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LA NOTICIA DE LA SEMANA

Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects

Sala TAC
Trasnocho Cultural Paseo Las Mercedes

La Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), Docomomo Venezuela y la Embajada de Estados Unidos presentan la exposición Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects, cuya organización ha sido posible también gracias al apoyo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, de la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation (GSAPP) de Columbia University y de Docomomo US.
En el marco del 450 aniversario de la fundación de Santiago de León de Caracas (1567-2017) esta exposición reseña los diversos proyectos y la influencia que arquitectos, urbanistas, diseñadores y artistas norteamericanos aportaron en la construcción de la ciudad moderna entre 1925 y 1975.
Bajo la curaduría de Hannia Gómez y la colaboración de la profesora del Programa de Preservación Histórica de GSAPP, Jennifer Gray Johnson, y sus alumnos, junto a la museografía de Frank Alcock, la muestra reúne una serie de obras, fotografías, textos, documentos y maquetas, que ponen al alcance del público la manera como la arquitectura, el urbanismo y las artes caraqueñas se ven impactadas por diversos profesionales estadounidenses en un lapso de 50 años.
En este trayecto también se puede constatar cómo los diversos autores seleccionados, se aproximaron e interpretaron la ciudad y su contexto logrando en ocasiones un elevado nivel de asimilación de las variables propias del lugar. La exposición aborda el trabajo de 27 autores que desarrollaron su obra en el país. Entre ellos destacan los arquitectos  Charles Dale Badgeley, Marcel Breuer, Richard Buckminster Fuller, Lathrop Smith Douglass, John y Drew Eberson, Aymar Embury II, Arthur B. Frohelich, Bruce Goff, Don Hatch, Emile Vestuti, Wallace K. Harrison, John Hollabird, E. Root y E. Burgee, Clifford Charles Wendehack y Richard Neutra. Igualmente figuran en este recorrido la obra pública de un artista como Alexander Calder, de paisajistas como Olmsted Brothers y John Raymond Van Kleek, de diseñadores de campos de golf como Charles Banks y Dick Wilson y de promotores urbanos como Robert Moses.

Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects fue inaugurada el pasado martes 25 de julio y estará abierta hasta el domingo 8 de octubre de 2017.

ACA

LA NOTICIA DE LA SEMANA

Rem Koolhaas y David Gianotten revelan el diseño de OMA para el MPavillion de Australia 2017

Sabrina Syed

Tomado de Plataforma Arquitectura

22 de junio 2017

Traducido por Karina Zatarain

La Fundación Naomi Milhave ha revelado los primeros renders y bosquejos de OMA para el próximo MPavillion, que se llevará a cabo este otoño en Melbourne, Australia. Este será el cuarto año que se presenta el MPavillion, la contraparte del Serpentine Gallery Pavillion en Londres. Al contar con elementos dinámicos y estáticos, la propuesta de OMA permite múltiples configuraciones que generan un programa inesperado, haciendo eco a los ideales de la tipología del anfiteatro. Siguiendo la idea del anfiteatro tradicional, el diseño de OMA será construido para funcionar como un espacio para debate público, talleres de diseño, música y eventos de arte.
El pabellón fue un gran éxito el año pasado con el diseño de Bijoy Jain de Studio Mumbai, atrayendo a más de 94.000 visitantes para disfrutar de más de 287 eventos gratuitos durante los 139 días que estuvo habilitado. Junto con el nuevo Museo de Perth (que comienza construcción en 2020), el MPavillion será el primer proyecto de OMA en Australia. Entre los diseñadores anteriores se encuentran Bijoy Jain, Sean Godsell y Amanda Levete.

Comentando sobre sus intenciones para el pabellón MPavillion, Rem Koolhaas, Fundador y David Gianotten, Socio Administrativo de OMA dijeron: «MPavillion es un proyecto que espera provocar una discusión acerca de qué puede hacer la arquitectura tanto globalmente como en un contexto australiano. Estamos interesados en tratar este pabellón no sólo como un objeto arquitectónico, sino como algo que inyecte intensidad a una ciudad y contribuya a una cultura en constante evolución.»


