Archivo de la etiqueta: Tal día como hoy…
TAL DÍA COMO HOY…
… 6 de marzo, en 1475 nace Michelangelo Buonarroti y en 1683 fallece Guarino Guarini.
El 6 de marzo, escogido al azar para formar parte hoy de nuestra pauta, es un día lleno de curiosidades y datos interesantes. Para empezar cabe destacar que se celebra desde 2008 el Día Mundial del Linfedema (enfermedad crónica, generada como consecuencia del tratamiento quirúrgico del cáncer de mama, caracterizada por la acumulación anormal de líquido y macromoléculas en los tejidos blandos, debido a una alteración de la capacidad de transporte del sistema linfático en el organismo); el Día Internacional del Escultor (para conmemorar el natalicio de Miguel Ángel Buonarroti en 1475), y el más curioso de todos: en 1930, propuesto por iniciativa de la Internacional Comunista, se celebró el Día Internacional del Desempleado sin que sepamos si aún hoy dicha conmemoración se mantiene.
Si nos detenemos un instante en el mundo de la música, nos encontramos con eventos tan lejanos y dispares como que un 6 de marzo de 1853 se estrena en Venecia la ópera La Traviata de Giuseppe Verdi y en 1970, en el Reino Unido, Los Beatles publican su penúltimo sencillo: Let It Be.
En medio de ambas fechas melódicas, en 1899 la empresa farmacéutica alemana Bayer inscribe la aspirina (ácido acetilsalicílico) como marca registrada convirtiéndose desde entonces en el analgésico, antipirético y antiinflamatorio de mayor popularidad y alcance a nivel mundial. Posteriormente, en 1986, se produjo el último avistamiento del cometa Halley en las cercanías de la órbita de la tierra calculándose que la siguiente visita sea en el año 2061.
Mucho más próximos a los temas que nos incumben, como señala el encabezado, coinciden tal día como hoy el ya mencionado nacimiento de Miguel Ángel (escultor, pintor y arquitecto) en Caprese, Roma y el fallecimiento en Milán de Guarino Guarini (arquitecto, filósofo y matemático) en 1683 a los 59 años.
Y, por si fuera poco, también un 6 de marzo de 1924 fallece en Barcelona a la edad de 77 años el arquitecto catalán Augusto Font Carreras quien, tal y como se expone en una parte del artículo dedicado a él en Wikipedia fue “alumno aventajado de Elías Rogent se licenció en 1869. Comenzó su actividad profesional más destacable en El Pilar de Zaragoza, donde dirigió las obras de restauración y reforzamiento de la cúpula central. Intervino también en la redacción, junto a Rogent, del proyecto de restauración de la catedral de Tarragona, y participó en la de Gerona”. Realizó, entre otras, las siguientes obras: Restauración de la Catedral, Barcelona, 1887-1913; el derribado palacio de Bellas Artes para la Exposición Universal de 1888, Barcelona; Sucursal Ronda Sant Pere Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Barcelona, 1891; Plaza de toros Las Arenas, Barcelona, 1899-1900; Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Barcelona, 1900-1903; y Sucursal Caja de Ahorros y Monte de Piedad, Gràcia-Barcelona, 1906.
Sin ser especialistas en la materia, lo más atractivo de la fecha se encuentra en la posibilidad de repasar, aunque sea someramente y con mucho apoyo bibliográfico, a través de las figuras de Buonarroti y Guarini buena parte de lo que fue la etapa final del Renacimiento italiano, la llegada del Manierismo y la entrada del Barroco que ocurren entre el nacimiento del primero y la muerte del segundo. En otras palabras: el acontecer entre finales del siglo XV, todo el XVI y bien entrado el XVII que de forma magistral desarrolla Giulio Carlo Argan en El concepto del espacio arquitectónico desde el barroco hasta nuestros días (1973).
En tal sentido, corresponderá a quien es considerado uno de los más grandes escultores de la historia, recoger el testigo dejado por Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti como figuras descollantes del Renacimiento temprano, basado en el clasicismo de inspiración vitruviana, la visión de la naturaleza como creación suprema y del hombre como medida y referencia del universo, desarrollado en lo que se conoce como el Quattrocento (siglo XV). Así, le tocará a Miguel Ángel participar en la primera parte del siglo XVI como parte del alto Renacimiento que tiene como epicentro el desarrollo de las obras de San Pedro en Roma, incorporándose para concluir con broche de oro la obra iniciada por Donato Bramante y que irá sumando sucesivamente a Rafael Sanzio y Antonio da Sangallo el Joven con la colaboración de Baldassarre Peruzzi.
También la figura de Miguel Ángel dejará sembrada la semilla para el surgimiento del Renacimiento tardío conocido como “Manierismo”: para algunos “imitación de la manera de los grandes maestros”, para otros “‘personalidad artística’, es decir ‘estilo’ en el más amplio sentido de la palabra” y para casi todos la exacerbación del elemento individual en el arte. En esta fase, siguiendo la maniera de Miguel Ángel, las individualidades de los arquitectos comienzan a imponerse al proyecto teórico clásico donde destacan maestros como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della Porta o Andrea Palladio.
Cabe recordar que cuando en 1516 Buonarroti recibió su primer encargo arquitectónico (un proyecto para la fachada de la iglesia florentina de San Lorenzo, templo familiar de los Médicis, solicitado por el papa León X, hijo de Lorenzo el Magnífico), ya había realizado buena parte de su obra escultórica y pictórica. Para entonces tenía en su haber, entre otras, piezas como Ángel de la basílica de Santo Domingo de Bolonia (1495), el Baco con un sátiro (1496-98), la Piedad (1498-1499), el David (1501-1504), la Madonna de Brujas (1504), el Moisés (encargada en 1505 y realizada entre 1513 y 1515) para la accidentada ejecución de la tumba de Julio II que demoró en total 40 años, y el Esclavo moribundo junto al Esclavo rebelde (ambos de 1513). También había pintado el Santo Entierro (1500-1501), Tondo Doni o la Sagrada Familia (1504-1505) y su magna obra: la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512).
