Es una de las imágenes más emblemáticas del modernismo californiano jamás tomadas: una foto en blanco y negro que muestra un volumen voladizo de cristal brillante que sobresale de las colinas de Hollywood. Dos mujeres, ataviadas con vestidos de faldas largas, conversan en el interior, flotando sobre la reluciente cuadrícula de calles de Los Ángeles.
La foto, capturada en 1960 por el fotógrafo de arquitectura Julius Schulman, inmortalizó para siempre la Case Study House nº 22, una impresionante residencia diseñada por el arquitecto Pierre Koenig y construida para los clientes Buck y Carlotta Stahl. La casa ha permanecido en manos de la familia desde entonces.
Esta semana, 65 años después de su finalización, la Casa Stahl ha salido a la venta. El precio de venta es de 25 millones de dólares.
«Esto no es una simple venta; es una cesión de responsabilidades: la búsqueda del próximo custodio que honrará la historia de la casa, respetará su pureza arquitectónica y garantizará su preservación para las generaciones venideras», afirma el anuncio de la inmobiliaria The Agency.
Si bien la casa es de escala modesta (solo tiene dos dormitorios y abarca 200 m²), es, en toda la extensión de la palabra, un icono. Se construyó como parte del programa de viviendas «Case Study», un proyecto de la revista Arts & Architecture en 1945 que encomendó a los arquitectos diseñar viviendas elegantes y económicas para abordar la escasez de viviendas de la posguerra. Se construyeron veinticinco, incluyendo estructuras de Richard Neutra, Craig Ellwood, Charles y Ray Eames, entre otros.
El interior de la Casa Stahl se ha mantenido prácticamente inalterado durante más de seis décadas. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)Vista de la cocina antigua, que incluye una placa que la reconoce como Monumento Histórico-Cultural de Los Ángeles. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)
La residencia Stahl, sin embargo, es posiblemente la más famosa, debido al entusiasmo de su fotógrafo y al entusiasmo de sus clientes. Buck y Carlotta recibían regularmente a aficionados y estudiantes de arquitectura, mientras que, durante los últimos 17 años, dos de los hijos de los Stahl mantuvieron la casa abierta para visitas.
«Nuestros padres permitieron que la gente viniera para sesiones de fotos, filmaciones y visitas, y también permitieron visitas de universidades. Que la fotografía de Julius se haya visto en todo el mundo y que la casa esté abierta continuamente la ha llevado al nivel [de popularidad] que tiene ahora», compartió Shari Stahl en una entrevista de 2015 con la revista LA.
La casa cuenta con ventanales de piso a techo con impresionantes vistas a la piscina y a Los Ángeles. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)La casa conserva su cocina-comedor de planta abierta, aunque la chimenea decorativa se revistió de piedra posteriormente. (Crédito de la imagen: Cameron Carothers)
Tras más de seis décadas como propietarios y el creciente reto de mantener un edificio envejecido, los Stahl sintieron que era hora de un nuevo propietario. «Esta casa ha sido el centro de nuestras vidas durante décadas, pero a medida que envejecemos, se ha vuelto cada vez más difícil cuidarla con la atención y la energía que tanto merece», escribieron Shari y su hermano Bruce en un comunicado publicado en el sitio web de la Casa Stahl.
«Ha llegado el momento de identificar al próximo administrador de la Casa de Estudio nº 22: alguien que no solo aprecie su importancia arquitectónica, sino que también comprenda su lugar en el panorama cultural de Los Ángeles y más allá», añadieron.
Vista de la piscina, tal como se ve hoy (Crédito de la imagen: Jilbert Daniel)
De hecho, el futuro comprador de la Casa Stahl estará prácticamente adquiriendo un museo viviente. La casa se ha mantenido prácticamente inalterada desde que Koenig la terminó en 1960. Cuenta con una cocina abierta, con armarios originales de contrachapado; tres baños sin renovar; y calefacción radiante. Sin embargo, el afortunado propietario disfrutará sin duda de la piscina, las vistas espectaculares y el terreno de 0.4 hectáreas.
La casa fue declarada Monumento Histórico-Cultural por la Comisión de Patrimonio Cultural de Los Ángeles en 1999, lo que significa que, si bien no está completamente protegida de la demolición, cualquier cambio significativo está sujeto a revisión.
Pero los Stahl esperan al comprador ideal, uno que respete tanto el legado de sus padres como la ambición de Koenig. Según la propiedad, propiedad de William Baker, director de arquitectura de The Agency: «Para el comprador ideal, este es un legado que perdurará».
