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La novela Las horas claras vuelve gracias a abediciones

Nota de prensa

El sello editorial de la UCAB, abediciones, reeditó en noviembre de 2025 la novela Las horas claras, de la escritora venezolana Jacqueline Goldberg, que llevaba más de una década agotada tras un particular recorrido que la convirtió en un libro de culto entre lectores provenientes de la literatura y la arquitectura.

La novela aborda la historia (entre la ficción y la realidad) de la construcción y destino de la Villa Savoye en Poissy, emblemática casa vacacional encargada en 1928 por Eugénie Savoye al arquitecto suizo Le Corbusier.

Las horas claras obtuvo en 2012 el XII Premio Anual Transgenérico de la Fundación para la Cultura Urbana. Una vez editado al año siguiente, con un inusual tiraje de mil ejemplares, el libro se agotó de inmediato, resultó finalista en el Premio de la Crítica a la Novela del Año 2013 y fue ganador del Premio Libro del Año 2014 de los Libreros Venezolanos en la mención narrativa. En 2018, fue reeditado por Primer Cuadro, Casa Editorial de la Universidad Metropolitana de Monterrey, México, con un tiraje de 1.500 ejemplares que también se agotó.

Primera edición, Fundación para la Cultura Urbana, 2013.

«Es una obra contundente tanto por el modo como aborda el tema del habitar, de lo irrecuperable, de la pérdida a través de referencias a la arquitectura y la historia, como por su apuesta formal que se arriesga a cruzar géneros diversos con un estilo y lenguaje de una alta calidad literaria. Se trata de un texto transgenérico en sus modos de cruzar referencias, materiales, tradiciones, géneros, y de una indiscutible originalidad. En definitiva, es un extrañísimo, hermoso, inclasificable híbrido que une poesía, historia y novela», señalaba en 2012 el veredicto del XII Premio Transgenérico, cuyo jurado estuvo integrado por Gina Saraceni, Héctor Torres y Joaquín Marta Sosa.

La contraportada de aquella primera edición fue escrita por Victoria De Stefano, quien también presentó el libro: «En Las horas claras se dan cita la ficción novelesca y la historia, historia real, que es el núcleo y corazón de lo narrado, e historia imaginada, la que se desprende como un convincente pudo haber sido de ese punto del pasado revivido y revelado. La historia real: la casa vacacional y fallida, sometida a los avatares de las obras construidas por los humanos a la par o contra la naturaleza y el tiempo, que madame Savoye, Eugénie Thellier de La Neuville, hizo construir en Poissy por el afamado arquitecto suizo y teórico de la modernidad en arquitectura Le Corbusier. En septiembre de 1928 la casa será encargada y empieza en paralelo el viacrucis. Pero como Jacqueline Goldberg, aquí en función de narradora, es poeta, tendremos que las imágenes, los símbolos, las asociaciones, además de la línea verbal y la impulsión afectiva de la frase, que no deja de deberle mucho a su estro poético, nos sirven de hilo conductor y multiplicador de significados entre los altos y bajos y las desgarraduras íntimas de madame Savoye y su proyecto edilicio, un utopos como fuga en el tiempo y el espacio en pos de las horas claras. “La luz, muy importante. Y el aire, libre. Quiero una casa sin tiempo, para el tiempo, ni antigua ni moderna. Quiero que en ella el tiempo quede suspendido”.Pretensión vana: no hay eternidad ni tiempo suspendido para las cosas de este mundo, aparte del definitivo de la muerte. Pues la historia seguirá su camino: la guerra, la ocupación, las persecuciones, las expropiaciones, las desgracias colectivas, el envejecimiento, el desgaste, sin contar con los fenómenos climatológicos, las lluvias, el invierno, los crujidos de las temperaturas en alza o en baja, las erosiones… Invito al lector a que concentre su atención en los símbolos que, como un motivo recurrente, acompañan de principio a fin el arco de vida de madame Savoye y la historia que lo cubre, en particular el más contundente: la oronja verde, también llamada cicuta verde, una bella seta de cuello largo y enorme sombrero, irremediablemente mortífera».

La académica y poeta Gina Saraceni ha dedicado varios trabajos a la escritura de Jacqueline Goldberg y muy especialmente a Las horas claras. En su ensayo «Fallas en la máquina de habitar. Arquitectura, botánica, afecto en Las horas claras de Jacqueline Goldberg» (Pontificia Universidad Javeriana-Bogotá) señala: «Las horas claras es la historia de la vida y de la muerte de una mujer; también es el relato de la construcción y destrucción de la modernidad y de la disputa entre cultura y naturaleza. En ambos casos, y esto es lo que la novela de Goldberg también nos muestra, la literatura es el lugar donde la vida se vuelve una “singularidad irreductible” a cualquier expresión verbal al escribir en los límites del lenguaje y en contra del lenguaje. La literatura es la hierba que está entre las cosas como flujo que conecta y vincula estados y cuerpos, para dar cuenta de la variación de lo viviente y de otros modos de la comprensión que no pasan por los órdenes epistémicos logocéntricos sino que atraviesa la tierra y sus proliferantes raíces […] La novela de Goldberg se convierte en una máquina de escritura que falla, que se descompone, que se interrumpe, que se desvía, que se bifurca, que se abre a otras formas de decir, a otros modos de narrar, a otras maneras de habitar. […] Las horas claras es también una novela sobre el duelo, sobre la pérdida, sobre la imposibilidad de habitar el mundo sin que se nos desmorone entre las manos».

