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La Nueva Galería Nacional de Mies van der Rohe reabre con una exposición de Alexander Calder

Petra Loho

Traducción: Fabian Dejtiar

26 de agosto de 2021

Tomado de Plataforma Arquitectura

Después de casi 50 años de historia, la Neue Nationalgalerie de Berlín cerró a finales de 2014 debido a una reforma muy necesaria. Este domingo 22 de agosto, la última obra terminada de Ludwig Mies van der Rohe abre después de seis años y medio de renovación encabezada por David Chipperfield Architects.

Para el museo, el arquitecto tomó planos no realizados que dibujó para un edificio de administración de la compañía Bacardí Rum en Cuba y creó una delicada estructura que consiste en una gran sala de vidrio con un techo de acero. Interpretando la apariencia a su manera, se nombró cariñosamente al edificio como «la estación de servicio».

A lo largo de una superficie bruta de casi 14.000 metros cuadrados, las áreas de exposición ocupan los espacios abiertos del edificio y la planta baja. Las instalaciones al aire libre incluyen un jardín de esculturas y una terraza en la que regresa la obra maestra de 18 pies de altura Têtes et Queue del escultor estadounidense Alexander Calder (1898-1976), originalmente instalada para la inauguración del museo en 1968.

Minimal / Maximal, una de las dos exposiciones individuales de la apertura, destaca las obras más pequeñas y más grandes de Calder, yuxtaponiendo las formas orgánicas del escultor con la arquitectura de Mies van der Rohe. Esta simbiosis también enriquece el paisaje urbano, donde la escultura Flamingo de Calder adorna la plaza frente al edificio del arquitecto alemán.

Durante el período de construcción de la Neue Nationalgalerie, el levantamiento del techo de 1.250 toneladas, que se soldaba en el lugar con ocho prensas hidráulicas, fue un evento inusual. La renovación no es de ninguna manera inferior al espectáculo. David Chipperfield hizo desmantelar completamente la Neue Nationalgalerie en 35,000 partes, cada una identificada por un código de 16 dígitos.

“Desarmar un edificio de tan indiscutible autoridad ha sido una experiencia extraña pero un privilegio”, dice Chipperfield. “Ver detrás de su exterior ha revelado tanto su genio como sus defectos, pero en general, solo ha profundizado mi admiración por la visión de Mies”, agrega.

La renovación se centró en la revisión general de la estructura y allanó el camino para la sostenibilidad, incluida la eliminación de toxinas y materiales peligrosos utilizados durante la construcción del edificio, como el amianto y la fibra mineral artificial. El equipo del proyecto implementó estándares técnicos y relacionados con la energía, por ejemplo, instalando un sistema de serpentinas circulares altamente eficiente, que ayuda al aire acondicionado a lograr la capacidad de enfriamiento requerida por el edificio. Además, se introdujo el acceso sin barreras. Además del ascensor sin barreras, las puertas batientes (como alternativa a las dos puertas giratorias) hacen que el edificio sea más accesible para todos. Las personas con discapacidad auditiva se benefician de un sistema de alarma por voz, un sistema de amplificación auditiva y pantallas de alarma visual. Para las personas con discapacidad visual, se ha instalado información táctil sobre pasamanos, marcas de escaleras e iluminación artificial.

La tecnología LED adecuada para el uso de museos ahora arroja la luz perfecta sobre las obras de arte exhibidas: la exhibición de Calder, que se extenderá hasta febrero de 2022, es la primera.

ACA

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Un diseño olvidado de Mies van der Rohe se está construyendo en el campus de la Universidad de Indiana

Escrito por Andreea Cutieru

Traducido por Fabian Dejtiar

12 de julio de 2021

Tomado de Plataforma Arquitectura

Un nuevo edificio para la Escuela Eskenazi de Arte, Arquitectura + Diseño de la Universidad de Indiana, materializa un diseño recientemente redescubierto de Mies van der Rohe. El proyecto de 1952 estaba destinado a una casa de fraternidad en el mismo campus de IU Bloomington donde se está construyendo actualmente, y el diseño incorporó el mismo marco de acero blanco y la misma estética de paneles de vidrio expansivos que la Casa Farnsworth, creada aproximadamente al mismo tiempo. Después de ser olvidado durante seis décadas, el diseño resurgió en 2013. La obra de dos pisos abrirá sus puertas este otoño.

