Cómo vivir con la memoria. Actitudes artísticas ante arquitectura y franquismo
Manuel Olveira
Puente Editores
2018
Tomado de Plataforma Arquitectura
Libro de Manuel Olveira, motivo de la exposición “Cómo vivir con la memoria. Actitudes artísticas ante arquitectura y franquismo”, que se realizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), España, entre el 17 de febrero y el 3 de junio de 2018. Incluye imágenes de obras expuestas y textos a cargo de Manuel Olveira, Alberto Tellería y Alejandro S. Garrido. Se muestra como los diecisiete artistas seleccionados miran la arquitectura del franquismo y de la transición para, analizar de esta manera, la herencia de la dictadura.
Las voces que opinan que hablar de la dictadura y de sus tremendas consecuencias solo sirve para “abrir heridas” son precisamente las mismas que tienen interés en que no se hable de ello, y justamente esta coincidencia es lo que las hace aún más sospechosas, pues para ellas remover el pasado solo sirve para “reavivar revanchas”. Pero no hablar de nuestro pasado reciente nos impide avanzar y provoca que siga siendo una asignatura pendiente.
Este libro acompaña a la exposición «Cómo vivir con la memoria. Actitudes artísticas ante arquitectura y franquismo» que presenta una serie de obras de artistas españoles que lanzan una mirada a la arquitectura y al franquismo, a la historia y a la memoria de lo que nos constituye y de lo que aparentamos ser y a lo que pudo dejar de ser y, aún hoy, sigue estando pendiente. Sus miradas son oportunas para que podamos hacer que -a base de dosis de justicia, reparación, respeto y conocimiento- el pasado por fin se vaya convirtiendo en historia; y también para generar un difuso imaginario en relación con la arquitectura franquista que la resitúe desde el punto de vista conceptual, icónico, emocional y político.
Tomado de la editorial “L’art des prépositions” escrita por el Redactor en Jefe de L’Architecture d’Aujourd’hui, Emmanuelle Borne
Hace diecisiete años, Snøhetta entregó la Biblioteca de Alejandría en Egipto. Al atacar tal mito, la oficina noruega adquirió desde el principio una reputación internacional que, sin embargo, debía confirmar cosa que no ha dejado de hacer desde la Ópera de Oslo, la rehabilitación de Times Square en Nueva York, el Centro Internacional de Arte Rupestre Lascaux IV en Dordoña IV … Estos proyectos tienen al menos dos características comunes: su relación con el paisaje y la inclusión, dentro del edificio, de espacios públicos no sólo para los usuarios, sino también para los residentes locales y, más ampliamente, para el público en general. ¿Puede esta visión del espacio compartido ser vista como un «tropismo» noruego? Sin duda. En cualquier país que construyan, Snøhetta tiene la intención de crear una arquitectura que sea tanto democrática como específica del sitio. De hecho, el otro enfoque distintivo de la oficina es combinar la arquitectura y el paisaje en una relación «simbiótica» que, de acuerdo con los arquitectos, desde el principio, se han esforzado por magnificar la conexión natural entre las dos disciplinas. En Snøhetta, el paisaje enriquece la arquitectura de la misma manera que una huella agrega definición a una superficie. En este sentido, Kjetil Thorsen Trædal, cofundador de Snøhetta con Craig Dykers en 1989, define la arquitectura como el arte de las preposiciones. «Puede colocarse encima, delante, detrás o en la parte superior de un edificio. Necesita comprender las preposiciones para ubicarse en el mundo». Esta es la misión que Snøhetta se ha fijado y que se confirma de proyecto en proyecto: diseñar y construir una arquitectura desde el aquí y el ahora. Para todos.Fundada en 1989, Snøhetta, cuyo método de trabajo practica una exploración simultánea de la artesanía tradicional y la tecnología digital de vanguardia, hoy cuenta con 230 empleados de 30 nacionalidades diferentes, que laboran en cada una de las 8 oficinas ubicadas en Oslo, Nueva York, Innsbruck, París, Estocolmo, Adelaide, Hong Kong y San Francisco. En 2018, esta oficina noruega tiene 30 proyectos en progreso, incluida la sede del grupo Le Monde en París o la torre residencial 50 West 66th Street en Nueva York. Ahora que la famosa oficina noruega está abriendo una nueva sucursal en París, aparece la última publicación de AA Projects dedicada a sus trabajos y su enfoque hacia la fusión de la arquitectura y el paisaje.
