Archivos diarios: 15 de marzo, 2026
VISITAS MEMORABLES
Jean Nouvel (Fumel, Francia, 1945)
Fue en julio de 1988 cuando Jean Nouvel, el arquitecto francés más afamado y de mayor proyección internacional desde Le Corbusier (que, sin embargo, como sabemos, era suizo de nacimiento), visitó Venezuela. Lo hizo en el marco de la celebración del Mes de la Arquitectura de aquel año, evento que desde 1985 venía organizando el Colegio de Arquitectos de Venezuela (CAV) con el aval de un grupo importante de instituciones y el apoyo de patrocinantes de peso.
Cabe recordar que aquel primer Mes de la Arquitectura, programado para dinamizar un gremio por lo general pasivo, estuvo repleto de charlas, coloquios y actividades de intercambio, contó con el arquitecto Richard Meier como invitado internacional y sirvió para relanzar a partir del nº48 la revista CAV a través de un nuevo formato y sustancioso contenido, todo ello teniendo como excusa la conmemoración el 4 de julio de los 40 años de la creación de la Sociedad Venezolana de Arquitectos (SVA) y 19 de la fundación del CAV. Presidía el ente gremial el arquitecto Ítalo Balbi Toro y tuvo a su cargo la coordinación general de aquellos 30 días celebratorios el arquitecto Alejandro Mendoza D’Ascoli.
Tras el exitoso Mes de la Arquitectura de 1985 el modelo fue replicado los años 1986, donde se contó con la presencia de Mario Botta y Franco Purini como invitados internacionales, y 1987 con Rogelio Salmona asumiendo ese rol teniendo a Fruto Vivas como contraparte nacional.
Así, en 1988, cuando Shully Rosenthal ya había tomado las riendas del CAV, decide mantener con vida el exitoso programa, ratificar a Mendoza como coordinador general e invitar para el capítulo correspondiente a julio de ese año a Jean Nouvel como la figura de mayor relevancia. 14 instituciones y hasta 8 embajadas le ofrecerían su respaldo y 9 empresas aportarían los recursos.
En el facsímil que recoge la amplia y variada programación del Mes de la Arquitectura 1988, la Junta Directiva y el Comité Organizador señalan con ambición que “El Mes de la Arquitectura es un evento cuyos principales objetivos son proyectar la importancia y trascendencia de la arquitectura, mostrando su evolución e influencia en el desarrollo del hombre, a través de la difusión, discusión y repercusión sobre la obra de aquellos que han logrado relevancia por la calidad e influencias de su trabajo, tanto a nivel local como internacional”.
Nouvel, en la que ha sido su única presencia entre nosotros, junto a la visita a universidades y organismos públicos, dictó una recordada conferencia en la Sala Plenaria de Parque Central el jueves 21 de julio de 1988 a las 6:00 pm. donde mostró su particular manera de entender la arquitectura y su incipiente pero significativa obra acumulada, con una edad muy cercana a los 43 años.
Con Nouvel como centro, se puede registrar en la publicación citada, la realización de otras cinco conferencias que serían dictadas por: el equipo interdisciplinario Main Street de EE UU, representado por Betsey Jackson y Richard Blerce (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas); el reconocido fotógrafo italiano Giovanni Chiaramonte (Auditorio de la Electricidad de Caracas); la importante crítica e historiadora alemana Annegret Burg (Auditorio de la Electricidad de Caracas); el arquitecto italiano Pietro Derossi, colaborador frecuente de la revista Lotus (Auditorio de la Electricidad de Caracas); y el director del centro colombiano Las Gaviotas, Paolo Lugari (Auditorio del Colegio de Ingenieros). A ello se deben sumar dos coloquios (uno dedicado a Berlín -MACC- y otro a Caracas -Ateneo de Caracas-); la proyección en el Ateneo de Caracas de cuatro películas (Metrópolis, Blade Runner, Brasil y París, Texas), que muestran la visión de sus directores sobre la relación arquitectura-ciudad; un ciclo de hasta ocho exposiciones en diversas salas de la ciudad; y un extenso e intenso ciclo audiovisual constituido por videos aportados por las embajadas de Estados Unidos (4), Francia (8), Japón (4), Australia (2) y España (1) además de 5 provenientes de otros países.
