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ALGO MÁS SOBRE LA POSTAL Nº 441

Apartando las revistas de carácter institucional provenientes de entidades académicas o profesionales dedicadas a la arquitectura, Domus es quizás una de las publicaciones periódicas de divulgación que ha demostrado a través del tiempo mayor solidez y continuidad a nivel internacional.

Fundada en 1928 por el talentoso arquitecto, diseñador industrial y artista milanés Giovanni (Gio) Ponti (1891-1979), su primer número aparece el 15 de enero de aquel año con el subtítulo “Arquitectura y decoración del hogar moderno en la ciudad y el campo” (Architettura e arredamento dell’abitazione moderna in citta’ e in campagna) el cual ya asomaba el interés de su creador por exponer su propia perspectiva acerca del estilo de vida de su época y por hacer más accesibles sus ideas a un público culto pero no necesariamente especializado. Es así como “Domus”, palabra latina con la que se conoce a un tipo de vivienda romana y que se considera sinónimo de “hogar”, sirve de base para darle cuerpo a un proyecto que a su vez se sustenta en la premisa de que «la casa… no debería estar de moda, porque no debería pasar de moda».

1. Coincidencialmente, Domus y La Casa bella (luego Casabella) aparecerán en el mes de enero de 1928.
2. Sumario del nº1 de Domus.
3. Páginas interiores del nº 1 de Domus.

Lanzada casi al unísono (sin proponérselo) con Casabella (la otra revista italiana de referencia, creada por Guido Marangoni, que junto a ella aún perdura), desde Domus Ponti comenzó a abrir un espacio en el que la arquitectura, los interiores y las artes decorativas italianas (sin descuidar temas como el arte del hogar, la jardinería, la cocina o el cuidado de mascotas), pudiesen mostrar su capacidad de renovarse en medio del clima vanguardista que había despertado en el viejo continente.

4. Portadas de tres ejemplares de la primera etapa de Gio Ponti como director de Domus que ofrecen tres planteamientos de diseño diferentes. Izquierda: nº 20 de agosto de 1929 cuando empieza a subtitularse como «L’arte nella casa». Centro: nº 100, abril 1936. Derecha: nº 162 (último de la etapa), junio 1941.

Insistiendo permanentemente en la importancia de la estética y el estilo en el ámbito de la producción industrial, Domus progresivamente centró su atención en la arquitectura, el diseño y las artes, transformándose en un medio en cuyas páginas se presentaba el trabajo de profesionales de trayectoria consolidada y se “descubrían” asimismo las propuestas de arquitectos y diseñadores tanto italianos como internacionales.

Prevista desde su lanzamiento como una publicación mensual, cosa que sorprendentemente ha mantenido hasta el día de hoy (salvo una obligatoria pausa que se dio en 1945 consecuencia de la guerra y algunos meses a finales de los años 40 en que sus salidas se distanciaron a dos meses), Domus fue dirigida y editada por Ponti durante los primeros 12 años (1928-1940), retomando ese rol en 1948 hasta prácticamente su muerte en 1979.

5. Gio Ponti (izquierda) y Gianni Mazzocchi (derecha)

Es de hacer notar, de acuerdo a la entrada de Wikipedia dedicada a Gianni Mazzocchi (1906-1984), que “en el verano de 1929, al enterarse de que los editores originales de Domus estaban a punto de cerrar la revista, Ponti invitó a Gianni Mazzocchi, cuyas habilidades administrativas había llegado a admirar, a asumir la responsabilidad de su publicación”. Así, “se reunió un equipo de patrocinadores extraído de destacados industriales y figuras culturales milanesas, incluido el propio Ponti y bajo la dirección de Mazzocchi se lanzó una nueva empresa, ‘Sa Editoriale Domus’, el 11 de julio de 1929”. Desde entonces, a pesar de sus diferencias, “Ponti y Mazzocchi formaron un equipo de gestión que fue eficaz y notablemente duradero, con Ponti asumiendo la responsabilidad de la dirección artística y Mazzocchi concentrándose en otros aspectos editoriales y de gestión del negocio de publicación de la revista”.

6. Izquierda: nº 163, julio 1941, primero de los dirigidos por Massimo Bontempelli, Giuseppe Pagano y Melchiorre Bega. Derecha: nº 204, diciembre 1944 (elaborado en Bérgamo antes de la pausa de 1945) bajo la dirección de Melchiorre Bega en solitario en momentos en que Lina Bo fue la subdirectora.

“A partir de julio de 1941, Domus quedó bajo la dirección de Massimo Bontempelli, Giuseppe Pagano y Melchiorre Bega. En octubre de 1942, Guglielmo Ulrich asumió el cargo de Giuseppe Pagano (quien, debido a su participación en políticas antifascistas, falleció el 22 de abril de 1945 en el campo de concentración de Mauthausen). Melchiorre Bega asumió la dirección en octubre de 1943. Los años de guerra exigieron cambios continuos en la dirección de la revista, y sus operaciones de impresión se vieron obligadas a trasladarse a Bérgamo. Domus se publicó mensualmente durante 1944, pero se suspendió en 1945”, recogemos de la entrada dedicada a Domus en Wikipedia. Durante los años de guerra “cabe estacar el liderazgo fugaz de Lina Bo (todavía no Bardi) … mientras Ponti y la mayor parte de los arquitectos andaban entre partisanos combatiendo al fascismo”. Desde Bérgamo, “Lina Bo redactaba, editaba y producía la revista con recortes de viejas publicaciones y con la misma disciplina con la que entró a trabajar en la oficina de Gio Ponti … años antes. Días infinitos sin paga, para producir el mejor contenido de aquellos años”, apuntará Miquel Adrià en “Domus, Tadao Ando a cargo de la casa”, artículo publicado en Arquine.com el 6 de diciembre de 2020.

