2017•En la Sala TAC del Transnocho Cultural, en Paseo Las Mercedes, Caracas, se inauguró el martes 25 de julio la exposición «Arquitectura Norteamericana en Caracas 1925-1975: Our Architects», organizada en conmemoración de los 450 años de la fundación de la capital por la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), DO.CO.MO.MO Venezuela y la Embajada de Estados Unidos, con el apoyo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela (FAU UCV), de la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation (GSAPP) de Columbia University y de DO.CO.MO.MO USA.
La muestra expone el trabajo de una selección de 27 autores de origen norteamericano del total que desarrollaron obras en Venezuela, entre los cuales se destacan los arquitectos Marcel Breuer, Richard Buckminster Fuller, Charles Dale Badgeley, John y Drew Eberson, Aymar Embury II, Arthur B. Frohelich, Bruce Goff, Don Hatch, Richard Neutra y Lathrop Smith Douglass; el promotor urbano Robert Moses; el artista plástico Alexander Calder; los paisajistas Olmsted Brothers y John Raymond Van Kleek y los diseñadores de campos de golf Charles Banks y Dick Wilson.
La curaduría de la exposición estuvo a cargo de la arquitecto Hannia Gómez, con la colaboración de Jennifer Gray Johnson y sus alumnos del Programa de Preservación Histórica de GSAPP. La museografía fue realizada por Frank Alcock y las maquetas por alumnos de IV Pasantía Académica FAU UCV / DO.CO.MO.MO Venezuela, dirigidos por el profesor Víctor Sánchez Taffur.
SOM exhibe 30 modelos de esqueletos estructurales que muestran la evolución del rascacielos
Patrick Lynch
Tomado de Plataforma Arquitectura
15 Noviembre 2017
Traducido por Fernanda Amaro
Cuando se trata del diseño de edificios altos, a menudo es en el sistema estructural donde se realizan las innovaciones más revolucionarias. Esta semana, en asociación con la Bienal de Arquitectura de Chicago, se presentará una nueva exhibición que destaca los innovadores sistemas estructurales de una firma de arquitectura que ha completado su parte justa de edificios altos: SOM.
Titulada «SOM: Engineering x [Art + Architecture]», la exhibición descubre los conceptos y formas de los mayores logros de la firma, incluyendo edificios altos revolucionarios como el edificio John Hancock, la torre Willis y el edificio más alto de la actualidad, el Burj Khalifa. La exposición revela los procesos de investigación y pensamiento a través de una gama de medios: bocetos hechos a mano, escultura interactiva, video inmersivo, y más notablemente, una línea de modelos a escala 1: 500 que muestra los esqueletos estructurales de 30 proyectos importantes.
«Un ingeniero debe diseñar una estructura que un arquitecto se avergüence de cubrir», comentó el socio de SOM, Bill Baker.
La exposición también sigue la larga tradición de la firma de trabajar con artistas visuales. Se exhibirán modelos, dibujos y otros objetos creados a través de colaboraciones con Pablo Picasso, James Turrell, Jaume Plensa, James Carpenter, Janet Echelman e Iñigo Manglano-Ovall, explorando la idea de que «ingenieros, arquitectos y artistas practican por igual la poesía de la investigación, experimentación e ingenio».
La exposición estará en exhibición durante la Bienal de Arquitectura de Chicago, que se cerrará el 7 de enero de 2018.
Nota: Dos días después, el 17 de noviembre, relacionada con la exposición de SOM en Chicago, Plataforma Arquitectura transcribió la reseña elaborada por AD Editorial Team titulada “La fuerte relación entre ingenieros y arquitectos: SOM en la Bienal de Arquitectura de Chicago 2017”, en la que tras la cita de Bill Baker “Un ingeniero debe diseñar una estructura que un arquitecto se avergüence de cubrir”, se acompaña la presentación de un video producido por PLANE-SITE y Spirit of Space para ArchDaily, en el que “dos de las grandes mentes de SOM nos llevan a través de la exposición … (…)
En el video, el socio de ingeniería estructural y civil de SOM William F. Baker y el diseñador técnico de SOM Mohamed Sheriff, describen las ideas detrás de la exposición y cómo encaja en el tema más amplio de la Bienal ‘Make New History’ (‘Hacer Nueva Historia’).’Los dibujos a mano son muy importantes porque quieren recordarle a la gente que estas cosas son hechas por personas. Entonces, no es el arte en sí, sino la ingeniería detrás de él’, dice Sheriff. ‘A menudo la gente no se da cuenta de cómo la ingeniería puede ser tan dinámica y emocionante’ ”.