En cuanto a la primera etapa de la trayectoria de Nouvel previa a su venida a Caracas, se conoce que, influido por la formación de sus padres (ambos docentes de profesión), creció en un ambiente donde se priorizaba el rigor intelectual y la formación académica tradicional. Durante su infancia, la familia se trasladó de Fumel, en el suroeste de Francia (donde había nacido) a Sarlat, una ciudad de trazado medieval que Nouvel describe como un entorno saturado de arquitectura significativa. Es en este contexto donde germina su fascinación por el espacio, alimentada paradójicamente por sus frecuentes escapadas al cine local, una influencia que resultaría determinante en su comprensión posterior de la arquitectura como una secuencia de encuadres y atmósferas.
Aunque su inclinación natural lo orientaba hacia las artes plásticas, Nouvel aceptó estudiar arquitectura como un compromiso pragmático ante la reticencia de sus padres hacia una carrera puramente artística. Tras fallar el examen de ingreso en Burdeos, se trasladó a París en 1966, donde obtuvo el primer puesto en el prestigioso concurso nacional para ingresar en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de donde egresaría en 1972.
La formación de Nouvel en París coincidió con la efervescencia política y teórica que desembocaría en mayo de 1968. Entre 1967 y 1970, trabajó como asistente en el estudio de Claude Parent y Paul Virilio. Esta colaboración fue fundamental para su desarrollo intelectual. Claude Parent, proponente de la «función oblicua», y Paul Virilio, filósofo y urbanista centrado en la velocidad y la desaparición de la forma, proporcionaron a Nouvel las herramientas para cuestionar los dogmas del modernismo tardío. A los veintidós años, bajo la tutela de Parent, Nouvel ya asumía la dirección de proyectos complejos, como un conjunto habitacional de ochenta unidades, lo que le permitió adquirir una madurez técnica inusual antes de su graduación.
La década de 1970 marcó el inicio de la faceta de Nouvel como un intelectual público y militante. En un periodo de desilusión con las estructuras corporativas de la arquitectura en Francia, Nouvel se posicionó como un crítico feroz de las instituciones establecidas. En 1976, fue miembro fundador del movimiento «Mars 1976», cuyo manifiesto se oponía al corporativismo de los arquitectos y a la rigidez de la Carta de Atenas. Un año después, cofundó el Syndicat de l’Architecture (Sindicato de la Arquitectura), una organización nacida en abierta oposición al Colegio Nacional de Arquitectos oficial.
Este activismo no se limitaba a la teoría. Nouvel participó activamente en la organización del concurso para la remodelación de Les Halles en 1977, un esfuerzo por proponer soluciones urbanas que respetaran la memoria y la vitalidad del distrito frente a los planes tecnocráticos del gobierno. Asimismo, en 1980, fundó la Bienal de Arquitectura de París como una plataforma para el debate internacional sobre la disciplina.
Sus primeros proyectos construidos reflejan este espíritu de confrontación y búsqueda de una nueva materialidad. Obras como la Maison Dick en Saint-André-les-Vergers (1978-1978) y el Centro Médico-Quirúrgico Val-Notre-Dame en Bezons (1976-1980), donde explora la metáfora del «hotel» o el «transatlántico», utilizando muros cortina y detalles que evocaban una modernidad tecnológica eficiente, introdujeron un lenguaje que utilizaba componentes industriales y tecnologías contemporáneas para abordar programas tradicionales. Esta etapa inicial se caracteriza, en resumen, por una fascinación con el objeto arquitectónico como un ensamblaje de piezas legibles, influencia directa de su exposición temprana a las teorías de la industrialización.
Asiduo concursante desde muy joven, Nouvel participó, entre otros, en 1971 en el concurso para el Centro Georges Pompidou, Beaubourg, París, Francia; en 1978 en el de Inmeubles de Ville en Cergy-Pontoise, Francia; en 1982 en los convocados para el Parque de la Villette, para del edificio para el Ministerio de Economía y Finanzas y para el Campus Universitario de Jussieu, todos en París, Francia; en 1983 en el de la Tete Defense, Nanterre, Francia y en el de una Sala de Conciertos para 10.000 espectadores, Bagnolet, Francia y para la Exposición Universal de 1989-La Seine, París, Francia.