A la fachada de la iglesia de San Lorenzo, seguirá su segunda obra arquitectónica: la Sacristía Nueva en el mismo templo iniciada en 1520 y terminada en 1524, paralela a la que Brunelleschi había edificado un siglo antes al otro lado del transepto. La Biblioteca Laurenciana (también en Florencia) comenzada en 1524, interrumpida en 1527, retomada en 1530 y vuelta a abandonar cuando en 1534 Miguel Ángel se marcha definitivamente a Roma, será una de sus creaciones más conocidas, en especial el vestíbulo y la magnífica escalera allí ubicada que da paso a la sala de lectura.
Tal y como se recoge en https://www.biografiasyvidas.com/monografia/miguel_angel/arquitectura.htm, “Pablo III, que ocupó el solio pontificio el mismo año en que Miguel Ángel se instalaba en Roma, le confiaría los más importantes proyectos de su mandato. El primero fue la reordenación de la plaza del Campidoglio (1546), sobre la antigua colina del Capitolio, donde modificó las fachadas de los palacios Senatorio y Dei Conservatori, y además duplicó el segundo con objeto de formar una plaza de forma trapezoidal. El conjunto no fue concluido hasta finales del siglo XVII, pero los planos originales fueron respetados escrupulosamente”. Tras la plaza del Campidoglio, “proyecto verdaderamente revolucionario desde un punto de vista urbanístico, Miguel Ángel sucedió a Antonio da Sangallo el Joven en el palacio Farnesio (1546-1549) y en la dirección de la magna obra de San Pedro a partir de 1546”. Más delante realizaría también en Roma el proyecto para San Giovanni dei Fiorentini (1559), la Capilla Sforza en Santa Maria Maggiore o la reordenación de Santa Maria degli Angeli (1563), lo que denota que estuvo en plena actividad prácticamente hasta sus últimos días.
Sin entrar en detalles y como se sabe, la crucial participación de Miguel Ángel en San Pedro consistió en presentar un proyecto completamente distinto al originalmente planteado por Bramante destinado a resolver los problemas que habían desalentado a los más destacados constructores de la época y donde todos los elementos estaban sometidos a un criterio de unidad: “Propuso una vuelta al esquema de cruz griega, simplificando las rotondas de los ángulos y eliminando tanto los deambulatorios de los extremos de la cruz como los campanarios. Por otro lado, simplificó y reforzó la estructura, aumentando el grosor de los pilares principales y fusionando los laterales con el muro exterior. De este modo conseguía dar la rotundez necesaria a la base que había de soportar el peso de la gigantesca cúpula, que se mostraba por vez primera lo bastante cohesionada”.
Cuando muere Miguel Ángel en 1564 a los 89 años, las obras del nuevo San Pedro estaban en marcha. “Vignola introdujo unas cúpulas menores, y la principal fue erigida entre 1586 y 1591 por Giacomo della Porta, quien le imprimió un perfil apuntado no previsto por el maestro. Carlo Maderno, a comienzos del siglo XVII, prolongó la nave hasta la actual fachada, y Bernini completó el conjunto con la columnata. Más de ciento veinte años y una docena de arquitectos fueron necesarios para llevar a término el proyecto, pero Miguel Ángel había conseguido que en el centro del crucero, bajo la enorme cúpula, continuase latiendo el espíritu de la obra emprendida por Bramante y Julio II”.
Resumiendo, se podría decir que Miguel Ángel primero fue escultor, luego pintor y finalmente arquitecto lo cual no hace sino corroborar su condición de genio integral y personificación, junto a Leonardo Da Vinci, del hombre del Renacimiento.
Camillo Guarino Guarini (1624-1683) siguió la estela dejada por las dos grandes figuras del barroco italiano: Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) y Francesco Borromini (1599-1667) y, dada su condición de matemático, desarrolló obras de gran complejidad e imaginación analizadas a profundidad por Argan en el libro ya citado entre las páginas 122 y 130. En su biografía se registra que Guarini “entró en la Orden Teatina en 1639 y ese mismo año se trasladó para hacer el noviciado a Roma, donde estudió hasta 1647, teología, filosofía, matemáticas y arquitectura. En Roma conoció la arquitectura de Francesco Borromini, entonces todavía vivo, que más tarde influyó profundamente en su obra y, en particular en los primeros proyectos”.
Tras sus estudios en Roma, Guarini trabajó en Módena, Parma, Guastalla, Messina, París y Lisboa, pero es en Turín, su lugar de residencia desde 1666, donde desarrolló de forma más completa y extensa su obra arquitectónica.
“Su relación con la arquitectura se estableció a través de las matemáticas, dada su cualidad de gran geómetra. Su gusto por las intersecciones de espacios circulares y elípticos tuvo influencia en el Barroco del sur de Alemania y Austria, en arquitectos como Johann Dietzenhofer y Johann Balthazar Neumann (…) Utilizó de modo personal determinados elementos estructurales y decorativos, como pilastras salomónicas, óculos trilobulados y cartelas asimétricas”.
En Turín Guarini reconstruyó la capilla della Santa Sindone (capilla del Santo Sudario, 1667-1694), la iglesia de San Lorenzo (1668-1687) -su obra maestra-, la primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en una Villa di delizie (1676-1681), la Immacolata Concezione (1673 – 1677) y el Palazzo Carignano (1679) donde refleja su admiración por Borromini, con su salón ovalado y su fachada ondulada al estilo de San Carlino alle Quattro Fontane.
En la iglesia de San Lorenzo Guarini “parte de una base cuadrada que se transforma en octogonal gracias a los pilares y las columnas que sostienen las arcadas curvas. La cúpula que cubre el espacio central es de ascendencia califal cordobesa, formada por ocho nervios entrecruzados que arrancan desde la misma galería de las ventanas del tambor”.
