Con Pier Vittorio Aureli, Mario Carpo and Daniel Sherer
The MIT Press
2025
Idioma: inglés
Descripción
Un análisis fresco e innovador de las cinco obras construidas del reconocido arquitecto renacentista Leon Battista Alberti, que sugiere una nueva relación de forma con el significado.
Mucho se ha escrito sobre el mantra del arquitecto renacentista León Battista Alberti de parte a todo como una de las condiciones continuas de la arquitectura. Si bien esta tesis subyacente a menudo se ha repetido en los anales de la historia y la teoría arquitectónica, los arquitectos rara vez han cuestionado la idea. Al reescribir Alberti, el arquitecto Peter Eisenman sugiere, sin embargo, que Alberti provocó un discurso radical más allá del diálogo de parte a toda el que aparece en sus Diez Libros de Arquitectura. El análisis en profundidad de Eisenman de las cinco obras construidas de Alberti revela una disyunción entre los edificios del arquitecto y los escritos teóricos, lo que sugiere una nueva relación de forma con el significado basado en la fragmentación del espacio homogéneo.
Reescribir Alberti incluye contribuciones de Pier Vittorio Aureli, Mario Carpo y Daniel Sherer. Carpo, un historiador y crítico de la arquitectura, teoriza que la obra de Alberti inició una idea de la disciplina como un sistema notacional similar a las lógicas computacionales contemporáneas. A modo de comparación, Sherer, un historiador de la arquitectura reconsidera las lecturas del crítico Manfredo Tafuri de Alberti, y el arquitecto y teórico Aureli se basa en Alberti para proponer otra idea del “proyecto” arquitectónico.
Aquí, en un libro hay cuatro discursos diferentes (y más de 60 dibujos) que miran hacia atrás a los orígenes de los signos arquitectónicos y la semiología y hacia adelante para entender la forma en que la historia informa la arquitectura hoy.
Con una selección de 750 bocetos, dibujos, maquetas y planos técnicos que revelan el proceso detrás de su obra, Tadao Ando nos invita a descubrir las inspiraciones de sus ideas arquitectónicas. Desde sus comienzos en la década de 1970 hasta sus proyectos más recientes, explore los icónicos bocetos conceptuales de este maestro del modernismo.
Reseña
Una nueva monografía de Tadao Ando desvela el proceso creativo que guía la práctica del arquitecto
Por Tianna Williams
Aficionados a la arquitectura modernista, marcan sus calendarios; la editorial Taschen ha anunciado una nueva monografía Tadao Ando, mirando la obra del maestro de arquitectura japonesa, pero no como la conocemos. En el tomo elevado, se invita a los lectores a descubrir bocetos crudos y dibujos técnicos y dibujos técnicos, haciendo Tadao Ando. Bocetos, Dibujos y Arquitectura, una verdadera, y antes invisible, fiesta visual.
La publicación traza cinco décadas de la creatividad del arquitecto japonés. Todo comenzó cuando Ando se interesó en construir viendo a carpinteros trabajar en su casa familiar cuando era niño. Inspirado por las obras de Le Corbusier, Ando es autodidacta, habiendo dicho que se entrenó para rastrear los contornos de edificios en libros de arquitectura de peso.
Ando es conocido por su integración única de la arquitectura y el paisaje con un giro poderoso y minimalista, desde la fundación de su práctica en su ciudad natal de Osaka. Rápidamente se convirtió en uno de los arquitectos contemporáneos más celebrados del mundo (ganando el Premio Pritzker en 1995, la Medalla de Oro Real de RIBA en 1997, la Medalla de Oro AIA en 2002, y el Praemium Imperiale 1996).
La monografía de Taschen fue creada en estrecha colaboración con el propio maestro, reuniendo 750 bocetos, dibujos, macizas y dibujos técnicos, y documentando su obra desde 1975 hasta nuestros días. Al recorrer las páginas, espere ver proyectos de renombre como Row House en Sumiyoshi, Rokko Housing, Chichu Art Museum y Bourse de Commerce.
El prólogo y el texto están escritos por el propio Ando, y este último está esparcido por todo el libro. Revela el funcionamiento interno de la mente creativa del arquitecto y ofrece información sobre lo que guía su práctica y sus reflexiones sobre el poder del lugar – prometiendo llevar al lector a un viaje profundamente personal.
1. Portada de la edición original en alemán de Punto y línea sobre el plano de Wassily Kandinsky (1926)
Punto y línea sobre el plano
Contribución al análisis de los elementos pictóricos
(Punkt und Linie zu Fläche: Beitrag zur Analyse der malerischen Elemente)
Albert Langen, Múnich (Serie Bauhausbücher)
Wassily Kandinsky
1926
Cuando en 1926 se publica Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos (Punkt und Linie zu Fläche: Beitrag zur Analyse der malerischen Elemente según su título original en alemán), como tomo 9 de la serie de libros de la Bauhaus cuya dirección ostentaban Walter Gropius y Ladislaus Moholi-Nagy, su autor, Wassily Kandinsky (Moscú, 1866- Neuilly-sur-Seine,1944) iba rumbo a cumplir 60 años, es decir, se encontraba en plena madurez dentro de su rica y fructífera trayectoria.