En 1950, Mies van der Rohe recibió el encargo de la casa de la fraternidad de la Universidad de Indiana, en un momento donde también tuvo la oportunidad de diseñar Crown Hall para el Instituto de Tecnología de Illinois, que acabaría convirtiéndose en una de sus obras maestras. El proyecto de la casa de la fraternidad se abandonó debido a la falta de fondos, y décadas más tarde, los planos fueron finalmente donados al archivo de Mies en el Museo de Arte Moderno. En 2013, se pusieron en marcha planes para la construcción del diseño, y la investigación posterior descubrió documentación significativa entre los documentos de uno de los asociados de Mies. La Universidad de Indiana se puso en contacto con el arquitecto Dirk Lohan, nieto de Mies, quien estuvo de acuerdo en que la Universidad podría usar el diseño y atribuírselo a Mies.

Teniendo estrechas conexiones con los conceptos de la casa Farnsworth y el Instituto de Tecnología de Illinois, el diseño de Mies para el edificio UI es una estructura rectangular de vidrio y acero elevada desde el suelo. El espacio principal mide 930 metros cuadrados y cuenta con un atrio cuadrado central que realza aún más la apertura del edificio.

El diseño de Mies van der Rohe se confió a la firma Thomas Phifer and Partners, con sede en Nueva York, para que se adapte a los códigos de construcción actuales y a su función académica actual al mismo tiempo que preserva la estética arquitectónica deseada. El edificio contendrá espacios de conferencias, talleres y oficinas, sin alterar la distribución del segundo piso, mientras que la planta baja tuvo que ser reconfigurada. Para cumplir con los códigos de construcción, se agregó una nueva escalera, se reemplazó el vidrio original de un solo panel por uno aislante y el proyecto se equipó con sistemas MEP de acuerdo con los estándares contemporáneos.

ACA

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LA EXPRESIÓN DEL PESO

Luis Martínez Santa-María

Fundació Mies van der Rohe

2021

Descripción

La arquitectura nace para resolver el problema de un techo, de algo pesado y significante que acompaña y hace posible la experiencia humana desde tiempos remotos. Puede que el suelo sea el más antiguo elemento arquitectónico, pero el techo, por la dificultad que supone su construcción y por el significado que impone su permanencia, exige una invención que va más allá de la técnica. Ante el problema del peso resuelto, la arquitectura, a pesar de todas las restricciones que le han sido impuestas, pasa a ser una victoria; la arquitectura ha vencido porque ha convertido la construcción, toda la dificultad e improbabilidad de la construcción, en un arte. Lo cargante descansa, lo ponderado se ha hecho imponderable, las certezas se encuentran ante un halo de incertidumbre, la causalidad es puesta en crisis, y una suspensión del sentido se abre paso. Desde la arquitectura griega hasta la gótica, desde la arquitectura barroca hasta las más admirables obras y proyectos realizados por los arquitectos pioneros del Movimiento Moderno, surgen ejemplos insólitos. La expresión del peso muestra los diversos caminos que desafían la práctica constructiva y la lógica imperativa de la gravedad. Y resulta extraordinario que la arquitectura, que no cuenta con la misma libertad que la pintura o la escultura, ni que la literatura o la música, demuestre, ante los mismos estrechos márgenes que la limitan, el valor del reto al que desafía y la paradójica libertad que le pertenece.

Extracto del Prólogo escrito por Fritz Neumeyer

En la arquitectura moderna, la columna como arquetipo de la ornamentación histórica se ha convertido en un tabú. Entre otras cosas, el hecho de que Mies excluyera deliberadamente las ocho columnas jónicas de las fotografías oficiales del pabellón puede tener algo que ver con esto. Por otra parte, Mies probablemente eligió este solar precisamente por la presencia espacial de la fila de columnas, con la que el pabellón horizontal resaltaba de manera clara. El hecho de que en 2016 se convocara un concurso para la reinterpretación temporal de las ocho columnas jónicas en su antigua ubicación, bajo el significativo título de “Columnas Cristalizadas” (Fear of Columns), es una alusión acertada a ese tabú de la modernidad. Luis Martínez Santa-María ganó el concurso y, mediante la colocación de bidones antiguos apilados, dio un nuevo rostro a esa parte de la historia y enriqueció con inteligencia la reconstrucción de este edificio centenario.

Mies sacó a la luz la banal viga de acero, que existía en secreto como un elemento ligeramente oxidado trabajando en el interior de la construcción del edificio, y la ennobleció como elemento visible de un orden arquitectónico genuino, resucitando así la clásica pilastra en una forma moderna. ¿No hay también una alusión a este trasfondo de la lógica miesiana al tratar un producto industrial metálico con viejos y oxidados bidones vacíos apilados unos encima de otros a modo de tambores para dar forma a la dignidad arquitectónica de la columna? Ahora estos tambores prueban la posición vertical como un experimento técnico y estético al mismo tiempo. Y en cuanto a la expresión del peso, ¿no están estos tambores también vinculados a determinadas ideas relacionadas con la fluidez? Probablemente los bidones flotan en el agua aunque estén llenos, así que mucho más aún si están vacíos. Como era de esperar, cuando se apilan en tierra para formar una columna, no reflejan las formas jónicas de ninguna manera. Sin embargo, si se concede crédito a esa flotabilidad, desarrollarán su oculto carácter jónico.