Siendo un tema sobre el cual valdría la pena profundizar, dentro del lapso 1928-1944 resulta interesante observar cómo Domus “se mantuvo firme y con autoridad a pesar de las convulsiones sociopolíticas en Italia, logrando pasar de una impronta racionalista y, por lo tanto, de alguna manera aceptada por el régimen fascista, a una revista de discusión arquitectónica y social más amplia que, después de la guerra, tuvo como firmas a Alberto Moravia y Elio Vittorini”, señalará Alessandro Bonaccorsi en “La revista de arquitectura más longeva del mundo” artículo publicado en 2023 en https://www.pixartprinting.es/blog/domus-revista-arquitectura/.

7. Números 205, enero 1946 (izquierda) y 223-224-225, octubre-noviembre-diciembre 1947 (derecha) que marcan el inicio y el final de la pasantía de Ernesto Nathan Rogers por la dirección de Domus.

La publicación, fortalecida y renovada, reaparecerá en 1946 a partir del número 205 bajo la dirección de Ernesto Nathan Rogers. Con algunos atisbos asociados con la línea seguida hasta 1944, en este relanzamiento y durante los dos años en los que la editará, Rogers propondrá una nueva imagen para la portada y asumirá para el ella el significativo subtítulo “La casa del hombre” (La casa dell’uomo) mensaje que señalaba el surgimiento de una nueva sociedad dejando de lado el subtítulo “Las artes en la casa” (Le arti nella casa) o “El arte en la casa” (L’arte nella casa) al que desde  agosto de 1929 (nº 20) había trocado el original.

8. Números 226, abril 1948 (izquierda) y 595, junio 1979 (derecha) que marcan el inicio y el final de la segunda etapa de Gio Ponti como director de Domus. El 595 se edita con la participación de Cesare Casati.

La salida de Rogers a finales de 1947 por discrepancias de enfoque con Gianni Mazzocchi (director general) luego de la publicación del número triple 223-225 (octubre-diciembre 1947), significará el retorno de Gio Ponti a partir de abril de 1948 quien desde el nº 226 permanecerá como editor hasta su fallecimiento en 1979 contando con el apoyo de Cesare Casati desde 1976. Cabe añadir que desde abril de 1952 (nº 269) la revista vuelve a subtitularse: “arte e stile nella casa arte e stile nell’industria” será el lema escogido por Ponti, que trocará en marzo de 1955 (nº 304) por “architettura arredamento arte” y en marzo de 1977 (nº 566) por “Monthly magazine of architecture, design, art”.

9. Izquierda: nº 269, abril 1952 en el que vuelve a aparecer un subtítulo: “arte e stile nella casa arte e stile nell’industria”. Derecha: nº 304 marzo 1955 cuando empieza a subtitularse «architettura arredamento arte».
10. Izquierda: nº 459, febrero 1968, con el que se conmemoró el 40 aniversario de la revista. Derecha: nº 500, julio 1971

Al recuperar su periodicidad mensual en 1949 (cosa que no perderá hasta hoy), “las décadas de 1950 y 1960 se caracterizaron por una gran vitalidad en la arquitectura, las artes y el diseño. Domus promovió todas las novedades del panorama artístico y de sus autores, convirtiéndose en un referente clave para el debate internacional entre diversas tendencias artísticas. En 1968, la revista celebró su 40º aniversario con el número 459 y, en julio de 1971, publicó su número 500 (…) La revista se internacionalizó con su traducción al inglés y al francés hasta definir su actual formato bilingüe (italiano/inglés). En diciembre de 1978, Domus celebró su 50º aniversario con una exposición en el Palazzo delle Stelline de Milán”.

11. Izquierda: nº 560, julio 1976, que marca la incorporación de Cesare Casati en la dirección de Domus como acompañante de Gio Ponti. Derecha: nº 566, marzo 1977, en el que el subtítulo pasa a ser «Monthly magazine of architecture, design, art».
12. Izquierda: nº 596, julio 1979, primero que aparece bajo la dirección de Alessandro Mendini. Derecha: nº 602, enero 1980, que marca la incorporación de Ettore Sottsass como diseñador gráfico de la revista dirigida aún por Mendini. Por entonces la revista se subtitulaba como “Monthly of architecture interiors design art”.

