónica citada, “porque a un millonario de la Gran Nación del Norte, quien según informa el cable francés se llama Enrique Ford, se le ha metido en la cabeza hacer dinero en esta forma”.

ACA

Procedencia de las imágenes

Encabezado y 1. https://www.el-carabobeno.com/se-celebra-dia-mundial-la-poblacion/ y https://www.un.org/es/observances/world-population-day/background

2, 3 y 4. https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Lovera, https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Sim%C3%B3n_Bol%C3%ADvar_-_Juan_Lovera,_1827.jpg y https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Cinco_de_julio_de_1811_por_Juan_Lovera.jpg

5. https://iamvenezuela.com/2016/08/teatro-baralt/ y https://caracascuentame.wordpress.com/2021/01/21/las-gradas-se-convirtieron-en-la-esquina-de-gradillas/

6. https://issuu.com/centronacionaldehistoria/docs/memorias_n___10/45

7. https://www.wikiwand.com/es/Muchachos_ba%C3%B1%C3%A1ndose_en_la_laguna_de_Maracaibo y https://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_Venezuela

8. https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Teatro_Baralt._Grabado.jpg y https://iamvenezuela.com/2016/08/teatro-baralt/

9. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

TAL DÍA COMO HOY…

… 23 de mayo de 1993, tras el impacto causado dos días antes por la decisión de separar a Carlos Andrés Pérez del cargo de Presidente de la República, Oscar Tenreiro publica en El Diario de Caracas dos artículos: “Acercarse a Gómez en La Mulera” y “Cambios vendrán”.

1. Casa de la hacienda El Recreo, La Mulera, estado Táchira donde residiera desde su nacimiento en 1857 Juan Vicente Gómez siendo de su propiedad hasta su muerte en 1935.

Cuando dentro de nuestra pauta nos toca organizar la nota correspondiente a “Tal día como hoy…” lo hacemos sin planificar la fecha en que caerá. Eso le da a su elaboración un toque azaroso lleno de intriga que nos obliga a veces a sumar, otras a restar y algunas a seleccionar para luego relacionar.

Es así que al repasar lo ocurrido en la historia un 23 mayo ha sido poco lo que hemos podido encontrar vinculado a los temas que nos interesan y que además pudiese tener cierto atractivo para nuestros lectores.

2. El arquitecto Charles Barry (1795-1960) y la emblemática Torre del reloj (o Big Ben) del palacio de Westminster (1836-52), proyectada por él.

Dentro de lo escaso, quizás valga la pena resaltar el nacimiento el 23 de mayo de 1795 de Charles Barry, importante arquitecto inglés de comienzos de la época victoriana nacido en Londres, fallecido en 1860, quien dejó un significativo legado que denota su versatilidad, su calidad como diseñador y su capacidad de trabajo dentro del eclecticismo propio de su época.

3. Tres obras de Charles Barry. Arriba izquierda: Club Reforma, Londres (1837 – al lado del de viajeros). Arriba derecha: Bridgwater House, Londres (1846). Abajo: Remodelación de la casa Harewood, Yorkshire (1844)

Sus biógrafos resaltan cómo con lo heredado a raíz de la muerte de su padre Barry viajó entre 1817 y 1820 alrededor del Mediterráneo y Oriente Medio “estudiando edificios y realizando excelentes bocetos”, jugando un papel importante su contacto en Italia con la arquitectura del Renacimiento a la hora de convertirse en arquitecto. En 1823 ganó el concurso para St. Peter de Brighton y en 1824 recibe su primer encargo importante y proyecta en neoclásico griego el Real Instituto de Bellas Artes de Manchester al cual siguió el Ateneo (1836) que hoy forman parte de la Manchester Art Gallery. El quattrocentista Travellers’ Club de Londres (1829-31) supuso el comienzo del neorrenacimiento en Inglaterra. “Con el Reform Club de 1837 su renacimiento giró hacia el Cinquecento y con Bridgewater House (1847) hacia un libre, por no decir adulterado, Cinquecento. Este desarrollo desde lo contenido a lo espectacular y desde el bajo al alto relieve afecta en general a toda su obra: desde Highclere (1837), mucho más laborioso que su obra temprana, al Ayuntamiento de Halifax (1859-1862), asimétrico y con mezcla de motivos”.