Colocado sobre una colina artificial de plantas endémicas, MPavillion 2017 constará de un anfiteatro circular cubierto por una estructura flotante inmensa. (Koolhaas y Gianoteen trabajaron juntos previamente en un proyecto de techo flotante, el Shenzen Stock Exchange). Un toldo de cuadrícula de 2 metros con un techo protector traslúcido proporcionará servicios de electricidad y tecnología para la serie de eventos públicos gratuitos. La materialidad del pabellón estará «relacionada con su contexto inmediato, posicionando a los Jardines Queen Victoria mismos -y a la ciudad de Melbourne- como base para la actividad y debate dentro del pabellón,» dice Gianotten. 
Los elementos móviles del diseño serán las tribunas giratorias del anfiteatro. Las tribunas móviles permiten que el espacio se configure de distintas maneras dependiendo del uso del pabellón y crear un «espacio cívico flexible». Además de borrar la línea entre dentro y fuera, el espacio eliminará la distancia entre público y artista. 

“El emocionante diseño de OMA crea un teatro de ideas con Melbourne como escenario. MPavillion 2017 será extremadamente distinta a años previos, con un escenario designado pero flexible que permite todo tipo de actividades. Trabajar con Rem, David y el equipo de OMA es un privilegio extraordinario, y me emociona verlos dar vida a MPavillion 2017 con su inteligencia y visión multifacética – Naomi Milgrom AO, fundadora del MPavillion.”

La construcción comenzará en agosto. El MPavillion abrirá al público del 3 de octubre de 2017 al 4 de febrero 2018.

ACA

LA NOTICIA DE LA SEMANA

Diébédo Francis Kéré presenta el Serpentine Pavilion 2017 en Londres

AD Editorial Team

Tomado de Plataforma Arquitectura

20 de junio 2017

Diseñado por Diébédo Francis Kéré (Kéré Architecture), la edición 2017 del Serpentine Pavilion fue presentada hoy martes 20 de junio en Londres. Concebido como un «micro cosmos», el pabellón ha sido diseñado para fusionar referentes culturales de Gando, la ciudad natal de Keré en Burkina Faso, junto con «técnicas constructivas experimentales». El arquitecto espera que el pabellón, como un condensador social, «se convierta en un faro de luz, un símbolo del relato y la unidad».

Una gran cubierta de madera, apoyada sobre un marco metálico, ha sido esculpido para imitar la copa de un árbol. Cuatro umbrales conducen a un patio central abierto, en donde el aire fresco puede circular libremente. La cubierta protege a los visitantes del calor veraniego de Londres y en caso de lluvia, «una serie de canales conducirán el agua por la cubierta para crear una espectacular cascada», antes de pasar a un sistema de drenaje en el suelo «para su posterior uso en la irrigación del parque».
“En Burkina Faso, el árbol es un lugar donde la gente se reúne, donde las actividades del diario vivir se realizan bajo la sombra de sus ramas. Mi diseño para el Serpentine Pavilion tiene un gran techo suspendido hecho de acero y una piel transparente que cubre la estructura, lo que permite que entre la luz natural y lo protege de la lluvia. Los elementos de madera alinean la parte inferior del techo para crear un efecto de sombra dinámica en los espacios interiores. Esta combinación de características promueve un sentido de libertad y comunidad, como la sombra de las ramas de los árboles, el pabellón se convierte en un lugar donde la gente puede reunirse y compartir sus experiencias diarias.


Para mí, el sentido de apertura es fundamental en la arquitectura. En el pabellón, esto se logra a través del sistema de muros, que está compuesto por bloques prefabricados de madera montados en módulos triangulares, con pequeñas aberturas entre ellos. Esto le da ligereza y transparencia al edificio. La composición de las paredes curvas se divide en cuatro elementos, creando cuatro puntos de acceso diferentes al Pabellón. Separados de la cubierta, estos elementos permiten que el aire circule libremente por todas partes.
En el centro del Pabellón se incluye una gran abertura con dosel que crea una conexión inmediata con la naturaleza. En tiempos de lluvia, el techo se convierte en un embudo que canaliza el agua en el corazón de la estructura. Esta recolección de lluvia actúa simbólicamente, destacando el agua como un recurso fundamental para la supervivencia y la prosperidad humana.

