Urban Forms es una exposición en la que la Colección Juan Carlos Maldonado (JCMC) busca identificar algunos de los vínculos formales, técnicos y teóricos que integran la selección fotográfica recientemente adquirida con la ya extensa obra de abstracción geométrica universal que la conforma y caracteriza.
La exposición comprende una serie de imágenes de Paolo Gasparini, fotógrafo italo-venezolano, quien documenta algunos de los esfuerzos modernos en el campo de la arquitectura, especialmente en Brasil y Venezuela. Nos brinda la oportunidad de percibir y estudiar los numerosos puntos de contacto que existen entre las experiencias arquitectónicas y las prácticas pictóricas a lo largo del siglo XX, particularmente a mediados del siglo XX, así como dentro del campo de la abstracción. Esto se debe a que la evidente cercanía formal que observamos entre estas obras no se debe a meras coincidencias, sino a las innegables huellas de búsquedas compartidas que los artistas visuales y arquitectos modernos del continente experimentaron durante ese período, al igual que sus homólogos europeos que los precedieron e influyeron, desde la Bauhaus alemana y el neoplasticismo holandés hasta la vanguardia soviética.
La exposición, en cierto modo, nos permite ver cómo las exploraciones realizadas por ambos grupos desde finales del siglo XIX hasta principios del XX finalmente convergieron en una serie de objetivos comunes. Entre ellos, las necesidades de dinamizar la superficie pictórica tanto de las obras abstracto-geométricas como de los muros desnudos de los edificios modernos; controlar y emplear adecuadamente la luz y el color; insuflar vida, de alguna manera, a los materiales y sus texturas, para que la ciudad fuera más que un simple entramado de estructuras funcionales carentes de cualquier dimensión estética; y, en definitiva, hacer de la ciudad un espacio habitable práctico y agradable para sus cada vez más numerosos habitantes.
Así pues, Formas Urbanas constituye una invitación del JCMC a reconsiderar un proceso largo y complejo, en el que artistas visuales y arquitectos, a veces en paralelo y a veces en estrecha colaboración, trabajaron para visualizar las formas de la ciudad moderna.
En el marco de la exposición, el próximo viernes 20 de marzo se tiene prevista la realización a partir de las 6:30 p.m. de una velada que incluye una charla sobre arte y arquitectura (en español) con el curador Ariel Jiménez y el arquitecto Henry Rueda, seguida de un concierto del Octoplus Ensemble con un programa inspirado en el diálogo entre la arquitectura moderna y las obras abstractas geométricas de la muestra.
Smiljan Radić Clarke ha ganado el Premio Pritzker de Arquitectura 2026. Este prestigioso galardón, considerado uno de los más altos honores de la comunidad arquitectónica mundial, convierte al célebre arquitecto chileno en el 55º galardonado con el Pritzker, tras arquitectos como Liu Jiakun (Premio Pritzker 2025), Riken Yamamoto (2024) y David Chipperfield (2023).
Vik Millahue Winery. Millahue, Chile (2014).
Cuando le presentamos en 2014, con motivo de la inauguración del Pabellón Serpentine, nos comentó que considera su obra fluida y consciente: «No soy un creador de nuevas formas», afirmó. Es una cualidad que el Premio Pritzker 2026 también destaca, subrayando la capacidad del arquitecto para la flexibilidad y la experimentación. Aprovechando el poder de la experiencia humana, su propia capacidad de empatía y una «inteligencia emocional discreta», como bien lo define el equipo del Pritzker, sus diseños responden al lugar, el entorno y las necesidades.
Serpentine Gallery Pavilion, Londres, Reino Unido (2014)
Su obra es, como era de esperar, igualmente variada, abarcando el Restaurante Mestizo (Santiago, Chile, 2006), la Casa Pite (Papudo, Chile, 2005) y Chile Antes de Chile, la extensión del Museo Chileno de Arte Precolombino (Santiago, Chile, 2013). También ha creado la bodega para los retiros VK en Millahue, Chile (2014) y su propio estudio en casa, Pequeño Edificio Burgués (Santiago, Chile, 2023).
Chile Antes de Chile. Ampliación y remodelación del Museo Chileno de Arte Precolombino (2013).