Tras la llegada de Alessandro Mendini (figura destacada del diseño posmoderno) a la dirección en julio de 1979 (Gio Ponti falleció en octubre de 1979), Domus, durante su gestión que duró hasta finales de 1984, le abrió puerta a la neovanguardia. “A partir de enero de 1980, Ettore Sottsass se hizo cargo del diseño gráfico de la revista. En 1982, Maria Grazia Mazzocchi, Valerio Castelli, Alessandro Guerriero y Editoriale Domus fundaron Domus Academy, una escuela para diseñadores y gestores de diseño de producto dirigida por Andrea Branzi”. Por entonces la revista se subtitulaba como “Monthly of architecture interiors design art”.

13. Izquierda: nº 657, enero 1985, que marca el inicio de la dirección pro tempore de Lisa Licitra Ponti. Derecha: nº 670, marzo 1986, primer número que aparece bajo la dirección de Mario Bellini diseñado por Italo Lupi.
14. Izquierda: nº 734, enero 1992, con el que Vittorio Magnago Lampugnani se estrena como director de Domus teniendo como diseñador a Alan Fletchet. Derecha: nº 756, enero 1994, diseño de Alan Fletcher donde el subtítulo pasa a ser «Revista Internazionale di Progetto-International Design Review»
15. Otros dos números diseñados por Alan Fletcher para el director Vittorio Magnago Lampugnani: el 770, abril 1995 (izquierda) y el 778, enero 1996 (derecha)

A partir de allí, con la intención de mantener un alto nivel de exigencia, traducido en responsabilidad crítica y vitalidad intelectual y estética, Domus asume una política editorial interna que fija en cinco años improrrogables la duración del cargo de director de la revista, quien es a la vez responsable de designar a un nuevo director artístico. Así a Mendini lo sucederá en enero de 1985 Lisa Licitra Ponti (hija del fundador), para luego continuar Mario Bellini (marzo de 1986), Vittorio Magnago Lampugnani (enero de 1992 con quien el subtítulo de la revista pasará a ser “Revista Internazionale di Progetto-International Design Review”), cerrando el siglo François Burkhardt (febrero de 1996, quien ahora la subtitulará “Architettura Design Arte Comunicazione-Architecture Design Art Communication”).

16. Izquierda: nº 779, febrero 1996, con el que François Burkhardt se estrena como director subtitulándose la revista como «Architettura Design Arte Comunicazione-Architecture Design Art Communication. Derecha: nº 829, septiembre 2000, primer número bajo la dirección de Deyan Sudjic. Ambas gestiones tendrá a Simon Esterson como diseñador gráfico.
17. Izquierda: nº 866, enero 2004, con el que Stefano Boeri se estrena como director de Domus. Derecha: nº 903, mayo 2007, primer número bajo la dirección de Flavio Albanese quien la subtitula «Contemporary Architecture Interior Design Art».
18. Izquierda: nº 935, abril 2010, con el que Alessandro Mendini inicia su segunda gestión como director de la revista, subtitulándola «La Nuova Utopia», para la que contará con el apoyo del diseñador Lorenzo Mattotti . Derecha: nº 946 abril 2011, primer número bajo la dirección innovadora de Joseph Grima acompañado del diseñador Dan Hill.

El nuevo siglo se inicia con Burkhardt en la dirección asumiéndola Deyan Sudjic a partir de septiembre de 2000. Le seguirán: Stefano Boeri (enero de 2004), Flavio Albanese (mayo de 2007, quien modificó el subtítulo por “Contemporary Architecture Interior Design Art”), de nuevo Alessandro Mendini (abril de 2010, que la dotará de una particular identidad al subtitularla “La Nuova Utopia”), Joseph Grima (abril de 2011) y Nicola Di Battista (septiembre de 2013, que recurrirá al lema “La Cittá Dell’Uomo” para acompañar el título).

19. Izquierda: Portada del nº 972, septiembre 2013, con el que Nicola Di Battista inicia su gestión como director de la revista, subtitulándola «La Cittá Dell’Uomo «. El sobrio esquema del diseño se mantendrá a lo largo de los 46 números que dirigió. Derecha: Le correspondería a Di Battista, también, realizar en marzo 2016 el nº 1000 de Domus.

Di Battista, buscando centrar de nuevo la revista en la arquitectura luego de los “excesos” innovadores a los que Grima la había sometido, contará ahora “con el apoyo de un Colegio de Maestros (David Chipperfield, Kenneth Frampton, Hans Kollhoff, Werner Oechslin y Eduardo Souto de Moura) y un Centro de Estudios, compuesto por un equipo de jóvenes profesionales”, cuyo objetivo fue “situar a las personas en el centro de la arquitectura contemporánea”.

20. Izquierda: nº 1020, enero 2018, año en el que Michele De Luchi asumió el rol de director invitado. Derecha: nº 1031, enero 2019, año en el que Winy Maas asumió el rol de director invitado.
21. Izquierda: nº 1042, enero 2020, año en el que David Chipperfield asumió el rol de director invitado. Derecha: nº 1053, enero 2021, año en el que Tadao Ando asumió el rol de director invitado.

Tras la iniciativa a todas luces conservadora llevada a cabo por Di Battista, a partir de 2018 se establece la norma de designar un editor invitado que se responsabilizará por la dirección anual de la publicación, habiéndole correspondido aquel año a Michele de Lucchi, en 2019 a Winy Maas, en 2020 a David Chipperfield, en 2021 a Tadao Ando, en 2022 a Jean Nouvel, en 2023 a Steven Holl con Toshiko Mori, en 2024 a Norman Foster, hasta llegar al presente año 2025 cuando le corresponderá asumir la responsabilidad a Bjarke Ingels.