Por la noche, el dosel se convierte en una fuente de iluminación. Las perforaciones en los muros permiten vislumbrar el movimiento y la actividad al interior del pabellón. En mi pueblo natal de Gando (Burkina Faso), siempre es fácil localizar una celebración nocturna subiendo a un terreno más alto y buscando la fuente de luz en medio de la oscuridad. Esta pequeña luz se hace más grande a medida que más y más personas llegan a unirse al evento. De esta manera, el Pabellón se convertirá en un faro de luz, un símbolo de la narración y la unión”.

Nota:
El Serpentine Pavilion 2017 estará expuesto en los jardines Kensington (Hide Park, Londres), aledaños a la Serpentine Gallery, del 23 de junio al 8 de octubre de 2017.
Kéré es el 17º arquitecto en concebir un pabellón temporal para dicha galería que consiste en diseñar una estructura de 300 metros cuadrados que pueda ser utilizada como centro comunitario y café de día, y un foro para el aprendizaje, el debate y el entretenimiento por la noche.
Kéré es conocido por estar comprometido con el diseño ecológico y tiene su despacho en Berlín. Sus obras más divulgadas son la premiada escuela de primaria en Burkina Faso y la instalación en la exposición Sensing Spaces en el London’s Royal College (2014).

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LA NOTICIA DE LA SEMANA

Tres obras de Eladio Dieste son declaradas monumentos históricos en Uruguay

Nicolás Valencia

Tomado de Plataforma Arquitectura

30 de junio 2017

A 100 años de su nacimiento, tres obras diseñadas por Eladio Dieste han sido declaradas Monumentos Históricos por el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay este 29 de junio. Los proyectos se ubican en el departamento de Maldonado y ahora respaldará la postulación uruguaya del ‘Sistema constructivo de cerámica armada” para la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

1. Casa Berlingieri, Punta Ballena, 1947. Vista exterior
2. Casa Berlingieri, Punta Ballena, 1947. Planta

Las obras seleccionadas son la Casa Berlingieri (Punta Ballena, 1947), el Centro Deportivo Municipal Carolino (San Carlos, 1968) y la Torre de Telecomunicaciones (Maldonado, 1986). En todas ellas, el uruguayo persiguió la máxima expresión arquitectónica a través de la estructura y el uso del ladrillo con sus bóvedas de doble curvatura.

3. Centro Deportivo Municipal Carolino, San Carlos, 1968. Vista exterior
4. Centro Deportivo Municipal Carolino, San Carlos, 1968. Vista interior
5. Torre de Telecomunicaciones, Maldonado, 1986. Vista exterior
6. Torre de Telecomunicaciones, Maldonado, 1986. Vista interior

En la Casa Berlingieri, Dieste fue calculista y diseñador estructural del proyecto del catalán Antonio Bonet. Según explica la Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación, «la imagen ondulante dominada por la presencia de las bóvedas de cubierta es el antecedente más significativo de las posteriores obras resueltas con bóvedas de doble curvatura”. En el caso del Centro Deportivo Municipal Carolino, la comisión destaca el encofrado móvil utilizado por Dieste, postulando que es «una muestra acabada de la calidad artesanal de nuestros operarios». Mientras en la Torre de Telecomunicaciones destaca que su «forma y esbeltez constituyen un caso emblemático del sistema constructivo de cerámica armada ideado» por el arquitecto fallecido en 2000 en su Uruguay natal.