«La arquitectura se sitúa entre formas grandes, masivas y perdurables —estructuras que se yerguen bajo el sol durante siglos, esperando nuestra visita— y construcciones más pequeñas y frágiles, fugaces como la vida de una mosca, a menudo sin un destino claro bajo la luz convencional. En esta tensión de tiempos dispares, nos esforzamos por crear experiencias con una presencia emocional que animen a las personas a detenerse y reconsiderar un mundo que a menudo las pasa por alto con indiferencia», declaró Radić en el comunicado de prensa del Pritzker.
Casa para el Poema del Ángulo Recto (2011-2012)
El jurado del Premio Pritzker 2026 declaró en su acta: «A través de una obra situada en la encrucijada de la incertidumbre, la experimentación material y la memoria cultural, Smiljan Radić prioriza la fragilidad sobre cualquier pretensión injustificada de certeza. Sus edificios parecen temporales, inestables o deliberadamente inacabados —casi a punto de desaparecer—, pero ofrecen un refugio estructurado, optimista y discretamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida».
El Premio Pritzker de Arquitectura se otorga en reconocimiento a un talento excepcional, visión y compromiso que, a lo largo del tiempo, han dado lugar a contribuciones profundas y perdurables a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura. El cuerpo de trabajo de Smiljan Radić encarna estos valores en su forma más radical y esencial.
Teatro Regional del Bío Bío. Concepción, Chile (2018)
Expresar las cualidades de su trabajo arquitectónico en lenguaje hablado es intrínsecamente difícil, ya que en sus diseños trabaja con dimensiones de experiencia que son inmediatamente palpables, pero escapan a la verbalización—como la percepción del tiempo mismo: inmediatamente reconocible, pero conceptualmente evasiva.
Sus edificios no son concebidos simplemente como artefactos visuales; más bien, exigen una presencia encarnada. Una primera paradoja fundamental de la arquitectura de Smiljan Radić es que establece un punto de entrada personal, casi introspectivo, sin llegar a derivar en aislamiento. Por el contrario, lo que comienza como un encuentro individual se expande hacia una resonancia colectiva más amplia. Esta es, quizás, la naturaleza del verdadero arte: se dirige a cada uno de nosotros como seres singulares, uno a uno, y, sin embargo, nos impulsa hacia un origen compartido—un lugar atávico más allá de la raza, el género o la cultura. Tal capacidad adquiere una relevancia particular en tiempos de polarización y deshumanización, y puede constituir el verdadero valor de un arquitecto cuyo trabajo puede describirse, sin dudar, como profundamente original: el arte de la arquitectura practicado como un intento sostenido de reconectar a todos los individuos con un origen más profundo. Es importante que esto no se confunda con nostalgia o revivalismo histórico. Su despojo de la superficie está fundamentado en la experimentación radical y un interrogatorio incesante de la convención, el precedente y el camino trillado. Aquí radica otra paradoja: su enfoque no ortodoxo del diseño puede parecer inicialmente inusual, inesperado—incluso rebelde—sin embargo, lejos de producir alienación o distanciamiento, su postura anticatólica se siente fresca y sin precedentes. Transmite la sensación inconfundible de encontrarse con algo nuevo.
Restaurante Mestizo. Santiago, Chile (2006).
A través de conexiones no obvias y patrones de circulación, los edificios de Radić ofrecen una multiplicidad de escenarios para que los usuarios actúen, interactúen e incluso cambien las narrativas que se desarrollan dentro de ellos. La composición magistral de volúmenes y la calibración precisa de escalas otorgan un sentido de monumentalidad a la vida cotidiana, ya sea experimentada a nivel individual o público. En la arquitectura de Radić, la presencia monumental se reconfigura a través de la fragilidad, la ligereza y la aparente inestabilidad, lograda no solo a través de la escala, sino a través de la atmósfera, la tensión material y la intensidad espacial. Esto permite que las acciones cotidianas—caminar, esperar, reunirse—adquieran significado sin ser subordinadas a una gran narrativa ideológica. A través de su enfoque profundamente democrático, lo monumental se devuelve así a la experiencia común en lugar de reservárselo a momentos excepcionales.
A través de un cuerpo de trabajo situado en la intersección de un lenguaje iconoclasta, la exploración material y la memoria cultural, Smiljan Radić favorece la fragilidad sobre cualquier reclamación infundada de certeza. Sus edificios pueden parecer temporales, inestables o deliberadamente inacabados—casi a punto de desaparecer—sin embargo, proporcionan un refugio estructurado, optimista y silenciosamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida.