22. Izquierda: nº 1064, enero 2022, año en el que Jean Nouvel asumió el rol de director invitado. Derecha: nº 1075, enero 2023, año en el que Steven Holl y Toshiko Mor asumieron el rol de directores invitados.
23. Izquierda: nº 1086, enero 2024, año en el que Norman Foster asumió el rol de director invitado. Derecha: nº 1097, enero 2025, año en el que Bjarke Ingels ha asumido el rol de director invitado.

De más está decir que cada cambio de dirección se verá reflejado, dentro de la permanencia del formato de 245 × 325 cm que prácticamente se ha visto inalterado en el tiempo (un clásico asumido por muchas revistas que permite una página grande con espacio y márgenes para las imágenes), en claras diferencias con respecto al sesgo que se asume (apareciendo entre otras cosas nuevos subtítulos que acompañan en nombre de Domus), en la diagramación de las portadas y la incorporación de diseñadores gráficos de renombre. Así, Ettore Sottsass acompañará a Mendini en su primera etapa como director; Italo Lupi será contratado por Mario Bellini; Alan Fletcher trabajará con Vittorio Magnago Lampugnani; Simon Esterson cubrirá las etapas de François Burkhardt y Deyan Sudjic; Lorenzo Mattotti será seleccionado por Alessandro Maldini en su segundo período; o Dan Hill será el elegido por Grima. A ello habría que añadir que con anterioridad el diseño de algunas de las portadas de Domus había sido encargado a diseñadores, arquitectos y artistas tales como Herber Bayer, Max Bill, Paul Klee, Lucio Fontana, Le Corbusier o Charles Eames.

24. Captura de pantalla del 13 de abril de 2025 del portal web de la revista Domus.

Cuatro momentos dentro de la historia más reciente de Domus creemos que vale la pena resaltar: el lanzamiento en septiembre de 2000 de http://www.domusweb.it en italiano e inglés con diseño gráfico de Deepend; la decisión de la editorial de confiar en 2006 un especial anual (Domus copyright o Domus D’Autore) a un arquitecto internacional de renombre siendo Rem Koolhaas quien inauguró la iniciativa; la publicación ese mismo año por parte de la editorial alemana Taschen de Domus 1928–1999, una monumental antología histórica de la revista en 12 volúmenes; la creación el 9 de diciembre de 2010 de Domus Web bajo la dirección de Joseph Grima, con el diseño de Dan Hill y los gráficos de Salottobuono y Marco Ferrari desde enero 2013; y el arribo en 2016 al número 1000 mientras Nicola Di Battista era el director.

25. DOMUS 1928-1999, Vol. 1-12. Fiell, Charlotte & Peter (ED), Taschen, 2006.
26. Portada del especial anual (2006) Domus D’Autore elaborado por OMA/ Rem Koolhaas.

Miquel Adrià, aportará lo siguiente: “Cuando algunas publicaciones migraron al mundo digital o desaparecieron para dejar lugar a los portales y a las webs, que fragmentaron el contenido sin el cuidado editorial que hizo confiables a las publicaciones de referencia de aquellas décadas, Domus decidió tener su versión bilingüe italiana/inglesa y crear las ‘domus’ alemana, rusa, china, árabe, israelí, coreana y latinoamericana. Domus aterrizó en México por unos años y un buen equipo de editores publicaron contenido local junto con el de la sede milanesa, para fundirse al poco tiempo con su homónima caribeña”.

27. Rejilla base elegida por Salottobuono para el diseño gráfico de la revista en 2011: una cuadrícula de 12 columnas que permitía una gran flexibilidad en la organización de la página, pudiendo utilizar muchas combinaciones diferentes. En esa época se optó por mantener las fotos dentro de los márgenes, en lugar de extenderlas hasta ocupar toda la página, para evitar que se taparan con los dedos al hojearlas.

Con casi 100 años de vida continua y a punto de llegar al número 1100 (el 1099 ya ha sido publicado en marzo), repasar las páginas de Domus permite abrir numerosos frentes de estudio de lo que ha sido su rol dentro del devenir de la arquitectura del siglo XX y lo que va del XXI. También, como bien señala Alessandro Bonnacorsi, “el cuidado puesto en la creación del contenido, tanto textual como gráfico, la convierten en un estudio de caso fundamental para todo aquel que quiera comprender cómo se diseña bien una revista (brindando) la oportunidad de comprender los cambios en la tipografía y las tecnologías de impresión, así como en las tendencias en el diseño gráfico en todo el mundo”.

ACA

Procedencia de las imágenes

Postal, 4, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 20, 21, 22 y 23. domusarchivio (https://archive.domusweb.it/detail/publication/no-detail/auto/domus-1097?issue_id=209337&addon=false)

1, 2 y 3. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.