El año 2026 trae consigo una oleada de ambiciosas inauguraciones culturales. Algunas llevan años en desarrollo, ya sea estancadas por cambios en la financiación, dificultades de planificación o la enorme complejidad de construir a gran escala. Ahora, en su fase final, prometen una gran cantidad de nuevos museos, vastas ampliaciones subterráneas y estudios renovados para un panorama cultural que crece rápidamente en escala, ambición y alcance.
En todo el Reino Unido, el impulso es fuerte: Cardiff se prepara para dar la bienvenida a su primer museo de arte contemporáneo, mientras que, en Londres, el V&A East se une al recientemente inaugurado V&A Storehouse en el paseo marítimo de Stratford. En St Ives, la ciudad costera de Cornualles, tradicionalmente asociada a Barbara Hepworth, el Palais de Danse de la artista, antes en desuso —un antiguo cine y sala de baile que adquirió en 1961 como segundo estudio— reabrirá sus puertas casi cincuenta años después de su muerte.
El Guggenheim de Abu Dabi, diseñado por Frank Gehry, está a punto de terminarse, mientras que el Museo Lucas de Arte Narrativo, fundado por George Lucas, creador de Star Wars, abre sus puertas en septiembre tras pasar por dos sedes propuestas anteriormente antes de establecerse finalmente en Los Ángeles. Y en Benín, el Museo de Arte de África Occidental permanece suspendido en la incertidumbre, con su prevista inauguración ensombrecida por disputas políticas y visiones controvertidas sobre la propiedad cultural.
Guggenheim Abu Dhabi (mes sin confirmar)
Tras más de una década de construcción, el Guggenheim Abu Dhabi, diseñado por el difunto Frank Gehry, está a punto de completarse en la isla Saadiyat. Ubicado en el distrito cultural de rápido crecimiento de la isla, este museo de 42.000 metros cuadrados será el mayor centro Guggenheim del mundo, uniéndose al Museo Guggenheim Bilbao, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia. Anunciado en 2006 mediante un acuerdo entre Abu Dhabi y la Fundación Solomon R. Guggenheim, el proyecto se concibió como un centro global para el arte posterior a la década de 1960, con especial atención a las prácticas de Asia occidental, norteafricana y surasiática, además de albergar una importante colección permanente y obras recién encargadas.
Su inauguración culmina un período de transformación para la isla Saadiyat, que ha consolidado rápidamente su estatus como centro cultural de los EAU. Tras el Louvre Abu Dhabi de Jean Nouvel (2017), el emirato ha inaugurado recientemente dos importantes instituciones más: el Museo Nacional Zayed, diseñado por Norman Foster, y el Museo de Historia Natural. Este impulso continúa en 2026, con la edición inaugural de Frieze Abu Dhabi coincidiendo con las primeras subastas de Sotheby’s en el emirato.
Museo Artístico de Arte Contemporáneo, Gales (mes sin confirmar)
El Museo Artístico de Arte Contemporáneo (AMOCA) se convertirá en el primer museo dedicado al arte contemporáneo de Cardiff. Esta institución privada, sin ánimo de lucro, albergará alrededor de 1.000 obras, procedentes en gran parte de la colección del empresario y filántropo galés-sueco Anders Hedlund. Concebido como un punto de encuentro para la práctica innovadora, AMOCA busca posicionar a Gales en el discurso global del arte contemporáneo, a la vez que da visibilidad a los artistas locales. Su programa combinará exposiciones temporales con muestras rotativas de la colección permanente, con un enfoque curatorial en las perspectivas de las minorías, las subculturas y el talento galés emergente en diversos medios. Los planes para espacios interiores y exteriores a gran escala, junto con experiencias digitales, buscan ampliar la forma en que el público se relaciona con el arte contemporáneo. Más allá de las exposiciones, el museo pretende albergar charlas, simposios, talleres juveniles y residencias, creando un centro social y educativo en la ciudad.
Museo V&A East, Londres (abril de 2026)
El Museo V&A East, inaugurado en abril en Stratford Waterfront, se unirá al recientemente inaugurado V&A Storehouse en el este de Londres. Diseñado por O’Donnell + Tuomey, el edificio de cinco plantas presentará una combinación de importantes exposiciones temporales y muestras de la colección del V&A, conectando las prácticas creativas globales con la larga historia de la creación en el este de Londres. Alrededor de 500 objetos se distribuirán en secciones temáticas por todo el museo, que abordan cuestiones de identidad, representación y cambio ambiental. Quienes lo visiten durante los primeros meses también descubrirán la primera ronda de un nuevo programa de encargos, que presenta ocho obras inspiradas en el este de Londres, realizadas por artistas como Rene Matić y Es Devlin. La exposición debut del museo, «La Música es Negra: Una Historia Británica», explora el impacto de la música negra británica en la vida cultural del país.
