La Bienal de Diseño de Londres se pospone hasta 2021
Eric Baldwin
Traducción: Fabian Dejtiar
18/05/2020
Tomado de Plataforma arquitectura
La Bienal de Diseño de Londres 2020 se ha pospuesto oficialmente hasta 2021. Establecida en 2016 por Sir John Sorrell CBE y Ben Evans CBE, la Bienal de Diseño de Londres promueve la colaboración internacional y el papel global del diseño. La tercera edición de la Bienal de Diseño de Londres ahora tendrá lugar en junio de 2021, comisariada por el director artístico Es Devlin.
Como declaró la Bienal de Diseño de Londres: «Los países, ciudades y territorios de nuestra red internacional son fundamentales para nuestra misión. Mantener seguros a nuestros visitantes y diseñadores sigue siendo nuestra prioridad y dadas las restricciones actuales de viaje internacional y los posibles requisitos de cuarentena, estamos posponiendo el 2020 Exposición bienal hasta 2021. La tercera edición tendrá lugar ahora en junio de 2021, aún en Somerset House, Londres».
La Bienal de Diseño de Londres también está creando una nueva iniciativa estratégica con Chatham House Royal Institute of International Affairs para proporcionar una plataforma para que la comunidad internacional de diseño colabore e intercambie ideas radicales. En las próximas semanas se anunciarán más detalles de esta asociación única e importante.
En la totalidad de Somerset House, los participantes responderán al tema Resonance, que considera el efecto dominó de los conceptos de diseño innovadores en la forma en que vivimos y las elecciones que hacemos.
La apertura del 20º Serpentine Pavilion, diseñado por el estudio sudafricano Counterspace, se pospuso para el verano de 2021. «Counterspace, dirigido por Sumayya Vally, Sarah de Villiers y Amina Kaskar, colaborará con Serpentine en una serie de actividades fuera del sitio y proyectos de investigación online a lo largo de 2020, que culminarán con la apertura del Pabellón en el verano de 2021 «, anunciaron Serpentine Galleries.
La oficina Counterspace, con sede en Johannesburgo, invitada a diseñar el pabellón temporal en Kensington Gardens, ha desarrollado un diseño basado en «espacios de reunión y lugares comunitarios alrededor de la ciudad […] y extender un programa público en Londres«. Como las arquitectas más jóvenes en recibir este programa de renombre internacional, el equipo de mujeres lidera el estudio de arquitectura colaborativo. Counterspace tiene un cuerpo de trabajo enfocado en soluciones de diseño que surgen de enfoques interdisciplinarios. El estudio utiliza técnicas de construcción innovadoras y tradicionales para crear una combinación de métodos sostenibles de baja tecnología y alta tecnología.
El Pabellón se construirá con una variedad de materiales, incluidos módulos K-Briq personalizados y corcho, hechos en un 90% de residuos reciclados de construcción y demolición. Serpentine ha sido una plataforma para profesionales emergentes y artistas reconocidos internacionalmente. Esta es la primera vez que el programa alcanza una extensión de dos años.
Counterspace, una oficina con sede en Johannesburgo, Sudáfrica, ha sido seleccionada para diseñar el Pabellón Serpentine 2020. El estudio de arquitectura más joven en recibir el encargó de este programa de renombre internacional, está conformado por las líderes del equipo Sumayya Vally, Sarah de Villiers y Amina Kaskar.
Celebrando su 50 aniversario y su pabellón número 20 este 2020, el Pabellón Serpentine ha sido una plataforma para profesionales emergentes y artistas reconocidos internacionalmente. Este año, más que nunca, «el Pabellón Serpentine será un lugar para el debate y las nuevas ideas», donde las personas explorarán preguntas tales: ¿Cómo puede la arquitectura crear un espacio donde todos estemos vinculados, no clasificados? ¿Cómo puede la arquitectura promover el bienestar? ¿Puede una estructura evolucionar y cambiar junto con el medio ambiente?
Counterspace, invitado a diseñar el Pabellón temporal en el césped de la Serpentine Gallery en Kensington Gardens, ha desarrollado un diseño basado en «espacios de reunión y lugares comunitarios alrededor de la ciudad […] y extendiendo un programa público en Londres». Con gran parte de su trabajo centrado en las soluciones de diseño que surgen de enfoques interdisciplinarios, la oficina utiliza técnicas de construcción innovadoras y tradicionales para crear una combinación de métodos sostenibles de baja tecnología y alta tecnología. De hecho, el Pabellón se construirá con una variedad de materiales, incluidos módulos K-Briq personalizados y corcho, hechos de 90% de residuos reciclados de construcción y demolición.