La exposición José Miguel Galia, arquitecto, realizada entre el Museo de Bellas Artes (MBA) de Caracas y el Centro de Información y Documentación (CID) de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (FAU) de la UCV, forma parte de un numeroso grupo de más de 15 muestras que llegaron a montarse a lo largo de la década de los 90 del siglo XX en diferentes espacios, producto del esfuerzo llevado a cabo por diversas instituciones o grupos interesados en divulgar la arquitectura en nuestro país, abriéndole espacio muy especialmente a la labor de recopilación, documentación y catalogación sobre el quehacer nacional iniciada con entusiasmo durante aquellos años.
José Miguel Galia (Gualeguaychú, Argentina,1919-Caracas, 2009), en particular, por la magnitud de su obra construida se constituyó en foco de atención de investigadores dada la amplitud de temas que llegó a abordar y el sello personal que logró imprimir a su producción luego de una exitosa sociedad con Martín Vegas en la década de 1950. Su ascendencia dentro del ámbito profesional se equiparó a la que logró como docente, influyendo en la formación de varias generaciones de arquitectos a lo largo de 35 años de labor ininterrumpida que se inicia dos años antes de su participación como fundador de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV en 1953. Venezolano por decisión propia desde 1974, obtiene ese mismo año el Premio Nacional de Arquitectura otorgado en la V edición de la Bienal por el edificio Seguros Orinoco (Esquina de Socarrás, Caracas) y en 1976 el Premio Municipal del Distrito Federal por el Edificio del Banco Metropolitano en Sabana Grande, Caracas. Galia, además, dignificó el diseño de edificios de vivienda multifamiliar en propiedad horizontal, convirtiéndose en pionero y viva demostración de los alcances que dicha Ley ofrecía desde su entrada en vigencia en 1960, enriqueciendo su tipología y mostrando alternativas que daban con el máximo aprovechamiento de las ordenanzas y el mejor funcionamiento posible. El ladrillo como revestimiento o cerramiento exterior imprimió a sus obras una marca de fábrica que aún hoy es claramente reconocible dentro del paisaje caraqueño.
Tras la apertura en los mismos espacios del MBA de las muestras dedicadas a Franco Purini (1986), Alvar Aalto (1989), La casa como tema (1989) y El espacio, escenario de un Museo (1991) y haber dado cabida en 1987 a la VIII Bienal Nacional de Arquitectura, José Miguel Galia, arquitecto se convirtió en la primera que esa institución destinó en solitario a la obra de un arquitecto venezolano. Anteriormente le había correspondido a la Galería de Arte Nacional (GAN) abrirle las puertas a sendas exhibiciones consagradas a la obra de Carlos Raúl Villanueva. 1900-1975 (1982), La Arquitectura de los 80 (1985), Los signos habitables: Tendencias de la Arquitectura Venezolana Contemporánea (1985) y Manuel Mujica Millán. Arquitecto (1991). Por su parte el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (MACCSI) empezaba a dar sus primeras muestras de interés por la arquitectura de la mano con el Ministerio de Relaciones Exteriores de Italia, la Embajada de Italia en Venezuela y el Instituto Italiano de Cultura en Venezuela a través de Alessandro Anselmi. Dibujos y Proyectos (1990) y Las Escalas del Espacio. Arquitectos Italianos Contemporáneos (1991).