James Turrell en el Museo de Arte ARoS, Dinamarca (19 de junio de 2026)
La adición más monumental de James Turrell a su aclamada serie «Skyspace» se inaugurará en el Museo de Arte ARoS de Aarhus en junio, completando así la expansión del museo, que duró una década. Turrell comenzó a desarrollar Skyspaces en la década de 1970 como cámaras que enmarcan el cielo a través de aberturas de formas precisas, creando encuentros intensificados con la luz y la percepción. Como se ve abajo, The Dome se convierte en la obra más grande de este tipo en aparecer en un contexto museístico. Anunciada por primera vez en 2015 y realizada con Schmidt Hammer Lassen Architects, la instalación ancla la nueva extensión subterránea de ARoS, The Next Level, que también incluye la recientemente inaugurada Galería Salling y una próxima área de exposición al aire libre. Ubicada en un montículo de césped junto al museo, la imponente cámara de Turrell, de más de 15 metros de altura y 40 metros de ancho, presenta un óculo central y el sistema de iluminación monocromática del artista, transformando el cielo en un campo inmersivo de color cambiante.
Museo Lucas de Arte Narrativo, Los Ángeles (22 de septiembre de 2026)
Cofundado por el cineasta George Lucas y su esposa, la empresaria Mellody Hobson, el Museo Lucas de Arte Narrativo abrirá sus puertas en el Exposition Park de Los Ángeles, materializándose finalmente tras propuestas abandonadas en San Francisco y Chicago y años de retrasos en la construcción. Diseñado por Ma Yansong de MAD, la elegante forma del museo, similar a una nave espacial, se eleva sobre los jardines de Mia Lehrer de Studio-MLA. En su interior, 35 galerías, que abarcan 100.000 pies cuadrados, se nutren de una colección de más de 40.000 obras, una de las colecciones de arte narrativo más importantes del mundo. Pinturas de Norman Rockwell, Frida Kahlo, N.C. Wyeth y Maxfield Parrish se encuentran junto a ilustraciones emblemáticas de Robert Crumb, Frank Frazetta y Jack Kirby. Gran parte de la propia colección de narraciones de Lucas también se exhibirá, junto con accesorios, vestuario y guiones gráficos de Star Wars e Indiana Jones.
MANN 2: Museo Arqueológico Nacional de Napoli, Nápoles (mediados-finales de 2026)
El Museo Arqueológico Nacional de Nápoles (MANN), uno de los mayores repositorios mundiales de la antigüedad clásica, inaugura una nueva e importante sucursal con 10.000 metros cuadrados de espacio expositivo que permitirá a la institución exhibir una parte mucho mayor de su vasto acervo. Conocido como MANN 2, el nuevo museo se construirá en el Real Albergo dei Poveri, un complejo inacabado del siglo XVIII con una fachada de 400 metros, una de las más largas de Europa.
Además de importantes antigüedades del Imperio Romano, el MANN custodia la mayor colección mundial de material procedente de Pompeya, actualmente uno de los yacimientos arqueológicos más visitados de Italia. De los aproximadamente 400.000 artefactos excavados en la antigua ciudad, unos 40.000 se conservan en el MANN, aunque muchos permanecen almacenados debido a la escasez de espacio. MANN 2 destacará la Colección Santangelo y exposiciones sobre arqueólogos pioneros, incluidos Giuseppe Fiorelli, Vittorio Spinazzola y Amedeo Maiuri, mientras que otras áreas del vasto complejo albergarán salas de enseñanza, alojamiento para la Universidad de Nápoles Federico II y más espacio para la Biblioteca Nacional.
El Palais de Danse, St Ives (mediados o finales de 2026)
El Palacio de Danza, un edificio catalogado de Grado II en el centro de la ciudad costera de St Ives, en Cornualles, reabrirá sus puertas casi 50 años después del fallecimiento de Barbara Hepworth, quien adquirió el antiguo cine y sala de baile en 1961 para convertirlo en su segundo estudio. Fue aquí donde creó algunas de sus obras más ambiciosas, como «Forma Única», «Figura Alada» y «Cuatro Cuadrados (Recorrido)», a medida que crecía su reputación internacional. Actualmente, en proceso de transformación por parte de Adam Khan Architects, el edificio, en desuso durante mucho tiempo, volverá a ser un espacio para la creación artística, la performance, el aprendizaje y eventos comunitarios, recuperando un lugar clave en la carrera de Hepworth para el público.
En la planta baja, los talleres reconstruidos exhibirán sus herramientas, materiales y artefactos de estudio, muchos de ellos nunca antes expuestos, junto al suelo cuadriculado que utilizó para diseñar «Forma Única» para las Naciones Unidas. En la planta superior, la sala de baile restaurada de 24 metros, con su suelo de arce flexible, escenario y pantallas de cristal diseñadas por Hepworth, albergará encargos, instalaciones y charlas. En el exterior, el patio donde creó el prototipo de Winged Figure se abrirá a los visitantes por primera vez. El proyecto complementa el Museo y Jardín de Esculturas Barbara Hepworth, al otro lado de la calle, que conserva su casa y estudio tal como los dejó.