5. Gio Ponti (1891-1979) (https://www.architectural-review.com/essays/reputations/gio-ponti-1891-1979); y Gianni Mazzocch. Wikipedia (https://en.wikipedia.org/wiki/Gianni_Mazzocchi)

24. domus (https://www.domusweb.it/it.html)

25. COAM (https://www.coam.org/media/Default%20Files/fundacion/biblioteca/revista-arquitectos-madrid/docs/articulos/02/revista-arquitectos-madrid-2008-n2-pag88-89.pdf)

26. upi2mbooks (https://www.upi2mbooks.hr/en/trgovina/casopisi/arhitektura-casopisi/domus-dautore-post-occupancy/)

27. domus (https://www.domusweb.it/it/interviste/2011/05/16/intervista-a-salottobuono.html)

JAPÓN Y EL PRITZKER GANADO POR RIKEN YAMAMOTO

Osaka Prefectural Sayamaike Museum, Japan (2001) / Tadao Ando.

Una mirada a los 9 arquitectos japoneses honrados con el Premio Pritzker

Escrito por Maria Cristina Florian

Tomado de archdailycom

Publicado el 13 de marzo de 2024

La semana pasada, el arquitecto y defensor social japonés Riken Yamamoto fue anunciado como el Premio Pritzker de Arquitectura de 2024, convirtiéndose en el noveno arquitecto japonés honrado con el premio más prestigioso de la profesión. A lo largo de los 45 años de historia del Premio Pritzker, Japón destaca como la nación con mayor número de laureados. Si bien la geografía no es un criterio en la selección de los acreedores al premio, la arquitectura japonesa impresiona consistentemente con su interacción de luz y sombra, la cuidada composición de espacios, transiciones suaves entre el interior y el exterior, y la atención al detalle y la materialidad. Una arraigada cultura de construcción también celebra diversos diseños y fomenta el diálogo global y el intercambio de ideas y mejores prácticas.

Riken Yamamoto (2024)

Yokosuka Museum of Art, Japan (2006) / Riken Yamamoto

El último ganador del Premio Pritzker de Arquitectura, Riken Yamamoto, es aclamado por fomentar la unidad y la interacción a través de la arquitectura. Su enfoque innovador disuelve los límites entre los espacios públicos y privados, enriqueciendo a las comunidades de todo el mundo. A lo largo de sus cinco décadas de carrera, Yamamoto ha diseñado una amplia gama de proyectos, que abarcan esferas residenciales, educativas y cívicas, en todo Japón, China, Corea y Suiza. Desafía las nociones tradicionales de libertad y privacidad, creando espacios atractivos que alienten el compromiso social y el intercambio cultural.

Arata Isozaki (2019)

National Convention Centre, Qatar (2011) / Arata Isozaki.

Reconocido por su visión arquitectónica poco convencional y su producción prolífica, el enfoque de Arata Isozakis desafía la categorización, en constante evolución mientras mantiene la frescura en el diseño. Influenciado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial en su ciudad natal y Japón, Isozaki a menudo se centró en la necesidad de reinvención y adaptación al cambio. Colaborando con su mentor Kenzo Tange, desarrolló una fusión de Metabolismo y Brutalismo, evidente en obras icónicas como la Plaza del Festival en EXPO70. La obra de Isozaki está marcada por la heterogeneidad, trascendiendo las tendencias para establecer su ruta arquitectónica distinta.

Shigeru Ban (2014)

Cardboard Cathedral, New Zealand (2013) / Shigeru Ban.

Shigeru Ban, galardonado con el Premio Pritzker 2014, es celebrado por su uso innovador de materiales y su enfoque del diseño. Es pionero en soluciones creativas a los desafíos sociales, particularmente en el socorro en casos de desastre, a través de su visión arquitectónica. Con una carrera que abarca más de dos décadas, las estructuras de Ban sirven como refugios y centros comunitarios, ofreciendo consuelo a los necesitados en todo el mundo. Su compromiso con las causas humanitarias y el diseño sostenible lo distinguen, reflejando el ethos del Premio Pritzker. El trabajo de Ban ejemplifica una fusión de funcionalidad, elegancia y conciencia ambiental.

Toyo Ito (2013)

Metropolitan Opera House, Taichung (2006) / Toyo Ito.

El Laureado Pritzker 2013 es celebrado por su habilidad para mezclar formas orgánicas de la naturaleza con un diseño innovador, creando edificios con una dimensión espiritual. Obras notables como la Sendai Mediatheque y Taichung Metropolitan Opera House muestran su dominio de la estructura y el espacio. El compromiso de Ito con la tutoría y la responsabilidad social, ejemplificado por su proyecto «Home-for-All» realizado a raíz del terremoto de Japón después de 2011, subraya su profundo impacto en la profesión.

Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA) (2010)

New Art Museum, New York (1977) / SANAA.

Fundada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa en 1995, SANAA ganó el Premio Pritzker en 2010 debido a su pionero e innovador enfoque de la arquitectura, caracterizado por una estética minimalista, espacios fluidos y formas no convencionales. El trabajo de la oficina enfatiza la experiencia humana, creando ambientes serenos que desafían las normas arquitectónicas tradicionales. Su influencia internacional ha remodelado el pensamiento contemporáneo del diseño, reflejando una profunda comprensión del contexto cultural y las necesidades sociales. Kazuyo Sejima también es la segunda mujer en recibir el premio, después de Zaha Hadid en 2004, destacando con ello la contribución de las mujeres a la arquitectura.