Luis Martínez Santa-María. Madrid, 1960, es Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, 1985. Doctor Arquitecto, 2000. Beca de Formación de Profesorado y Personal Investigador en España, 1987-1990. Profesor de Proyectos Arquitectónicos en la ETSAM desde 1990.

ACA

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Una reparación respetuosa.

Rehabilitación de la Neue Nationalgalerie por David Chipperfield

José Juan Barba

29 de abril 2021

Tomado de metalocus.es

Tras seis años de cierre y meticulosas obras de rehabilitación, la Neue Nationalgalerie de Berlín, icono de la modernidad construido entre 1965 y 1968 por el arquitecto Mies van der Rohe, reluce de nuevo remozada por el estudio de arquitectura de David Chipperfield. En un acto parco y sin público por la pandemia, el estudio entrega hoy las llaves del edificio a la Fundación Patrimonio Cultural Prusiano (SPK), que empezará a trasladar las obras del siglo XX de la colección –que han pasado estos años en varios depósitos–, y a preparar las muestras para reabrir al público en agosto. En principio, el edificio seguirá cerrado hasta entonces, si bien hay esperanza de poder celebrar una jornada de puertas abiertas los días 28, 29 y 30 de mayo.

David Chipperfield, británico, es un arquitecto muy vinculado a Berlín, donde tiene una de sus oficinas. En octubre del 2009 recibió el encargo para  recuperar el Neues Museum de la Isla de los Museos, cuyas instalaciones llevaban décadas en una situación lamentable. Las obras se completaron, en diciembre del 2018, con la realización de la Galería James Simon, utilizada como acceso al complejo museístico de la isla.

Proyectado y construido entre 1963 y 1968, la Neue Nationalgalerie de Berlín es el único edificio diseñado por Mies van der Rohe en Alemania después de la Segunda Guerra Mundial luego de su emigración a los Estados Unidos. Después de casi cincuenta años de uso intensivo, el edificio protegido requirió una reforma integral. En 2012, David Chipperfield Architects Berlin fue designado para renovar el edificio.
Ludwig Mies van der Rohe (Aquisgrán, 1886-Chicago, 1969) concibió su singular edificio como una estructura en tres partes que se apoyan entre sí: el templo superior de acero y vidrio, la base de piedra y hormigón –sobre la que se sustenta el templo, y que en su parte subterránea alberga galerías para exponer–, y el jardín de las esculturas.

Cuando fue construido, con la ciudad dividida en dos, el museo se ubicaba en el extremo de Berlín Oeste, alzándose en casi total soledad. “El edificio tiene dos historias: una es la de su arquitectura, es un icono en la historia de la arquitectura moderna –señala Chipperfield–. Pero también es un edificio importante en la historia de la Alemania Occidental, porque fue concebido junto a la Filarmonía y a la Biblioteca Estatal para reemplazar en Berlín Oeste a los monumentos que habían quedado en Berlín Este”.

La estructura del edificio existente se ha renovado y actualizado a los estándares técnicos actuales con un mínimo de compromiso visual con la apariencia original del edificio. Las mejoras funcionales y técnicas incluyen aire acondicionado, iluminación artificial, seguridad e instalaciones para visitantes, como guardarropa, cafetería y tienda del museo, además de mejorar el acceso para discapacitados y el manejo del arte.

La necesidad de una reparación extensa de la carcasa de hormigón armado y la renovación completa de los servicios técnicos de la edificación requirieron una intervención en profundidad. Alrededor de 35.000 componentes originales del edificio, como el revestimiento de piedra y todos los accesorios interiores, fueron desmontados para hacer visible la estructura de la construcción. Cuando fue necesario, tras su restauración y modificación, se reinstalaron nuevamente en sus posiciones originales. Las obras han costado 140 millones de euros.

La clave del complejo proceso de organización de este proyecto fue encontrar un equilibrio adecuado entre la conservación patrimonial y el uso del edificio como museo moderno. Las inevitables intervenciones en la estructura original dentro de este proceso debían conciliarse con la conservación de la mayor cantidad posible de la esencia original. Aunque las adiciones esenciales permanecen subordinadas al proyecto existente del edificio, son discretamente legibles como elementos contemporáneos.

El proyecto de rehabilitación no representa una nueva interpretación sino una reparación respetuosa de este emblemático edificio del estilo internacional.