Museo de Arte de África Occidental, Benin City, Nigeria
El Museo de Arte de África Occidental (MOWAA) en Benín City, diseñado por Adjaye Associates, debía abrir sus puertas en noviembre de 2025, pero se vio envuelto en disputas políticas. Tras cinco años de desarrollo y con el respaldo de 25 millones de dólares procedentes de donantes como los gobiernos francés y alemán, el Museo Británico y el gobierno del estado de Edo, la institución fue concebida por el empresario Phillip Ihenacho como un nuevo e importante centro cultural en la ciudad, asociada desde hace tiempo con los Bronces de Benín, saqueados por las tropas británicas en el siglo XIX.
Aunque el MOWAA se concibió en un principio como un futuro hogar para los bronces repatriados, una declaración presidencial de 2023 transfirió la propiedad de las piezas a Ewuare II, el Oba de Benín, quien planea exhibirlas en su propio museo. La tensión se intensificó cuando el gobierno del estado de Edo revocó el terreno donde se construyó el MOWAA y los manifestantes entraron en el lugar. Según un comunicado del museo, las protestas parecían derivar de «disputas entre las administraciones estatales anterior y actual». Ante la ausencia de los bronces, el museo se posiciona como un centro de arte histórico y contemporáneo de África Occidental.
La primera exposición, prevista para noviembre, fue Nigeria Imaginary: Homecoming, una versión ampliada del pabellón de Nigeria de la Bienal de Venecia de 2024, que explora las ideas cambiantes sobre la nacionalidad a través de la pintura, la escultura, la instalación, el cine y el texto. Al momento de escribir este artículo, no se ha confirmado una nueva fecha de apertura.
Serpentine ha anunciado que LANZA atelier diseñará el Serpentine Pavilion 2026, marcando la 25ª edición de la comisión anual. Fundado por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo, el estudio con sede en Ciudad de México fue seleccionado para realizar el Pabellón titulado a serpentine, que abrirá al público en Serpentine South el 6 de junio de 2026. Como parte del programa del aniversario, Serpentine colaborará con la Fundación Zaha Hadid, reconociendo el papel de Hadid como arquitecta del Pabellón inaugural en el año 2000 y reafirmando el legado del Pabellón como una plataforma para la experimentación arquitectónica.
Fundado en 2015, LANZA atelier opera en la intersección de la arquitectura, la artesanía y la experimentación espacial. El trabajo del estudio está arraigado en condiciones cotidianas y prácticas informales, con un enfoque en la inteligencia material, métodos de construcción y experiencia colectiva. Trabajando en proyectos de escala residencial, pública y de mobiliario, la práctica emplea procesos prácticos como el dibujo y la creación de maquetas como herramientas de diseño activas.
La propuesta de LANZA atelier se centra en la figura arquitectónica del muro serpenteante u ondulado, inspirándose en las tradiciones de jardines ingleses y técnicas de construcción históricas. El diseño hace referencia a la pared ondulada, una estructura de un ladrillo de ancho estabilizada a través de curvas alternas, desarrollada originalmente para la eficiencia material y la resistencia lateral. Esta geometría también evoca sutilmente el cercano Lago Serpentine, estableciendo un diálogo conceptual y espacial con el sitio. El Pabellón está organizado a través de una serie de paredes de ladrillo suavemente curvadas que moldean el movimiento y el ritmo, revelando y encerrando el espacio de manera alterna, mientras enmarcan momentos de proximidad, pausa y orientación dentro del entorno del jardín.
Se ha seleccionado el ladrillo como el material principal del Pabellón, estableciendo continuidad con la fachada histórica de ladrillo de la Galería Serpentine South y reforzando la relación del Pabellón con su contexto. La estructura se compone de una repetición rítmica de columnas de ladrillo que pasan de opacas a permeables, permitiendo el paso de la luz y el aire. Un techo translúcido reposa ligeramente sobre estas columnas, evocando la calidad espacial de un grupo de árboles. Posicionado en el lado norte del sitio, el Pabellón responde al paisaje circundante, interactuando con el dosel de árboles existente y suavizando la frontera entre el cierre y la apertura.