Fumihiko Maki (1993)

Makuhari Messe, Chiba, Japan (1989) / Fumihiko Maki.

Reconocida por su mezcla distintiva de Modernismo enraizada en la estética japonesa, la arquitectura Fumihiko Maki se caracteriza por la sencillez y elegancia, evocando «atmósferas inefables» mediante el uso estratégico del metal, el hormigón y el vidrio. Abrazando nuevas técnicas de construcción, empuja continuamente los límites del diseño, buscando crear experiencias espaciales inolvidables. Desde sus primeras influencias en el movimiento Metabolista hasta su exploración más reciente de la luz y la transparencia, la arquitectura de Maki sigue siendo un testimonio de su búsqueda de la expresión arquitectónica.

Tadao Ando (1995)

Church of the Light, Ibaraki, Osaka (1999) / Tadao Ando.

Caracterizado por su dominio del espacio, la luz y los materiales, los diseños minimalistas pero profundamente poéticos de Ando, que a menudo incorporan hormigón de maneras innovadoras, han dejado una huella indeleble en el paisaje arquitectónico. Las obras de Ando, profundamente arraigadas en los principios del budismo zen y la estética japonesa, evocan una sensación de tranquilidad y contemplación, al tiempo que responden sensiblemente a sus contextos culturales y ambientales. Su habilidad para crear espacios atemporales y emocionalmente resonantes, unida a su compromiso inquebrantable con la excelencia arquitectónica, le valió el prestigioso reconocimiento del Premio Pritzker.

Kenzo Tange (1987)

St. Mary Cathedral Church, Tokyo (1964) / Kenzo Tange.

En 1987, se concedió el Premio Pritzker de Arquitectura a Kenzo Tange, marcando un momento histórico ya que era el primer arquitecto japonés en recibir este honor. Sus diseños innovadores, caracterizados por una fusión de elementos arquitectónicos tradicionales japoneses con principios modernistas, remodelaron el paisaje del Japón de la posguerra y dejaron un impacto duradero en la arquitectura global. El enfoque de Tange sobre el urbanismo demostrado en proyectos como el Hiroshima Peace Memorial Park y el Yoyogi National Gymnasium de Tokio para los Juegos Olímpicos de 1964, mostró su capacidad para armonizar la modernidad con el patrimonio cultural. Su uso innovador de formas concretas y geométricas, unida a una profunda comprensión de la dinámica espacial, reflejó su compromiso con la funcionalidad y la expresión estética.

ES NOTICIA

MPavilion 10 de Tadao Ando revela una llamativa intervención geométrica de concreto

Escrito por Christele Harrouk

Traducido por Mónica Arellano

Publicado el 23 de mayo de 2023

Tomado de https://www.archdaily.cl

La Fundación Naomi Milgrom ha revelado el diseño de su décimo MPavilion, diseñado por el ganador del Premio Pritzker Tadao Ando y que se inaugurará durante el verano australiano, el 16 de noviembre de 2023. Reflejando el enfoque arquitectónico del arquitecto, el diseño devela el «uso de intervenciones geométricas impactantes en la naturaleza y […] concreto». Una vez listo, la intervención se convertirá en el primer encargo del arquitecto en Australia. Creado como un nuevo lugar de encuentro situado dentro del distrito cultural y botánico de Melbourne, el MPavilion 10 responde directamente al entorno del parque al enfatizar la pureza espacial y utilizar las formas geométricas de círculos y cuadrados.

Parte de un festival anual de diseño de cinco meses de programación pública gratuita en los Jardines Queen Victoria, ubicados en el centro de Melbourne, el MPavilion Festival es uno de los eventos de diseño más visitados e impactantes de Australia. A lo largo de diez años, el programa ha comisionado pabellones a destacados arquitectos internacionales, cada uno de los cuales ha servido como un lugar único de reunión pública en los históricos Jardines Queen Victoria de Melbourne, inspirando una diversa gama de programación. Los arquitectos anteriores han incluido a: Rachaporn Choochuey, all (zone), Tailandia (2022); Francesco Magnani y Traudy Pelzel, MAP Studio, Venecia (2021); Glenn Murcutt, Australia (2019); Carme Pinós, Estudio Carme Pinós, Barcelona (2018), Rem Koolhaas y David Gianotten, OMA, Países Bajos (2017); Bijoy Jain, Studio Mumbai, India (2016); Amanda Levete, AL_A, Reino Unido (2015); Sean Godsell, Sean Godsell Architects, Australia (2014).

El pabellón diseñado por Tadao Ando contará con una «amplia cubierta, compuesta por un disco de aluminio de 14,4 metros que descansa sobre un pilar central de concreto». Dos plazas distintas proporcionan acceso al interior, donde las paredes de concreto de diferentes longitudes encierran parcialmente el espacio, evocando la serenidad de un jardín japonés tradicional con muros. Las paredes norte y sur del pabellón cuentan con una larga abertura horizontal que abarca la longitud de la estructura y enmarca vistas del centro de Melbourne y los parques, forjando una conexión entre el interior y la exuberante vegetación de los Jardines Queen Victoria. La simetría y las formas geométricas del pabellón se destacan aún más por su disposición interna, que comprende un área pavimentada y una piscina reflectante, esta última refleja la cubierta, el cielo, el paisaje urbano y la naturaleza circundante.