4. Vista aérea del nuevo Palacio de Westminster proyectado por Charles Barry con la colaboración de Augustus Pugin y construido entre 1840 y 1852.

No obstante, la obra por la que Barry ha trascendido fue el diseño del nuevo Palacio de Westminster, ganado por concurso luego del incendio de las Cámaras del Parlamento inglés en 1834. El trabajo lo realizó junto a Augustus Pugin en estilo gótico iniciándose en 1840. La Cámara de los Lores fue finalizada en 1847 y la Cámara de los Comunes en 1852, resaltando del conjunto las torres Victoria y la del reloj mejor conocida como Big Ben, uno de los símbolos de la capital británica con una altura de 96,3 metros.

5. Obelisco de Buenos Aires ubicado en la Plaza de la República, en la intersección de las avenidas Corrientes y 9 de julio.

Por otro lado se recoge que el 23 de mayo pero de 1936 se inaugura en Buenos Aires otro ícono: el Obelisco, proyectado por el arquitecto Alberto Prebisch, del cual se resalta que fue construido en apenas 31 días, mide 67,5 metros de altura, fue levantado en conmemoración del cuarto centenario de la fundación de la ciudad y que al ser inaugurado “fue objeto de agrias críticas por su estilo racionalista e incluso se intentó demolerlo en 1939”. Está emplazado en la Plaza de la República, en la intersección de las avenidas Corrientes y 9 de julio, en el barrio San Nicolás.

6. La orquídea y el turpial, flor y ave nacionales.

El repaso de lo que pudo acontecer en el país un día como hoy nos ha topado con que en 1951, luego de una exhaustiva investigación de la Sociedad Venezolana de Ciencias Naturales, es decretada oficialmente la orquídea (Cattleya mossiae) como Flor Nacional y, casualmente, el mismo día en 1958, tras un concurso promovido también por la Sociedad Venezolana de Ciencias Naturales, el turpial es declarado Ave Nacional de Venezuela.

Ahora bien, lo que nos llevó a seleccionar el encabezamiento de esta nota busca una aproximación más directa con la historia reciente del país que intentaremos establecer a través de la página dominical que entre 1989 y 1993 publicaran en El Diario de Caracas Oscar Tenreiro y Farruco Sesto.

7. Primera página del diario El Nacional del 21 de mayo de 1993.

La entrega correspondiente al 23 de mayo del 93, escrita en su totalidad por Tenreiro, se encuentra salpicada indirectamente por la conmoción causada tres días antes (el 20) al conocerse la ponencia preparada por el presidente de la Corte Suprema de Justicia, magistrado Gonzalo Rodríguez Corro, declarando con lugar la solicitud de antejuicio de mérito al entonces Presidente de la República, Carlos Andrés Pérez (CAP). Al día siguiente, el 21 de mayo, el Congreso Nacional autorizó el juicio, separando a Pérez del cargo, convirtiéndose todo ello de inmediato en una de las hechos más relevantes en el devenir venezolano durante el siglo XX cuyas repercusiones llegan hasta nuestros días. Se ponía así punto final a carrera política de Pérez quien tuvo que enfrentar durante el que fue su segundo y accidentado gobierno: la revuelta conocida como “El Caracazo” (27 de febrero de 1989) y dos golpes de Estado (4 de febrero y 27 de noviembre de 1992).

8. Encabezado del artículo «Acercarse a Gómez en La Mulera» escrito por Oscar Tenreiro, publicado en El Diario de Caracas el 23 de mayo de 1993.

Tenreiro, tomando como excusa el viaje que en esas fechas hizo para participar en la presentación en San Cristóbal del Trabajo Final de Grado de María Inés Gómez, estudiante de arquitectura de la Universidad Nacional del Táchira (UNET) por él dirigido como tutor, que consistió en un estudio para la Rehabilitación y Puesta en Valor de las principales edificaciones que aún quedan en la que fue la Hacienda La Mulera (la Casa del Capataz, la Casa Familiar, el Garage de la Trasandina, la Escuela y la Capilla), va asomando en el artículo titulado“Acercarse a Gómez en La Mulera” datos que indirectamente buscan vincularlo al momento histórico que en aquellas fechas se vivía.