Esa insistencia le valió para que en 1981, tras participar en el certamen convocado para proyectar la sede del Instituto del Mundo Árabe (IMA), París, Nouvel resultase ganador siendo el edificio construido y finalizado en 1987. Considerado como un verdadero punto de inflexión dentro de su carrera, el IMA marcó la consagración internacional de Nouvel y definió muchos de los temas que explorarían sus obras posteriores: la luz, la geometría y el diálogo entre culturas.
Situado en la orilla del Sena, el edificio se compone de dos volúmenes principales: uno curvo que sigue la trayectoria del río y otro rectangular que se alinea con la trama urbana histórica. El acierto de Nouvel residió en evitar el pastiche orientalista, buscando en su lugar una síntesis tecnológica de los principios espaciales árabes.
De tal manera, a 16 años de haber egresado de la Escuela de Bellas Artes de París, coincidiendo prácticamente con su visita a Caracas, Nouvel comenzaba a recoger los frutos de su primera gran obra como arquitecto que lo catapultó al estrellato. Desde entonces lloverían los encargos y desarrollaría un enfoque que, a partir de la década de 1990, estaría marcado por una transición desde la complejidad mecánica hacia una exploración de la inmaterialidad y la percepción visual. Si el IMA era una máquina para capturar la luz, sus proyectos posteriores buscaron que la propia masa del edificio se desvaneciera en favor de los reflejos, la transparencia y la atmósfera.
De esta etapa son ejemplos emblemáticos: la Ópera Nacional de Lyon (1993, proyecto ganado por concurso en 1986) en el que insertó un inmenso volumen semicilíndrico de cristal sobre el edificio original del siglo XIX, y la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo (1994) un edificio de vidrio y acero donde las fachadas se extienden más allá de los límites del volumen habitable, punto culminante de una exploración que iba tras la búsqueda de ligereza, donde participan la desmaterialización y el juego de reflejos como temas complementarios. También en este período Nouvel ganará el concurso convocado para ampliar el Museo Reina Sofía en Madrid (1999) que terminaría inaugurándose en 2005.
En adelante, Nouvel consolidará una trayectoria profesional que se constituye en uno de los arcos más complejos y teóricamente densos de la arquitectura contemporánea. A diferencia de otros arquitectos de su generación que han consolidado un lenguaje formal repetitivo o una «marca» estética fácilmente identificable, Nouvel ha operado bajo la premisa de la «arquitectura de la singularidad», donde cada proyecto surge como una respuesta específica y única a las condiciones de lugar, tiempo y cultura. Esta actitud lo conducirá a otro punto de inflexión dentro de su trayectoria: la obtención del Premio Pritzker en 2008, veinte años después de su visita a Caracas.
Si uno quisiera resumir la obra de Nouvel en cifras de acuerdo con los dos hitos más importantes en su carrera, podría decirse que de los más de 250 proyectos que Nouvel acumula hasta la actualidad diseminados por el mundo, sólo 36 fueron realizados entre 1971 y 1987, momento en que finaliza la construcción del IMA. Entre 1988 y 2008 (cuando obtiene el Pritzker) son casi 140 los trabajos realizados, producto del impacto de aquél emblemático edificio, contabilizándose 85 entre 2008 y 2025.
Obras como el Museo del Quai Branly en París (2006) en la que llevó su teoría del contextualismo y la desmaterialización hacia una dimensión más emocional y sombría, el Louvre Abu Dhabi (2017) donde la evolución hacia una arquitectura de atmósferas alcanzó su punto más alto, o el Museo Nacional de Qatar (2019) cuya volumetría imita las «rosas del desierto», a las que se podrían sumar edificios en altura como la Torre Agbar (Barcelona, 2005) y la Doha Office Tower (Qatar, 2011), le han servido para reafirmar la idea de que la arquitectura es una forma de resistencia contra lo genérico. Su colaboración con el filósofo Jean Baudrillard en los diálogos sobre los «Objetos Singulares» profundizó en esta visión: la arquitectura no debe ser un sistema de signos predecibles, sino un evento que desafía la percepción y afirma la especificidad de lo real.