“…Situado dentro de un jardín, una evocación del mundo natural, el proyecto toma la forma de una pared serpenteante, concebida como un dispositivo que tanto revela como retiene: modelando movimiento, modulando ritmo y enmarcando umbrales de proximidad, orientación y pausa. Inspirados por la figura de la serpiente como una fuerza generativa y protectora, trazamos un paralelo con las onduladas paredes de frutas de Inglaterra, que son estructuras que moderan el clima, crean refugio y permiten el crecimiento. De esta idea surge un pabellón construido de ladrillo de arcilla simple, destacando la artesanía vernácula y la capacidad elemental de la arquitectura para reunir a las personas. El Pabellón 2026 propone formas construidas que son permeables, moldeadas y sostenidas por una geometría suave, y continuamente receptivas a quienes se mueven a través de él”. – LANZA atelier
La selección del Pabellón fue realizada por un comité que incluye a Bettina Korek, Hans Ulrich Obrist, Julie Burnell, Chris Bayley, Tamsin Hong y Liz Stumpf, con Sou Fujimoto como asesor. Para acompañar el Pabellón, Serpentine publicará la primera monografía de LANZA atelier, diseñada por Estudio Herrera. La publicación incluirá nuevas contribuciones de arquitectura, arte y poesía, junto con una conversación extendida entre los arquitectos y Hans Ulrich Obrist, y un ensayo de José Esparza Chong Cuy.
LANZA atelier ha sido previamente reconocido con premios, incluyendo el Premio Emerging Voices de la Architectural League de Nueva York en 2023 y el Premio a Jóvenes Arquitectos en 2017. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, incluyendo en SFMOMA, la Bienal de Arquitectura de São Paulo, la Trienal de Lisboa, y la Bienal de Arquitectura de América Latina. Los proyectos futuros incluyen una exposición individual de diseños de muebles en Ciudad de México y el diseño del Pabellón de la República de Kosovo en la 61ª Bienal de Arte de Venecia curada por José Esparza Chong Cuy.
Tras otro esfuerzo logrado en medio de la escasez de recursos, la Fundación Arquitectura y Ciudad se complace en anunciar que en el portal de Ediciones FAU UCV se han montado las colecciones completas de otras dos revistas venezolanas: Croquis y SVA.
La primera, de carácter comercial, impulsada desde Mérida por el arquitecto José Martín Fernández, recoge en sus 12 números parte del acontecer de la primera mitad de la década de los 80 del siglo XX (1981-1984).
La segunda, concebida como órgano de divulgación de la Sociedad Venezolana de Arquitectos, cubrió con sorprendente continuidad a través de sus 20 números el período transcurrido entre 1959 y 1965, para luego dar paso a partir de diciembre de 1966 a la aparición de la revista CAV (de muy desigual comportamiento), producto de la creación ese mismo año del Colegio de Arquitectos de Venezuela.
Croquis y SVA se suman así a A, hombre y expresión, el Boletín del CIHE, ESPACIO, Espacio y forma, Integral, Punto, Taller, Tecnología y Construcción y Urbana como parte del grupo de publicaciones periódicas que pueden ser descargadas libremente desde www.edicionesfau.com, para uso y consulta de investigadores, profesionales y todo público.
El Museo Nacional Zayed, museo nacional de los Emiratos Árabes Unidos y un pilar fundamental del Distrito Cultural Saadiyat de Abu Dabi, ha abierto sus puertas al público el 3 de diciembre. El proyecto fue adjudicado a Foster + Partners tras un concurso de diseño en 2007, y la construcción comenzó al año siguiente. Su inauguración marca un momento significativo en el desarrollo cultural de los EAU, coincidiendo con la apertura de teamLab Phenomena Abu Dabi y del Museo de Historia Natural de Abu Dabi, así como la reapertura del Museo Al Ain, ampliando así el panorama institucional de la región.
Arquitectónicamente, el museo se define por cinco torres de acero inspiradas en las alas de un halcón, que funcionan como chimeneas térmicas que impulsan el aire fresco hacia el interior. Cada torre varía en altura y perfil, alcanzando hasta 123 metros, y está ubicada para minimizar las sombras, permitiendo al mismo tiempo la entrada de luz natural. Las torres forman una silueta distintiva en la isla de Saadiyat y buscan apoyar una estrategia ambiental pasiva adaptada al clima de la región.