“El pabellón se concibe a sí mismo como un evento: la reunión de una variedad de formas de todo Londres. Estas formas son huellas de algunos de los lugares, espacios y artefactos que han hecho que el cuidado y el sustento formen parte de la identidad de Londres. Los descansos, los gradientes y las distinciones en color y textura entre las diferentes partes del pabellón hacen que esta reconstrucción y ensamblaje sean legibles de un vistazo. Como objeto, experimentado a través del movimiento, tiene continuidad y consistencia, pero la diferencia y la variación están integradas en el gesto esencial a cada paso.”
Sumayya Vally de Counterspace, arquitecta principal del proyecto.
En cuanto a la forma en sí, el diseño del Pabellón se generó «a partir de un proceso de adición, superposición, sustracción y empalme de formas arquitectónicas, directamente transcrito de espacios existentes con especial relevancia para las comunidades migrantes y otras comunidades periféricas en Londres». En realidad, la intervención, abierta del 11 de junio al 11 de octubre de 2020, incluirá pequeñas piezas móviles que se trasladarán después de los eventos en los diferentes barrios de Londres. Finalmente, las partes serán devueltas a la estructura, completándola durante el verano.
“Estamos encantados de trabajar con Counterspace en nuestro Pabellón 20, en nuestro 50 aniversario. La idea de trabajar con diferentes comunidades es muy importante para nosotros y la propuesta de Counterspace lo hace de manera notable; Estábamos totalmente convencidos por la dimensión social de su práctica. Traen una perspectiva africana, una perspectiva internacional, pero están trabajando con ubicaciones y comunidades aquí mismo en Londres y su diseño del Pabellón está inspirado en ese trabajo. En todo lo que hace Serpentine queremos establecer esas conexiones entre artistas, arquitectos y comunidades donde sea que estén.”
Hans Ulrich Obrist, director artístico de Serpentine Galleries.
Serpentine Pavilion 2020
Diseño: Counterspace
Asesor técnico: David Glover
Ingeniería y todos los servicios técnicos: AECOM
Servicios creativos: Stage One
Goldman Sachs es el patrocinador principal del Serpentine Pavilion 2020
El Serpentine Pavilion diseñado por Junya Ishigami toma forma en Londres
Por Eric Baldwin
Traducido por Nicolás Valencia
18 de junio 2019
Tomado de Plataforma arquitectura
El Serpentine Pavilion 2019 diseñado por el arquitecto japonés Junya Ishigami está tomando forma en Londres. Una serie de fotografías tomadas por Laurian Ghinitoiu revela la cubierta flotante del proyecto, una lámina de pizarra que se eleva desde el suelo, sostenido por pilares que lo convierten en un refugio.
Junya Ishigami explicó que su diseño materializa su filosofía del «espacio libre» con el cual busca una armonía entre estructuras artificiales y naturales. Al respecto, Ishigami explicó:
“Mi diseño para el pabellón juega con nuestra perspectiva del entorno construido sobre un fondo del paisaje natural, enfatizando una sensación natural y orgánica como si hubiera crecido fuera del césped, asemejándose a una colina hecha de rocas”.
El programa del Serpentine Pavilion fue fundado en 2000 por Julia Peyton Jones y Han Ulrich Obrist para darle una oportunidad en el Reino Unido a arquitectos extranjeros de compartir su talento a una nueva e influyente audiencia. El encargo es reconocido por su intenso calendario: una vez elegidos, los arquitectos solo tienen seis meses para diseñar y construir su pabellón.
La presentación del pabellón deja atrás la controversia en torno a las pasantías sin pago en Junya Ishigami + Associates, por lo cual The Serpentine Gallery ordenó a la firma pagar a todos los empleados que trabajaron en el diseño del pabellón.
Las críticas a las condiciones laborales en la oficina japonesa se desataron tras un email publicado por The Architects’ Journal donde una persona candidata a trabajar en la oficina denunció que la pasantía era sin pago, en jornadas laborales de seis días y con horas extras. The Serpentine publicó un comunicado de prensa el pasado 27 de marzo aclarando que no permitiría que pasantes o personas en cargos sin sueldo formaran parte del equipo de diseño del Serpentine Pavilion 2019.