Dicha postura sumada a su rechazo a tener un «estilo» le ha permitido a Nouvel navegar por diversas culturas y contextos, dejando en cada ciudad un edificio que parece haber brotado orgánicamente de sus propias contradicciones y deseos.Así pues, a casi 38 años de su paso por nuestro país, podríamos decir que, al comparar sus comienzos con su producción actual, se observa en Nouvel un desplazamiento desde la fascinación por la máquina constructiva hacia la creación de atmósferas inmateriales. Mientras que en el Instituto del Mundo Árabe la tecnología era visible y protagonista, en el Louvre Abu Dhabi o el Museo del Quai Branly la tecnología se oculta para servir a una experiencia fenomenológica pura de luz, agua y sombra.
Nouvel, poseedor de múltiples distinciones, objeto de exposiciones antológicas y numerosos libros, siempre polémico y sin duda digno producto de la época en que ha vivido, es un arquitecto acostumbrado a ejercitar la mirada y que entiende que construir un edificio es, sobre todo, construir una forma de ver el mundo. Dicho en otras palabras, su obra puede ser entendida como la crónica de una búsqueda incansable de la singularidad en un mundo estandarizado. Su capacidad para transformar programas técnicos en experiencias estéticas memorables asegura su lugar como uno de los arquitectos contemporáneos más influyentes.
ACA
Procedencia de las imágenes
1. Wikipedia (https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Nouvel)
2. Colección Crono Arquitectura Venezuela y Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.
3 y 4. @nlabropoulosk (https://www.instagram.com/p/DQAh1xQEVCKhsWoiDcika7-e30HEmA4MQVUkuk0/?img_index=1)
5. Lascaux-Dordogne (https://www.lascaux-dordogne.com/es/a-voir-a-faire/nos-visites/la-vallee-de-la-dordogne/visiter-sarlat/)
6. Architectuul (https://architectuul.com/architect/claude-parent); y VERSO (https://www.versobooks.com/en-gb/blogs/news/4042-paul-virilio-1932-2018)
7. El País (https://elpais.com/ideas/2022-01-22/nostalgia-e-iconoclastia.html)
8 a 11 y 13 a 19. Ateliers Jean Nouvel (https://www.jeannouvel.com/projets/?list=1)
9.
10.
11.
12. archdaily (https://www.archdaily.cl/cl/02-265617/clasicos-de-arquitectura-instituto-del-mundo-arabe-jean-nouvel)
20 y 21. Colección Fundación Arquitectura y Ciudad.
14.
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17.
NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ
BOLETÍN 69 ANIH
Edición octubre-diciembre 2025
La Comisión Editorial de la Academia Nacional de la Ingeniería y el Hábitat nos ha invitado a compartir el link donde se encuentra el BOLETÍN 69 ANIH, edición octubre-diciembre 2025.
Nota
De la publicación, consideramos importante destacar el texto:
“Situación actual de la intervención del patrimonio edificado en Venezuela”
(Trabajo elaborado como producto del foro desarrollado en la Comisión de Infraestructura de la ANIH).
Autores: Ninoska Rodríguez Laverde, Francisco Pérez Gallego y Nelly del Castillo Loreto.
Editores: Carlos Rodríguez Álvarez y Alfredo J. Urich B.
ACA
ES NOTICIA
Urban Forms
Juan Carlos Maldonado Collection
Miami
Curador: Ariel Jiménez
Miércoles 3 de diciembre de 2025 – Jueves 16 de abril de 2026
Tomado de https://www.jcmc.art/exhibition/urban-forms/
Urban Forms es una exposición en la que la Colección Juan Carlos Maldonado (JCMC) busca identificar algunos de los vínculos formales, técnicos y teóricos que integran la selección fotográfica recientemente adquirida con la ya extensa obra de abstracción geométrica universal que la conforma y caracteriza.
La exposición comprende una serie de imágenes de Paolo Gasparini, fotógrafo italo-venezolano, quien documenta algunos de los esfuerzos modernos en el campo de la arquitectura, especialmente en Brasil y Venezuela. Nos brinda la oportunidad de percibir y estudiar los numerosos puntos de contacto que existen entre las experiencias arquitectónicas y las prácticas pictóricas a lo largo del siglo XX, particularmente a mediados del siglo XX, así como dentro del campo de la abstracción. Esto se debe a que la evidente cercanía formal que observamos entre estas obras no se debe a meras coincidencias, sino a las innegables huellas de búsquedas compartidas que los artistas visuales y arquitectos modernos del continente experimentaron durante ese período, al igual que sus homólogos europeos que los precedieron e influyeron, desde la Bauhaus alemana y el neoplasticismo holandés hasta la vanguardia soviética.