Los textos que conforman esta selección, ligeros a la vez que lúcidos y que habitualmente se considerarían menores (presentaciones de conferenciantes, prólogos, artículos periodísticos y algunos ensayos breves), permiten a Iñaki Ábalos (Catedrático de Proyectos en la ETSAM, Chair del Departamento de Arquitectura de la GDS de Harvard entre 2012 y 2016, destacado arquitecto y prolífico autor), sondear cómo podría ser la arquitectura del s XXI y cuál será el papel de los “arquitectos de la vida moderna”. En estos escritos habla de aquellos de su misma generación que están consolidando posturas teóricas y prácticas novedosas (Johnston & Marklee, Sergison & Bates, Lacaton & Vassal, Amid.cero9, Lateral, Christ & Gantenbein, Liu Yichun, David Adjaye, Ciro Najle, Beigel, Christou, Moe …), revisita críticamente a sus maestros, unas veces heterodoxos y otros injustamente olvidados (Taut, Hilberseimer, Mies, Fuller, Goldsmith, Le Ricolais, Price, Branzi, Cook, Higueras, Peña Ganchegui …) e ignora elegantemente al star-system.
De la mano de la acelerada transformación social, cultural, económica y tecnológica producida en estas dos últimas décadas, que ha dejado obsoletos muchos planteamientos y desplazado la producción arquitectónica lejos de Europa e incluso de EEUU, hacia nuevos focos de poder en Asia, Latinoamérica y pronto África, cuestiones como tardocapitalismo, reciclaje, obsolescencia, energías, recursos, infraestructuras, rascacielos, metrópolis y paisaje han pasado a primer plano.
En este contexto, Ábalos entiende el pragmatismo como un valioso filón de pensamiento y detecta productivas bases para la acción en la instrumentalidad del proyecto entendido como laboratorio de ideas. Polémicamente, las nuevas técnicas disponibles (usadas sin ingenuidad) y la aparición de una arquitectura termodinámica (en lugar de tectónica) le hacen defender la autonomía disciplinar en estos tiempos de contaminaciones disciplinares, a la búsqueda de una nueva belleza basada en la escala inevitable de lo enorme, el pintoresquismo divertido de lo anecdótico y la sublimidad aterradora de lo técnico.
Iñaki Ábalos es Arquitecto (1978) y Doctor Arquitecto (1991) por la ETSAM. Socio fundador de los estudios Ábalos & Herreros (1984-2006) y Ábalos + Sentkiewicz Arquitectos (desde 2006). Actualmente es RIBA International Felowship, Catedrático de Proyectos en la ETSAM y ha sido Chair del Departamento de Arquitectura del GSD de Harvard (2012-2016). Ha sido profesor en las prestigiosas universidades de Columbia, Architectural Association, Princeton y Cornell. Es autor de los libros La Buena Vida, Campos de Batalla, Atlas Pintoresco (vol. I y II), Naturaleza y Artificio y con J. Herreros de Le Corbusier. Rascacielos, Técnica y Arquitectura y Natural-Artificial. Su obra profesional, merecedora de más de 40 premios en concursos y casi 20 premios a la obra construida, ha sido ampliamente divulgada en publicaciones internacionales y exhibida en numerosas exposiciones individuales y colectivas.