El edificio en sí mismo es una expresión de sostenibilidad, con cinco alas aerodinámicas que forman parte integral del sistema ambiental, actuando como chimeneas térmicas y transportando aire fresco a través de los espacios públicos. También simbolizan la pasión del jeque Zayed por la cetrería, un deporte tradicional, y se han convertido en hitos en el horizonte de la ciudad. – Norman Foster, Fundador y Presidente Ejecutivo de Foster + Partners
Las seis galerías permanentes del museo incluyen cuatro volúmenes suspendidos en forma de cápsula sobre el atrio central. Cada uno proporciona condiciones controladas para objetos sensibles e iluminado mediante un acristalamiento triple laminado que modera la luz natural con una densa malla intercalada. Los tragaluces electrocrómicos ajustan aún más la transparencia en respuesta a los niveles de luz exterior. Cada módulo explora un tema distinto, conectado por espacios nodales que ofrecen una interpretación contextual, mientras que una escalera de caracol y ascensores facilitan la circulación. En la planta baja, galerías adicionales, un espacio para exposiciones temporales y comedores amplían el programa. En el exterior, el Jardín Al Masar conecta el museo con la costa, creando recorridos sombreados, espacios comunes y un mirador con vistas panorámicas de la isla de Saadiyat.
Para celebrar su inauguración, el museo activa sus espacios interiores y exteriores con un programa de un mes titulado «Raíces Profundas y Legado Eterno». Las instalaciones, talleres y visitas guiadas destacan cómo las galerías, patios y zonas ajardinadas del edificio están diseñados para albergar diversas actividades culturales y la participación del público. Estos eventos subrayan el papel del museo como espacio cívico dentro del Distrito Cultural de Saadiyat, reforzando su contribución arquitectónica a un creciente grupo de instituciones que incluye el Louvre Abu Dhabi y varios museos de próxima construcción.
Ficha
Arquitectos: Foster + Partners
Área: 88870 m²
Año: 2025
Fotografías: Nigel Young
Proveedores: Goppion
Descripción enviada por el equipo del proyecto.
Ubicado en el corazón del Distrito Cultural Saadiyat en Abu Dhabi, el nuevo museo nacional de los Emiratos Árabes Unidos (EAU) traza la historia de los Emiratos, desde las primeras evidencias de la ocupación humana hasta las civilizaciones que moldearon su cultura e identidad, arraigadas en los valores del Padre Fundador de los EAU, el difunto Jeque Zayed bin Sultan Al Nahyan. La forma del edificio aborda el reto de mantener la vida en un entorno desértico y las fuertes tradiciones culturales de los EAU.
Las cinco alas de acero ligero del museo forman parte del sistema de ventilación natural. Los respiraderos se abren en la parte superior de las torres, aprovechando la presión negativa en el lado de sotavento del perfil para extraer el aire caliente del atrio, gracias al efecto térmico de la acumulación de calor en las puntas de las alas. El aire, enfriado naturalmente a través de tuberías enterradas a gran profundidad bajo el suelo del desierto, fluye hacia el atrio a través de un sistema de ventilación de bajo nivel. Las alas están acristaladas para canalizar la luz natural hacia las galerías inferiores, y cada una se puede regular individualmente.
Los espacios del museo se ubican dentro de un montículo, con paneles texturizados y facetados que representan una abstracción de la topografía de los EAU. El montículo aísla los espacios interiores de la radiación solar, formando un escudo protector que impide la entrada de calor al edificio. Al entrar en el museo, los visitantes acceden al luminoso atrio, o Al Liwan, que sirve como espacio de encuentro y orientación, y alberga representaciones de danza tradicional y poesía.
De las seis galerías permanentes, cuatro galerías en forma de cápsula están suspendidas sobre Al Liwan y ofrecen entornos controlados para proteger los delicados objetos expuestos. El triple acristalamiento laminado de las torres modera la cantidad de luz natural que entra en el vestíbulo y las galerías. El acristalamiento incluye una densa malla intercalada, y cada cápsula cuenta con una claraboya de vidrio electrocrómico que cambia su transparencia en función de la luz exterior.
«El Museo Nacional Zayed narra la historia de la creación de los Emiratos por parte del jeque Zayed y las múltiples facetas de su legado, incluyendo su visión de reverdecer el desierto. El edificio en sí mismo es una expresión de sostenibilidad, con cinco alas aerodinámicas que forman parte integral del sistema ambiental, actuando como chimeneas térmicas y transportando aire fresco a través de los espacios públicos. También simbolizan la pasión del jeque Zayed por el deporte tradicional de la cetrería y se han convertido en hitos en el horizonte de la ciudad.»
Norman Foster, fundador y presidente ejecutivo de Foster + Partners
Cada una de las galerías en forma de cápsula está diseñada para reflejar un tema específico, mientras que los espacios nodales que las conectan proporcionan información contextual que las conecta. Los visitantes pueden elegir su propio recorrido por las diferentes galerías y acceder a la planta superior mediante una escultural escalera de caracol o ascensores. En la planta baja, también hay dos galerías permanentes más cerca de las entradas del museo, así como una sala de exposiciones temporales, un restaurante de alta cocina y una cafetería.