La exposición, en cierto modo, nos permite ver cómo las exploraciones realizadas por ambos grupos desde finales del siglo XIX hasta principios del XX finalmente convergieron en una serie de objetivos comunes. Entre ellos, las necesidades de dinamizar la superficie pictórica tanto de las obras abstracto-geométricas como de los muros desnudos de los edificios modernos; controlar y emplear adecuadamente la luz y el color; insuflar vida, de alguna manera, a los materiales y sus texturas, para que la ciudad fuera más que un simple entramado de estructuras funcionales carentes de cualquier dimensión estética; y, en definitiva, hacer de la ciudad un espacio habitable práctico y agradable para sus cada vez más numerosos habitantes.
Así pues, Formas Urbanas constituye una invitación del JCMC a reconsiderar un proceso largo y complejo, en el que artistas visuales y arquitectos, a veces en paralelo y a veces en estrecha colaboración, trabajaron para visualizar las formas de la ciudad moderna.
Para más información:
Nota
En el marco de la exposición, el próximo viernes 20 de marzo se tiene prevista la realización a partir de las 6:30 p.m. de una velada que incluye una charla sobre arte y arquitectura (en español) con el curador Ariel Jiménez y el arquitecto Henry Rueda, seguida de un concierto del Octoplus Ensemble con un programa inspirado en el diálogo entre la arquitectura moderna y las obras abstractas geométricas de la muestra.
Entrada gratuita, aforo limitado.
Para más información:
ACA
LA NOTICIA DE LA SEMANA
Smiljan Radić Clarke gana el Premio de Arquitectura Pritzker 2026
Por Ellie Stathaki
12 de marzo de 2026
Tomado de http://www.wallpaper.com
Smiljan Radić Clarke ha ganado el Premio Pritzker de Arquitectura 2026. Este prestigioso galardón, considerado uno de los más altos honores de la comunidad arquitectónica mundial, convierte al célebre arquitecto chileno en el 55º galardonado con el Pritzker, tras arquitectos como Liu Jiakun (Premio Pritzker 2025), Riken Yamamoto (2024) y David Chipperfield (2023).
Cuando le presentamos en 2014, con motivo de la inauguración del Pabellón Serpentine, nos comentó que considera su obra fluida y consciente: «No soy un creador de nuevas formas», afirmó. Es una cualidad que el Premio Pritzker 2026 también destaca, subrayando la capacidad del arquitecto para la flexibilidad y la experimentación. Aprovechando el poder de la experiencia humana, su propia capacidad de empatía y una «inteligencia emocional discreta», como bien lo define el equipo del Pritzker, sus diseños responden al lugar, el entorno y las necesidades.
Su obra es, como era de esperar, igualmente variada, abarcando el Restaurante Mestizo (Santiago, Chile, 2006), la Casa Pite (Papudo, Chile, 2005) y Chile Antes de Chile, la extensión del Museo Chileno de Arte Precolombino (Santiago, Chile, 2013). También ha creado la bodega para los retiros VK en Millahue, Chile (2014) y su propio estudio en casa, Pequeño Edificio Burgués (Santiago, Chile, 2023).
«La arquitectura se sitúa entre formas grandes, masivas y perdurables —estructuras que se yerguen bajo el sol durante siglos, esperando nuestra visita— y construcciones más pequeñas y frágiles, fugaces como la vida de una mosca, a menudo sin un destino claro bajo la luz convencional. En esta tensión de tiempos dispares, nos esforzamos por crear experiencias con una presencia emocional que animen a las personas a detenerse y reconsiderar un mundo que a menudo las pasa por alto con indiferencia», declaró Radić en el comunicado de prensa del Pritzker.
El jurado del Premio Pritzker 2026 declaró en su acta: «A través de una obra situada en la encrucijada de la incertidumbre, la experimentación material y la memoria cultural, Smiljan Radić prioriza la fragilidad sobre cualquier pretensión injustificada de certeza. Sus edificios parecen temporales, inestables o deliberadamente inacabados —casi a punto de desaparecer—, pero ofrecen un refugio estructurado, optimista y discretamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida».