Casa Carbonero. Melipilla, Chile (1998).
No están firmemente anclados al suelo; más bien, están delicadamente colocados sobre él, a menudo flotando ligeramente por encima de la superficie y solo ocasionalmente haciendo contacto. Se evita cuidadosamente cualquier alteración duradera del sitio, como si pudieran ser retirados en cualquier momento y el suelo restaurado a su estado original. Inspirándose en el poderoso y a la vez sísmico contexto ambiental chileno y cambiando de la lógica—frecuentemente implícita en la construcción—de dominación y propiedad hacia la coexistencia, Radić presenta la arquitectura como un huésped en lugar de un maestro del sitio, reconociendo la primacía del paisaje y, por extensión, de la memoria colectiva y el territorio compartido sobre la autoría individual.
Este sentido de impermanencia arquitectónica se expresa frecuentemente a través de la elección de materiales. Si bien varían de un proyecto a otro, estos siempre son cuidadosamente considerados, contextualmente responsivos e informados por la disponibilidad local.
Parada de Autobús. Krumbach, Austria (2013).
Reforzando la ética democrática de su trabajo, Radić emplea materiales—ya sean industriales o naturales, refinados o tradicionalmente considerados marginales—de formas que no son nostálgicas ni meramente pragmáticas. En cambio, desestabilizan jerarquías establecidas de valor: lo alto y lo bajo, lo refinado y lo crudo, lo permanente y lo provisional coexisten sin una clara distinción. Esta equivalencia material refleja la apertura social de sus espacios, en los que ningún usuario es privilegiado sobre otro. La carpa de circo que corona el techo de NAVE en Santiago, la membrana blanca que envuelve el Teatro Regional del Bío-Bío en Concepción—brillando con una luz cálida y acogedora al atardecer—y el monumental pabellón inflable Guatero diseñado para la Bienal de Arquitectura de Santiago se convierten todos en escenarios estructuralmente sofisticados pero lúdicos, en los que texturas y colores inesperados interactúan con volúmenes de forma igualmente inesperada.
Distrito Cívico Boca Sur. Concepción, Chile. (2016).
Si la arquitectura da forma a las maneras en que las personas viven, el trabajo de Radić produce experiencias espaciales que se sienten a la vez sorprendentes y completamente naturales. Son sorprendentes en su flexible capacidad para combinar, cuestionar y desmantelar tipologías establecidas; naturales en la forma en que emergen tanto de su historia personal como de la de aquellos que habitarán en última instancia sus edificios. Si bien son completamente responsivas a su función, cada proyecto contiene un elemento de inesperado: experimentar los edificios de Smiljan Radić es provocar y mantener la curiosidad. Lleva estrategias espaciales coherentes hasta sus límites, desarrollándolas con rigor para involucrar activamente al usuario: no se requiere un conocimiento especializado para «entender» el espacio, porque la comprensión nunca es completa. Su trabajo desafía las limitaciones de un solo concepto: los espacios que crea son a menudo ambiguos, a veces incluso inquietantes, nunca predefinidos. Resisten la comprensión completa a través de un solo punto de vista, y es precisamente esta resistencia la que restaura profundidad y complejidad a la arquitectura. Gigantescas rocas erguidas—como en el Restaurante Mestizo en Santiago, edificios que parecen apenas tocar el suelo—como la Casa Pite en Papudo, y el frecuente rechazo de los ejes de coordenadas cartesianas convencionales—la Casa para el Poema del Ángulo Recto en Vilches—invitan a la interpretación, en lugar de al consumo.
Estructura Inflable para la XXII Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Chile. Santiago, Chile (2023).
Por recordarnos que la arquitectura es un arte, en el sentido de que toca el núcleo mismo de la condición humana; por permitir que la disciplina abrace la imperfección y la fragilidad, ofreciendo refugios silenciosos en un mundo moldeado por la incertidumbre, sin la necesidad de ser más ruidosa o espectacular para importar; por crear edificios cuya naturaleza híbrida refleja la contemporánea difuminación de las fronteras disciplinarias, y que no hablan en nombre de las personas, sino que permiten a las personas encontrar su propia voz a través de ellos, Smiljan Radić Clarke es nombrado el Laureado del Premio Pritzker 2026.
El jurado encargado de asignar el Premio Pritzker 2026 estuvo integrado por:
Alejandro Aravena (Presidente): Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2016 (Santiago, Chile).