9. Mapa político del estado Táchira y detalle de las poblaciones próximas a la frontera colombiana.
10. Tres mandatarios venezolanos oriundos del estado Táchira: Cipriano Castro (nacido en Capacho), Juan Vicente Gómez (nacido en San Antonio) y Carlos Andrés Pérez (natural de Rubio)

Haciendo alusión al tema del poder y al peso que ha tenido en el país la presencia andina, Tenreiro fija “una suerte de Triángulo de las Bermudas de la política venezolana” cuyos vértices estarían ubicados en las poblaciones tachirenses de San Antonio (cuna de Juan Vicente Gómez), Capacho (lugar de nacimiento de Cipriano Castro) y Rubio (tierra natal de Carlos Andrés Pérez) para, desde allí afirmar, luego de sumar también a Michelena (donde nació Marcos Pérez Jiménez), que “a uno le llega a parecer que todo tachirense participa de una misteriosa capacidad para manejar de manera natural las múltiples modalidades del poder”.

Atento a lo que acontecía por aquellos días, más adelante Tenreiro afirmará, con relación a la capacidad andina para mandar y el trance por que le tocó pasar a CAP:Esa característica es sin duda muy poco venezolana y hay quien diga que en esa diferencia está la clave del control que ejercieron hombres como Gómez, Castro y Pérez … sobre los resortes políticos de su tiempo, y seguramente explica la terca renuencia a aceptar su situación, que ha mostrado en estas últimas horas el de Rubio. Mostrando una manera de ver las cosas muy tachirense, una buena amiga de San Cristóbal me decía que por más que ella estuviera de acuerdo con la salida del poder de esa figura simbólica de la corrupción y la maniobra que es Pérez, a ella no dejaba de dolerle en nombre de la gochería. Es muy triste me decía, que el primero que recibe una sanción ejemplar sea uno de allá. A lo cual uno podría responderle que el monopolio tachirense del poder hace altamente probable que haya siempre un gocho en las incidencias palaciegas, en las buenas en las malas, y todavía hay muchas razones para esperar gochos de los buenos compensando los deslices del muchacho de Rubio”. Obviamente, sin haber sido sometido aún a un juicio donde se demostraran las acusaciones que sobre él se esgrimían, Tenreiro se hacía eco de la matriz de opinión que la opinión pública se había forjado en torno a CAP.

11. Casa de la Hacienda El Recreo en la Mulera, propiedad de Juan Vicente Gómez.

Aproximándose poco a poco a la Hacienda La Mulera donde Gómez nació, Tenreiro nos sorprende cuando, después de reconocer los graves deslices también cometidos por el Benemérito, hace la siguiente afirmación que encierra un profundo desencanto por el presente y una cierta objetividad para observar sin prejuicios el pasado: “Pero a la vista de lo que han sido estos años de democracia, si además hemos cumplido más de cincuenta y empezamos a entender mejor las enormes carencias de la sociedad en la que hemos nacido, se nos va perfilando la figura de Gómez de manera distinta, somos capaces de mitigar sus culpas y asombramos ante logros que destacan cada vez más. Por ejemplo el control que ejerció sobre nuestro inmenso territorio mediante su sabia delegación de poder en caudillos regionales que le fueron leales. Su manera acertadísima de alejarse del oportunismo caraqueño para no correr la misma suerte que su compadre y asilarse en una ciudad como Maracay donde habría de dedicarse, no a disfrutar de lujo y prerrogativas, sino como buen labriego a crear un entorno físico ennoblecedor que todavía hoy admiramos. Como a pesar de los modestos recursos que administró cruzó al país de carreteras. Como construyó excelentes ferrocarriles que aún prestaban servicios esenciales a mediados de los años cuarenta. Como creó en Maracay industrias pioneras. Como construyó soberbios edificios públicos y dejó iniciados otros, como el Hotel de Rancho Grande y el Teatro de Opera de Maracay, que revelan una aspiración civilizadora ambiciosa, tal vez compensatoria de su desconfianza de los ilustrados y en casi todas las ciudades venezolanas dejó sedes dignas para las instituciones públicas. Como extendió el telégrafo a los más apartados confines. Como pacificó un país destruido por pequeñas luchas de ambiciones personales. En resumen, que la figura de Gómez empieza a surgir de la oscuridad en la que como buenos hijos de nuestro tiempo la habíamos ubicado, para ir cobrando un perfil mucho más positivo. Medio siglo basta para un balance más compresivo y menos resentido”. Que cada quien saque sus propias conclusiones.