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Veredicto del jurado
El Premio Pritzker de Arquitectura se otorga en reconocimiento a un talento excepcional, visión y compromiso que, a lo largo del tiempo, han dado lugar a contribuciones profundas y perdurables a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura. El cuerpo de trabajo de Smiljan Radić encarna estos valores en su forma más radical y esencial.
Expresar las cualidades de su trabajo arquitectónico en lenguaje hablado es intrínsecamente difícil, ya que en sus diseños trabaja con dimensiones de experiencia que son inmediatamente palpables, pero escapan a la verbalización—como la percepción del tiempo mismo: inmediatamente reconocible, pero conceptualmente evasiva.
Sus edificios no son concebidos simplemente como artefactos visuales; más bien, exigen una presencia encarnada. Una primera paradoja fundamental de la arquitectura de Smiljan Radić es que establece un punto de entrada personal, casi introspectivo, sin llegar a derivar en aislamiento. Por el contrario, lo que comienza como un encuentro individual se expande hacia una resonancia colectiva más amplia. Esta es, quizás, la naturaleza del verdadero arte: se dirige a cada uno de nosotros como seres singulares, uno a uno, y, sin embargo, nos impulsa hacia un origen compartido—un lugar atávico más allá de la raza, el género o la cultura. Tal capacidad adquiere una relevancia particular en tiempos de polarización y deshumanización, y puede constituir el verdadero valor de un arquitecto cuyo trabajo puede describirse, sin dudar, como profundamente original: el arte de la arquitectura practicado como un intento sostenido de reconectar a todos los individuos con un origen más profundo. Es importante que esto no se confunda con nostalgia o revivalismo histórico. Su despojo de la superficie está fundamentado en la experimentación radical y un interrogatorio incesante de la convención, el precedente y el camino trillado. Aquí radica otra paradoja: su enfoque no ortodoxo del diseño puede parecer inicialmente inusual, inesperado—incluso rebelde—sin embargo, lejos de producir alienación o distanciamiento, su postura anticatólica se siente fresca y sin precedentes. Transmite la sensación inconfundible de encontrarse con algo nuevo.
A través de conexiones no obvias y patrones de circulación, los edificios de Radić ofrecen una multiplicidad de escenarios para que los usuarios actúen, interactúen e incluso cambien las narrativas que se desarrollan dentro de ellos. La composición magistral de volúmenes y la calibración precisa de escalas otorgan un sentido de monumentalidad a la vida cotidiana, ya sea experimentada a nivel individual o público. En la arquitectura de Radić, la presencia monumental se reconfigura a través de la fragilidad, la ligereza y la aparente inestabilidad, lograda no solo a través de la escala, sino a través de la atmósfera, la tensión material y la intensidad espacial. Esto permite que las acciones cotidianas—caminar, esperar, reunirse—adquieran significado sin ser subordinadas a una gran narrativa ideológica. A través de su enfoque profundamente democrático, lo monumental se devuelve así a la experiencia común en lugar de reservárselo a momentos excepcionales.
A través de un cuerpo de trabajo situado en la intersección de un lenguaje iconoclasta, la exploración material y la memoria cultural, Smiljan Radić favorece la fragilidad sobre cualquier reclamación infundada de certeza. Sus edificios pueden parecer temporales, inestables o deliberadamente inacabados—casi a punto de desaparecer—sin embargo, proporcionan un refugio estructurado, optimista y silenciosamente alegre, abrazando la vulnerabilidad como una condición intrínseca de la experiencia vivida.
No están firmemente anclados al suelo; más bien, están delicadamente colocados sobre él, a menudo flotando ligeramente por encima de la superficie y solo ocasionalmente haciendo contacto. Se evita cuidadosamente cualquier alteración duradera del sitio, como si pudieran ser retirados en cualquier momento y el suelo restaurado a su estado original. Inspirándose en el poderoso y a la vez sísmico contexto ambiental chileno y cambiando de la lógica—frecuentemente implícita en la construcción—de dominación y propiedad hacia la coexistencia, Radić presenta la arquitectura como un huésped en lugar de un maestro del sitio, reconociendo la primacía del paisaje y, por extensión, de la memoria colectiva y el territorio compartido sobre la autoría individual.