Argan refiriéndose a la obra de Guarini expresará: “»La idea de Bernini (la imaginación que se realiza) se convierte en Guarini en la idea de la hipótesis que ocurre, y ocurre en el hacer humano, en una técnica: pero una técnica que, siendo más bien investigación que implementación, es muy similar a la técnica de Borromini. Guarini, finalmente, es quien logra dialogar las posiciones opuestas de Bernini y Borromini; y unirse, en un momento en que la cuestión de la técnica se está colocando como fundamental para la cultura europea, dos concepciones éticas y religiosas antitéticas de la tecnología”.
Guarini dejó numerosos escritos. “En 1674 publicó en Turín un tratado sobre el Modo di misurare le fabbriche, que demuestra su interés por los restos del arte clásico. Además, Guarini también ha escrito varios libros sobre matemáticas tanto en latín como en italiano, entre ellos uno, Euclides adauctus, sobre geometría descriptiva, que fue uno de los primeros en Italia sobre este tema”. De entre su obra escrita destaca Architettura civile, Turín (1737) publicada después de su muerte por su discípulo Bernardo Vittone. En Wikipedia se comenta: “A nivel teórico se observa a menudo que el tratado de Guarini es una de las primeras manifestaciones de interés por el gótico después de un largo período de abandono”.
Para cerrar, sólo recordar que hoy 6 de marzo también se cumplen 95 años del nacimiento en Aracataca del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Premio Nobel de literatura en 1882, fallecido en Ciudad de México en 2014.
ACA
Procedencia de las imágenes
Encabezado. https://twitter.com/tribunavigila/status/1103325944956243968?lang=no
2. https://cadenaser.com/programa/2017/03/06/la_ventana/1488820713_266822.html
3. https://www.amazon.co.uk/Let-Be-VINYL-Beatles/dp/B097CKL5BT
5. https://www.nostalgia80.com/el-paso-del-cometa-halley-1986/
6. https://www.arquitecturacatalana.cat/es/obras/placa-de-toros-de-les-arenes y https://www.epdlp.com/edificio.php?id=8647
7. https://www.pinterest.com/pin/6755468179062563/
8. https://blogarteehistoria.blogspot.com/2017/04/?view=classic
9. https://classicmusica.blogspot.com/2012/03/pergolesi-stabat-mater.html y https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mejores-esculturas-miguel-angel-buonarroti_11182
10. https://www.pinterest.com/pin/527343437602445592/ y http://urban-networks.blogspot.com/2015/01/escenografias-trascendentales-el-caso.html
11 y 12. https://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Pedro
15. https://kripkit.com/guarino-guarini/ y https://www.istockphoto.com/es/foto/decoraci%C3%B3n-interior-barroco-de-la-iglesia-de-san-lorenzo-dise%C3%B1ada-y-construida-por-gm964566938-263323138
CONTACTO FAC 247
TAL DÍA COMO HOY…
… 24 de octubre, varios eventos pueden ser reseñados relacionados con asuntos que nos interesan.
En un mes que debería ser conocido como el de la institucionalización de los estudios de arquitectura en el país, ya que un día 13 de octubre de 1941 (hace 80 años) se creó la primera escuela y un 20 de octubre de 1953 (hace 68) la primera facultad, ambas en la Universidad Central de Venezuela, de un día como hoy, cuando en 1945 se constituyó en Nueva York la Organización de las Naciones Unidas (ONU) y en 1953 se fundó la Universidad Católica Andrés Bello, el primer hecho que llama nuestra atención es la consagración en 1260, con la presencia del rey Luis IX el Santo, de la Catedral de Chartres.
Apoyados en Wikipedia, podemos compartir que en torno al santuario de Chartres se construyó un mito que vinculaba su origen a los druidas carnutes (pueblo del que deriva el nombre de la ciudad) quienes ocuparon una antigua gruta cien años antes de la era cristiana. “Este mito sobre los druidas comienza a constituirse en una corriente más amplia que hace abandonar la anterior leyenda del origen troyano de los pueblos francos, para volver a una tradición gala”.
Según otras tradiciones tardías y legendarias “la construcción de la primera iglesia habría tenido lugar hacia el año 350. Llamada ‘catedral de Aventin’, por el nombre del primer obispo de la ciudad, Aventin de Chartres …, habría sido probablemente construida a principios del siglo VI. La catedral original aún no estaría vinculada a un culto mariano, sino al de unos mártires locales…”.
Sin embargo, “la primera iglesia … desapareció en un incendio hacia 740 o 750 durante el saqueo de los visigodos de Hunaldo, duque de Aquitania”. Un segundo templo es destruido por los piratas normandos al mando de Hastings el 12 de junio de 858, que el obispo Gisleberto reconstruyó y amplió y de la que queda una capilla que forma parte de la actual cripta. “En esta época es cuando la catedral recibe la reliquia de la túnica de la virgen, que aumentó la importancia del lugar”.
En 962, la iglesia de Gisleberto vuelve a ser destruida durante una guerra que enfrentó a Ricardo I, duque de Normandía con Teobaldo I de Blois, conde de Chartres. Reconstruida parcialmente en 1020 otro incendio la destruye “tras lo cual el obispo Fulberto de Chartres (la figura más importante en la historia de la diócesis) inicia la construcción de la cripta de una nueva catedral románica”. Realizada rápidamente “debido a una explosión de fervor religioso” fue consagrada por Geoffroy de Lèves en 1031 (dos años después de la muerte de Fulberto) y en 1037 se concluyen las obras.