Barry Bergdoll: Curador, autor y profesor de Historia del Arte en la Universidad de Columbia (Nueva York, EE. UU.).
Deborah Berke: Arquitecta y Decana de la Escuela de Arquitectura de Yale (Nueva York, EE. UU.).
Stephen Breyer: Juez retirado de la Corte Suprema de los Estados Unidos (Washington, DC, EE. UU.).
André Aranha Corrêa do Lago: Crítico de arquitectura y diplomático (Brasilia, Brasil).
Kazuyo Sejima: Arquitecta y ganadora del Premio Pritzker 2010 (Tokio, Japón).
Wang Shu: Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2012 (Hangzhou, China).
Manuela Lucá-Dazio (Directora Ejecutiva): Encargada de coordinar las deliberaciones del jurado.
Hoy 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer. Se trata de una fecha en la que cabe destacar el papel cada vez más relevante de las arquitectas en la transformación del espacio urbano y la superación de barreras en una profesión históricamente masculinizada. Se conmemora el liderazgo, sensibilidad y diseño con enfoque de género, representado por pioneras y nuevas profesionales que construyen un futuro más inclusivo.
Con las imágenes de Elizabeth Wilbraham (1632-1705), primera arquitecta en ejercicio que ha sido documentada; Julia Morgan (1872-1957), primera mujer en titularse en la Escuela de Bellas Artes de París (1902), diseñadora de más de 700 edificios; Carmen Méndez Arocha, considerada la primera mujer en graduarse de arquitecto en Venezuela (UCV,1951); y Zaha Hadid (1950-2016), primera mujer en ganar el Premio Pritzker (2004), les enviamos desde esta página a todas las arquitectas del país las más sinceras felicitaciones.
Ante el anuncio hecho por el gobierno interino de convertir El Helicoide, sede del Servicio Bolivariano de Inteligencia (Sebin) y sitio de reclusión de presos políticos sometidos a diferentes abusos durante 25 años, en un centro social, cultural y deportivo, un grupo de profesores y exautoridades de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (FAU) de la Universidad Central de Venezuela (UCV), ha tomado la iniciativa de elaborar un documento donde se solicita preservar el edificio como testimonio ignominioso de los atropellos que en él se perpetraron y que no deberían volverse a repetir.
Por su relevancia, a continuación, transcribimos íntegramente el texto que, además, ha sido respaldado por el Consejo de la FAU y por el Consejo Universitario de la UCV.
PRESERVAR EL HELICOIDE
Robben Island, el siniestro recinto carcelario donde Nelson Mandela y muchos otros luchadores sudafricanos contra el apartheid pagaron largas penas y sufrieron toda clase de torturas y maltratos, fue declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO en 1999, ordenando en consecuencia su preservación integral. Tal decisión se fundamentó en el hecho de que sus edificios, además de dar testimonio elocuente de su sombría historia, simbolizan el triunfo del espíritu humano, de la libertad y de la democracia sobre la opresión.
Entre nosotros el Helicoide de la Roca Tarpeya, celebrado mundialmente en la década de 1950 como obra arquitectónica de vanguardia, terminó, con el sedicente Socialismo del siglo XXI, convertido en tétrica prisión para disidentes políticos, testigo de los abusos más horrendos e incluso de muertes bajo custodia. Pero ahora, sorpresivamente, las autoridades de turno, que en más de un cuarto de siglo de dominio apenas han construido algún hospital y quizá ninguna escuela, ordenan su acelerada remodelación para transformarlo en “centro cultural y recreativo”.
Por supuesto, no hay que ser muy sagaz para entender que lo que está por detrás de tanto entusiasmo es, en realidad, la necesidad perentoria de borrar las huellas del delito: quienes controlan hoy las palancas del poder son exactamente los mismos que decidieron convertir en lugar de todos los horrores, de la aplicación de los métodos más viles para acallar las voces de la disidencia, al esqueleto del edificio que no llegó a ser.
En Argentina, la Escuela Superior de Mecánica de la Armada (ESMA), otro teatro del horror, quiso ser demolida en 1999 por orden del presidente Carlos Menem para crear “un monumento para la reconciliación y la unión nacional”, pero madres y familiares de las víctimas lo impidieron recurriendo a amparos judiciales; en 2004 fue declarada monumento nacional y en 2023, por las mismas razones que Robben Island, la UNESCO la incorporó al Patrimonio Mundial como Museo y Sitio de la Memoria.