“El diseño comenzó con el deseo de crear una sensación de eternidad en el oasis de jardín de Melbourne. Quería crear una experiencia que durara para siempre en los corazones de todos los que la visitaran. Imagino una arquitectura de vacío, que permita que la luz y la brisa entren y le den vida. Un lugar que resuene con el entorno, se convierta en uno con el jardín y florezca con la creatividad infinita. MPavilion 10 está diseñado para fomentar los encuentros entre personas, el mundo natural y el diálogo interminable”.

Tadao Ando.

Liderada por Tadao Ando, la construcción de MPavilion 10 es una importante colaboración global entre arquitectos, ingenieros y constructores japoneses y australianos. El arquitecto australiano Sean Godsell, principal de Sean Godsell Architects, ha sido designado como arquitecto ejecutivo en Australia para MPavilion 10. Fue seleccionado en 2014 como el primer arquitecto de MPavilion.

“La arquitectura de Tadao Ando es notable porque afecta radicalmente la forma en que percibimos el mundo que nos rodea. Al igual que Tadao Ando, soy apasionada de la arquitectura que promueve la vida pública y fomenta la interacción social, y emocionada de que los australianos puedan experimentar directamente su genio a través de este lugar de reunión tan especial para la conversación, el intercambio de ideas y la contemplación. Esperamos ver cómo los visitantes, diseñadores, artistas y otros responderán a este espacio dramático y sereno, así como a la creatividad que generará”.

Naomi Milgrom, comisionada de MPavilion.

El MPavilion es una iniciativa anual de la Fundación Naomi Milgrom. Como ya se mecionó, la última entrega, MPavilion 9, fue diseñada por la práctica de arquitectura y diseño con sede en Bangkok all (zone) y las ediciones anteriores han presentado diseños de Glenn Murcutt en 2019, Carme Pinós en 2018 y Rem Koolhaas y David Gianotten de OMA en 2017.

“La arquitectura de Tadao Ando es notable porque afecta radicalmente la forma en que percibimos el mundo que nos rodea. Al igual que Tadao Ando, soy apasionada de la arquitectura que promueve la vida pública y fomenta la interacción social, y emocionada de que los australianos puedan experimentar directamente su genio a través de este lugar de reunión tan especial para la conversación, el intercambio de ideas y la contemplación. Esperamos ver cómo los visitantes, diseñadores, artistas y otros responderán a este espacio dramático y sereno, así como a la creatividad que generará”.

Naomi Milgrom, comisionada de MPavilion.

El MPavilion es una iniciativa anual de la Fundación Naomi Milgrom. Como ya se mecionó, la última entrega, MPavilion 9, fue diseñada por la práctica de arquitectura y diseño con sede en Bangkok all (zone) y las ediciones anteriores han presentado diseños de Glenn Murcutt en 2019, Carme Pinós en 2018 y Rem Koolhaas y David Gianotten de OMA en 2017.

ACA

ES NOTICIA

Tadao Ando diseñará el décimo MPavilion en Melbourne, Australia

Escrito por Maria-Cristina Florian

Traducido por Fabian Dejtiar

Publicado el 21 de marzo de 2023

Tomado de www.archdaily.cl

La Fundación Naomi Milgrom anunció a Tadao Ando como el ganador del encargo para diseñar el MPavilion 10 en los Jardines Queen Victoria en Melbourne. Este será el primer proyecto de Ando en Australia. En su décima edición, el MPavilion brinda total libertad a los diseñadores para crear sus conceptos y realizar sus visiones, con la esperanza de fomentar lenguajes de diseño nuevos y únicos para desarrollar la vida cultural y comunitaria de Melbourne. Los detalles del diseño de Tadao Ando se revelarán en mayo y el pabellón se abrirá al público el 16 de noviembre de 2023.

El arquitecto ganador del premio Pritzker, Tadao Ando, es conocido por su uso preciso y equilibrado de formas geométricas que manipulan la luz natural, la integración de edificios en la naturaleza y el uso de hormigón a la vista. Entre sus muchas obras notables se encuentran Church of the Light (1989; Osaka, Japón), Pulitzer Arts Foundation (2001; St. Louis, EE. UU.) y Bourse de Commerce—Pinault Collection (2020; París, Francia). Con este encargo, Ando se une a una lista de arquitectos distinguidos, incluidos Rem Koolhaas y Bijoy Jain de Studio Mumbai, que han exhibido sus diseños en los Jardines de la Reina Victoria.

El MPavilion funciona como un laboratorio cultural donde los visitantes y la comunidad pueden reunirse para experimentar y relacionarse con las principales figuras del diseño. La inauguración del pabellón es parte de un festival de cinco meses de programas públicos gratuitos que incluyen charlas y conferencias, actuaciones musicales y talleres para niños. Los temas de 2023 estarán informados por los conceptos y la práctica de Tadao Ando. El programa, junto con los detalles sobre los temas, se anunciará en los próximos meses.