El esfuerzo compartido entre la Fundación MBA y la FAU dio como resultado que entre el 8 de marzo al 3 de mayo de 1992 se abriera en las Salas 6, 6A y 7 del Museo un verdadero evento que combinaba el rigor académico producto de la puesta en orden del archivo personal de Galia y la producción de un material especialmente preparado para la ocasión. Así, tal y como señala Henrique Vera (responsable de la curaduría y museografía) en la presentación del hermoso catálogo que la acompañó, el guión museográfico se concibió para exhibir planos originales, dibujos, maquetas, croquis, detalles constructivos en escala 1:1, planos especialmente redibujados, axonometrías y fotografías, “dividiéndose en cuatro partes: la primera (…) integrada por una selección de proyectos realizados por los arquitectos Martín Vegas y José Miguel Galia, entre los años 1951 y 1958, en la firma Vegas & Galia Arquitectos Asociados. Destacan aquí por su importancia y significación el Conjunto Polar (1953), el Edificio Anglo-Ven (1956) y el Banco Metropolitano, agencia principal (1957). (…) El segundo grupo lo constituyen aquellos edificios diseñados por Galia desde 1958 hasta 1988. Aquí resaltan, por una parte, los dos Edificios Seguros Orinoco, el de la esquina de Socarrás (1971) (…) y el de Puerto Ordaz (1976). Igualmente el Edificio Banco Metropolitano, agencia Sabana Grande (1976) y la Remodelación del Parque Los Caobos. Por otra parte, se destaca un grupo de proyectos de vivienda multifamiliar, construidos y no construidos, los cuales fueron agrupados en seis familias tipológicas, tomándose el mejor ejemplo de cada familia para presentarlo con mayor detalle. (…) El tercer grupo está integrado por proyectos de diferente naturaleza, que no fueron construidos y que sin embargo ayudan a tener una visión más completa de este singular diseñador: tres diseños que participaron en concursos, una Quinta en Colinas de Bello Monte y el Edificio Sede para la Biblioteca Nacional, ambos para Caracas, y el de la Torre Peugeot, en Buenos Aires. También aquí se exhibe por primera vez un valioso material original. (…) El cuarto grupo de diseños exhibidos lo constituyen los tres proyectos en los cuales José Miguel Gala trabaja actualmente, el edificio Seguros Orinoco de Los Palos Grandes, el Centro Otassca en el Paseo Colón, y por último el Edificio Centro Princesa, ubicado en el Boulevard de Sabana Grande…”
Vera, contó para alcanzar con éxito este recordado montaje, con el inestimable apoyo de la oficina de Galia y en particular de los arquitectos Magali Ruz-Brewer, Sabino Marotta y José Antonio Maldonado, con el aporte del personal del MBA con María Elena Ramos, su directora, a la cabeza y del CID FAU UCV en las personas de las diseñadoras Martha Sanabria y Catherine Goalard.
El catálogo numerado como el 869 (la exposición fue la nº 984), cuya portada preside la postal de esta semana, diseñado por Andrés Carnevali, fue impreso por Unión Offset y tuvo un tiraje de 1500 ejemplares, pudiéndose aún adquirir a través de www.edicionesfau.com.
Destacan en él no solo su impecable impresión y el acompañamiento de las estupendas fotografías de Paolo Gasparini (protagonistas del montaje expositivo junto a las maquetas realizadas por Julio Camacho y José Ricardo Olivares), sino muy particularmente los dos textos preparados por José Miguel Roig y Federico Vegas: el uno titulado “Galia, La revolución a medida”, centrado en analizar críticamente el Banco Metropolitano de Sabana Grande; el otro, “El monasterio vertical”, dedicado a develar los entresijos y reflexiones, que en tono si se quiere más poético, suscita en su autor Seguros Orinoco. Del escrito de Vegas, extraemos, para terminar, la siguiente cita que ilustra la actitud de un profesional dedicado, tenaz, inquieto, que por sobre todo amaba la arquitectura y además logró que ella trascendiera: “La inmovilidad, la idea de que el edificio no se moverá de sitio como las Arcas, está a cargo del ladrillo. Aquí está la gran paradoja: el ladrillo, repetible y ancestral, lo imaginamos en muros de carga, pero éstos son inoperantes después de cierta altura. En el edificio de Socarrás, el ladrillo o la arcilla, es recubrimiento, y para que no haya dudas, no tiene trama y cambia de sentido cuando recubre el concreto y cuando es simple pared. No es posible un juego más diáfano, hacer más advertencias sobre la verdadera estructura del edificio, y sin embargo queda el sentimiento de un solo y gran ladrillo tallado”.