Ishigami es el 19° arquitecto en diseñar el Serpentine Pavilion, tras Frida Escobedo (2018), Francis Keré (2017), Bjarke Ingels (2016) y SelgasCano (2015).
Diébédo Francis Kéré presenta el Serpentine Pavilion 2017 en Londres
AD Editorial Team
Tomado de Plataforma Arquitectura
20 de junio 2017
Diseñado por Diébédo Francis Kéré (Kéré Architecture), la edición 2017 del Serpentine Pavilion fue presentada hoy martes 20 de junio en Londres. Concebido como un «micro cosmos», el pabellón ha sido diseñado para fusionar referentes culturales de Gando, la ciudad natal de Keré en Burkina Faso, junto con «técnicas constructivas experimentales». El arquitecto espera que el pabellón, como un condensador social, «se convierta en un faro de luz, un símbolo del relato y la unidad».
Una gran cubierta de madera, apoyada sobre un marco metálico, ha sido esculpido para imitar la copa de un árbol. Cuatro umbrales conducen a un patio central abierto, en donde el aire fresco puede circular libremente. La cubierta protege a los visitantes del calor veraniego de Londres y en caso de lluvia, «una serie de canales conducirán el agua por la cubierta para crear una espectacular cascada», antes de pasar a un sistema de drenaje en el suelo «para su posterior uso en la irrigación del parque». “En Burkina Faso, el árbol es un lugar donde la gente se reúne, donde las actividades del diario vivir se realizan bajo la sombra de sus ramas. Mi diseño para el Serpentine Pavilion tiene un gran techo suspendido hecho de acero y una piel transparente que cubre la estructura, lo que permite que entre la luz natural y lo protege de la lluvia. Los elementos de madera alinean la parte inferior del techo para crear un efecto de sombra dinámica en los espacios interiores. Esta combinación de características promueve un sentido de libertad y comunidad, como la sombra de las ramas de los árboles, el pabellón se convierte en un lugar donde la gente puede reunirse y compartir sus experiencias diarias.
Para mí, el sentido de apertura es fundamental en la arquitectura. En el pabellón, esto se logra a través del sistema de muros, que está compuesto por bloques prefabricados de madera montados en módulos triangulares, con pequeñas aberturas entre ellos. Esto le da ligereza y transparencia al edificio. La composición de las paredes curvas se divide en cuatro elementos, creando cuatro puntos de acceso diferentes al Pabellón. Separados de la cubierta, estos elementos permiten que el aire circule libremente por todas partes. En el centro del Pabellón se incluye una gran abertura con dosel que crea una conexión inmediata con la naturaleza. En tiempos de lluvia, el techo se convierte en un embudo que canaliza el agua en el corazón de la estructura. Esta recolección de lluvia actúa simbólicamente, destacando el agua como un recurso fundamental para la supervivencia y la prosperidad humana.
Por la noche, el dosel se convierte en una fuente de iluminación. Las perforaciones en los muros permiten vislumbrar el movimiento y la actividad al interior del pabellón. En mi pueblo natal de Gando (Burkina Faso), siempre es fácil localizar una celebración nocturna subiendo a un terreno más alto y buscando la fuente de luz en medio de la oscuridad. Esta pequeña luz se hace más grande a medida que más y más personas llegan a unirse al evento. De esta manera, el Pabellón se convertirá en un faro de luz, un símbolo de la narración y la unión”.
Nota: El Serpentine Pavilion 2017 estará expuesto en los jardines Kensington (Hide Park, Londres), aledaños a la Serpentine Gallery, del 23 de junio al 8 de octubre de 2017. Kéré es el 17º arquitecto en concebir un pabellón temporal para dicha galería que consiste en diseñar una estructura de 300 metros cuadrados que pueda ser utilizada como centro comunitario y café de día, y un foro para el aprendizaje, el debate y el entretenimiento por la noche. Kéré es conocido por estar comprometido con el diseño ecológico y tiene su despacho en Berlín. Sus obras más divulgadas son la premiada escuela de primaria en Burkina Faso y la instalación en la exposición Sensing Spaces en el London’s Royal College (2014).