2. Wassily Kandinsky c.1923
Convertido en toda una referencia dentro del movimiento pictórico de vanguardia, y considerado no solo como el pionero técnico de la abstracción lírica, sino como el arquitecto intelectual de una nueva ontología visual, Kandinsky sería invitado en 1922 por Walter Gropius a unirse a la Bauhaus en Weimar, tras su participación entre 1914 y 1921 en la etapa más interesante de la Revolución Bolchevique como importante funcionario dentro de la estructura cultural soviética, donde ayudó a fundar el Museo de Cultura de la Pintura, organizó 22 museos provinciales y dirigió el Instituto de Cultura Artística (Injuk).
3. Durante su etapa en la Rusia bolchevique, Kandinsky fundó el Instituto de Cultura Artística.
Su llegada a Alemania, cuando su situación en Moscú se hizo insostenible debido a notables diferencias con sus colegas constructivistas, quienes rechazaban su misticismo y subjetividad, abogando por un arte industrial y materialista al servicio de la producción socialista (hasta el punto de ser prohibido su arte), significó para Kandinsky el reencuentro con el país en el que se había formado y desarrollado como artista, convirtiéndose su incorporación al proyecto pedagógico liderizado por Gropius desde 1919 en una oportunidad que asumió como un nuevo renacer y que tendrá en Punto y línea sobre el plano un eslabón de gran importancia.
4. Odessa, cosmopolita ciudad a orillas del Mar Negro (actual Ucrania), donde el niño Kankinsky llegó a los 4 años para comenzar allí su formación artística.
Recordemos a modo de resumen de sus primeros 60 años de vida, que Kandinsky nació en un entorno de alta burguesía marcado por una hibridación cultural que influiría permanentemente en su visión del mundo. A los 4 años, tras el divorcio de sus padres (Wassily Kandinsky, próspero comerciante y Lidia Ivánovna Tijéieva, de madre alemana), se trasladó a Odessa donde, bajo el cuidado de su tía Elizaveta Tijéieva, comenzó su formación en artes liberales, incluyendo clases de piano y violonchelo, disciplinas que se convertirían en la piedra angular de su futura teoría sobre la correspondencia entre el sonido y el color. Aunque su talento para el dibujo era evidente desde joven, la presión social y familiar lo condujo inicialmente hacia el estudio del Derecho y la Economía en la Universidad de Moscú en 1886.
5. Almiares (1890), también conocido como Haystacks, de Claude Monet.
Licenciado en Leyes en 1892 Kandinsky desarrolló una carrera académica brillante. Sin embargo, en 1895 dos eventos catalizaron su ruptura definitiva con la jurisprudencia. El primero fue la contemplación de uno de los cuadros de la serie Almiares de Claude Monet en una exposición impresionista en Moscú. Kandinsky relató que, aunque inicialmente se sintió perturbado por no reconocer el objeto representado, quedó cautivado por el poder del color como una fuerza autónoma. El segundo evento fue una representación de la ópera Lohengrin de Richard Wagner en el Teatro Bolshói, donde experimentó una sinestesia vívida: vio cómo los instrumentos de viento y las cuerdas creaban líneas salvajes y colores vibrantes en su mente. En 1896, al cumplir treinta años, rechazó una oferta de una cátedra en la Universidad de Dorpat (Estonia) para trasladarse a Múnich y comenzar, “desde cero”, su formación como artista.
6. Kandinsky junto a Gabriele Münter en Estocolmo, 1916.
En el Munich de finales del siglo XIX, centro neurálgico del Jugendstil (Art Nouveau) y un refugio para la vanguardia internacional, Kandinsky recibe su educación como pintor inicialmente en la academia privada de Anton Ažbe y luego, a partir de 1900, en la Academia de Bellas Artes bajo la tutela de Franz von Stuck. Durante este periodo formativo, Kandinsky no solo pintaba, sino que se posicionaba como un organizador clave del ecosistema artístico. En 1901 fundó el grupo Phalanx, una asociación que buscaba romper con las convenciones académicas y que contaba con su propia escuela de arte. Fue en esta escuela donde conoció a Gabriele Münter, una talentosa pintora que se convertiría en su alumna, colaboradora y pareja sentimental durante más de una década. Juntos emprendieron una serie de viajes entre 1903 y 1908 que incluyeron estancias en Túnez, Italia, Holanda y Francia, permitiéndole a Kandinsky absorber las lecciones del neoimpresionismo y el fauvismo.
7. Kandinsky. Murnau, casas en Obermarkt, 1908. Obra que muestra una transición clara: las estructuras arquitectónicas siguen siendo reconocibles, pero su función principal es servir de soporte para una explosión cromática que busca una «vibración anímica» en el espectador.8. Kandinsky. Murnau, A Village Street (1908)
En 1908, Kandinsky y Münter descubrieron el pueblo de Murnau, en los Alpes bávaros. Allí, junto a Jawlensky y Marianne von Werefkin, el estilo de Kandinsky experimentó una metamorfosis acelerada. Inspirado por la técnica de pintura sobre vidrio de los artesanos locales, comenzó a simplificar las formas y a saturar el color de manera antinaturalista.
9. Kandinsky. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), 1903.
En 1911, Kandinsky y Franz Marc fundaron Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) movimiento que no era una escuela con un programa rígido, sino una plataforma para artistas que compartían un interés por la dimensión espiritual de la pintura. El nombre, derivado de un cuadro de Kandinsky de 1903, unía el color azul (asociado con la espiritualidad y la profundidad) y el motivo del caballo (símbolo de la energía creativa).