Reedición de la Casa Editorial Primer Cuadro, Universidad Metropolitana de Monterrey, México, 2018.

El poeta y narrador Gustavo Valle señalaba en una nota en el portal Prodavinci: «Las horas claras de Jacqueline Goldberg es un libro escurridizo, inaprensible, desafiante. Un libro que es muchos libros. Su trabajada prosa, llena de precisiones y sutilezas estéticas, busca permanentemente el argumento de un relato que a su vez persigue de manera obsesiva su propia estrategia de narración. Hay pues una tensión constante en lo que se dice y cómo se dice, y esta tensión hace parte constitutiva de la propuesta narrativa de este libro. Al leerlo, nos ocurre algo parecido al recordar un sueño: no contamos con todos los detalles, pero nos queda el nervio con que late la memoria. Incluso el contexto histórico en el que se desenvuelve está dado por pinceladas de paisajes políticos y sociales que laten al fondo con sus contornos deliberadamente desdibujados, lo que otorga al conjunto la fuerza de un cuadro impresionista».

Por su parte, el narrador Héctor Torres apuntaba en una entrevista que le hizo a la autora, publicada en Clímax: «Los libros tienen su vida propia y buscan su propio camino. Y, como los sueños, ensayan sus propias simbologías. Las horas claras ha debido posponer en un par de ocasiones su aparición definitiva. No son pocos los agradecidos lectores que, sin embargo, han encontrado en sus páginas un refugio de sosiego y belleza. Atisbos de un horizonte de mayor claridad. Como el del país, el camino de Las horas claras para consumar su destino ha sido tortuoso y lento. Y, como con el libro, por fatigoso que sea el camino, en algún momento se alcanzará esa luz».

Con esta edición revisada por la autora, Las horas claras regresa para reafirmar su lugar entre las obras más originales de la literatura venezolana contemporánea. Su vigencia, como la de la casa que la inspira, abre otros modos de narrar y habitar, y ofrece un refugio de sosiego, belleza y claridad.

La autora

Nacida en Maracaibo en 1966, Jacqueline Goldberg es Doctora en Ciencias Sociales por la Universidad Central de Venezuela y licenciada en Letras por la Universidad del Zulia. Su pasión por el estudio la ha llevado a cursar diversos diplomados: en Metodología de la Investigación, Gerencia Cultural y Alimentación y Cultura en Venezuela. En 2018, participó como escritora residente en el Programa Internacional de Escritura de la Universidad de Iowa.

Su obra, deliberadamente inclasificable, transita la narrativa, la poesía, la autobiografía y la literatura infantil. También se ha desempeñado como editora y gestora cultural.

Entre sus publicaciones recientes destacan los poemarios Noi, i salvati (Valigie Rosse, Pisa, 2025, traducido por Flavio Fiorani) y Mata de nervios (Oscar Todtmann Editores y Banesco, Caracas, 2025 / Frailejón Editores, Medellín, 2024); la antología Al otro lado del clima. Antología poética personal 2021-1986 (LP5 Editora, Santiago de Chile, 2022); el libro de crónicas Ochenta días en Iowa (Editorial Eclepsidra, Caracas, 2021); la novela Destrucción, ten piedad (Varasek Ediciones, Madrid, 2021); y el premiado y reeditado libro infantil Pitchipoï (Tragalulz, Medellín, 2019).

Su obra autobiográfica, El cuarto de los temblores (Oscar Todtmann Editores, Caracas, 2018), está siendo reeditada por la Universidad CES en Medellín y traducida al italiano por Laura Alicino como Una stanza per tremare para Edizioni  Formarti en en Lombardía, Italia.

Nota

Agradecemos enormemente a Jacqueline Goldberg la información que nos enviara y que aquí hemos publicado.

ACA

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El High Museum of Art anuncia una exposición itinerante sobre la obra de diseño de Isamu Noguchi

Isamu Noguchi (diseño) con Shoji Sadao (arquitecto), Equipamiento de juego en Moerenuma Koen, 1988-2004, Sapporo, Japón.

Escrito por Reyyan Dogan

Publicado el 5 de enero de 2026

Tomado de www.archdaily.com

El High Museum of Art de Atlanta presentará «Isamu Noguchi: «No soy diseñador»» del 10 de abril al 2 de agosto de 2026. La exposición examina la obra de diseño de Isamu Noguchi (1904-1988) en escultura, mobiliario, iluminación, paisajismo y escenografía, marcando su primera gran retrospectiva centrada en el diseño en casi 25 años. Tras su presentación en Atlanta, la exposición viajará al Peabody Essex Museum de Salem, Massachusetts, del 19 de septiembre de 2026 al 3 de enero de 2027, y a la Memorial Art Gallery de la Universidad de Rochester en la primavera de 2027.