Al igual que en Sudáfrica y Argentina, el Helicoide no es el único lugar donde el venezolano de estos oscuros años ha sido torturado y humillado hasta los extremos más inverosímiles, pero es, sin duda, el más emblemático. Preservarlo servirá no sólo para custodiar las pruebas de los graves delitos cometidos; como museo de la memoria servirá también de advertencia a las futuras generaciones sobre las consecuencias que comporta el abandono de los principios más básicos de la democracia. Por ello quienes suscribimos, exdecanos y profesores de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, exhortamos a las universidades y a las instituciones de la sociedad civil a movilizarse para impedir la manipulación de un testimonio histórico de alto valor, alertando a la vez a los colegas para que no se dejen involucrar en una operación que conspira contra las aspiraciones de reconciliación entre los venezolanos: ella debe basarse en la reconstrucción rigurosa de los hechos y la identificación de los responsables, jamás en un olvido que nunca será capaz de aplacar el comprensible resentimiento de las víctimas y sus allegados.
Arq. Guillermo Barrios, Decano 2008-2014
Arq. Azier Calvo, Decano 2002-2008
Arq. Alfredo Cilento, Decano 1984-1987
Arq. Américo Faillace, Decano 1975-1978
Arq. Gustavo Izaguirre, Decano 2014-2023
Arq. Marco Negrón, Decano 1990-1996
Arq. María Isabel Peña, Directora IU 2006-2014
Arq. Leopoldo Provenzali, profesor EACRV, Presidente IPC 1999
Arq. Álvaro Rodríguez Muir, Director EACRV 1987-1990
Arq. Henrique Vera, Director EACRV 1984-1987
En Caracas, a los 28 días del mes de febrero de 2026
Esta declaración fue sometida por el Decano a la consideración del Consejo de Facultad de la FAU UCV en su sesión del 3 de marzo de 2026, el cual, por unanimidad, acordó respaldarla. Posteriormente, el Rector la sometió a la consideración del Consejo Universitario en su sesión del 4 de marzo de 2026, el cual también acordó respaldarla con el voto negativo del Lic. Ciro León, representante del MPPES.
En el marco del 124 aniversario del natalicio de Luis Barragán, la ciudad de Guadalajara activa del 09 al 15 de marzo, una semana cultural dedicada a honrar el legado del primer latinoamericano en recibir el Premio Pritzker (1980), el máximo galardón de la arquitectura mundial, consolidando una obra que proyectó a México en la escena global.
Hablar de Luis Barragán es hablar de identidad, sensibilidad y trascendencia internacional. Nacido en 1902, su obra transformó la arquitectura moderna al integrar luz, color, silencio y espiritualidad como elementos esenciales del espacio.
La celebración que se ha titulado “Barragán: Legado Tapatío”, busca activar su memoria desde la arquitectura misma. Se trata de una propuesta que abarca una exhibición de diseño contemporáneo mexicano, recorridos guiados con contexto histórico y experiencias culturales que invitan a habitar la arquitectura desde la sensibilidad. La intención no es solo recordar, sino proyectar.
El epicentro de esta conmemoración será la Casa Arriola, mejor conocida como Casa Rosa, una joya arquitectónica de los años 50 situada en la colonia Chapalita, que tras décadas de transformación, renace como un espacio de encuentro para la creación contemporánea.
Desde el Colegio de Arquitectos de Venezuela, expresamos nuestra complacencia por el justo conferimiento del Premio Nacional de Cultura, Mención Arquitectura, edición 2026, otorgado por el Ministerio del Poder Popular de la Cultura al Dr. Francisco Pimentel Malaussena.
Cabe destacar que el Colegio de Arquitectos de Venezuela promovió la postulación del ilustre Dr. Pimentel, por sus reconocidos y valiosos aportes a la Arquitectura venezolana. Anexamos la comunicación de postulación presentada*, donde se resume su fructífera y sostenida obra ¡Felicidades, Maestro Pimentel! Gracias por sus enseñanzas, por su búsqueda incansable de la excelencia y procurar una mejor calidad de vida de todos con sus obras, ¡muchas gracias!
En Caracas, a los veintidós días del mes de febrero de 2026.
Desde estas páginas nos sumamos al regocijo que conlleva el merecido reconocimiento del Arq. Francisco Pimentel y le enviamos nuestras más sinceras felicitaciones.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 