El libro escrito por Sandro Maino Ansaldo y prologado por Fernando Álvarez Prozorovich (UPC) y Fernando Pérez Oyarzún (PUCCh), trata acerca del viaje por Europa y el Mediterráneo del arquitecto chileno Juan Borchers Fernández entre los años 1948 y 1950, período en el cual se asientan los fundamentos de su pensamiento a través de la observación de los grandes monumentos de la arquitectura occidental y el estudio de libros fundamentales de la tradición occidental.
Apariencia, naturaleza y escala en arquitectura traza mediante correspondencia, libretas y cuadernos de viaje un recorrido por tres temas centrales del ideario de Borchers. La representación fue la herramienta de aprehensión y estudio del mundo que le rodeaba, cuestionándola en su capacidad para expresar e interpretar la experiencia desde las primeras impresiones hasta el trabajo concienzudo de descomposición.
Los estudios acerca de la Naturaleza enuncian el interés de Borchers por comprender y desentrañar sus reglas generativas, pudiendo finalmente describir los orígenes de los procesos históricos de la obra arquitectónica desde una perspectiva morfológica. Por último, la concepción borchiana de escala en arquitectura, formalizada al final de su vida en la Serie Cúbica, integra los objetos y la perspectiva en un mundo intermediario, donde el fenómeno arquitectónico se evidencia.
Indice
Capitulo 1
Introducción
Antecedentes de Juan Borchers.
Derrotero Intelectual y Vital.
La Obra Construida por el Taller, 1960-1970.
Capitulo 2
Apariencia y Aparición.
Experiencias Respecto a las Formas de darse el Objeto Arquitectónico en el Tiempo.
Capitulo 3
Tratar todo como Naturaleza.
El Objeto, el Método y la Historia.
Capitulo 4
El «Mundo Intermediario» o Escala en Arquitectura.
Entre la Escala Humana y los Fenómenos Perspectivos.
Capitulo 5
Conclusiones
Bibliografía
Nota
El viernes 15 de junio de 2018 se realizó el lanzamiento del libro el cual es el producto de doce años investigación cruzando las consultas en el archivo de Borchers con la búsqueda y lectura de sus fuentes, a las que se suman viajes y visitas a obras analizadas por él, con el objetivo, en primera instancia, de reconstruir su derrotero.
El lanzamiento contó con la presentación de Fernando Pérez Oyarzún, Profesor Titular de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUCCh), formado como arquitecto en esa misma universidad, Doctor arquitecto de la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC), y Miguel Ángel Galvez Huerta, Director del Departamento de Arquitectura de la Universidad Técnica Federico Santa María (UTFSM), arquitecto y Doctor arquitecto de la Universidad Politécnica de Madrid (UPM). La publicación es un proyecto financiado por el Fondo del Libro y la Lectura, Convocatoria 2017 de la Región de Valparaíso y la Editorial USM. Además, cuenta con el apoyo del Archivo de Originales del Centro de Información y Documentación Sergio Larraín García-Moreno de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Pontificia Universidad Católica de Chile.
Han pasado cien años desde el nacimiento de Jørn Utzon (1918-2008), el visionario danés que sólo tenía 38 años cuando ganó el concurso para construir la Ópera de Sydney. AV/Arquitectura Viva marca la ocasión que cubre su legado en una monografía que presenta seis obras canónicas, ilustradas con fotografías y planos originales, junto con seis artículos de destacados críticos internacionales.
Para empezar, Richard Weston, autor del libro más completo sobre la obra de Utzon, reflexiona sobre las fuentes de inspiración de su proceso creativo. Marja-Riitta Norri, directora del Museo de Arquitectura Finlandesa de 1988 a 2002, aporta un enfoque nórdico a las casas del patio. En formato de carta, Françoise Fromonot recuerda las investigaciones realizadas para escribir su monografía sobre la Ópera de Sydney, publicada en 1998. Los proyectos sin construir están cubiertos por un ensayo de Enrique Sobejano, experto en la obra del arquitecto danés. Kenneth Frampton -autor del ensayo que acompañó el anuncio del Premio Pritzker de Utzon en 2003- se centra en la Iglesia Bagsværd, subrayando su carácter tectónico. Y finalmente Rafael Moneo, que trabajó con Utzon en 1961, escribe sobre las dos casas mallorquinas.