Isamu Noguchi trabajando en prototipos de Akari en Japón, ca. 1951.

La obra de Noguchi se desarrolló consistentemente en la intersección de la escultura, la arquitectura y el paisajismo. Nacido en Los Ángeles en 1904 y criado entre Estados Unidos y Japón, su formación bicultural influyó en un enfoque que transitaba con fluidez entre disciplinas artísticas y contextos geográficos. A lo largo de su trayectoria, Noguchi desarrolló proyectos que trascendieron la mera creación de objetos individuales, abarcando jardines, parques infantiles, plazas, escenarios e interiores arquitectónicos. Estas obras a menudo abordaban cuestiones de uso público, expresión material y la relación entre la forma construida y el espacio natural.

Isamu Noguchi (estadounidense, 1904–1988) con los colaboradores del pabellón: Peter Floyd (estadounidense, 1922–2015) y Shoji Sadao (estadounidense, 1927–2019), arquitectos; y John McHale (británico, nacido en Escocia, 1922–1978), diseñador de exposiciones. Maqueta para el Pabellón de EE. UU. en la Expo ’70, 1968, yeso, alambre y pintura.

La exposición presenta el diseño como un componente integral y constante de la práctica de Noguchi, en lugar de una actividad secundaria separada de su obra escultórica. Organizada temáticamente, destaca cómo el pensamiento arquitectónico, como la organización espacial, los elementos estructurales y la interacción humana, influyó en proyectos de diversas escalas. La exposición está comisariada conjuntamente por Monica Obniski, curadora de Artes Decorativas y Diseño del High Museum of Art, y la curadora independiente y experta en escultura Marin R. Sullivan, y reúne cerca de 200 objetos procedentes de colecciones privadas e institucionales internacionales.

Isamu Noguchi (estadounidense, 1904–1988), Maqueta para Play Mountain [no realizada], 1933, yeso.

Una galería introductoria presenta obras que establecen la amplitud y la cronología de las investigaciones espaciales de Noguchi. Entre ellas se incluye la maqueta de yeso de Play Mountain (1933), una propuesta para transformar una manzana de la ciudad de Nueva York en un parque infantil abstracto compuesto por elementos topográficos y arquitectónicos. Adquirida recientemente por el High Museum of Art, la maqueta no se había expuesto públicamente desde la década de 1930. También se incluye Wounded Rock (1981), una escultura de piedra tardía que refleja la continua exploración de Noguchi de la forma, el material y el paisaje. La sección titulada Making Multiples examina la relación de Noguchi con la producción industrial y el diseño modular, situando el mobiliario y la iluminación en contextos arquitectónicos más amplios. Las obras incluyen proyectos de diseño tempranos, así como piezas reconocidas como la mesa de centro IN-50 para Herman Miller (1944) y los taburetes mecedores producidos por Knoll a mediados de la década de 1950. Materiales de archivo documentan colaboraciones con figuras como R. Buckminster Fuller y Kenzō Tange, situando estos objetos dentro del pensamiento arquitectónico y espacial más amplio de Noguchi.

Isamu Noguchi con una mesa de ajedrez (IN-61), una mesa de centro (IN-50), una estatua y la reina en su estudio de MacDougal Alley, Nueva York, de “El escultor Noguchi diseña mesas de forma libre”, House & Garden, enero de 1948.

La sección «Elementos de la Arquitectura» se centra en la relación de Noguchi con los principios arquitectónicos a través de la iluminación, los interiores y el diseño escénico. Maquetas, modelos y bocetos ilustran su interés por las columnas, los muros, los techos y los cerramientos, así como los proyectos desarrollados en Japón. Esta sección también incluye la escenografía de «Diálogo Seráfico» de Martha Graham (1955), que no se ha expuesto desde la década de 1960. La sección final, «Dando Forma a los Espacios», aborda la obra de Noguchi en arquitectura paisajística y pública. Maquetas, dibujos y materiales visuales documentan parques infantiles concebidos desde la década de 1930 en adelante, incluyendo «Playscapes» (1976) en el Parque Piedmont de Atlanta. Otros materiales examinan proyectos paisajísticos, como el Jardín Japonés en la sede de la UNESCO en París (1956-1958) y obras cívicas a gran escala a lo largo de la ribera del río Detroit. Un documental del estudio de arquitectura «Spirit of Space» muestra una selección de proyectos de jardines y espacios públicos, destacando sus cualidades espaciales y ambientales.