Este sentido de impermanencia arquitectónica se expresa frecuentemente a través de la elección de materiales. Si bien varían de un proyecto a otro, estos siempre son cuidadosamente considerados, contextualmente responsivos e informados por la disponibilidad local.
Reforzando la ética democrática de su trabajo, Radić emplea materiales—ya sean industriales o naturales, refinados o tradicionalmente considerados marginales—de formas que no son nostálgicas ni meramente pragmáticas. En cambio, desestabilizan jerarquías establecidas de valor: lo alto y lo bajo, lo refinado y lo crudo, lo permanente y lo provisional coexisten sin una clara distinción. Esta equivalencia material refleja la apertura social de sus espacios, en los que ningún usuario es privilegiado sobre otro. La carpa de circo que corona el techo de NAVE en Santiago, la membrana blanca que envuelve el Teatro Regional del Bío-Bío en Concepción—brillando con una luz cálida y acogedora al atardecer—y el monumental pabellón inflable Guatero diseñado para la Bienal de Arquitectura de Santiago se convierten todos en escenarios estructuralmente sofisticados pero lúdicos, en los que texturas y colores inesperados interactúan con volúmenes de forma igualmente inesperada.
Si la arquitectura da forma a las maneras en que las personas viven, el trabajo de Radić produce experiencias espaciales que se sienten a la vez sorprendentes y completamente naturales. Son sorprendentes en su flexible capacidad para combinar, cuestionar y desmantelar tipologías establecidas; naturales en la forma en que emergen tanto de su historia personal como de la de aquellos que habitarán en última instancia sus edificios. Si bien son completamente responsivas a su función, cada proyecto contiene un elemento de inesperado: experimentar los edificios de Smiljan Radić es provocar y mantener la curiosidad. Lleva estrategias espaciales coherentes hasta sus límites, desarrollándolas con rigor para involucrar activamente al usuario: no se requiere un conocimiento especializado para «entender» el espacio, porque la comprensión nunca es completa. Su trabajo desafía las limitaciones de un solo concepto: los espacios que crea son a menudo ambiguos, a veces incluso inquietantes, nunca predefinidos. Resisten la comprensión completa a través de un solo punto de vista, y es precisamente esta resistencia la que restaura profundidad y complejidad a la arquitectura. Gigantescas rocas erguidas—como en el Restaurante Mestizo en Santiago, edificios que parecen apenas tocar el suelo—como la Casa Pite en Papudo, y el frecuente rechazo de los ejes de coordenadas cartesianas convencionales—la Casa para el Poema del Ángulo Recto en Vilches—invitan a la interpretación, en lugar de al consumo.
Por recordarnos que la arquitectura es un arte, en el sentido de que toca el núcleo mismo de la condición humana; por permitir que la disciplina abrace la imperfección y la fragilidad, ofreciendo refugios silenciosos en un mundo moldeado por la incertidumbre, sin la necesidad de ser más ruidosa o espectacular para importar; por crear edificios cuya naturaleza híbrida refleja la contemporánea difuminación de las fronteras disciplinarias, y que no hablan en nombre de las personas, sino que permiten a las personas encontrar su propia voz a través de ellos, Smiljan Radić Clarke es nombrado el Laureado del Premio Pritzker 2026.
El jurado encargado de asignar el Premio Pritzker 2026 estuvo integrado por:
- Alejandro Aravena (Presidente): Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2016 (Santiago, Chile).
- Barry Bergdoll: Curador, autor y profesor de Historia del Arte en la Universidad de Columbia (Nueva York, EE. UU.).
- Deborah Berke: Arquitecta y Decana de la Escuela de Arquitectura de Yale (Nueva York, EE. UU.).
- Stephen Breyer: Juez retirado de la Corte Suprema de los Estados Unidos (Washington, DC, EE. UU.).
- André Aranha Corrêa do Lago: Crítico de arquitectura y diplomático (Brasilia, Brasil).
- Kazuyo Sejima: Arquitecta y ganadora del Premio Pritzker 2010 (Tokio, Japón).
- Wang Shu: Arquitecto y ganador del Premio Pritzker 2012 (Hangzhou, China).
- Manuela Lucá-Dazio (Directora Ejecutiva): Encargada de coordinar las deliberaciones del jurado.
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