10. Portada del Almanaque Der Blaue Reiter, 1912.
La culminación de esta etapa fue la publicación del Almanaque Der Blaue Reiter en 1912. En este volumen pionero, Kandinsky y Marc mezclaron ensayos sobre música contemporánea (incluyendo a Arnold Schönberg) con reproducciones de arte popular, dibujos infantiles y objetos de culturas no occidentales. Esta visión «primitivista» buscaba recuperar una autenticidad emocional perdida en la sofisticación técnica del naturalismo occidental. Para Kandinsky, la «salvaje» honestidad de un dibujo infantil era superior a la destreza de un pintor académico si lograba transmitir una verdad interior.
11. Portada de la primera edición del libro De lo espiritual en el arte de Wassily Kandinsky. 1911.
Simultáneamente a su actividad en Der Blaue Reiter, Kandinsky publicó en 1911 su obra teórica más influyente: De lo espiritual en el arte. Este tratado no es solo un manual de pintura, sino un manifiesto filosófico que redefine el propósito de la creación estética en la modernidad. En sus páginas, Kandinsky articula el concepto de «necesidad interior», argumentando que la forma artística debe nacer exclusivamente del impulso profundo del alma del artista, independientemente de las modas o las reglas externas. Se podría decir que uno de los aportes más fascinantes de esta obra es la codificación psicológica de los elementos visuales. Kandinsky, influenciado por su propia sinestesia, establece una tabla de correspondencias entre colores y sonidos instrumentales que sirvió de base para sus composiciones abstractas. Para él, el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma humana, comparando el alma con un piano de múltiples cuerdas y al artista con la mano que, al tocar las teclas (colores), hace vibrar adecuadamente el interior del individuo.
12. Kandinsky. Composición IV, 1911. Presenta una lucha de líneas negras sobre un campo de colores fluidos. Aunque abstracta, se han identificado símbolos como dos jinetes luchando con lanzas, lo que refuerza el tema del conflicto espiritual.13. Kandinsky. Composición VII, 1911. Considerada su obra maestra realizada a las puertas de la Primera Guerra Mundial, es una síntesis de temas apocalípticos (el Juicio Final, la Resurrección, el Diluvio). Con más de 30 estudios previos, la pintura es una maraña de formas orgánicas y líneas que crean un espacio pictórico sin precedentes, donde el ojo del espectador nunca encuentra un punto de reposo definitivo.
Esta gramática visual permitía a Kandinsky construir «sinfonías pictóricas» que tendrán su punto culminante en la elaboración de sus diez “Composiciones” realizadas a partir de 1911 a lo largo de tres décadas. El color azul, por ejemplo, actúa como un elemento concéntrico que se aleja del espectador, mientras que el amarillo es excéntrico y parece avanzar hacia él. Al combinar estas fuerzas, el artista podía crear una tensión espacial que no dependía de la perspectiva tradicional, sino de la dinámica inherente a los colores mismos.
14. Kandinsky (izquierda) con Walter Gropius y J.J.P. Oud en la Bauhaus de Weimar en agosto de 1923.15. Kandinsky. En blanco II, óleo sobre lienzo, 1923.
El estallido de la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914 puso fin abruptamente a su etapa en Múnich. Como ciudadano de una nación enemiga, Kandinsky fue obligado a abandonar Alemania. Se refugió inicialmente en Suiza donde pasó tres meses en Goldach, a orillas del lago Constanza, dedicando ese tiempo casi exclusivamente a sistematizar sus ideas y realizar las experiencias prácticas correspondientes que luego darían origen a Punto y línea sobre el plano, tal y como manifiesta el propio Kandinsky en la «Advertencia» que coloca en el libro ya publicado . Luego regresó a Moscú, donde el aislamiento internacional y la escasez de materiales lo llevaron a producir principalmente obras sobre papel y grabados. También allí tendría un importante desempeño dentro de la estructura cultural soviética que ya relatamos al comienzo de esta nota, eslabón previo a su retorno a Alemania para participar en la Bauhaus desde 1922.
16. Portada y sumario de la edición en castellano de Punto y línea sobre el plano, Paidós, Buenos Aires, 2003. Corresponde a la traducción procedente del libro Kandinsky: ensayos sobre arte y artistas (1963) y recoge el «Prólogo» y las «Observaciones posteriores» escritos por Max Bill (discípulo suyo en la Bauhaus) en 1955, 1959 y 1964.
Es así como se puede ubicar la génesis de Punto y línea sobre el plano en las experiencias previas de Kandinsky tanto en Munich como en Rusia y su posterior integración en el ecosistema de la Bauhaus. A diferencia de De lo espiritual en el arte, pero desarrollado como una continuación orgánica de él, Punto y línea sobre el plano, es un texto mucho más técnico provisto de un lenguaje que pudiera ser enseñado y compartido en un entorno de producción industrial y artesanal, donde analiza el «sonido» de cada elemento gráfico y su interacción con la superficie del lienzo, que él llama el Plano Básico (PB).
17. Ejercicio “Dance Curves: on the dances of Palucca” realizado el año 1926 por Kandinsky. Ensayo acompañado de una serie de 4 “dibujos analíticos” basado en fotografías de la bailarina Gret Palucca realizando movimientos dancísticos ligeros, pero dinámicos que Kandinsky traduce en esquemas gráficos para trasladar a un medio bidimensional la tensión de la expresión corporal y el efecto espacial.