En 1194 junto a un gran incendio que devastó gran parte de la ciudad de Chartres, la antigua catedral románica, “que contaba con una enorme cripta que albergaba la famosa reliquia”, quedó destruida permaneciendo en pie únicamente “las torres occidentales y la fachada entre estas y la cripta”. También en un hecho calificado de milagroso apareció intacta la prenda de la Virgen asunto que influyó en su rápida reconstrucción “generosamente financiada tanto por los Capetos, dinastía tradicionalmente vinculada a Chartres, como por el cabildo y los gremios locales. (…) Hacia 1220 el cuerpo principal estaba concluido, en un plazo de sólo unos 26 años, tiempo notablemente corto para una obra de estas características. Se empleó piedra local de unas canteras situadas a unos 8 km.”.
La catedral, consagrada un 24 de octubre de 1260, conservó del edificio anterior la cripta y la fachada oeste con el Pórtico Real.
Desde entonces otra larga serie de acontecimientos giraron en torno a la vida de la catedral que funcionó como escuela durante la edad media y, a diferencia de otros edificios, no sufrió daños durante la Revolución Francesa y ha sido objeto de restauraciones sucesivas que respetaron su diseño original. Se señala como hechos importantes, en primer lugar el incendio que sufrió en 1836 que “destruyó las cerchas de la techumbre de castaño danés. El arquitecto Edouard Baron la sustituyó por una estructura de hierro fundido cubierta por láminas de cobre, imitando la técnica usada en la catedral de Maguncia”; y en segundo lugar el desmontaje de sus vitrales durante la Segunda Guerra Mundial para “evitar daños por parte de los bombardeos alemanes” quienes, sin embargo, la usaron como club social.
Chartres, es de planta cruciforme organizada en tres naves con el cuerpo principal mucho más alto que los laterales lo cual ofrece una disposición sumamente original para la época. La cabecera, situada al este, tiene un deambulatorio radial con cinco capillas semicirculares. La bóveda central tiene 36 m de altura, la más alta hasta la fecha cuando fue construida, lo que dio pie al menos a dos importantes novedades constructivas relacionadas con la altura y amplitud de las naves, a saber: “el abandono de la bóveda sexapartita cuadrangular, que se había usado frecuentemente en el siglo XII … en favor de la cuatripartita rectangular”; y “el empleo de un tipo de arbotante totalmente desarrollado…”.
“De los 186 vitrales originales se conservan 152, ya que en 1753 se sustituyeron algunos de ellos por parte del obispado que pretendía modernizar la catedral”. La riqueza que ofrecen los trabajos escultóricos realizados en sus cuatro fachadas es fruto, como se habrá podido deducir de sus accidentados inicios, de diversas intervenciones a lo largo del tiempo.
Esta catedral marcó un hito y desarrolló una fase de plenitud en el dominio de la técnica y el estilo gótico, y estableció un equilibrio entre ambos. Fue muy influyente en numerosas construcciones posteriores que se basaron en su estilo y sus numerosas innovaciones, como las catedrales de Reims y de Amiens, a las que sirvió de modelo directo.
En 1979, Chartres fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
Pasando la página y por razones que tienen que ver con nuestro permanente interés en seguirle la pista al mundo de las publicaciones, curiosamente hoy 24 de octubre coinciden dos eventos que son de un singular significado. En 1808 aparece por primera vez el que es considerado el primer periódico publicado en Venezuela, la Gazeta de Caracas y, ochenta años después (1888), coincidiendo con el centenario del nacimiento del prócer marabino Rafael Urdaneta, sale a la luz la primera revista venezolana: El Zulia Ilustrado.
Siguiendo las huellas dejadas por los primeros periódicos del continente y tomando de ellos como título el sustantivo que los encabezaba (Gazeta de México, Gazeta de La Habana o Gazeta de Buenos Aires nombres que, a su vez, recordaban a la moneda veneciana gazetta, a cuyo precio se vendían los periódicos en la floreciente ciudad italiana), la Gazeta de Caracas, fundada el 24 de octubre de 1808, estuvo vinculada con la llegada a Venezuela de la primera imprenta a bordo del “Leander” en la expedición que comandó el Generalísimo Francisco de Miranda en 1806. Montado en Coro, se dice que el aparato, luego del fracaso de la intentona, fue a parar a Trinidad donde a mediados de 1808, los experimentados impresores británicos Mateo Gallagher y James Lamb lo compraron a través de las diligencias que había iniciado Francisco González de Linares enviado por el Capitán General Juan de Casas y Barrera, interesado en que la capital se pusiera a tono con los tiempos ilustrados que se vivían.
Cierta o no la identidad existente entre el artefacto traído por Miranda y el adquirido en Trinidad lo cierto es, tal y como se recoge en https://memoriasdevenezuela.wordpress.com/2017/01/25/la-gazeta-de-caracas-es-reflejo-de-la-historia-de-la-independencia/ que “tan solo a un mes de su desembarque en La Guaira en la fragata Fénix, la imprenta ya estaba funcionando, gracias a que las autoridades coloniales dispusieron de todo lo necesario para que se desempeñara con normalidad. El inicio de sus operaciones se integró a la dinámica de construcción de la nueva mentalidad en Venezuela, propia del proceso de expansión político-cultural de la modernidad ilustrada en el mundo occidental”.
Gallagher y Lamb, instalaron su taller cerca de la Catedral siendo la Gazeta de Caracas la primera publicación que salió de allí, marcándose el inicio de la primera etapa del periódico bajo el control de la Capitanía General de Venezuela. En este período que transcurre entre 1808 y 1810 un joven de 27 años llamado Andrés Bello se convirtió en el primer redactor. “Se componía de cuatro páginas a doble columna. Anunciaba que su precio sería de real y medio; la suscripción anual de los siguientes números, editados los viernes de cada semana, costaría 8 pesos”, extraemos de https://es.wikipedia.org/wiki/Gazeta_de_Caracas.