ACA

INVITACIÓN

La Academia Nacional de la Historia (ANH) y la Academia Nacional de la Ingeniería y el Hábitat (ANIH), a través de la Comisión Interacadémica de Historia e Ingeniería (CIHI), junto a la Comisión de Historia de la Ingeniería (CHI) de la ANIH, invitan a la conferencia:

“Caracas y sus proximidades durante la república temprana: programas e intervenciones públicas y privadas”,

a ser impartida por la

Dra. Izaskun Landa

Resumen

El período de la temprana república, comprendido entre 1830 y 1858, tuvo mayor importancia que la atribuida hasta ahora en Caracas y sus cercanías. Las evidencias indican que ocurrieron transformaciones en la propiedad del suelo, las comunicaciones y el comercio que impulsaron la economía local; también hubo avances de variada intensidad en materia educacional, constructiva y de servicios. Ello fue el resultado, por una parte, de la formulación e implementación de programas sectoriales progresistas de corte liberal desde el Estado; y por otra, de los intereses y acciones de los particulares. El conjunto de las actuaciones institucionales, administrativas y constructivas modernizaron, de manera moderada y fragmentada, partes del territorio en cuestión, con avances amplios en el ámbito territorial y puntuales en el urbano. En ello, la modernización profesional de la ingeniería y la arquitectura jugó un papel esencial. Los programas formulados por Estado republicano establecieron ciertas características propias que diferencian este período de la era colonial; pero que, principalmente, iniciaron una senda que dirigió algunas de las actuaciones del Estado republicano en materia institucional, administrativa y de construcción territorial y urbana durante el siglo XIX y casi todo el XX. Ahí radica parte de la importancia de ese periodo.

Presenta y modera: académico Arturo Almandoz, coordinador de la CIHI y miembro de la CHI.

Día: miércoles 25 de marzo.

Hora: 4:00 p.m. (Vzla).

Modalidad: virtual.

Coordenadas ZOOM para acceder al encuentro:

https://us02web.zoom.us/j/85927270293?pwd=kbJgigwxQVNp8Nxona3evrmc3qHBs0.1

ID de reunión: 859 2727 0293

Código de acceso: 780269

ACA

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Anunciados los siete finalistas de los Premios Mies van der Rohe 2026 de la UE para la Arquitectura Europea Contemporánea

Palais des Expositions in Charleroi, Hainaut.

Escrito por Antonia Piñeiro

Publicado el 5 de febrero de 2026

Tomado de https://www.archdaily.com

La Comisión Europea y la Fundació Mies van der Rohe han anunciado los siete proyectos finalistas del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea – Premios Mies van der Rohe 2026, con el apoyo del programa Europa Creativa de la Unión Europea. La selección se produce tras el anuncio de 410 obras nominadas en noviembre y la presentación de una lista reducida de 40 proyectos a principios de enero. De los siete finalistas, cinco han sido seleccionados en la categoría de Arquitectura y dos en la categoría de Proyectos Emergentes. Según el jurado, presidido por Smiljan Radić, los proyectos finalistas constituyen contribuciones ejemplares al futuro de la arquitectura europea, demostrando cómo la disciplina puede responder simultáneamente a las condiciones locales específicas y a los desafíos sociales, culturales y ambientales más amplios. Las obras seleccionadas abarcan desde intervenciones en antiguos emplazamientos industriales, pequeños pueblos y zonas urbanas periféricas hasta proyectos cuidadosamente planificados en grandes ciudades.

En estos diversos contextos, los proyectos demuestran cómo la arquitectura puede transformar entornos comunes o poco explorados en espacios inclusivos y de alta calidad para vivir, aprender y socializar. Lo que une a los siete proyectos finalistas es un fuerte enfoque en la dimensión humana de la arquitectura. El jurado destacó que estas obras ilustran cómo la práctica contemporánea puede equilibrar la conservación y la transformación, la reutilización y la nueva construcción, sin perder de vista la vida cotidiana. Tanto arquitectos emergentes como consagrados demuestran sencillez, rigor y flexibilidad, con decisiones de diseño guiadas por la elección de materiales, la escala y la claridad espacial. La sostenibilidad, la responsabilidad social, la multifuncionalidad y la sensibilidad cultural emergen como valores compartidos, reflejando una arquitectura experimental pero arraigada y sensible a las realidades de la Europa contemporánea.

Los ganadores de las categorías de Arquitectura y Proyectos Emergentes se anunciarán el 16 de abril de 2026 durante un evento en el Silo Aalto de Oulu, Capital Europea de la Cultura 2026. Las Jornadas de los Premios EUmies, que incluyen la Ceremonia de Entrega de Premios, exposiciones, conferencias y debates, tendrán lugar en mayo de 2026 en Barcelona, en el Pabellón Mies van der Rohe y el Palau Victoria Eugènia, en el marco de Barcelona, Capital Mundial de la Arquitectura UNESCO-UIA. Posteriormente, se ofrecerán programas públicos y visitas guiadas a los proyectos preseleccionados como parte de la iniciativa EUmies Awards Out&About.

A continuación, se muestran los siete proyectos finalistas, con las descripciones proporcionadas por la organización.

FINALISTAS DE ARQUITECTURA

Palacio de Exposiciones de Charleroi / AgwA + architecten jan de vylder inge vinck

Ciudad: Charleroi, Hainaut, Bélgica.

Arquitectos: AgwA + architecten jan de vylder inge vinck.

Programa arquitectónico: Cultura – Centro de Congresos, Centro Cultural, Exposiciones, Danza.

Tipo de intervención: Regeneración.

Ubicación: Zona industrial del siglo XX.

Cliente: Ayuntamiento de Charleroi (Público).