Deriva del interés mostrado a través de las asignaturas que dictaba, no solo de enseñar pintura, sino una forma de «ver». Como «maestro de formas», sus cursos de dibujo analítico y teoría del color redefinieron la educación artística convirtiéndose en el laboratorio definitivo donde sus teorías se pusieron a prueba a través de la enseñanza. Su método consistía en descomponer el objeto cotidiano en sus fuerzas energéticas subyacentes. En lugar de copiar una naturaleza muerta de manera mimética, los estudiantes debían identificar las líneas de tensión y los puntos de equilibrio que constituían la esencia del objeto, encontrándose aquí la esencia de lo que contiene el libro que a su vez se convirtió en manual asumido por escuelas de arte y diseño de todo el mundo.
18. Páginas de Punto y línea sobre el plano del capítulo dedicado al Punto.
Kandinsky en el texto que nos ocupa comienza su análisis con el elemento más simple y, paradójicamente, el más complejo: el punto. Desde una perspectiva geométrica pura, el punto es un ente invisible e incorpóreo que representa el «cero» o el silencio absoluto. Sin embargo, en el ámbito de la pintura, el punto deviene material a través del choque del instrumento (lápiz, pincel, aguja) con la superficie material o plano básico. Este acto de «choque» es descrito por el autor como una fecundación de la base, donde lo que antes era un vacío se convierte en un espacio cargado de significado.
19. Páginas de Punto y línea sobre el plano del capítulo dedicado a la Línea.
Si el punto es la encarnación del reposo, la línea es su antítesis dialéctica: el rastro del punto que ha perdido su estabilidad debido a una fuerza exterior. La línea representa el salto de lo estático a lo dinámico, convirtiéndose en el segundo elemento primario del lenguaje visual. Kandinsky clasifica las líneas según la naturaleza de las fuerzas que las originan, asignándoles temperaturas y tensiones emocionales específicas que forman el núcleo de su psicología de la forma.
20. Páginas de Punto y línea sobre el plano del capítulo dedicado a la Línea.
La relación entre la línea y el tiempo es otro aspecto crucial de la teoría kandinskiana. Mientras que el punto es una unidad temporal mínima, casi instantánea, la línea requiere un tiempo de recorrido para ser percibida en su totalidad.
21. Páginas de Punto y línea sobre el plano del capítulo dedicado al Plano.
El tercer elemento fundamental es el Plano Básico (PB), definido como la superficie material destinada a recibir el contenido de la obra. Para Kandinsky, el plano no es un soporte neutro o inerte; es un organismo vivo con propiedades inherentes que interactúan de manera dialéctica con cualquier forma o color depositado sobre él. El plano esquemático está delimitado por dos líneas horizontales y dos verticales, formando un campo de fuerzas donde cada zona posee un «sonido» psicológico particular.
22. Páginas de Punto y línea sobre el plano tomadas del Apéndice.
La composición, en este contexto, es la disposición intencionada de tensiones internas para lograr una unidad armónica. Kandinsky sostiene que la verdadera obra de arte nace de la «necesidad interior», donde el artista organiza el punto y la línea sobre el plano no por un capricho estético, sino para transmitir una pulsación rítmica que resuene con las leyes de la naturaleza y el cosmos. Esta visión trasciende la mera técnica para proponer un «alpinismo espiritual» donde el arte se convierte en un vehículo para acceder a verdades universales invisibles.
En resumen, el enfoque pedagógico de Kandinsky plasmado en sus dos libros fundamentales tenía como objetivo desarrollar una «teoría universal del arte» basada en que el lenguaje de las formas y colores es común a todos los seres humanos. Defendía que la enseñanza artística debía tener una doble naturaleza: el dominio técnico de los materiales y la comprensión de su unidad espiritual. El estudio de las tensiones era la clave de la composición, permitiendo que el estudiante pasara de la observación exacta a la libertad interior.
El impacto de esta pedagogía fue inmenso. Al sistematizar elementos como el punto, la línea y el plano, Kandinsky proporcionó a los diseñadores herramientas para crear comunicaciones visuales claras, eficientes y memorables, sentando las bases de lo que hoy conocemos como diseño básico y morfología.
23. Kandinsky. Composición X, 1939. Pertenece a su etapa parisina, incorporando formas biomórficas y un colorido más pastel y «ácido», reflejando una síntesis entre su rigor geométrico y una nueva fascinación por lo orgánico.24. Kandinsky. Cielo azul, óleo sobre lienzo, 1940.
Con el ascenso de Hitler al poder en 1933, la Bauhaus fue clausurada por ser considerada un foco de «bolchevismo cultural». Kandinsky, cuyo arte fue etiquetado como «degenerado» (entartete Kunst) y confiscado de los museos alemanes, se trasladó a Neuilly-sur-Seine, cerca de París, donde vivió un periodo de relativo aislamiento hasta su fallecimiento en 1944 pocos meses después de la liberación de París. Su obra de esta etapa final, menos geométrica y más caracterizada por el uso de formas suaves, maleables y «vivas», estuvo influenciado por su fascinación por las ciencias naturales. Sus cuadros de esta época son sorprendentemente luminosos y optimistas, utilizando tonos pastel y composiciones rítmicas que evocan un sentido de paz y regeneración espiritual muy muy lejanos al belicismo imperante.