Editorial de la revista
Gran danés centenario
por Luis Fernández Galiano
Para celebrar su veinticinco aniversario, el premio Pritzker se otorgó en 2003 a un gran danés que un cuarto de siglo antes era ya historia. En 1978 Jørn Utzon recibió la medalla de oro del Royal Institute of British Architects, y por entonces su vida creativa estaba sustancialmente completa. Cinco años antes, las cáscaras crustáceas hinchadas por el viento de la Ópera de Sídney se habían abierto a una navegación agridulce, tras un largo proceso de desencuentros que en 1966 habían alejado finalmente al arquitecto de la obra y del país; y mientras el que ya era símbolo de Australia se inauguraba en ausencia de su autor, Utzon proyectaba el que sería su último capolavoro, la iglesia de Bagsværd, un exquisito cobertizo claustral de cubiertas de chapa y techos ondulantes de hormigón en las afueras de su Copenhague natal, que al terminarse en 1976 cerró un itinerario de fascinante inventiva formal.
Atrás quedaba la topografía vernácula de las casas Kingo, con el talento paisajístico de sus patios en secuencia y la sensibilidad táctil de sus fábricas de ladrillo, diseñadas poco antes del concurso de la Ópera que en 1957 había otorgado a Utzon el premio equívoco de la fama, y extendidas poco después con otra modélica realización residencial, el conjunto de Fredensborg; atrás también el insólito proyecto de museo para el artista Asger Jorn, un racimo de tinajas o cocos enterrados y enredados de rampas que reúnen la Einsteinturm y el Guggenheim neoyorquino con Kiesler y Ronchamp; atrás su primera casa en Mallorca, un recinto grave y arcaico construido con piedra, geometría y luz, en el que se recluiría a partir de 1973; y atrás el proyecto definitivo de la Asamblea Nacional de Kuwait, un bazar laberíntico en penumbra y unos pórticos solemnes de toldos de hormigón con ecos de Chandigarh.
Cuando Utzon se convierte en mallorquín honorario y secreto, el arquitecto escandinavo es ya reconocido como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo: un discípulo del Aalto cuyas huellas se hallan por doquier, desde los abanicos de las casas Birkehøj a las olas de Bagsværd, pero también un creador independiente que dialoga en igualdad con la obra tardía de Wright y Le Corbusier, y con los proyectos contemporáneos de Tange, Niemeyer o Kahn; un humanista lacónico que reconcilia la industrialización tectónica con los arquetipos preindustriales, y la construcción por elementos de la modernidad con la elocuencia intemporal de las arquitecturas anónimas o históricas recorridas en sus viajes testarudos; y un innovador formal que cristaliza en hallazgos como la plataforma coronada por un dosel de cubiertas ingrávidas la esencia lírica de su exploración arquitectónica. Hasta su muerte en 2008, el héroe extraviado en su refugio insular fue objeto de numerosas recuperaciones críticas: algunos lo destacaron como el visionario expresionista y ecléctico que en Sídney alumbró las construcciones mediáticas de la sociedad del espectáculo; otros eligieron la sabiduría orgánica de sus obras residenciales, subrayando la elegancia en sordina de los conjuntos daneses o las casas mallorquinas; y no faltaron los que reconstruyeron su trayectoria desde las estéticas situacionistas de lo informe, emplazando el proyecto para Jorn y la conexión CoBrA en el núcleo cordial de su experiencia artística. En esta coyuntura centenaria me atrevo a poner el foco sobre la Asamblea de Kuwait, que sólo pude visitar tras haber sido dañada en la Guerra del Golfo, pero cuya monumental prefabricación arquitrabada sigue siendo una fuente caudalosa de inteligencia geométrica y emoción poética.