Charles y Ray Eames son considerados unos de los diseñadores más importantes del siglo XX. Con sus muebles, sus vídeos, sus libros, sus exposiciones y sus instalaciones mediáticas influyeron en generaciones de diseñadores y estampan su sello incluso en nuestra rutina diaria. No hay ningún otro nombre de diseñador que caracterice tan bien la perfección técnica y la atemporalidad, así como la cultura lúdica de las start-up de la costa occidental estadounidense, que marcaron los Eames como ningún otro.
Del 30 de septiembre del 2017 hasta el 25 de febrero del 2018, el Museo Vitra Design presenta cuatro exposiciones paralelas con el título “An Eames Celebration”, que presentan con una amplitud nunca antes conseguida la obra de la legendaria pareja de diseñadores.
En el centro del grupo de exposiciones está la retrospectiva “Charles & Ray Eames. The Power of Design”, que se muestra en el edificio central del Museo Vitra Design. En la estación de bomberos de Zaha Hadid se presenta una selección de los más de 100 vídeos de los Eames con el título “Ideas and Information. The Eames Films”, mientras que la galería del Museo Vitra Design presenta la exposición “Play Parade. An Eames Exhibition for Kids” que invita a descubrir y probar los numerosos juegos de la pareja de diseñadores. En el almacén exposición Vitra se puede ver la “Kazam! The Furniture Experiments of Charles & Ray Eames”.
Puntuales para el 110 aniversario del nacimiento de Charles Eames, se presenta toda la amplitud de objetos heredados por la Eames Office. Esta colección se encuentra desde 1988 en el Museo Vitra Design y abarca todos los prototipos y modelos de desarrollo de los Eames.
Charles & Ray Eames. The Power of Design (extracto)
La exposición en el edificio central del Museo Vitra Design ofrece una amplia sinopsis sobre toda la obra y la vida de la pareja de diseñadores. Con una amplia selección de obras originales, entre ellas vídeos, fotografías, muebles, dibujos, esculturas, pinturas, tejidos, diseño gráfico, modelos y requisitos, la retrospectiva explica la genial interacción de los caracteres de Charles y Ray Eames, que era la base creativa del dúo de diseñadores más exitoso de la historia. La primera parte de la exposición documenta los inicios de la colaboración de Charles y Ray Eames.
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La fama internacional les llegó a Charles y Ray Eames con sus diseños de mobiliario, que se presentan en la segunda sección de la exposición.
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Otra parte de la exposición está dedicada a los interiores y las construcciones de los Eames. A la pareja de diseñadores le cautivaban los objetos de arte popular que recolectaron en sus muchos viajes e incorporaban en numerosos interiores con sus propios diseños en variados arreglos. (…)
Los muebles y las edificaciones, que forman parte de las obras más conocidas de Charles y Ray Eames, se crearon tan solo en un plazo de solo 15 años. A partir de la década de 1950, los dos se ocuparon sobre todo de exposiciones, vídeos e instalaciones multimediales, convirtiéndose en los pioneros de la era de la información. De las obras de esa época se ocupa otra parte de la exposición.