ACA

Procedencia de las imágenes

1. https://arqtemple.blogspot.com/2017/10/casa-berlingieri-planos-planta-baja-la.html

2. https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_Berlingieri

3 y 4. https://www.elobservador.com.uy/nota/declaran-monumento-historico-nacional-a-obras-de-eladio-dieste-2017629500

5 y 6. http://www.fadu.edu.uy/eladio-dieste/obras/torretel/

LA NOTICIA DE LA SEMANA

El MOMA se adentra en los archivos de Frank Lloyd Wright en el 150 aniversario de su nacimiento

Mª Ángeles Domínguez

Tomado de http://graffica.info/moma-frank-lloyd-wright-150-aniversario/

3 de junio 2017

Con motivo del 150 aniversario del nacimiento de Frank Lloyd Wright, el 8 de junio de 1867, el MOMA de Nueva York dedica al arquitecto estadounidense la mayor exposición realizada hasta el momento. Quienes se acerquen hasta el museo neoyorquino entre el 12 de junio y el 1 de octubre de 2017, podrán disfrutar de la muestra Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive. Ésta ambiciosa exhibición incluye 400 obras entre las que se encuentran bocetos y dibujos arquitectónicos, maquetas, fragmentos de edificios, películas, emisiones de televisión, textiles, pinturas, fotografías y libros de recuerdos, junto con una serie de obras que rara vez o nunca han sido públicamente expuestas.

Frank Lloyd Wright (Wisconsin, 1867- Phoenix, Arizona, 1959) fue uno de los arquitectos más prolíficos y renombrados del siglo XX. Diseñador radical e intelectual, Wright abrazó las nuevas tecnologías y materiales, fue pionero en utilizar los sistemas de construcción del DIY (hágalo usted mismo), de la experimentación y la vanguardia. Desarrolló teorías originales avanzadas para su época con respecto a la naturaleza, el planeamiento urbano y la política social.
Con motivo del 150 aniversario del nacimiento del arquitecto estadounidense, el 8 de junio de 1867, el MOMA de Nueva York ha realizado un amplio trabajo de archivo e investigación para rendirle homenaje en la exposición Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive. Se trata de una extensa muestra que abarca cerca de 400 obras realizadas entre los 1890 y los años cincuenta. En la misma se incluyen dibujos y bocetos arquitectónicos, maquetas, fragmentos de edificios, películas, emisiones de televisión, piezas textiles, pinturas, fotografías y libros de recuerdos, junto con una serie de obras que rara vez o nunca han sido públicamente expuestas.
A lo largo de su extensa carrera de siete décadas, Frank Lloyd Wright diseñó más de 1.000 edificios y realizó más de 500. Siempre preocupado por la posteridad, Wright conservó la mayor parte de sus dibujos –a pesar de que algunos se perdieron trágicamente en varios incendios– para formar un archivo con el que esperaba perpetuar su filosofía arquitectónica. Este archivo pretendía ser primero una herramienta en la producción de arquitectura en la Taliesin Fellowship, un programa de aprendizaje que Wright fundó en la década de 1930 en sus dos estudios-residencia en Wisconsin y Arizona. Así mismo, su intención era que sirviera a posteriori como un recurso académico para investigadores externos. Catalogado progresivamente y abierto a especialistas por la Fundación Frank Lloyd Wright, el archivo fue adquirido conjuntamente por el MOMA y Avery Architectural & Fine Arts Library en la Universidad de Columbia en 2012. Esta exposición celebra esta colaboración pionera y la nueva accesibilidad de la colección tanto para los estudiosos como para el público.
Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive se refiere a la monumental tarea de mover 55.000 dibujos, 300.000 hojas de correspondencia, 125.000 fotografías y 2.700 manuscritos, así como maquetas, películas, fragmentos de construcción y otros materiales. También se refiere al trabajo de interpretación y al examen minucioso de proyectos que en algunos casos han recibido poca atención.
Para esta exposición, cuyo comisario es Barry Bergdoll, un grupo de académicos y un conservador de museos fueron invitados a ‘desembalar’ –contextualizar, hacer preguntas y explorar de otro modo– un objeto o grupo de objetos de su elección.
Sus procesos de descubrimiento han quedado registrados en una serie de cortometrajes que introducen las secciones temáticas de la exposición. Las preguntas planteadas iluminan los complejos períodos históricos a través de los cuales Wright vivió, a partir de finales del siglo XIX, marcado por el optimismo, a través de la Gran Depresión de los 30 hasta las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, cuando Estados Unidos experimentó un gran crecimiento demográfico y económico. Cada investigación académica ofrece ideas a la vez históricas y contemporáneas de amplia repercusión, que tocan cuestiones sobre el paisaje y las preocupaciones ambientales, la relación de la industria con la vida cotidiana, las cuestiones de raza, clase y socialdemocracia y el poder creciente de los medios de comunicación para forjar una reputación y generar una corriente de opinión.
Esta retrospectiva de los 150 años Frank Lloyd Wright está organizada en torno a un eje central destacando muchos de los grandes proyectos de Wright, que se ilustran con algunos de sus mejores dibujos e incluyen obras clave como Unity Temple (1905-08), Fallingwater (1934-37), el Johnson Wax Administration Building (1936-39), y el Marin County Civic Center (1957-70). Este eje central se despliega en 12 subsecciones que cubren temas tanto familiares como otros aspectos sobre el arquitecto estadounidense.