25. Portadas de algunas de las ediciones en castellano de Punto y línea sobre el plano.
A lo largo de su trayectoria, Kandinsky (de cuyo nacimiento este 2026 se cumplen 150 años) navegó por las convulsiones más profundas del siglo XX —dos guerras mundiales, la Revolución Rusa y el ascenso del fascismo—, utilizando cada crisis como un catalizador para refinar su teoría de la sinestesia y la resonancia anímica de la forma. Además, su visión de la interdisciplinariedad promovió la colaboración entre pintores, arquitectos y artesanos. Para él, el arte no debía ser una actividad aislada, sino una herramienta para transformar el entorno construido y los objetos cotidianos, elevando la calidad espiritual de la sociedad moderna. Esta integración de lo bello con lo útil marcó el estilo funcional de la Bauhaus que dominaría gran parte del diseño del siglo XX.
ACA
Nota
La reseña sobre Kandinsky y el libro Punto y línea sobre el plano fue realizada con el auxilio de Gemini, la plataforma de Google de Inteligencia Artificial.
Es una de las imágenes más emblemáticas del modernismo californiano jamás tomadas: una foto en blanco y negro que muestra un volumen voladizo de cristal brillante que sobresale de las colinas de Hollywood. Dos mujeres, ataviadas con vestidos de faldas largas, conversan en el interior, flotando sobre la reluciente cuadrícula de calles de Los Ángeles.
La foto, capturada en 1960 por el fotógrafo de arquitectura Julius Schulman, inmortalizó para siempre la Case Study House nº 22, una impresionante residencia diseñada por el arquitecto Pierre Koenig y construida para los clientes Buck y Carlotta Stahl. La casa ha permanecido en manos de la familia desde entonces.
Esta semana, 65 años después de su finalización, la Casa Stahl ha salido a la venta. El precio de venta es de 25 millones de dólares.
«Esto no es una simple venta; es una cesión de responsabilidades: la búsqueda del próximo custodio que honrará la historia de la casa, respetará su pureza arquitectónica y garantizará su preservación para las generaciones venideras», afirma el anuncio de la inmobiliaria The Agency.
Si bien la casa es de escala modesta (solo tiene dos dormitorios y abarca 200 m²), es, en toda la extensión de la palabra, un icono. Se construyó como parte del programa de viviendas «Case Study», un proyecto de la revista Arts & Architecture en 1945 que encomendó a los arquitectos diseñar viviendas elegantes y económicas para abordar la escasez de viviendas de la posguerra. Se construyeron veinticinco, incluyendo estructuras de Richard Neutra, Craig Ellwood, Charles y Ray Eames, entre otros.
El interior de la Casa Stahl se ha mantenido prácticamente inalterado durante más de seis décadas. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)Vista de la cocina antigua, que incluye una placa que la reconoce como Monumento Histórico-Cultural de Los Ángeles. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)
La residencia Stahl, sin embargo, es posiblemente la más famosa, debido al entusiasmo de su fotógrafo y al entusiasmo de sus clientes. Buck y Carlotta recibían regularmente a aficionados y estudiantes de arquitectura, mientras que, durante los últimos 17 años, dos de los hijos de los Stahl mantuvieron la casa abierta para visitas.
«Nuestros padres permitieron que la gente viniera para sesiones de fotos, filmaciones y visitas, y también permitieron visitas de universidades. Que la fotografía de Julius se haya visto en todo el mundo y que la casa esté abierta continuamente la ha llevado al nivel [de popularidad] que tiene ahora», compartió Shari Stahl en una entrevista de 2015 con la revista LA.
La casa cuenta con ventanales de piso a techo con impresionantes vistas a la piscina y a Los Ángeles. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)La casa conserva su cocina-comedor de planta abierta, aunque la chimenea decorativa se revistió de piedra posteriormente. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)
Tras más de seis décadas como propietarios y el creciente reto de mantener un edificio envejecido, los Stahl sintieron que era hora de un nuevo propietario. «Esta casa ha sido el centro de nuestras vidas durante décadas, pero a medida que envejecemos, se ha vuelto cada vez más difícil cuidarla con la atención y la energía que tanto merece», escribieron Shari y su hermano Bruce en un comunicado publicado en el sitio web de la Casa Stahl.
«Ha llegado el momento de identificar al próximo administrador de la Casa de Estudio nº 22: alguien que no solo aprecie su importancia arquitectónica, sino que también comprenda su lugar en el panorama cultural de Los Ángeles y más allá», añadieron.
Vista de la piscina, tal como se ve hoy (Crédito de la imagen: Jilbert Daniel)
De hecho, el futuro comprador de la Casa Stahl estará prácticamente adquiriendo un museo viviente. La casa se ha mantenido prácticamente inalterada desde que Koenig la terminó en 1960. Cuenta con una cocina abierta, con armarios originales de contrachapado; tres baños sin renovar; y calefacción radiante. Sin embargo, el afortunado propietario disfrutará sin duda de la piscina, las vistas espectaculares y el terreno de 0.4 hectáreas.
La casa fue declarada Monumento Histórico-Cultural por la Comisión de Patrimonio Cultural de Los Ángeles en 1999, lo que significa que, si bien no está completamente protegida de la demolición, cualquier cambio significativo está sujeto a revisión.
Pero los Stahl esperan al comprador ideal, uno que respete tanto el legado de sus padres como la ambición de Koenig. Según la propiedad, propiedad de William Baker, director de arquitectura de The Agency: «Para el comprador ideal, este es un legado que perdurará».