La torre de Mies van der Rohe que nunca fue construida en Londres
Jack Self
Tomado de Plataforma Arquitectura
14 abril de 2017
Traducido por Nicolás Valencia
En la década de 1960, James Stirling le preguntó a Ludwig Mies van der Rohe por qué no había diseñado visiones utópicas para las sociedades del futuro, como el Broadacre City de Frank Lloyd Wright o el Cité Radieuse de Le Corbusier. Mies respondió que no estaba interesado en fantasías, sino en «volver bella la ciudad ya existente». Cuando Stirling citó esta conversación décadas más tarde sería en el contexto de la audiencia de una consulta pública en Londres, tratando desesperadamente de salvar el único diseño de Mies van der Rohe en Reino Unido del rechazo de los órganos municipales de planificación. No pudo ser posible: la propuesta nunca se construyó y los dibujos fueron guardados en un archivo privado. Ahora, por primera vez en más de treinta años, el proyecto Mansion House Square de Mies es presentado al público en la exposición Mies van der Rohe and James Stirling: Circling the Square, en el Royal Institute of British Architects (RIBA). Y tras superar la meta en una campaña de Kickstarter, también se publicará un libro a cargo de REAL Foundation. Descrito en su momento por el Príncipe Carlos como un «gigante muñón de vidrio» y por Richard Rogers como «la culminación de la trayectoria de un maestro de la arquitectura», la elegante torre de bronce de Mies sigue siendo controversial, a cinco décadas de su diseño. Un elemento clave del proyecto fue la creación de una gran plaza pública al este del predio, adyacente a la residencia del Alcalde de Londres. En algunos aspectos, este espacio era el principal atributo del proyecto. Mies tomó un peligroso cruce de calles en torno al Banco de Inglaterra y lo racionalizó perfectamente con un único movimiento. Debajo del enredo de la trama medieval hubo una casi invisible grilla romana, que los edificios neoclásicos ya habían intentado revivir durante el siglo XX. Mies agregó un pliegue a la Queen Victoria Street (una de las calles diagonales que lleva al Banco de Inglaterra), cuyo producto fue un nuevo cuadrado casi perfecto geométricamente.
A fines de los años 30, Mies fue forzado a cerrar Bauhaus y escapó de la Alemania nazi. Como resultado, hay una profunda ruptura en su obra en dos periodos, definidos por el antes y después de emigrar a Estados Unidos. La importancia de la Mansion House Square es que fue uno de los dos proyectos concebidos para Europa entre el final de la Segunda Guerra Mundial y su muerte en 1969. Mies fue extremadamente exigente en relación a los encargos que recibió, y podemos asumir que su torre en Londres debería estar junto a la Neue Nationalgalerie en Berlín como un mensaje directo al viejo continente. La propuesta para Londres es única en su carrera: una sorprendente lección sobre cómo la arquitectura racionalista del Movimiento Moderno debería abordar los antiguos contextos urbanos de Europa.
Cuando Mies visitó Londres a mediados de los años 60, inmediatamente se dio cuenta que el módulo base de su rascacielos estaba desalineado con respecto al adyacente edificio diseñado por Edwin Lutyens. Se ampliaron las proporciones del módulo y se ajustó la altura de los pisos de modo que las líneas horizontales entre las estructuras envolviesen la plaza como una gran habitación urbana. La gran sensibilidad de Mies sobre el contexto que rodea a sus obras es una constante a lo largo de su carrera, desde la Casa Riehl (1907) hasta la Mansion House Square, sesenta años más tarde. No hay fantasías utópicas en el pensamiento de Mies. Trabajó casi exclusivamente en edificios individuales o pequeños conjuntos, usando una precisión increíble para armonizar sus diseños en sus contextos urbanos. No escribió manifiestos, sino que los construyó. Su ambición no fue ser revolucionario, sino reformista. En otras palabras, Mies intentó transformar y replantear lo que ya había sido construido, en vez de imaginar una tabla rasa (que en todo caso siempre es una ficción). En conversación con Stirling, Mies habría dado por concluido el tema de las utopías con una observación que es inmensamente arrogante, o bien, extrañamente humilde: «Si los arquitectos no son felices añadiendo al contexto existente, es porque son incapaces de adaptar su propio estilo lo suficiente como para combinar y armonizar».
ACA
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Fundación Arquitectura y Ciudad 