La Gazeta tuvo una vida accidentada sujeta a los vaivenes que se suscitaron una vez se desata el movimiento independentista. En cuanto a su orientación política, como bien acotó Pedro Grases la Gazeta “es ciertamente, el reflejo de la historia de la epopeya emancipadora”, porque “así como el control del poder político se mantuvo en disputa a lo largo de todo el proceso de la guerra, este periódico, como importante instrumento de opinión pública, también lo estuvo; es por ello que al aproximarnos a una imagen cenital de su existencia, podemos distinguir claramente las etapas del control editorial del bando patriota o del realista”, se apuntará en el blog Memorias de Venezuela ya citado.
Así, a partir de los acontecimientos del 19 de abril de 1810, se inicia la segunda época que durará hasta 1812 cuando capitula Miranda cuya redacción estuvo a cargo de los patriotas Juan Germán Roscio (1810), Francisco Xabier Ustáriz (1811) y Francisco Isnardi (1811-1812). “La primera edición republicana, que lleva el Nº 95, trae un título distinto a los anteriores. Su tipo es ahora gótico y de unos tantos puntos más grande que el anterior. Debajo de este título, el lema romano: ‘Salus populi suprema lex est’ ”.
Entre 1812 y 1813 y luego de 1815 a 1821, en manos realistas, la Gazeta es redactada por José Domingo Díaz según Grases “brillante propagandista caraqueño que se encargará de enfilar sus baterías de tinta contra Bolívar y sus patriotas”, mostrando un breve lapso de control independentista (1813-1814) en el que Vicente Salias fue el redactor.
La Gazeta, convertida en Gaceta a partir de 1815, “sale en su última y tercera época patriótica en el segundo semestre de 1821. Se encabeza su título con ‘República de Colombia’. Apareció hasta 1822. Fue imposible que se mantuviera en pie, después de haber sido desprestigiada por la última redacción imperialista”.
Logró, por tanto, sobrevivir 14 años a la difícil situación material y espiritual generada por la guerra, pero la nueva realidad condujo a su desaparición. Su último número salió el 3 de enero de 1822.
De lo que recogemos una vez más de Wikipedia, “El Zulia Ilustrado fue la primera revista de Venezuela y la primera publicación periódica venezolana que reprodujo imágenes fotográficas y fotograbado. La revista fue editada a finales del siglo XIX en la ciudad de Maracaibo, Estado Zulia. Esta revista fue creada por el periodista maracaibero Eduardo López Rivas, con el objeto de dar a conocer el estado Zulia en Venezuela y en el exterior”.
La publicación, cuya periodicidad fue mensual, circuló entre el 24 de octubre de 1888 (coincidiendo con el centenario del natalicio de Rafael Urdaneta) y terminó su ciclo de vida en diciembre de 1891 alcanzando en total 35 números. López Rivas, propietario de una moderna imprenta, logró que la revista por él dirigida, de excelente calidad de diseño e impresión e interesante contenido, circulara tanto en Venezuela como en el exterior.
Diseñada a tres columnas y sin avisos comerciales, El Zulia Ilustrado logró publicar en sus tres años de vida artículos de 45 autores diferentes y 108 grabados. “El total de páginas de la colección fue de 315, todas ellas numeradas a excepción de la portada y el índice. … Se financiaba con las ventas y los fondos personales del director, comprometido profundamente en promover su amada tierra”.
Opositor a ultranza de los abusos de los políticos, López Rivas nunca aceptó contribuciones del gobierno y en su actividad periodística al frente de diferentes medios fue censurado en repetidas ocasiones por el régimen de Guzmán Blanco.
Como ya dijimos, el afán de promover la región zuliana dentro y fuera de Venezuela condujo a que cada número de la revista tuviese ilustraciones con próceres, poetas, personalidades, edificios y paisajes de la región pasando a ser las imágenes el gran atractivo de la publicación por la novedad que tanto fotografías como fotograbados representaban para la época. También formaban parte del contenido de El Zulia Ilustrado artículos escritos por destacadas plumas abarcando temas históricos, culturales, ambientales y costumbristas.
“Los grabados eran dibujos hechos por el mismo López Rivas, dibujante profesional, educado en Francia; profesor de dibujo natural, de elaboración de planos y de mapas geográficos”, de allí que el Primer Plano Topográfico a color de Maracaibo confeccionado por Manuel Salvador Soto (en colaboración con López Rivas) con gran fidelidad, a escala y con indicaciones de orientación apareciera en 1889 en el nº 22 de El Zulia Ilustrado.
Al dejar de salir, la revista “dejó para la posteridad una documentación detallada, escrita y visual, de la región zuliana de finales del siglo diecinueve. Los grabados de las plazas y edificios de Maracaibo, son una representación artística exacta de la apariencia que la ciudad tenía por entonces, al igual que las imágenes del lago, los indígenas y otras poblaciones del Estado Zulia. Los interesantes y bien documentados textos forman todos parte de la historia del Zulia, con su correspondiente significado para la investigación”.
Para cerrar es bueno añadir y con ello no olvidar momentos importantes vinculados al paradójico mundo en que vivimos cómo, por un lado, un 24 de octubre de 1917 estamos a las vísperas de la formación un gobierno revolucionario bolchevique bajo el liderazgo de Lenin y, por el otro, en 1929 en los Estados Unidos se da la caída de la Bolsa de Valores de Nueva York (conocida también como sucede el “Jueves Negro”) hecho que marcó el inicio de la “Gran Depresión”. Y formando parte de esos numerosos saludos a la bandera a los que nos tiene acostumbrados la ONU, a partir de 1978 declaró del 24 al 30 de octubre como la “Semana del desarme”.