El año 2026 trae consigo una oleada de ambiciosas inauguraciones culturales. Algunas llevan años en desarrollo, ya sea estancadas por cambios en la financiación, dificultades de planificación o la enorme complejidad de construir a gran escala. Ahora, en su fase final, prometen una gran cantidad de nuevos museos, vastas ampliaciones subterráneas y estudios renovados para un panorama cultural que crece rápidamente en escala, ambición y alcance.
En todo el Reino Unido, el impulso es fuerte: Cardiff se prepara para dar la bienvenida a su primer museo de arte contemporáneo, mientras que, en Londres, el V&A East se une al recientemente inaugurado V&A Storehouse en el paseo marítimo de Stratford. En St Ives, la ciudad costera de Cornualles, tradicionalmente asociada a Barbara Hepworth, el Palais de Danse de la artista, antes en desuso —un antiguo cine y sala de baile que adquirió en 1961 como segundo estudio— reabrirá sus puertas casi cincuenta años después de su muerte.
El Guggenheim de Abu Dabi, diseñado por Frank Gehry, está a punto de terminarse, mientras que el Museo Lucas de Arte Narrativo, fundado por George Lucas, creador de Star Wars, abre sus puertas en septiembre tras pasar por dos sedes propuestas anteriormente antes de establecerse finalmente en Los Ángeles. Y en Benín, el Museo de Arte de África Occidental permanece suspendido en la incertidumbre, con su prevista inauguración ensombrecida por disputas políticas y visiones controvertidas sobre la propiedad cultural.
Guggenheim Abu Dhabi (mes sin confirmar)
Tras más de una década de construcción, el Guggenheim Abu Dhabi, diseñado por el difunto Frank Gehry, está a punto de completarse en la isla Saadiyat. Ubicado en el distrito cultural de rápido crecimiento de la isla, este museo de 42.000 metros cuadrados será el mayor centro Guggenheim del mundo, uniéndose al Museo Guggenheim Bilbao, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia. Anunciado en 2006 mediante un acuerdo entre Abu Dhabi y la Fundación Solomon R. Guggenheim, el proyecto se concibió como un centro global para el arte posterior a la década de 1960, con especial atención a las prácticas de Asia occidental, norteafricana y surasiática, además de albergar una importante colección permanente y obras recién encargadas.
Su inauguración culmina un período de transformación para la isla Saadiyat, que ha consolidado rápidamente su estatus como centro cultural de los EAU. Tras el Louvre Abu Dhabi de Jean Nouvel (2017), el emirato ha inaugurado recientemente dos importantes instituciones más: el Museo Nacional Zayed, diseñado por Norman Foster, y el Museo de Historia Natural. Este impulso continúa en 2026, con la edición inaugural de Frieze Abu Dhabi coincidiendo con las primeras subastas de Sotheby’s en el emirato.
Museo Artístico de Arte Contemporáneo, Gales (mes sin confirmar)
El Museo Artístico de Arte Contemporáneo (AMOCA) se convertirá en el primer museo dedicado al arte contemporáneo de Cardiff. Esta institución privada, sin ánimo de lucro, albergará alrededor de 1.000 obras, procedentes en gran parte de la colección del empresario y filántropo galés-sueco Anders Hedlund. Concebido como un punto de encuentro para la práctica innovadora, AMOCA busca posicionar a Gales en el discurso global del arte contemporáneo, a la vez que da visibilidad a los artistas locales. Su programa combinará exposiciones temporales con muestras rotativas de la colección permanente, con un enfoque curatorial en las perspectivas de las minorías, las subculturas y el talento galés emergente en diversos medios. Los planes para espacios interiores y exteriores a gran escala, junto con experiencias digitales, buscan ampliar la forma en que el público se relaciona con el arte contemporáneo. Más allá de las exposiciones, el museo pretende albergar charlas, simposios, talleres juveniles y residencias, creando un centro social y educativo en la ciudad.
Museo V&A East, Londres (abril de 2026)
El Museo V&A East, inaugurado en abril en Stratford Waterfront, se unirá al recientemente inaugurado V&A Storehouse en el este de Londres. Diseñado por O’Donnell + Tuomey, el edificio de cinco plantas presentará una combinación de importantes exposiciones temporales y muestras de la colección del V&A, conectando las prácticas creativas globales con la larga historia de la creación en el este de Londres. Alrededor de 500 objetos se distribuirán en secciones temáticas por todo el museo, que abordan cuestiones de identidad, representación y cambio ambiental. Quienes lo visiten durante los primeros meses también descubrirán la primera ronda de un nuevo programa de encargos, que presenta ocho obras inspiradas en el este de Londres, realizadas por artistas como Rene Matić y Es Devlin. La exposición debut del museo, «La Música es Negra: Una Historia Británica», explora el impacto de la música negra británica en la vida cultural del país.