«Desmantelar un edificio de tan indiscutible autoridad ha sido una experiencia extraña pero un privilegio. La Neue Nationalgalerie es una piedra de toque para mí y para muchos otros arquitectos. Ver detrás de su exterior ha revelado tanto su genio como sus defectos, pero en general solo ha profundizado mi admiración por la visión de Mies. Por lo tanto, nuestro trabajo fue de naturaleza quirúrgica, abordando cuestiones técnicas para proteger esta visión. Ciertamente, llevar a cabo una tarea de este tipo en un edificio que no deja lugar para esconderse es abrumador, pero esperamos haber devuelto a este querido paciente aparentemente intacto, excepto porque funciona mejor.»

David Chipperfield

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Unless: The Seagram Building Construction Ecology

Kiel Moe (Editor)

Idioma: inglés

Programado para enero 2021

Nota del editor

Unless: The Seagram Building Construction Ecology analiza la ecología de la construcción, las geografías de los materiales y los sistemas mundiales de una de las obras icónicas de la modernidad: el edificio Seagram de Mies van der Rohe ubicado en Park Avenue, Nueva York. Al hacerlo, tiene como objetivo describir cómo los humanos y la naturaleza interactúan con la delgada corteza del planeta a través de la arquitectura. En particular, la inmensa cantidad de material, energía y trabajo que implica la construcción requiere una interpretación fresca que sitúe mejor el potencial ecológico y social del diseño. La mejora de un edificio en particular debería ser inseparable de la mejora del sistema mundial y la ecología de la construcción. Un edificio «hermoso» engendrado a través de la vulgaridad de los intercambios desiguales y los procesos de subdesarrollo ya no es una presunción sostenible en tal marco. A menos que los arquitectos comiencen a describir los edificios como eventos y artefactos terrestres, los arquitectos, para nuestro riesgo colectivo y profesional, continuarán operando fuera de las dinámicas ambientales clave y los procesos políticos clave de este siglo.

Nota

Para complementar el enfoque crítico que el libro posee, recomendamos leer el artículo «A Case for a More Literal Architecture» escrito por el propio Kiel Moe, publicado en https://www.metropolismag.com/architecture/literal-architecture-kiel-moe/

ACA

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La silla de la discordia

Mies, Breuer y Stam

Pablo López Martín

(Prólogo de Rafael Moneo)

Ediciones Asimétricas

2020

Nota de los editores

Pocas sillas en la historia del diseño habrán acarreado tanta polémica y tanta disputa por su autoría como la sillas voladas de tubo de acero en sus diferentes versiones. En el año 1927 las figuras más reconocidas de la arquitectura europea se dieron cita en la colonia experimental de la Weissenhoff, donde el movimiento moderno tuvo la ocasión de mostrar al mundo su propuesta para la vivienda del futuro y los objetos que la habrían de habitar. Entre todas las piezas de mobiliario expuestas hubo una que destacó sobre todas las demás por su novedad y audacia: la silla volada sin apoyos posteriores cuya autoría fue reclamada al unísono por tres figuras clave de la arquitectura que estaba por llegar: Mies van der Rohe, Mart Stam y Marcel Breuer.

El punto de partida para esta investigación es precisamente la coincidencia de estos tres arquitectos en un mismo modelo de silla y en una misma fecha. Sin embargo, el interés de este estudio no radica exclusivamente en una indagación sobre la autoría sino sobre cómo un mismo objeto puede resultar propositivo e interesante en campos muy diversos y de forma simultánea. Cada uno de los tres protagonistas la hicieron suya incorporándola a su propia investigación proyectual: la silla trasciende su propia escala para servir de vehículo en un proceso de exploración a nivel conceptual, formal, constructivo y estructural en la arquitectura de cada uno de ellos.

Pablo López Martín es Doctor Arquitecto por la UPM desde 2016 con la calificación de Sobresaliente Cum Laude con la tesis doctoral que ha inspirado este libro. Esta investigación quedó finalista en la XI Edición del concurso bienal de Tesis de Arquitectura de la Fundación Arquia. Desde el año 2006 ha compaginado su labor como investigador con el desarrollo de su profesión en los estudios de Carme Pinós, Rafael Moneo y AGi. Su trabajo a título personal ha sido merecedor de varios premios como el 1º Premio Nacional concurso «Caja de Arquitectos», otorgado por Kazuyo Sejima, el 2º Premio Nacional concurso «Formica Funcional» otorgado por Richard Rogers o la Mención Honorífica en el concurso internacional organizado por la revista JA Japan Architect, cuyo jurado único fue Steven Holl. Desde el año 2016 ejerce la docencia como profesor asociado en la Universidad Antonio de Nebrija.

ACA