(…) La exposición abarca un total de más de 500 obras, entre ellas las poco frecuentes esculturas de madera laminada de Ray Eames, modelos de la casa Eames y del pabellón de IBM, una reconstrucción de la instalación espacial de los Eames para «An Exhibition For Modern Living», así como instalaciones mediáticas como «Glimpses of the USA» o «G.E.M». Se trata de préstamos de la Library of Congress, Washington D.C., el Museum of Modern Art, Nueva York, la Eames Office y muchos otros museos y colecciones privadas. La muestra se basa en una exposición del Barbican Centre de Londres y se ha ampliado y escenificado de nuevo para las zonas germanoparlantes.
Inaugurada esta semana (a finales de septiembre) en el Centro Nacional de Arte de Tokio, Tadao Ando: Endeavors, es una exposición centrada en la vida y las obras del reconocido arquitecto japonés. La arquitectura autodidacta y minimalista de Ando está asociada con formas geométricas desnudas que están libres de ornamentación, pero ricas en profundidad y carácter. El ex boxeador convertido arquitecto da vida a las líneas simples de sus proyectos a través de la integración de elementos naturales como la luz, el agua y el viento. Sus estructuras, en su mayoría, utilizan materiales ampliamente conocidos como el hormigón, el acero y el vidrio.
Los espacios de la exposición se dividen en seis secciones tituladas: «ORÍGENES / CASAS», «LUZ», «ESPACIOS VACÍOS», «LEER EL SITIO», «CONSTRUYENDO LO QUE EXISTE, CREANDO LO QUE NO EXISTE» y «NURTURANDO». Esta exposición refleja casi medio siglo de la obra de Ando arrojando luz sobre el camino lleno de esfuerzos que ha ido forjando. Cada sección despliega varios aspectos de sus proyectos, incluyendo su uso de la luz y de los espacios vacíos, la integración de sus estructuras con su entorno natural y su participación en iniciativas sociales.
Tadao Ando: Endeavors nos muestra más de 200 maquetas, bocetos y dibujos de algunos de los proyectos más populares de Ando en Japón, como la Casa Row (1976), Iglesía sobre el agua (1988) y la Iglesia de la Luz (1989). Además, la exposición demuestra la pasión de Ando por trabajar con la arquitectura existente, mostrando su serie de proyectos de restauración, incluyendo la del museo de arte contemporáneo Punta della Dogana en Venecia, Italia. Tadao Ando, que es conocido por su currículum no convencional como un ex boxeador profesional convertido en arquitecto autodidacta, inició su carrera arquitectónica en 1969 como «guerrillero urbano». La exposición comienza con una breve narración de su vida unos años antes de convertirse en arquitecto, y continúa describiendo cómo llegó a la arquitectura, y cómo desde entonces ha estado ofreciendo constantemente nuevos diseños que desafían nuestras visiones sobre la arquitectura.
Tadao Ando: Endeavors estará abierta al público en el Centro Nacional de Arte de Tokio, que conmemora con ello su 10º aniversario, del 27-09 al 18-12-2017.
Nota
Con motivo de la entrega el pasado 18 de octubre a Rafael Moneo del Praemium Imperiale en Tokio, el arquitecto navarro visitó junto a su familia como invitados de honor del Centro Nacional de Arte la exposición Tadao Ando: Endeavors. Como se reseña en El País (sección Mundo Global del pasado 23 de octubre), «Ando salió a recibirlos a la puerta y se ofreció a guiarlos con la intermediación de un intérprete. Los llevó a ver la reconstrucción en tamaño real de su famosa Iglesia de la Luz, una sobria caja de hormigón con una fisura gigante en forma de cruz que vista desde dentro casi obliga al feligrés al éxtasis místico. Pero la multitud de visitantes se agolpó cuando entró Ando y muchos reconocieron al español que lanzó el beso al aire en la austera ceremonia de premiación que lo trajo de nuevo a la ciudad.Esta es la tercera vez que Moneo visita Japón y «conoce bien la región de Kansai que recorrió hace años de la mano de Ando. En 1996 Moneo fue su sucesor en la lista del premio Pritzker, conocido como el Nobel de la arquitectura. Y ese mismo año Ando recibió el Praemium Imperiale. El doble hermanamiento se refuerza con la alta estima que se tienen sus respectivas esposas».
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