Pedro Alonso, Carola Barrios, Ángela Bonadies, Bonadies + Olavarría, Rodrigo Blanco Calderón, René Davids, Liliana De Simone, Luis Duno-Gottberg, Diego Larrique, Vicente Lecuna, Engel Leonardo, Albinson Linares, Sandra Pinardi, Iris Rosas, Alberto Sato, Elisa Silva, Federico Vegas, Jorge Villota.
Urban Research (UR), NYC.
2018
De la traducción de la contratapa del libro transcribimos lo siguiente:
Aclamado en la década de 1950 como un faro de la arquitectura modernista de América Latina, El Helicoide de Venezuela es una fantasía futurista que se ha agriado. En su concepción, este centro comercial de autoservicio encarnaba una narrativa de progreso, impulsada por los crecientes precios del petróleo, el consumismo y la cultura del automóvil. Sin embargo, una historia diferente se desarrolló muy alejada de su concepción original: El Helicoide se convirtió en un sitio de abandono, rodeado por barrios marginales, y luego fue reutilizado en 1979 como refugio de emergencia para las víctimas de las inundaciones. Desde 1985, ha sido a la vez sede para agencias nacionales de inteligencia y policía de seguridad, y una prisión infame. Al combinar documentos de archivo, análisis críticos, textos literarios y comentarios visuales, Downward Spiral traza la turbulenta historia de esta ruina viviente y revela el lado distópico de la modernidad urbana.
También se recoge allí la opinión de tres reconocidos académicos acerca de la publicación las cuales colocamos a continuación:
De todas las transformaciones radicales al paisaje de Caracas durante el auge petrolero de 1950, ninguna es tan conmovedora en sus revelaciones de las paradojas de la modernidad como el fallido centro comercial de El Helicoide, construido en el ápice de la innovación arquitectónica modernista. Esta antología ofrece un verdadero recorrido de 360 grados por la historia de El Helicoide desde la concepción hasta la ruina, revelando en sus diversos giros una visión profunda de más de medio siglo de la política venezolana, así como las locuras del urbanismo automovilístico del siglo XX.
Barry Bergdoll, Profesor de Historia del Arte Meyer Schapiro, Universidad de Columbia.
A su llegada a Brasil en 1935, Claude Lévi-Strauss hizo un comentario famoso sobre el «envejecimiento prematuro» de las ciudades del Nuevo Mundo, atrapado «en las garras de una enfermedad crónica» que las hizo «pasar de la frescura a la descomposición sin ser simplemente viejas». Como ilustra vívidamente este libro, esta progeria urbana (o síndrome de escombros prematuros) no es más que el síntoma de una modernidad tropical cuya temporalidad violenta, sincopada y contradictoria se materializa en y como espacio. Downward Spiral hace un trabajo maravilloso al llevarnos a este vórtice, quizás en ninguna parte tan emblemáticamente grabado en piedra como en El Helicoide.
Jens Andermann, Profesor, Departamento de Lengua y Literatura Española y Portuguesa, Universidad de Nueva York.
Profundizando en uno de los proyectos modernistas más emblemáticos de América Latina, Downward Spiral es una fascinante colección de ensayos y un compendio altamente imaginativo de respuestas visuales y literarias sobre El Helicoide. De amplio alcance y rica ilustración, este libro es una contribución fundamental a la historia de la arquitectura y el urbanismo, no solo en Venezuela sino en América Latina y más allá.
Valerie Fraser, Profesora Emérita de Historia del Arte, Universidad de Essex
Nota: DOWNWARD SPIRAL: El Helicoide’s Descent from Mall to Prison fue presentado el pasado viernes 13 de julio a las 5 pm. en la Librería Lugar Común (Altamira) en el marco de su despedida de esa sede. El acto estuvo acompañado por una conversación e intercambio en la que participaron como invitados: Diego Larrique, Sandra Pinardi, Iris Rosas, Elisa Silva y Jorge Villota y actuó como moderador Vicente Lecuna, todos ellos, como se puede comprobar, colaboradores en la edición del libro.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 