ACA

LA NOTICIA DE LA SEMANA

El BOLETÍN del Centro de Investigaciones Históricas y Estéticas (CIHE) de la FAU UCV ¡Ha sido digitalizado!

La que por años fue considerada la revista académica de arquitectura hecha en Venezuela de mayor proyección internacional, el BOLETÍN del Centro de Investigaciones Históricas y Estéticas (CIHE) de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, ha sido objeto de un minucioso trabajo de digitalización y sus 31 números (1964-1997) ya se encuentran a la disposición de los interesados, con descarga libre, en el portal de Ediciones FAU UCV (www.edicionesfau.com).
El trabajo implicó el escaneo de 4852 páginas de un valioso material que permitirá visitar más de 30 años llenos de una copiosa documentación que acompaña a una importante labor investigativa centrada en temas relacionados principalmente con la conservación y restauración de monumentos y sitios históricos en América Latina, patrimonio edificado y análisis histórico-crítico, aparecidos bajo la firma de conocidos autores entre los cuales encontramos a: Sibyl Moholy-Nagy, George Kubler, Graziano Gasparini, Carlos Raúl Villanueva, Santiago Sebastián, Fernando Chueca Goitia, Paolo Portoghesi, Leonardo Benevolo, Roberto Pane, Juan Pedro Posani, Erwin W. Palm, Germán Téllez, Damian Bayón, José Mesa, Teresa Gisbert, Leszek Zawisza, Antonio Bonet Correa , Silvia Hernández de Lasala, Ciro Caraballo, Beatriz Meza S., Manuel López, Jorge E. Hardoy y Luise Margolies.
El Centro de Investigaciones Históricas y Estéticas (CIHE) fue dirigido desde su fundación en enero de 1963 hasta julio de 1979 por su fundador Graziano Gasparini, quien a su vez estuvo a la cabeza del BOLETÍN desde el nº 1 (enero 1964) hasta el nº 25 (noviembre 1983). A partir de ese momento pasa a dirigir el CIHE Leszek Zawisza y a redactar el BOLETÍN Ilmar Lucks hasta que en diciembre de 1986 se registra en el nº 27 a Ilmar Lucks como Director tanto del Centro como del BOLETÍN. Tras un vacío de 7 años, en julio de 1994, reaparece la revista (nº 28) bajo la dirección de Alberto Sato quien logra publicar 4 números hasta octubre de 1997 (nº 31) cuando deja de circular.
La noticia que compartimos refleja otro esfuerzo, silente pero constante, inscrito dentro del programa de divulgación de la hemerografía nacional que lleva adelante la Fundación Arquitectura y Ciudad conjuntamente con Ediciones FAU UCV en pro de preservar y difundir la memoria atesorada en nuestras publicaciones periódicas.
Disfrutemos de este pequeño bálsamo que aparece en medio de la agitación y la crisis que conmueven al país en general y afectan a nuestra universidad en particular.

ACA