En el exterior del museo, el amor del jeque Zayed por la naturaleza se refleja en el Jardín Al Masar, que conecta el edificio con la costa. Integrando paisaje y patrimonio, el jardín se concibe como un nuevo activo comunitario, con espacios para socializar, jugar y reflexionar. Los visitantes también pueden recorrer un sendero sombreado desde la planta baja hasta un mirador en la cima del montículo, en la base de las torres de acero, que ofrece vistas panorámicas de los alrededores.
Los materiales se han seleccionado cuidadosamente para armonizar con el entorno local y reflejar los edificios históricos de los siete Emiratos, que reflejan el color cambiante de la arena en diferentes lugares. Siguiendo esta tradición, tanto el exterior como el interior del museo reflejan el distintivo tono blanco cálido de la arena de la isla Saadiyat. El proyecto se ha llevado a cabo en estrecha colaboración con el Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi.
«El Museo Nacional Zayed ofrece un hogar permanente a la historia de nuestra nación. Nuestro museo nacional sirve para preservar y compartir nuestro pasado, conectando generaciones. Es donde nuestros hijos y nietos descubrirán los valores que forjaron este país: unidad, humildad, apertura y respeto por el patrimonio. Estos son principios que siguen guiándonos, y cuando visitantes de todo el mundo recorran estas galerías, comprenderán mejor los Emiratos Árabes Unidos: pasado, presente y futuro.»
Su Excelencia Mohamed Khalifa Al Mubarak | Presidente del Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi
«Este proyecto nos ha permitido materializar, a gran escala, muchos de los temas relacionados con la arquitectura y el diseño sostenible que han sido fundamentales para el trabajo del estudio durante décadas. Ha sido un placer colaborar con actores tan visionarios, cuyo amplio conocimiento de la región ha sido la base de nuestro trabajo.»
Gerard Evenden | Director del Estudio, Foster + Partners
El Premio Internacional de Arquitectura del Paisaje Cornelia Hahn Oberlander, de carácter bienal, se creó para fomentar la visibilidad, la comprensión, la apreciación y el diálogo en torno a la arquitectura del paisaje. El Premio Oberlander se creó en 2014, y el galardonado más reciente fue el arquitecto paisajista Kongjian Yu, pionero del concepto de «Ciudad Esponja». Este año, la Fundación del Paisaje Cultural (TCLF) anunció que el arquitecto paisajista Mario Schjetnan, con sede en la Ciudad de México, y su firma Grupo de Diseño Urbano (GDU) son los ganadores del Premio Oberlander 2025. Según la TCLF, Schjetnan pertenece a una generación de arquitectos paisajistas, arquitectos y urbanistas que se dieron cuenta de los impactos ambientales del desarrollo urbano y sus consecuencias para la vida, el planeta y sus habitantes. Él y el equipo del GDU son los primeros latinoamericanos en recibir el Premio Oberlander.
Festival de Jardines Cornerstone, Sonoma, California.Festival de Jardines Cornerstone, Sonoma, California.
Mario Schjetnan, fundador del Grupo de Diseño Urbano (GDU), se graduó de arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM, 1968) y obtuvo una maestría en Arquitectura del Paisaje en la Universidad de California, Berkeley (1970). En 1977, fundó GDU junto con el arquitecto José Luis Pérez, y se unieron a sus respectivas esposas, Irma Schjetnan y Letty Pérez. Desde entonces, el despacho ha trabajado extensamente en México, Latinoamérica, Oriente Medio, China y Estados Unidos, desarrollando proyectos de arquitectura del paisaje, urbanismo y arquitectura. Casi la mitad de su trabajo se centra en parques, junto con desarrollos residenciales, sitios postindustriales, museos y otros proyectos.
Jardín Natural del Parque Bicentenario, Ciudad de México, México.
Reconocido por impulsar el diseño urbano basado en la conciencia ambiental, la memoria cultural y la calidad de vida, Schjetnan ha promovido una nueva relación ética y estética con el medio ambiente. Al definir la filosofía de GDU, enfatizó que «el paisaje es en realidad una cuestión de cultura» y que cada proyecto es «específico del sitio». Para él, «si se quiere desarrollar un sitio o una nueva área, hay que empezar con un parque». Al reflexionar sobre su trayectoria, afirma que su objetivo principal es «mejorar la habitabilidad en las zonas más pobres de México y Latinoamérica para lograr justicia social y equidad urbana, así como en las zonas más ricas». Sostiene que existe un «derecho humano al espacio abierto».
Parque Union Point, Oakland, California.