También aparecerá ese día en la misma página de El Diario de Caracas otro texto de Tenreiro titulado “Cambios vendrán”, escrito luego de regresar el mismo jueves 20 de mayo de tierras andinas, donde resume la charla que dictó en la UNET sobre las relaciones entre el Estado y la Arquitectura. Luego de manifestar que “es imperativo para un listado del subdesarrollo como el venezolano, incluir la Arquitectura dentro de sus programas de promoción de las actividades culturales”, que “la Ciudad es la manifestación ejemplar de la cultura de una sociedad” y que “la Ciudad es entre otras cosas y señaladamente, su Arquitectura”, apunta al importante rol que podría jugar el Ministro de la Cultura por encima del de Desarrollo Urbano. Dicho Ministro, si tuviese cultura arquitectónica, “tendría la obligación de ser en el gabinete el defensor más activo de los valores arquitectónicos permanentes de la ciudad… le corresponde ser como la buena conciencia en defensa de los contenidos culturales de la Arquitectura Urbana.”

Insistiendo en un tema que siempre le ha preocupado, el del clientelismo que se asocia al populismo como forma de poder, Tenreiro vuelve a recordar que “una de las maneras de promover la Arquitectura como manifestación de cultura (es) modificar los criterios para el otorgamiento de contratos de Arquitectura de las instituciones públicas. Para que las responsabilidades estén en las mejores manos”. El concurso bien entendido también se asoma como vía idónea para abonar esta aspiración.

Apostando indirectamente por el aprendizaje que el caso CAP podría traer, concluye: “… alimentamos la esperanza de que los cambios políticos que parecen venir hagan más claras las omisiones de nuestro sistema respecto a la ciudad. Se podrá ubicar entonces en la agenda política, de manera precisa, con todas las implicaciones del caso, el problema urbano; y cuando decimos de manera precisa estamos refiriéndonos a la necesidad de apoyar, estimular y promover una visión de la arquitectura de las instituciones, de la arquitectura destinada a formar ciudad, que privilegie su contenido cultural. Que el edificio institucional se conciba como generador de nuevos valores urbanos y se retome la tradición que fue iniciada en nuestro periodo moderno, por un dictador, Juan Vicente Gómez y continuada por sus sucesores inmediatos, sufriendo un violento quiebre a mediados del actual periodo democrático, al calor de los furores populistas”.

A casi treinta años de aquel evento y de haberse expuesto tales reflexiones, valdría la pena determinar si el cambio que sufrió la imagen del Benemérito a ojos de Tenreiro y de muchos historiadores no estará ocurriendo de manera similar hoy en día con la figura de CAP a la luz del presente que vivimos.

ACA

Procedencia de las imágenes

  1. https://www.laopinion.com.co/frontera/la-mulera-reencuentro-con-historia-de-tachira

2. https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Barry

3. https://www.urbipedia.org/hoja/Charles_Barry

4. http://apuntes.santanderlasalle.es/arte/siglo_xix/arquitectura/barry_londres_parlamento.htm

5. https://uomsanmartin.org.ar/site/turismo/hotel-en-la-ciudad-de-buenos-aires/

6. http://www.televen.com/enterate/descubre-cinco-curiosidades-la-orquidea-flor-nacional-venezuela/ y https://www.ivenezuela.travel/el-turpial-es-el-ave-nacional-de-venezuela/

7 y 8. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad

9. https://es.scribd.com/document/439230198/tachira

10. https://consejouniversitarioluz.wordpress.com/2016/08/01/cipriano-castro-vs-juan-vicente-gomez/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Andr%C3%A9s_P%C3%A9rez

11. https://twitter.com/tachirense89/status/645063062400204800