ACA
Procedencia de las imágenes
2. https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres
3. https://www.arkiplus.com/catedral-de-chartres/
4. https://www.wikiwand.com/es/Catedral_de_Chartres, https://saltaconmigo.com/blog/2020/02/catedral-chartres-francia/ y https://www.viajesdeprimera.com/grandes-viajes-mundo/europa/turismo-en-chartres/26216
5. https://es.wikipedia.org/wiki/Gazeta_de_Caracas
7. https://es.wikipedia.org/wiki/El_Zulia_Ilustrado
8. https://www.trendsmap.com/twitter/tweet/1397559682508673031, https://docplayer.es/76455639-Las-artes-plasticas-en-maracaibo.html y colección Fundación Arquitectura y Ciudad
CONTACTO FAC 239
TAL DÍA COMO HOY…
… 29 de agosto, falleció en 1780 el arquitecto francés Jacques-Germain Soufflot, nació en 1910 el arquitecto uruguayo Luis García Pardo y en 1993 apareció otra entrega de la página de arquitectura y diseño en El Diario de Caracas.
Entrar a revisar lo acontecido el 29 de agosto, “Día Internacional contra los ensayos nucleares”, fecha en que se celebra el martirio de San Juan Bautista y en que por esas casualidades de la vida nace en 1915 y muere en 1982 la célebre actriz sueca Ingrid Bergman, permite ponernos en contacto de manera azarosa con tres asuntos relacionados con temas que nos interesan.
En primer lugar, hemos detectado que un día como hoy del año 1780 fallece en París Jacques-Germain Soufflot, quien es considerado el principal representante del estilo neoclásico durante el reinado de Luis XVI.
Soufflot, según vamos repasando diversos portales en los que se presenta su biografía, había nacido en 1713 en Irancy, localidad y comuna francesa situada en la región de Borgoña, departamento de Yonne, en el distrito de Auxerre y cantón de Coulanges-la-Vineuse, fue un afamado autodidacta.
Tras haber dejado el hogar a la edad de 19 años, contra el consejo de sus padres, asistió a la Academia Francesa en Roma ubicada en la Villa Medicis entre 1731 y 1738, donde también estudió los monumentos clásicos, así como la arquitectura renacentista de diseñadores como Andrea Palladio (1508-80), y ejemplos de la arquitectura barroca italiana como la Basílica de San Pedro (1506-1626).
En 1738 Soufflot dejó Roma y regresó a Lyon, donde comenzó a ejercer como arquitecto. En https://www.britannica.com/biography/Jacques-Germain-Soufflot se señala: “La simplicidad, la amplitud y los detalles clásicos arqueológicamente precisos de las principales obras de su período de Lyon, la ampliación del Hôtel-Dieu (comenzada en 1741) y el Loge des Changes (1751-1752), presagiaron el movimiento del gusto francés del Rococó hacia el neoclasicismo”. En 1752 Soufflot fue elegido miembro de la Academia de Lyon.
De https://www.urbipedia.org/hoja/Jacques-Germain_Soufflot rescatamos que “En 1747, Soufflot presentó una memoria sobre la arquitectura gótica, tema que contaba con pocos adeptos en la época. Hizo luego un nuevo viaje a Italia en compañía de Abel-François Poisson de Vandières, marqués de Marigny y después volvió a Lyon, en 1751, para realizar el teatro del barrio de Saint-Clair. Se estableció definitivamente en París en 1754, a petición de Marigny, convertido en su protector, que le confió la construcción de su palacete particular (destruido)”.
Designado intendente general de las obras de la corona, el Marqués de Marigny nombró a Soufflot ‘Contrôleur des bâtiments du Roi’ y lo hizo admitir en la primera clase de la ‘Académie royale d’arquitecture’ de París. Además fue distinguido como caballero de la orden de Saint-Michel y fue nombrado director de la Fábrica de los Gobelinos. “Soufflot -según http://www.urbipedia.org- fue igualmente convocado a reflexionar sobre la renovación del Louvre y formuló algunas propuestas que no tuvo tiempo de poner en práctica”.
A Soufflot el Marqués de Marigny le confía en 1755 el diseño de la que estaba destinada a ser la iglesia principal de París: Sainte-Geneviève. Ubicada en la cima de una colina cercana al palacio de Luxemburgo en el corazón del Barrio Latino, el primer proyecto de la edificación data de 1756. En 1764 se terminó la cripta y desde entonces hasta su muerte en 1780, mientras se construía, el arquitecto no dejó de modificar y perfeccionar su proyecto el cual fue terminado por Jean-Baptiste Rondelet y Maximilien Brébion en 1790 ya en tiempos de la Revolución. Al ser abolida la religión y tras ser proclamado santuario laico de la nación por la Asamblea Legislativa, el edificio fue remodelado entre 1791 y 1793 por Quatremère de Quincy suprimiéndose los campanarios, momento en que adquiere su aspecto actual rebautizándose a partir de entonces como El Panteón.
En http://www.visual-arts-cork.com/architecture/soufflot-jacques-germain.htm encontramos que “La característica más resaltante del Panteón es su cúpula de 272 pies de alto, basada en la de la Catedral de San Pablo, diseñada por Christopher Wren (1632-1723). También destaca … el plano de planta de cruz griega (360 pies de largo por 279 pies de ancho), mientras que su estricto diseño neoclásico está ejemplificado por el frente del templo corintio (basado en el Panteón de Roma). En el interior, la idea básica de Soufflot era combinar una bóveda clásica monumental con esbeltos soportes de estilo gótico y columnas corintias”. Las esbeltas columnas independientes resultaron inadecuadas para soportar la cúpula del edificio, que finalmente tuvo que ser reforzada.
El Panteón, que desde 1793 fue objeto de diversas intervenciones y cambios de uso hasta consolidar su función de mausoleo de los héroes civiles, es el lugar donde reposan junto a los restos del propio Soufflot (trasladados en 1829), los de “Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Victor Hugo, Sadi Carnot, Émile Zola, Jean Jaurès, Jean Moulin, Jean Monnet, Pierre y Marie Curie, André Malraux o incluso Alexandre Dumas, que hizo su entrada en 2002”, información que extraemos de https://es.wikipedia.org/wiki/Panteón_de_París.