La obra de Mario Schjetnan se nutre de una amplia gama de influencias, incluyendo a los arquitectos modernistas mexicanos Luis Barragán, Max Cetto y Mario Pani; los arquitectos paisajistas Roberto Burle Marx y Lawrence Halprin; y artistas y escritores como Diego Rivera, José Clemente Orozco, Juan O’Gorman, Carlos Fuentes y Octavio Paz. Con raíces en la herencia prehispánica de México, sus diseños integran valores culturales y ecológicos. Antes de fundar GDU, Schjetnan se desempeñó como el primer jefe de diseño urbano y de vivienda en el INFONAVIT (1972-1977), donde supervisó proyectos en 110 ciudades de todo México, produciendo aproximadamente 100,000 viviendas, incluyendo 5,000 en la Ciudad de México. El portafolio de su firma incluye obras emblemáticas como el Parque Chapultepec, el Parque Ecológico Xochimilco y el Parque Ecoarqueológico Copalita, además de grandes parques urbanos creados en sitios industriales recuperados, como el Parque La Mexicana y el Parque Bicentenario en la Ciudad de México.
Parque Ecológico Xochimilco, Ciudad de México, México, 2025.Parque Ecológico Xochimilco, Ciudad de México, México, 2025.
Schjetnan y el Grupo de Diseño Urbano fueron seleccionados entre más de 300 nominaciones en todo el mundo por un jurado internacional de siete miembros, compuesto por destacados arquitectos paisajistas, urbanistas, arquitectos y académicos. El Premio Internacional de Arquitectura del Paisaje Cornelia Hahn Oberlander reconoce a profesionales con un talento excepcional, creatividad, valentía y visión, con una importante obra arquitectónica que ejemplifica el arte de la arquitectura del paisaje. Charles A. Birnbaum, presidente de la Fundación del Paisaje Cultural, destacó el firme compromiso de Schjetnan con el derecho humano al espacio abierto y su integración de los valores culturales en el diseño como requisitos fundamentales para la creación de un entorno construido equitativo para todos. El Premio Oberlander, de carácter bienal, incluye un premio de 100.000 dólares y dos años de actividades de participación pública centradas en la obra del galardonado y en el campo más amplio de la arquitectura del paisaje.
Bosque y Parque de Chapultepec, Ciudad de México, México.
En una época de rápido desarrollo de las megaciudades y homogeneización cultural, el Grupo de Diseño Urbano (GDU), fundado y dirigido por Mario Schjetnan, es una voz sólida en defensa del compromiso social y la justicia ambiental, en sintonía con el arte de la arquitectura paisajística. Su trabajo conecta lo ético con lo estético, abogando por el acceso a la naturaleza en la ciudad como un derecho humano fundamental. La obra construida de GDU genera un impacto tangible y un modelo para la creación de paisajes públicos como infraestructura esencial en un mundo en rápida urbanización, donde habita más de la mitad de la población mundial. — Mención del Jurado del Premio Oberlander
Parque La Mexicana, Ciudad de México, México, 2025.
El equipo actual de GDU incluye: Mario Schjetnan (Socio Fundador y Director), Ana Schjetnan (Socia), Manuel Peniche (Asociado Senior), Marco A. González (Asociado Senior), Carlos Rascón (Asociado), José Luis Gómez Hidalgo, Héctor González, María de Jesús Tapia, Jimena Camacho, Estefanía Reyes, Brenda Arellano, Fernanda García, Carmen Rodríguez, Ana Campos, Andrea Ramírez, Fernanda Gómez, Ulises Victores, David Aizenman, Rubén Gómez, Gustavo Rojas (Asociado Externo), Rodrigo Hernández (Asociado Externo), Daniel Ramírez (Asociado Externo), Fabián Tron (Asociado Externo) e Ingrid Schjetnan (Asociada Externa).
Mario Schjetnan (extremo derecho) y personal del Grupo de Diseño Urbano, Ciudad de México, México, 2025.
Otros reconocimientos internacionales recientes en arquitectura y diseño reflejan un énfasis creciente en el compromiso social y la reflexión cultural. Los Premios Créateurs Design Awards (CDA) anunciaron a Xu Tiantian, fundador y arquitecto principal de DnA_Design and Architecture, como el ganador de la edición 2026 de Le Prix Charlotte Perriand, que honra a los arquitectos cuyo trabajo encarna la innovación, la responsabilidad social y un profundo compromiso con la comunidad y el lugar. La artista holandesa Madelon Vriesendorp, cofundadora de la Oficina de Arquitectura Metropolitana (OMA), fue nombrada ganadora de la Medalla Soane 2025, convirtiéndose en la primera artista femenina con sede en el Reino Unido en recibir el premio desde su lanzamiento en 2017. Mientras tanto, la Trienal de Arquitectura de Lisboa seleccionó a la firma india ReSa Architects como ganadora de la quinta edición del Premio Début, honrando su enfoque colectivo y socialmente orientado a la práctica espacial, que ve la arquitectura como un proceso de reescritura de las relaciones sociales y corporales.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 