El diseño del MPavilion comenzó con el deseo de encontrar una escena de eternidad dentro de los jardines públicos de Queen Victoria Gardens en Melbourne. Eterno, no en el material ni en la estructura, sino en la memoria de un paisaje que seguirá vivo en el corazón de las personas.

Tadao Ando

El MPavilion, una iniciativa anual de la Fundación Naomi Milgrom, representa una de las comisiones anuales de arquitectura más importantes de Australia. La última entrega, MPavilion 9, fue diseñada por la práctica de arquitectura y diseño all(zone) con sede en Bangkok y actualmente está abierta al público hasta el 6 de abril de 2023. Las ediciones anteriores han presentado diseños de Glenn Murcutt en 2019, Carme Pinós en 2018, y Rem Koolhaas y David Gianotten de OMA en 2017.

ACA

LA NOTICIA DE LA SEMANA

Tadao Ando: Endeavors.

Una gran exposición del arquitecto japonés

José Juan Barba

Tomado de www.metalocus.es

30 de septiembre 2017

Inaugurada esta semana (a finales de septiembre) en el Centro Nacional de Arte de Tokio, Tadao Ando: Endeavors, es una exposición centrada en la vida y las obras del reconocido arquitecto japonés. La arquitectura autodidacta y minimalista de Ando está asociada con formas geométricas desnudas que están libres de ornamentación, pero ricas en profundidad y carácter. El ex boxeador convertido arquitecto da vida a las líneas simples de sus proyectos a través de la integración de elementos naturales como la luz, el agua y el viento. Sus estructuras, en su mayoría, utilizan materiales ampliamente conocidos como el hormigón, el acero y el vidrio.

Los espacios de la exposición se dividen en seis secciones tituladas: «ORÍGENES / CASAS», «LUZ», «ESPACIOS VACÍOS», «LEER EL SITIO», «CONSTRUYENDO LO QUE EXISTE, CREANDO LO QUE NO EXISTE» y «NURTURANDO». Esta exposición refleja casi medio siglo de la obra de Ando arrojando luz sobre el camino lleno de esfuerzos que ha ido forjando. Cada sección despliega varios aspectos de sus proyectos, incluyendo su uso de la luz y de los espacios vacíos, la integración de sus estructuras con su entorno natural y su participación en iniciativas sociales.

Tadao Ando: Endeavors nos muestra más de 200 maquetas, bocetos y dibujos de algunos de los proyectos más populares de Ando en Japón, como la Casa Row (1976), Iglesía sobre el agua (1988) y la Iglesia de la Luz (1989). Además, la exposición demuestra la pasión de Ando por trabajar con la arquitectura existente, mostrando su serie de proyectos de restauración, incluyendo la del museo de arte contemporáneo Punta della Dogana en Venecia, Italia.
Tadao Ando, que es conocido por su currículum no convencional como un ex boxeador profesional convertido en arquitecto autodidacta, inició su carrera arquitectónica en 1969 como «guerrillero urbano». La exposición comienza con una breve narración de su vida unos años antes de convertirse en arquitecto, y continúa describiendo cómo llegó a la arquitectura, y cómo desde entonces ha estado ofreciendo constantemente nuevos diseños que desafían nuestras visiones sobre la arquitectura.

Tadao Ando: Endeavors estará abierta al público en el Centro Nacional de Arte de Tokio, que conmemora con ello su 10º aniversario, del 27-09 al 18-12-2017.

Nota

Con motivo de la entrega el pasado 18 de octubre a Rafael Moneo del Praemium Imperiale en Tokio, el arquitecto navarro visitó junto a su familia como invitados de honor del Centro Nacional de Arte la exposición Tadao Ando: Endeavors. Como se reseña en El País (sección Mundo Global del pasado 23 de octubre), «Ando salió a recibirlos a la puerta y se ofreció a guiarlos con la intermediación de un intérprete. Los llevó a ver la reconstrucción en tamaño real de su famosa Iglesia de la Luz, una sobria caja de hormigón con una fisura gigante en forma de cruz que vista desde dentro casi obliga al feligrés al éxtasis místico. Pero la multitud de visitantes se agolpó cuando entró Ando y muchos reconocieron al español que lanzó el beso al aire en la austera ceremonia de premiación que lo trajo de nuevo a la ciudad.Esta es la tercera vez que Moneo visita Japón y «conoce bien la región de Kansai que recorrió hace años de la mano de Ando. En 1996 Moneo fue su sucesor en la lista del premio Pritzker, conocido como el Nobel de la arquitectura. Y ese mismo año Ando recibió el Praemium Imperiale. El doble hermanamiento se refuerza con la alta estima que se tienen sus respectivas esposas».

ACA

La noticia de la semana

Demolerán el único proyecto de Tadao Ando en Reino Unido

Tadao Ando-Londres

Por: Patrick Lynch

Traducción: Nicolás Valencia

Tomado de Plataforma Arquitectura

10/11/ 2016

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/799054/demoleran-el-unico-proyecto-de-tadao-ando-en-reino-unido?ad_source=search&ad_medium=search_result_all

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