En segundo lugar, dando un salto hacia nuestro continente, también un 29 de agosto pero de 1910 nace en Montevideo, Luis García Pardo (f. 2006) considerado uno de los arquitectos que forjaron nuevos caminos en la arquitectura uruguaya del siglo XX.
De la “Síntesis biográfica” publicada en el catálogo de la exposición “LUIS GARCÍA PARDO” realizada bajo la responsabilidad de Santiago Medero y el IHA (Instituto de Historia de la Arquitectura. Facultad de Arquitectura. Universidad de la República), se desprende los siguiente: “Proveniente de una familia de clase media de origen español, su infancia transcurrió en el barrio montevideano de Colón. Su formación inicial incluyó estudios en dibujo, litografía y grabado. Posteriormente estudió meteorología y astronomía, obteniendo los respectivos títulos en 1931 y 1934”.
García Pardo inicia sus estudios en 1930 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República obteniendo el grado en 1941, destacando entre sus profesores los arquitectos Rius y Carré. En el transcurso de su formación convive una enseñanza clásica con los nuevos valores de la modernidad. “Como estudiante se destacó en las materias de proyecto, composición decorativa, historia y construcción. Su vida universitaria continuó como docente titular de la cátedra de Acondicionamiento Físico de los Edificios y de Acústica aplicada al Urbanismo y a la Arquitectura, disciplina esta última en la que fue pionero a nivel local y regional. Simultáneamente ejerció la docencia en educación secundaria como profesor de Astronomía, Geografía y Geometría y trabajó como meteorólogo y astrónomo en institutos y observatorios de Montevideo”, acotará Medero.
Integra García Pardo junto a Raúl Sichero, Ildefonso Aroztegui, Mario Payssé Reyes y otros colegas uruguayos una generación que se destaca por la introducción de los fundamentos de la arquitectura moderna a través de edificios de una elevada calidad arquitectónica. Su producción y sus intereses abarcaron el proyecto arquitectónico en todas las escalas, la investigación en técnicas constructivas, las artes plásticas y el estudio de diversas disciplinas científicas.
Tras manejar en sus primeras obras durante la década de 1940, al igual que ocurría con otros importantes arquitectos latinoamericanos, “una heterogénea y poco ortodoxa suma de fuentes de inspiración”, los proyectos de García Pardo “a partir de 1948-1949, … comienzan a denotar un alejamiento de la heterodoxia estilística y un acercamiento más decidido a las premisas de la arquitectura moderna internacional. La arquitectura brasileña jugó un papel importante en este sentido: la obra de Niemeyer en Pampulha, los edificios de Reidy y Rino Levi. La década de 1950 fue una etapa fructífera tanto en términos de producción como de logros arquitectónicos. En una nueva sociedad, con el entonces joven arquitecto Adolfo Sommer Smith, realizó los edificios de viviendas en altura Gilpe (1953), Guanabara (1954), El Pilar (1957) y Positano (1957), obras de gran interés por sus búsquedas espaciales, estructurales y materiales”.
Diego López de Haro, quien estudió la obra de García Pardo para elaborar la Tesis Doctoral presentada en diciembre de 2016 en la UPC de Barcelona titulada “Luis García Pardo (1953-1963): el proyecto como revelación”, dirigida por Helio Pinón y Cristina Gastón, apunta: “Conforme avanza la década del 50, la arquitectura de García Pardo progresa en abstracción para finalmente en 1953, afrontar un encargo de edificio de viviendas asumiendo plenamente los valores de la modernidad. A partir de entonces y durante una década, su obra se asentará en el encuentro de la sistematicidad propiciada por la modernidad y la singularidad de las condiciones en que emerge. El marco cronológico queda determinado por un decenio, limitado en sus comienzos por el Edificio Gilpe (Montevideo 1953) y terminado con el edificio Iporá (Montevideo, 1963) último edificio de viviendas construido por García Pardo en Montevideo”. Y continúa: “El proyecto supone en su caso, un proceso de síntesis, ligado tanto a sus condiciones físicas como al programa, comprendiendo así una lógica distinta en cada caso. La arquitectura moderna rara vez cuenta con una formulación que establezca con claridad un ámbito capaz de determinar el planteamiento del proyecto, el programa por si solo es incapaz de sugerir la propuesta, de manera que es el proyecto la instancia que establece los términos de la solución. Dicho de otro modo, el proyecto de arquitectura no se ajusta a un esquema, según el cual, a partir de una definición objetiva del problema, se elabora una solución racional por parte del autor: en arquitectura, es el proyecto quien revela la naturaleza del problema, en la medida que da lugar a una situación que antes no existía. Los criterios de proyecto encuentran estímulo en la técnica o el programa, pero en modo alguno son capaces de prefigurarlo”.
García Pardo tuvo también a su cargo durante un año un Taller de Anteproyectos y Proyectos de Arquitectura en 1952. Ejerció la docencia en otros países, dictó cursos y conferencias sobre arte, acústica y sistemas de prefabricación de vivienda en Facultades de Arquitectura en varias ciudades de Latinoamérica.
En 1973, tras el ofrecimiento de una empresa privada, se radicó en Brasil para trabajar como arquitecto y asesor en acústica, y a su regreso a Uruguay una década después continuó con sus estudios sobre vivienda industrializada. “En este marco, promovió el sistema Predes para su uso en el Programa de Integración de Asentamientos Irregulares y colaboró activamente con la fundación española ‘Rafael Leoz’ ”, señalará Medero.
García Pardo, quien vivió hasta los 95 años, “durante la década de los noventa continuó trabajando en diversos proyectos arquitectónicos y urbanísticos y se presentó a diversos concursos de arquitectura”. A lo largo de su fructífera carrera desarrolló proyectos de arquitectura doméstica y religiosa, integrando el arte en sus edificios, dándole importancia a la estructura y el espacio, la racionalización y la vivienda económica. Se esforzó en implementar estructuras novedosas para resolver nuevas situaciones.