James Turrell en el Museo de Arte ARoS, Dinamarca (19 de junio de 2026)
La adición más monumental de James Turrell a su aclamada serie «Skyspace» se inaugurará en el Museo de Arte ARoS de Aarhus en junio, completando así la expansión del museo, que duró una década. Turrell comenzó a desarrollar Skyspaces en la década de 1970 como cámaras que enmarcan el cielo a través de aberturas de formas precisas, creando encuentros intensificados con la luz y la percepción. Como se ve abajo, The Dome se convierte en la obra más grande de este tipo en aparecer en un contexto museístico. Anunciada por primera vez en 2015 y realizada con Schmidt Hammer Lassen Architects, la instalación ancla la nueva extensión subterránea de ARoS, The Next Level, que también incluye la recientemente inaugurada Galería Salling y una próxima área de exposición al aire libre. Ubicada en un montículo de césped junto al museo, la imponente cámara de Turrell, de más de 15 metros de altura y 40 metros de ancho, presenta un óculo central y el sistema de iluminación monocromática del artista, transformando el cielo en un campo inmersivo de color cambiante.
Museo Lucas de Arte Narrativo, Los Ángeles (22 de septiembre de 2026)
Cofundado por el cineasta George Lucas y su esposa, la empresaria Mellody Hobson, el Museo Lucas de Arte Narrativo abrirá sus puertas en el Exposition Park de Los Ángeles, materializándose finalmente tras propuestas abandonadas en San Francisco y Chicago y años de retrasos en la construcción. Diseñado por Ma Yansong de MAD, la elegante forma del museo, similar a una nave espacial, se eleva sobre los jardines de Mia Lehrer de Studio-MLA. En su interior, 35 galerías, que abarcan 100.000 pies cuadrados, se nutren de una colección de más de 40.000 obras, una de las colecciones de arte narrativo más importantes del mundo. Pinturas de Norman Rockwell, Frida Kahlo, N.C. Wyeth y Maxfield Parrish se encuentran junto a ilustraciones emblemáticas de Robert Crumb, Frank Frazetta y Jack Kirby. Gran parte de la propia colección de narraciones de Lucas también se exhibirá, junto con accesorios, vestuario y guiones gráficos de Star Wars e Indiana Jones.
MANN 2: Museo Arqueológico Nacional de Napoli, Nápoles (mediados-finales de 2026)
El Museo Arqueológico Nacional de Nápoles (MANN), uno de los mayores repositorios mundiales de la antigüedad clásica, inaugura una nueva e importante sucursal con 10.000 metros cuadrados de espacio expositivo que permitirá a la institución exhibir una parte mucho mayor de su vasto acervo. Conocido como MANN 2, el nuevo museo se construirá en el Real Albergo dei Poveri, un complejo inacabado del siglo XVIII con una fachada de 400 metros, una de las más largas de Europa.
Además de importantes antigüedades del Imperio Romano, el MANN custodia la mayor colección mundial de material procedente de Pompeya, actualmente uno de los yacimientos arqueológicos más visitados de Italia. De los aproximadamente 400.000 artefactos excavados en la antigua ciudad, unos 40.000 se conservan en el MANN, aunque muchos permanecen almacenados debido a la escasez de espacio. MANN 2 destacará la Colección Santangelo y exposiciones sobre arqueólogos pioneros, incluidos Giuseppe Fiorelli, Vittorio Spinazzola y Amedeo Maiuri, mientras que otras áreas del vasto complejo albergarán salas de enseñanza, alojamiento para la Universidad de Nápoles Federico II y más espacio para la Biblioteca Nacional.
El Palais de Danse, St Ives (mediados o finales de 2026)
El Palacio de Danza, un edificio catalogado de Grado II en el centro de la ciudad costera de St Ives, en Cornualles, reabrirá sus puertas casi 50 años después del fallecimiento de Barbara Hepworth, quien adquirió el antiguo cine y sala de baile en 1961 para convertirlo en su segundo estudio. Fue aquí donde creó algunas de sus obras más ambiciosas, como «Forma Única», «Figura Alada» y «Cuatro Cuadrados (Recorrido)», a medida que crecía su reputación internacional. Actualmente, en proceso de transformación por parte de Adam Khan Architects, el edificio, en desuso durante mucho tiempo, volverá a ser un espacio para la creación artística, la performance, el aprendizaje y eventos comunitarios, recuperando un lugar clave en la carrera de Hepworth para el público.
En la planta baja, los talleres reconstruidos exhibirán sus herramientas, materiales y artefactos de estudio, muchos de ellos nunca antes expuestos, junto al suelo cuadriculado que utilizó para diseñar «Forma Única» para las Naciones Unidas. En la planta superior, la sala de baile restaurada de 24 metros, con su suelo de arce flexible, escenario y pantallas de cristal diseñadas por Hepworth, albergará encargos, instalaciones y charlas. En el exterior, el patio donde creó el prototipo de Winged Figure se abrirá a los visitantes por primera vez. El proyecto complementa el Museo y Jardín de Esculturas Barbara Hepworth, al otro lado de la calle, que conserva su casa y estudio tal como los dejó.
Museo de Arte de África Occidental, Benin City, Nigeria
El Museo de Arte de África Occidental (MOWAA) en Benín City, diseñado por Adjaye Associates, debía abrir sus puertas en noviembre de 2025, pero se vio envuelto en disputas políticas. Tras cinco años de desarrollo y con el respaldo de 25 millones de dólares procedentes de donantes como los gobiernos francés y alemán, el Museo Británico y el gobierno del estado de Edo, la institución fue concebida por el empresario Phillip Ihenacho como un nuevo e importante centro cultural en la ciudad, asociada desde hace tiempo con los Bronces de Benín, saqueados por las tropas británicas en el siglo XIX.
Aunque el MOWAA se concibió en un principio como un futuro hogar para los bronces repatriados, una declaración presidencial de 2023 transfirió la propiedad de las piezas a Ewuare II, el Oba de Benín, quien planea exhibirlas en su propio museo. La tensión se intensificó cuando el gobierno del estado de Edo revocó el terreno donde se construyó el MOWAA y los manifestantes entraron en el lugar. Según un comunicado del museo, las protestas parecían derivar de «disputas entre las administraciones estatales anterior y actual». Ante la ausencia de los bronces, el museo se posiciona como un centro de arte histórico y contemporáneo de África Occidental.
La primera exposición, prevista para noviembre, fue Nigeria Imaginary: Homecoming, una versión ampliada del pabellón de Nigeria de la Bienal de Venecia de 2024, que explora las ideas cambiantes sobre la nacionalidad a través de la pintura, la escultura, la instalación, el cine y el texto. Al momento de escribir este artículo, no se ha confirmado una nueva fecha de apertura.
Serpentine ha anunciado que LANZA atelier diseñará el Serpentine Pavilion 2026, marcando la 25ª edición de la comisión anual. Fundado por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo, el estudio con sede en Ciudad de México fue seleccionado para realizar el Pabellón titulado a serpentine, que abrirá al público en Serpentine South el 6 de junio de 2026. Como parte del programa del aniversario, Serpentine colaborará con la Fundación Zaha Hadid, reconociendo el papel de Hadid como arquitecta del Pabellón inaugural en el año 2000 y reafirmando el legado del Pabellón como una plataforma para la experimentación arquitectónica.
Fundado en 2015, LANZA atelier opera en la intersección de la arquitectura, la artesanía y la experimentación espacial. El trabajo del estudio está arraigado en condiciones cotidianas y prácticas informales, con un enfoque en la inteligencia material, métodos de construcción y experiencia colectiva. Trabajando en proyectos de escala residencial, pública y de mobiliario, la práctica emplea procesos prácticos como el dibujo y la creación de maquetas como herramientas de diseño activas.
La propuesta de LANZA atelier se centra en la figura arquitectónica del muro serpenteante u ondulado, inspirándose en las tradiciones de jardines ingleses y técnicas de construcción históricas. El diseño hace referencia a la pared ondulada, una estructura de un ladrillo de ancho estabilizada a través de curvas alternas, desarrollada originalmente para la eficiencia material y la resistencia lateral. Esta geometría también evoca sutilmente el cercano Lago Serpentine, estableciendo un diálogo conceptual y espacial con el sitio. El Pabellón está organizado a través de una serie de paredes de ladrillo suavemente curvadas que moldean el movimiento y el ritmo, revelando y encerrando el espacio de manera alterna, mientras enmarcan momentos de proximidad, pausa y orientación dentro del entorno del jardín.
Se ha seleccionado el ladrillo como el material principal del Pabellón, estableciendo continuidad con la fachada histórica de ladrillo de la Galería Serpentine South y reforzando la relación del Pabellón con su contexto. La estructura se compone de una repetición rítmica de columnas de ladrillo que pasan de opacas a permeables, permitiendo el paso de la luz y el aire. Un techo translúcido reposa ligeramente sobre estas columnas, evocando la calidad espacial de un grupo de árboles. Posicionado en el lado norte del sitio, el Pabellón responde al paisaje circundante, interactuando con el dosel de árboles existente y suavizando la frontera entre el cierre y la apertura.
“…Situado dentro de un jardín, una evocación del mundo natural, el proyecto toma la forma de una pared serpenteante, concebida como un dispositivo que tanto revela como retiene: modelando movimiento, modulando ritmo y enmarcando umbrales de proximidad, orientación y pausa. Inspirados por la figura de la serpiente como una fuerza generativa y protectora, trazamos un paralelo con las onduladas paredes de frutas de Inglaterra, que son estructuras que moderan el clima, crean refugio y permiten el crecimiento. De esta idea surge un pabellón construido de ladrillo de arcilla simple, destacando la artesanía vernácula y la capacidad elemental de la arquitectura para reunir a las personas. El Pabellón 2026 propone formas construidas que son permeables, moldeadas y sostenidas por una geometría suave, y continuamente receptivas a quienes se mueven a través de él”. – LANZA atelier
La selección del Pabellón fue realizada por un comité que incluye a Bettina Korek, Hans Ulrich Obrist, Julie Burnell, Chris Bayley, Tamsin Hong y Liz Stumpf, con Sou Fujimoto como asesor. Para acompañar el Pabellón, Serpentine publicará la primera monografía de LANZA atelier, diseñada por Estudio Herrera. La publicación incluirá nuevas contribuciones de arquitectura, arte y poesía, junto con una conversación extendida entre los arquitectos y Hans Ulrich Obrist, y un ensayo de José Esparza Chong Cuy.
LANZA atelier ha sido previamente reconocido con premios, incluyendo el Premio Emerging Voices de la Architectural League de Nueva York en 2023 y el Premio a Jóvenes Arquitectos en 2017. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, incluyendo en SFMOMA, la Bienal de Arquitectura de São Paulo, la Trienal de Lisboa, y la Bienal de Arquitectura de América Latina. Los proyectos futuros incluyen una exposición individual de diseños de muebles en Ciudad de México y el diseño del Pabellón de la República de Kosovo en la 61ª Bienal de Arte de Venecia curada por José Esparza Chong Cuy.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 