Descripción del proyecto: Este proyecto renueva un centro de convenciones de la década de 1950 para adaptarlo mejor a las necesidades actuales de la ciudad y sus habitantes. En lugar de demoler el edificio, se reutiliza y abre la estructura existente. El antiguo vestíbulo central cerrado amplía el espacio público interior, haciéndolo más accesible y facilitando la circulación. En el exterior, las zonas pavimentadas se sustituyen por un parque verde continuo, mejorando el entorno y reconectando el edificio con su entorno. El resultado es un edificio que conserva su carácter original a la vez que ofrece una experiencia completamente nueva.

Rehabilitación de Vapor Cortès – Prodis 1923 / H ARQUITECTES

Ciudad: Terrasa, Cataluña, España.

Arquitectos: H ARQUITECTES (David Lorente, Josep Ricart, Xavier Ros, Roger Tudó).

Programa arquitectónico: Bienestar social – Comunidad.

Tipo de intervención: Regeneración.

Ubicación: Polígono industrial del siglo XX.

Cliente: Prodiscapacitats Fundació Privada Terrassenca (PRODIS) (Privada).

Descripción del proyecto: La nueva sede de Prodis transforma los antiguos almacenes Vapor Marquès en un centro inclusivo organizado en torno a un pasaje recuperado que se convierte en una nueva calle para la ciudad. La nueva intervención introduce estructuras de madera, lucernarios y sistemas pasivos de energía, respetando al mismo tiempo su carácter original.

Lote 8, LUMA Arles – Renovación de Le Magasin Électrique / Atelier Luma, BC architects & studies + ASSEMBLE

Ciudad: Arles, Provenza-Alpes-Costa Azul, Franci.

Arquitectos: Atelier Luma, BC architects & studies y ASSEMBLE (James Binning, Joe Halligan, Maria Lisogorskaya, Adam Willis, Jan Boelen, Daniel Bell, Laurens Bekemans, Baptiste Chatenet).

Programa arquitectónico: Industrial – Investigació.

Tipo de intervención: Regeneración.

Ubicación: Edificio industrial del siglo XIX Cliente: Fundación Luma (Privada).

Descripción del proyecto: En 2019, la Fundación Luma encargó a Assemble y a BC Architects la transformación de una antigua estación de tren del siglo XIX en Arles en Atelier LUMA, un laboratorio de diseño que ejemplifica el diseño biorregional, utilizando recursos de la Camarga, materiales regenerativos y conocimiento local para una arquitectura sostenible y socialmente comprometida.

Centro Deportivo y Cultural Josephine Baker – Marie-Jose Perec / onze04

Ciudad: La Bouëxière – Beuzid-ar-C’hoadoù, Bretaña, Francia.

Arquitectos: onze04 (Gustavo Silva-Nicoletti.

Programa arquitectónico: Deporte y ocio – Centro deportivo, tenis, actividades infantiles y juveniles.

Tipo de intervención: Obra nuev.

Ubicación: Periferia.

Cliente: Ayuntamiento de La Bouëxière (público).

Descripción del proyecto: El proyecto crea un nuevo complejo cultural y deportivo que acoge competiciones regionales. Constituye un importante centro neurálgico que integra las instalaciones existentes y reconecta la zona con los distritos vecinos. Su pabellón con cubierta textil proporciona luz natural y ventilación, convirtiéndose en un hito urbano emblemático.

Mercado de Gruž / ARP / Peračić-Veljačić

Ciudad: Dubrovnik, Croacia Adriática.

Arquitectos: ARP / Peračić-Veljačić (Dinko Peračić, Miranda Veljačić).

Programa arquitectónico: Comercio – Mercado.

Tipo de intervención: Regeneración.

Ubicación: Centro histórico.

Cliente: Sanitat Dubrovnik (Público).

Descripción del proyecto: Una marquesina/cubierta ajustable y cuidadosamente diseñada, de aspecto ligero y optimista, se eleva sobre la plaza del mercado y articula las relaciones espaciales y culturales. Aporta integridad a la plaza, revitaliza el patrimonio, proporciona refugio climático público y renueva la identidad de la ciudad.

FINALISTAS EMERGENTES

Centro Cultural Multiservicios Le Foirail / Betillon & Freyermuth* + Crypto Architectes

Ciudad: Laguiole-La Guiòla, Occitania, Francia.

Arquitectos: Betillon & Freyermuth y Crypto Architectes (Raphaël Betillon, Guillaume Freyermuth, Jean Baptiste Friot).

Programa arquitectónico: Uso mixto cultural y social – Niños y jóvenes, biblioteca, música, centro cívico.

Tipo de intervención: Obra nueva.

Ubicación: Centro histórico.

Cliente: Comunidad de municipios de Aubrac, Carladez y Viadène (público).

Descripción del proyecto: Un centro innovador en Laguiole, abierto y adaptable, arraigado en un orgulloso territorio rural con recursos limitados. En lugar de imitar estilos históricos, el edificio funciona como un espacio público compartido: una estructura flexible y funcional que puede evolucionar con el tiempo y apoyar la vida colectiva y la identidad local. Construido con recursos locales, con materiales y usos diseñados para crecer y transformarse.

Espacios Temporales para el Teatro Nacional Esloveno / Vidic Grohar Arhitekti

Ciudad: Liubliana, Eslovenia Occidental, Eslovenia.

Arquitectos: Vidic Grohar Arhitekti (Anja Vidic, Jure Grohar).

Programa arquitectónico: Cultura – Teatro.

Tipo de intervención: Regeneración.

Ubicación: Edificio industrial del siglo XX.

Cliente: L56 d.o.o. (Uso mixto).

Descripción del proyecto: El proyecto consiste en la reutilización adaptativa de una antigua nave industrial como Teatro Nacional Temporal durante la renovación del histórico edificio del teatro de la ciudad. Ubicado en un complejo de naves industriales de la década de 1960 en la periferia de la ciudad, constituye un nuevo centro programático. Una serie de intervenciones de bajo presupuesto, realizadas en un corto período, transformaron la nave industrial abandonada en un nuevo y dinámico edificio público.

ACA

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Urban Forms

Juan Carlos Maldonado Collection

Miami

Curador: Ariel Jiménez

Miércoles 3 de diciembre de 2025 – Jueves 16 de abril de 2026

Tomado de https://www.jcmc.art/exhibition/urban-forms/

Urban Forms es una exposición en la que la Colección Juan Carlos Maldonado (JCMC) busca identificar algunos de los vínculos formales, técnicos y teóricos que integran la selección fotográfica recientemente adquirida con la ya extensa obra de abstracción geométrica universal que la conforma y caracteriza.

La exposición comprende una serie de imágenes de Paolo Gasparini, fotógrafo italo-venezolano, quien documenta algunos de los esfuerzos modernos en el campo de la arquitectura, especialmente en Brasil y Venezuela. Nos brinda la oportunidad de percibir y estudiar los numerosos puntos de contacto que existen entre las experiencias arquitectónicas y las prácticas pictóricas a lo largo del siglo XX, particularmente a mediados del siglo XX, así como dentro del campo de la abstracción. Esto se debe a que la evidente cercanía formal que observamos entre estas obras no se debe a meras coincidencias, sino a las innegables huellas de búsquedas compartidas que los artistas visuales y arquitectos modernos del continente experimentaron durante ese período, al igual que sus homólogos europeos que los precedieron e influyeron, desde la Bauhaus alemana y el neoplasticismo holandés hasta la vanguardia soviética.

La exposición, en cierto modo, nos permite ver cómo las exploraciones realizadas por ambos grupos desde finales del siglo XIX hasta principios del XX finalmente convergieron en una serie de objetivos comunes. Entre ellos, las necesidades de dinamizar la superficie pictórica tanto de las obras abstracto-geométricas como de los muros desnudos de los edificios modernos; controlar y emplear adecuadamente la luz y el color; insuflar vida, de alguna manera, a los materiales y sus texturas, para que la ciudad fuera más que un simple entramado de estructuras funcionales carentes de cualquier dimensión estética; y, en definitiva, hacer de la ciudad un espacio habitable práctico y agradable para sus cada vez más numerosos habitantes.

Así pues, Formas Urbanas constituye una invitación del JCMC a reconsiderar un proceso largo y complejo, en el que artistas visuales y arquitectos, a veces en paralelo y a veces en estrecha colaboración, trabajaron para visualizar las formas de la ciudad moderna.

Para más información:

Nota

En el marco de la exposición, el próximo viernes 20 de marzo se tiene prevista la realización a partir de las 6:30 p.m. de una velada que incluye una charla sobre arte y arquitectura (en español) con el curador Ariel Jiménez y el arquitecto Henry Rueda, seguida de un concierto del Octoplus Ensemble con un programa inspirado en el diálogo entre la arquitectura moderna y las obras abstractas geométricas de la muestra.

Entrada gratuita, aforo limitado.

Para más información:

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LA NOTICIA DE LA SEMANA

Smiljan Radić Clarke gana el Premio de Arquitectura Pritzker 2026

Por Ellie Stathaki

12 de marzo de 2026

Tomado de http://www.wallpaper.com

Smiljan Radić Clarke ha ganado el Premio Pritzker de Arquitectura 2026. Este prestigioso galardón, considerado uno de los más altos honores de la comunidad arquitectónica mundial, convierte al célebre arquitecto chileno en el 55º galardonado con el Pritzker, tras arquitectos como Liu Jiakun (Premio Pritzker 2025), Riken Yamamoto (2024) y David Chipperfield (2023).

Vik Millahue Winery. Millahue, Chile (2014).

Cuando le presentamos en 2014, con motivo de la inauguración del Pabellón Serpentine, nos comentó que considera su obra fluida y consciente: «No soy un creador de nuevas formas», afirmó. Es una cualidad que el Premio Pritzker 2026 también destaca, subrayando la capacidad del arquitecto para la flexibilidad y la experimentación. Aprovechando el poder de la experiencia humana, su propia capacidad de empatía y una «inteligencia emocional discreta», como bien lo define el equipo del Pritzker, sus diseños responden al lugar, el entorno y las necesidades.

Serpentine Gallery Pavilion, Londres, Reino Unido (2014)

Su obra es, como era de esperar, igualmente variada, abarcando el Restaurante Mestizo (Santiago, Chile, 2006), la Casa Pite (Papudo, Chile, 2005) y Chile Antes de Chile, la extensión del Museo Chileno de Arte Precolombino (Santiago, Chile, 2013). También ha creado la bodega para los retiros VK en Millahue, Chile (2014) y su propio estudio en casa, Pequeño Edificio Burgués (Santiago, Chile, 2023).

Chile Antes de Chile. Ampliación y remodelación del Museo Chileno de Arte Precolombino (2013).

«La arquitectura se sitúa entre formas grandes, masivas y perdurables —estructuras que se yerguen bajo el sol durante siglos, esperando nuestra visita— y construcciones más pequeñas y frágiles, fugaces como la vida de una mosca, a menudo sin un destino claro bajo la luz convencional. En esta tensión de tiempos dispares, nos esforzamos por crear experiencias con una presencia emocional que animen a las personas a detenerse y reconsiderar un mundo que a menudo las pasa por alto con indiferencia», declaró Radić en el comunicado de prensa del Pritzker.

Casa para el Poema del Ángulo Recto (2011-2012)

El jurado del Premio Pritzker 2026 declaró en su acta: «A través de una obra situada en la encrucijada de la incertidumbre, la experimentación material y la memoria cultural, Smiljan Radić prioriza la fragilidad sobre cualquier pretensión injustificada de certeza. Sus edificios parecen temporales, inestables o deliberadamente inacabados —casi a punto de desaparecer—, pero ofrecen un refugio estructurado, optimista y discretamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida».

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Veredicto del jurado

El Premio Pritzker de Arquitectura se otorga en reconocimiento a un talento excepcional, visión y compromiso que, a lo largo del tiempo, han dado lugar a contribuciones profundas y perdurables a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura. El cuerpo de trabajo de Smiljan Radić encarna estos valores en su forma más radical y esencial.

Teatro Regional del Bío Bío. Concepción, Chile (2018)

Expresar las cualidades de su trabajo arquitectónico en lenguaje hablado es intrínsecamente difícil, ya que en sus diseños trabaja con dimensiones de experiencia que son inmediatamente palpables, pero escapan a la verbalización—como la percepción del tiempo mismo: inmediatamente reconocible, pero conceptualmente evasiva.

Sus edificios no son concebidos simplemente como artefactos visuales; más bien, exigen una presencia encarnada. Una primera paradoja fundamental de la arquitectura de Smiljan Radić es que establece un punto de entrada personal, casi introspectivo, sin llegar a derivar en aislamiento. Por el contrario, lo que comienza como un encuentro individual se expande hacia una resonancia colectiva más amplia. Esta es, quizás, la naturaleza del verdadero arte: se dirige a cada uno de nosotros como seres singulares, uno a uno, y, sin embargo, nos impulsa hacia un origen compartido—un lugar atávico más allá de la raza, el género o la cultura. Tal capacidad adquiere una relevancia particular en tiempos de polarización y deshumanización, y puede constituir el verdadero valor de un arquitecto cuyo trabajo puede describirse, sin dudar, como profundamente original: el arte de la arquitectura practicado como un intento sostenido de reconectar a todos los individuos con un origen más profundo. Es importante que esto no se confunda con nostalgia o revivalismo histórico. Su despojo de la superficie está fundamentado en la experimentación radical y un interrogatorio incesante de la convención, el precedente y el camino trillado. Aquí radica otra paradoja: su enfoque no ortodoxo del diseño puede parecer inicialmente inusual, inesperado—incluso rebelde—sin embargo, lejos de producir alienación o distanciamiento, su postura anticatólica se siente fresca y sin precedentes. Transmite la sensación inconfundible de encontrarse con algo nuevo.

Restaurante Mestizo. Santiago, Chile (2006).

A través de conexiones no obvias y patrones de circulación, los edificios de Radić ofrecen una multiplicidad de escenarios para que los usuarios actúen, interactúen e incluso cambien las narrativas que se desarrollan dentro de ellos. La composición magistral de volúmenes y la calibración precisa de escalas otorgan un sentido de monumentalidad a la vida cotidiana, ya sea experimentada a nivel individual o público. En la arquitectura de Radić, la presencia monumental se reconfigura a través de la fragilidad, la ligereza y la aparente inestabilidad, lograda no solo a través de la escala, sino a través de la atmósfera, la tensión material y la intensidad espacial. Esto permite que las acciones cotidianas—caminar, esperar, reunirse—adquieran significado sin ser subordinadas a una gran narrativa ideológica. A través de su enfoque profundamente democrático, lo monumental se devuelve así a la experiencia común en lugar de reservárselo a momentos excepcionales. 

A través de un cuerpo de trabajo situado en la intersección de un lenguaje iconoclasta, la exploración material y la memoria cultural, Smiljan Radić favorece la fragilidad sobre cualquier reclamación infundada de certeza. Sus edificios pueden parecer temporales, inestables o deliberadamente inacabados—casi a punto de desaparecer—sin embargo, proporcionan un refugio estructurado, optimista y silenciosamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida. 

Casa Carbonero. Melipilla, Chile (1998).

No están firmemente anclados al suelo; más bien, están delicadamente colocados sobre él, a menudo flotando ligeramente por encima de la superficie y solo ocasionalmente haciendo contacto. Se evita cuidadosamente cualquier alteración duradera del sitio, como si pudieran ser retirados en cualquier momento y el suelo restaurado a su estado original. Inspirándose en el poderoso y a la vez sísmico contexto ambiental chileno y cambiando de la lógica—frecuentemente implícita en la construcción—de dominación y propiedad hacia la coexistencia, Radić presenta la arquitectura como un huésped en lugar de un maestro del sitio, reconociendo la primacía del paisaje y, por extensión, de la memoria colectiva y el territorio compartido sobre la autoría individual.

Este sentido de impermanencia arquitectónica se expresa frecuentemente a través de la elección de materiales. Si bien varían de un proyecto a otro, estos siempre son cuidadosamente considerados, contextualmente responsivos e informados por la disponibilidad local. 

Parada de Autobús. Krumbach, Austria (2013).

Reforzando la ética democrática de su trabajo, Radić emplea materiales—ya sean industriales o naturales, refinados o tradicionalmente considerados marginales—de formas que no son nostálgicas ni meramente pragmáticas. En cambio, desestabilizan jerarquías establecidas de valor: lo alto y lo bajo, lo refinado y lo crudo, lo permanente y lo provisional coexisten sin una clara distinción. Esta equivalencia material refleja la apertura social de sus espacios, en los que ningún usuario es privilegiado sobre otro. La carpa de circo que corona el techo de NAVE en Santiago, la membrana blanca que envuelve el Teatro Regional del Bío-Bío en Concepción—brillando con una luz cálida y acogedora al atardecer—y el monumental pabellón inflable Guatero diseñado para la Bienal de Arquitectura de Santiago se convierten todos en escenarios estructuralmente sofisticados pero lúdicos, en los que texturas y colores inesperados interactúan con volúmenes de forma igualmente inesperada.

Distrito Cívico Boca Sur. Concepción, Chile. (2016).

Si la arquitectura da forma a las maneras en que las personas viven, el trabajo de Radić produce experiencias espaciales que se sienten a la vez sorprendentes y completamente naturales. Son sorprendentes en su flexible capacidad para combinar, cuestionar y desmantelar tipologías establecidas; naturales en la forma en que emergen tanto de su historia personal como de la de aquellos que habitarán en última instancia sus edificios. Si bien son completamente responsivas a su función, cada proyecto contiene un elemento de inesperado: experimentar los edificios de Smiljan Radić es provocar y mantener la curiosidad. Lleva estrategias espaciales coherentes hasta sus límites, desarrollándolas con rigor para involucrar activamente al usuario: no se requiere un conocimiento especializado para «entender» el espacio, porque la comprensión nunca es completa. Su trabajo desafía las limitaciones de un solo concepto: los espacios que crea son a menudo ambiguos, a veces incluso inquietantes, nunca predefinidos. Resisten la comprensión completa a través de un solo punto de vista, y es precisamente esta resistencia la que restaura profundidad y complejidad a la arquitectura. Gigantescas rocas erguidas—como en el Restaurante Mestizo en Santiago, edificios que parecen apenas tocar el suelo—como la Casa Pite en Papudo, y el frecuente rechazo de los ejes de coordenadas cartesianas convencionales—la Casa para el Poema del Ángulo Recto en Vilches—invitan a la interpretación, en lugar de al consumo.

Estructura Inflable para la XXII Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Chile. Santiago, Chile (2023).

Por recordarnos que la arquitectura es un arte, en el sentido de que toca el núcleo mismo de la condición humana; por permitir que la disciplina abrace la imperfección y la fragilidad, ofreciendo refugios silenciosos en un mundo moldeado por la incertidumbre, sin la necesidad de ser más ruidosa o espectacular para importar; por crear edificios cuya naturaleza híbrida refleja la contemporánea difuminación de las fronteras disciplinarias, y que no hablan en nombre de las personas, sino que permiten a las personas encontrar su propia voz a través de ellos, Smiljan Radić Clarke es nombrado el Laureado del Premio Pritzker 2026.

El jurado encargado de asignar el Premio Pritzker 2026 estuvo integrado por:

  • Alejandro Aravena (Presidente): Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2016 (Santiago, Chile).
  • Barry Bergdoll: Curador, autor y profesor de Historia del Arte en la Universidad de Columbia (Nueva York, EE. UU.).
  • Deborah Berke: Arquitecta y Decana de la Escuela de Arquitectura de Yale (Nueva York, EE. UU.).
  • Stephen Breyer: Juez retirado de la Corte Suprema de los Estados Unidos (Washington, DC, EE. UU.).
  • André Aranha Corrêa do Lago: Crítico de arquitectura y diplomático (Brasilia, Brasil).
  • Kazuyo Sejima: Arquitecta y ganadora del Premio Pritzker 2010 (Tokio, Japón).
  • Wang Shu: Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2012 (Hangzhou, China).
  • Manuela Lucá-Dazio (Directora Ejecutiva): Encargada de coordinar las deliberaciones del jurado.

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ACA