Tras su fallecimiento la familia realizó una donación de material perteneciente al arquitecto al Instituto de Historia de la Arquitectura de la Universidad de la República en el año 2007.
Para cerrar este repaso por lo acontecido el 29 de agosto añadiremos, como tercer asunto, que por estas fechas del año 1993 en nuestro país se discutía la Ley de Protección y Defensa del Patrimonio Cultural y, con ello como excusa, Oscar Tenreiro clama el 29 de agosto desde la página de arquitectura de El Diario de Caracas que compartía con Farruco Sesto, en el artículo “Respetar a los muertos”, por recuperar el Cementerio General del Sur conminando al entonces alcalde del Municipio Libertador, Aristóbulo Istúriz, a que “ponga en marcha un ambicioso plan de rescate para un monumento esencial en cualquier gran ciudad”, remitiendo a las fotografías aparecidas del Cementerio de Igualada de Enric Mirales y Carme Pinós en el libro de Klaus Kinold titulado Bauen Beton (Construir en hormigón), señalándolo claro ejemplo de dignificación de dicho uso en la actualidad.
Con “Un triste General en el Sur” y “El Cementerio como problema” Tenreiro y Sesto, respectivamente, retomarán una semana después el debate sobre el tema que finalmente, aunque de manera tibia, producirá la reacción de las autoridades municipales traducida en la convocatoria del Concurso Nacional de Ideas Áreas de Acceso al Cementerio General del Sur que se dio a finales de 1995 resultando ganador Doménico Silvestro.
Con relación a la Ley de Patrimonio, Sesto, en su columna “La Poesía de la Ciudad” aquel mismo día 29 de agosto, relataba una reunión sostenida con el entonces presidente del CONAC, José Antonio Abreu, en la que le solicitó devolver al Congreso el instrumento legal, y le manifestó su oposición a ella por centralista y porque “existe el peligro cierto de que alguien (una persona o un grupo), basado en el poder que le otorgue la ley, imponga una única visión en el tratamiento de los asuntos patrimoniales. Defendimos con ahínco la necesidad del pluralismo cultural en el área”. Cosas veredes.
Abreu, por su parte, afirmando que “puesto que la ley se acoge a la descentralización, el instituto (que se creará y servirá para ejecutarla) podrá regionalizarse a petición de los gobernadores”. También le ofreció a Sesto contemplar los aspectos por los que reclamaba y corregir las imperfecciones de la ley y sus peligros a través del reglamento que la acompañaría. Cabe acotar que la ley apareció finalmente en la Gaceta Oficial del 3 de septiembre por lo que se trataba de un hecho consumado. El Reglamento Parcial nº 1 se publicó el 18 de octubre de 1994 y en realidad no sabemos si satisfizo las aspiraciones de Sesto en cuyas discusiones aparentemente participó “buscando la transparencia que se le negó a la discusión de la ley”.
Desde “NAVE”, tercer componente de la página, Oscar Tenreiro se dedicó a reflexionar sobre el papel de los intelectuales luego de descubrir con asombro la gran cantidad de ellos que se habían suicidado en Portugal a comienzos del siglo XX, llamándole la atención particularmente el caso de Sá Carneiro “gran amigo de Francisco Pessoa”.
En el artículo hay una serie de reflexiones que tienen plena vigencia trasladables a los tiempos que hoy vivimos, en los que han aumentado exponencialmente las circunstancias que entonces se comentaron. Señalaba Tenreiro, luego de subrayar la crisis política y cultural que atravesaba Portugal en la segunda década del siglo XX que condujo a los casos que le impresionaron, cómo “la situación del intelectual en momentos en los que todo apunta hacia la divergencia, el desencuentro, el consenso de la mediocridad”, propia del período que atravesaba nuestro país, permitía extrapolar “la relación crisis-suicidios del Portugal de los años 15 a la Venezuela de los 90, para quedarse mudo ante el inmenso número de suicidas, o de inmolados en batalla, que sería dable esperar en este país de crisis tan amplia y tan aguda” pero donde finalmente no pasaba nada. Y es que para Tenreiro aquí “los intelectuales son otros, tienen que ser otros, porque ante tamaña crisis no es posible que haya tan pocos caídos, para no hablar de suicidios, que ya es demasiado. ¿Pero no hay acaso una fachada intelectual parecida a la que ha habido en lo político, en lo social, en lo sindical y en tantos otros mundos, incluyendo por supuesto al arquitectónico?”.
Tenreiro, sin embargo, aventura una respuesta: «En la Portugal de principios de siglo, como en el resto del mundo, la esfera intelectual estaba claramente separada de la esfera política y social. El poder no usaba a la cultura, en cierta manera la ignoraba…(…) Hoy, en los 90, el poder coquetea, halaga, se gana, sostiene, a los que se reconocen como representantes de la cultura». La crisis a la que se refiere Tenreiro traería a finales de esa década la llegada al poder de quienes hoy continúan allí llevando al país a una degradación que no tiene parangón con otro momento de nuestra historia. Y aunque las comparaciones son odiosas siempre será posible contraponer aquella crisis a la que hoy nos aqueja, repleta de numerosos caídos y desplazados, para luego determinar con cuál nos quedamos.
ACA
Procedencia de las imágenes
Encabezado. https://www.pressenza.com/es/2014/08/29-de-agosto-dia-internacional-contra-los-ensayos-nucleares/
1 y 4. https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Germain_Soufflot
2 y 3. https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=10246
5. https://co.pinterest.com/pujarqmodol/01-santa-genoveva-soufflot/ y https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques-Germain_Soufflot
6. https://es.wikipedia.org/wiki/Pante%C3%B3n_de_Par%C3%ADs
7. https://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Garc%C3%ADa_Pardo
11. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad
