… and Other Dichotomies on the Real in Architecture
Marcelo Spina & Georgina Huljich/ P-A-T-T-E-R-N-S
Constance Vale (ed.)
Actar Publishers
2021
Idioma: Inglés
Nota de los editores
«Al sugerir solidez, impenetrabilidad e independencia del terreno y el contexto, el monolito constituye un irritante importante que permite a la arquitectura reafirmar continuamente su poder iconográfico y negociar de manera oportunista su autonomía»
Marcelo Spina & Georgina Huljich / PATTERNS
Al interrogar imágenes históricas, contemporáneas y, lo que es más importante, especulativas, «Iconos mudos y otras dicotomías de lo real en la arquitectura» tiene como objetivo construir una alternativa viable al cliché y la forma de comunicación agotada del icono, planteando una decididamente introvertida y retraída. Desarrollando un lenguaje y una sensibilidad para descubrir lecturas simultáneas, contradictorias e incluso inesperadas de la forma arquitectónica, el nuevo libro de Marcelo Spina & Georgina Huljich / PATTERNS, tiene como objetivo hacerse un hueco en la cultura y la historia contemporáneas al sugerir que lejos de buscar complacer a la multitud, la arquitectura puede persistir en la sociedad como un irritante cultural y social constructivo.
Ya no se preocupa por los excesos narrativos o por el «impacto y el asombro» de la creación de sensaciones; el icono mudo se vuelve intrigante en su engañosa indiferencia hacia el contexto, desconcertando en su absoluta apatía hacia el cuerpo. Objeto y edificio, absoluto e inestable, anticipado y extraño, manifiesto y retirado, tal es la dicotomía de los iconos mudos. Morando en la paradoja entre el silencio y el signo y con el objetivo de desacreditar una falsa dicotomía entre el discurso crítico, la búsqueda de la novedad formal y el logro de la ética social, «Iconos mudos y otras dicotomías de lo real en la arquitectura» reafirma la necesidad cultural, social y relevancia política de la imagen arquitectónica, sugiriendo una resolución muy necesaria al actual pero incorrecto antagonismo entre innovación formal, responsabilidad social y austeridad económica. Al cruzar antecedentes históricos relevantes y especulaciones teóricas polémicas con conceptos de diseño originales y representaciones provocativas del trabajo reciente de PATTERNS, el libro aspira a estimular auténticas especulaciones sobre lo real.
Parte historia, parte teoría y parte atlas monográfico, el libro incluye contribuciones de Georgina Huljich, Guillermo Martinez, Ciro Najle, Marcelo Spina, Brett Steele y Constance Vale.
Dentro de las visitas de corte eminentemente académico que han sido realizadas a nuestro país por notables arquitectos extranjeros, las dos que nos dispensara Heliodoro (Helio) Piñón Pallarés en 2002 y 2008 podríamos decir que dejaron una importante huella tanto por el dogmatismo que mostró a la hora de exponer los valiosos contenidos que transmitió, como por la polémica que ello causó con el auditorio a quien iban dirigidos, conformado básicamente por estudiantes de postgrado y docentes en período de formación dentro de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV.
1. Números 1 y 2 (mayo y julio 1974) de Arquitecturas Bis revista de la que Helio Piñón fue miembro fundador e integrante del Consejo de Redacción entre 1973 y 19852. Tres obras del estudio Viaplana/Piñón. Arriba izquierda: Plaza de los Países Catalanes (1981-1983). Arriba derecha: Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. Casa de Caritat (1990-1993). Abajo: Rehabilitación del Convento de Santa Mónica y su adecuación como centro de arte (1985-1987)
Luego de egresar de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) en 1966, Piñón se doctora en 1976 (teniendo como Director de Tesis a Rafael Moneo) y llega a ser Catedrático de Proyectos de Arquitectura desde 1979. En 1974 forma parte del grupo fundador de Arquitecturas Bis y ese mismo año se asocia con quien fuera su mentor, Albert Viaplana (9 años mayor que él), formando el estudio Viaplana/Piñón donde se produjeron más de 20 proyectos de relevancia y se participó en numerosos concursos de los cuales se obtuvieron hasta 7 primeros premios y 6 segundos premios, apareciendo en todas las reseñas como obras muy destacadas por los reconocimientos obtenidos: la Plaza de los Países Catalanes (1981-1983), la rehabilitación del Convento de Santa Mónica y su adecuación como centro de arte (1985-1987) a lo que debe añadirse el anexo (1987-1992), y el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. Casa de Caritat (1990-1993).
A finales de 1997 Piñón decidió separarse de Viaplana principalmente “a causa del creciente peso de Viaplana en las obras de ambos, generando arquitecturas con las que Piñón no terminaba por identificarse”. Tras la ruptura Piñón renegó de toda su obra anterior hasta el punto de que en su síntesis curricular aparece lo siguiente: “Se formó como arquitecto colaborando con Albert Viaplana, entre los años 1967 y 1997”. Luego fundó junto a Nicanor García el Laboratorio de Arquitectura en la ETSAB (1999-2007); y desde entonces ha trabajado en solitario.
Así, cuando Piñón realiza su primer viaje a Venezuela en marzo de 2002, ya había roto su relación con Viaplana, ejercía su último año comovicerrector de Programas Culturales de la Universidad Politécnica de Catalunya (1998-2002)y se encontraba muy comprometido tanto conel Laboratorio de Arquitectura en la ETSAB como con sus actividades docentes de postgrado, donde dirigió como responsable uno de los programas de doctorado del Departamento de Proyectos Arquitectónico entre 1987 y 2002, departamento que había dirigido entre 1979 y 1983.
Traía a cuestas, además, una importante trayectoria académica acumulada en la que se contaban hasta 11 libros, 3 publicaciones especiales, más de 50 artículos publicados en revistas especializadas y 11 tesis doctorales dirigidas, amén de la organización de hasta 36 cursos y conferencias (en su gran mayoría en carácter de invitado) de los cuales 30 los había llevado a cabo en Latinoamérica entre 1998 cuando visita a Uruguay, Chile, Argentina y Brasil y 2001 cuando a excepción de Chile asiste a los mismos países.
3. Cuatro obras de Piñón anteriores a 2002. Reflexión histórica de la arquitectura moderna (1981), Arquitectura de las neovanguardias (1984), El sentido de la arquitectura moderna (1997) y Miradas intensivas (1999)
La línea de trabajo que Piñón venía desarrollando desde hacía años se encuentra recogida en el título de algunos de sus más importantes libros: Reflexión histórica de la arquitectura moderna (1981), Arquitectura de las neovanguardias (1984), El sentido de la arquitectura moderna (1997) y Miradas intensivas (1999), donde paulatinamente fija una radical postura sobre cómo debe entenderse el papel jugado por las vanguardias históricas y su relación con la arquitectura, para lo cual apunta a desarrollar una mirada y una sensibilidad muy particulares sumadas a un sistema de valores que busca rescatar de aquel período lo más esencial de su expresividad traducido en un sentido estético que le da plena vigencia a la arquitectura moderna.
Concretamente, Helio Piñón es invitado a Venezuela en 2002 a dictar entre el 18 y el 22 de marzo el curso “Teoría y Práctica del Proyecto de Arquitectura” organizado desde la Maestría de Diseño Arquitectónico por María Fernanda Jaua a instancias del entonces Director de la Escuela José Rosas Vera dirigido, como ya hemos mencionado, a estudiantes de postgrado y docentes de diseño en período de formación. El objetivo del curso era “realizar un ejercicio proyectual mediante el cual el alumno sea capaz de demostrar la relación entre teoría y práctica de la arquitectura”. La metodología seguida combinó clases magistrales y trabajo en el taller de proyectos buscándose que el producto final consistiese en la “realización de un ejercicio proyectual con contenido teórico”.
4. Izquierda: Certificado de aprobación del curso “Teoría y Práctica del Proyecto de Arquitectura” dictado por Helio Piñón en Caracas entre el 18 y el 23 de marzo de 2002. Derecha: Portada del libro Arte abstracto y arquitectura moderna (2004), nº 1 de la Colección “Incertidumbres y Discordancias”, FAU UCV.
Totalmente a tono con la postura teórica asumida por Piñón, las cinco sesiones de las que estaba conformado el curso (de cuatro horas de duración cada una) llevaron por título: La forma no sigue la función: la contiene; Forma moderna y ambiente histórico; La vivienda y la forma; Arquitectura y medio natural; y Autonomía y servidumbres de concepción.
También aquella visita le sirvió a Piñón para presentar y promocionar su más reciente libro, Miradas Intensivas (1999) que a su se convirtió en referencia del curso que dictaba del cual copiamos el resumen, clara muestra de la postura teórica de su autor: “Desde hace años se asiste al retorno de los modos de la arquitectura moderna, tras cuarenta años de ajetreo doctrinal. Durante este tiempo, con el pretexto de corregir las desviaciones de una modernidad mítica y, a menudo, mal entendida, se consiguió confundir su auténtico sentido y acabar con un modo de concebir intenso y relativamente generalizado. Las posiciones de enmienda se fundamentaban, por lo común, en argumentaciones morales, cuando no meramente costumbristas: en ningún caso fueron capaces de proponer un sistema visual alternativo al que fecundó la mejor arquitectura del siglo XX, sobre la base del neoplasticismo. La arquitectura de las últimas décadas ha hecho gala, por encima de otras carencias, de una visualidad zafia, a menudo grosera; ha obviado la dimensión formal de sus productos respecto a un ingenuo propósito comunicador, de modo que la aspiración al orden se ha visto suplantada por la celebración de lo pintoresco; acaso es consecuencia de haber empeñado su cometido en expresar gráficamente una idea de cariz literario y, casi siempre, un punto cursi. Este libro trata de contribuir a la recuperación de los criterios formales de la modernidad reivindicando la mirada, haciendo énfasis en la intelección visual, criterio de juicio de la arquitectura de todos los tiempos, y es especialmente, de la del siglo que ahora concluye”.
Adicionalmente, en su estadía Piñón ofreció, para todo público, en el auditorio de la FAU UCV la conferencia “Actualidad de lo moderno: materiales de la experiencia personal” en la que mostró su producción más reciente proveniente del trabajo desarrollado en el Laboratorio de Arquitectura en la ETSAB.
Luego de su primer viaje a Caracas, Piñón dejó en manos de la Coordinación de Postgrado de la FAU UCV el texto titulado «Arte abstracto y arquitectura moderna» (anteriormente publicado en la revista DPA: documents de projectes d’arquitectura, nº 16, junio 2000), que dio pie a la publicación el año 2004 del nº 1 de la Colección “Incertidumbres y Discordancias” (que hoy lleva por nombre «Ensayos de Postgrado»), destinada a recoger textos breves de significativa importancia vinculados a las actividades de cuarto nivel que se realizan dentro de la institución. Allí Piñón señala cómo “el concepto de abstracción suele tratarse con un descuido similar al que se practica cuando se habla de modernidad, noción estrechamente ligada a aquella; acaso porque se abordan en función del valor que adquieren en el marco de una u otra perspectiva desde las que se han definido con el propósito de aclarar su sentido en la historia de la arquitectura. El abuso del sobreentendido acaba provocando equívocos acerca de su significado que desfiguran su cometido esencial en el arte y la arquitectura modernos. El ensayo intenta esbozar algunas de las confusiones habituales, tanto en textos como en las conciencias, a propósito de la abstracción”.
Cabe añadir que el curso “Teoría y Práctica del Proyecto de Arquitectura”dictado por Piñón en Caracas fue ofrecido aquel mismo año en la Facultad de Arquitectura Planeamiento y Diseño de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina y en la Facultad de Arquitectura, Arte y diseño de la Universidad Mayor de Santiago de Chile.
Posteriormente, en 2008, Piñón volverá a nuestro país invitado por el Instituto de Urbanismo de la FAU UCV y la Coordinación de Estudios de Postgrado para ofrecer un seminario de 15 horas titulado “Proyecto, Modernidad y Forma Urbana”, inscrito dentro del proceso de formación de profesores instructores. Sólo señalar que este curso también fue dictado el año siguiente por Piñón en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Flores (Neuquen), Argentina.
5. Algunos libros publicados por Piñón entre 2002 y 2012. Mario Roberto Álvarez (2002), Raúl Sichero (2002), Paulo Mendes da Rocha (2002), Arne Jacobsen (2004), Eduardo de Almeida (2005) y Skidmore, Owings & Merril (2012)
En el lapso de 6 años transcurridos entre una y otra visita Piñón intensificó sus relaciones con universidades latinoamericanas, incrementó notablemente el número de sus publicaciones (12 libros más), ya podía presentar resultados concluyentes de la actividad desarrollada en el Laboratorio de Arquitectura en la ETSAB y mostrar el impulso, asumido por Teresa Rovira, que se le dio a la Línea de Investigación sobre la Forma moderna del programa de Doctorado sobre proyectos arquitectónicos de la ETSAB que derivó en la publicación Documentos de arquitectura moderna en América Latina 1950-1965 (2004), significativa muestra de manifestaciones de la arquitectura de nuestro continente que se encontraban en sintonía con los principios del Movimiento Moderno y que para 2015 ya contaba con cinco volúmenes editados.
Sumado a lo anterior y para refrendar su visión de la arquitectura y la manera cómo ciertos autores pueden convertirse en ejemplo de cómo se expresa, Piñón publicará sendas monografías dedicadas al arquitecto argentino Mario Roberto Álvarez (2002), al uruguayo Raúl Sichero (2002), dos al brasileño Paulo Mendes da Rocha (2002 y 2003), al danés Arne Jacobsen (2004), al brasileño Eduardo de Almeida (2005) y a la oficina norteamericana Skidmore, Owings & Merril (2012), para las cuales siempre contó con el apoyo de editoriales universitarias.
6. Helio Piñón, Pasión por los sentidos, Ediciones del Colegio de Arquitectos de Castellón, 2003
La vocación docente de Piñón y sus repercusiones quedan reflejadas en las siguientes palabras que aparecen en el libro de su autoría Pasión por los sentidos (2003) con las cuales cerraremos este repaso: “Empecé pronto en la docencia -aún no había cumplido los treinta años-, lo que, visto con distancia me parece una insensatez, que sólo el empeño por aprender que implícita y explícitamente asumí desde el primer día puede redimir. La condición de profesor me obligó a corregir mi propósito inicial: no se trataba ya sólo de saber lo que está bien, sino que, en adelante, debía saber el porqué de esa condición; sólo así podía, si no ayudar, al menos no defraudar a mis alumnos; no soportaba el tener que basar mis comentarios en una autoridad en la que, naturalmente, a la sazón no podía ni soñar. (…) Quise entender lo que veía, lo que no tiene nada que ver con mirar lo que pensaba: siempre traté de encontrar respuestas a las preguntas que me planteaba la experiencia visual de la arquitectura, no a la inversa. Creo, pues, que he hecho teoría en sentido estricto: he tratado de que fuera la experiencia sensitiva, no las convenciones académicas, el origen de mis inquietudes; la reflexión y no la aplicación más o menos mecánica de doctrinas homologadas, ha sido la vía por la que he tratado de encontrar las respuestas a preguntas que me hago a mí mismo y que no consigo responder con el mero sentido común”.
Producción, promoción y exhibición entre Italia y Venezuela
Rodrigo Gutiérrez Viñuales
Granada, CEDODAL 2021
Nota de los editores
Este libro, ilustrado con materiales inéditos, mayoritariamente procedentes del archivo de Graziano Gasparini, recupera un amplio conjunto de acciones llevadas a cabo por él en ámbitos del arte contemporáneo, en vinculación a Italia y Venezuela: su producción como artista plástico, el fomento del arte a través del mecenazgo y el coleccionismo, y la organización y promoción de exposiciones nacionales e internacionales. La idea del proyecto surgió durante una serie de entrevistas realizadas por el autor a Graziano entre Caracas y Paraguaná en 2009, centradas en dichas experiencias, las que en buena medida habían quedado relegadas al olvido: su relevante y prolongada labor como historiador de la arquitectura, y su quehacer dentro de la conservación del patrimonio habían terminado por opacarlas. A partir de los mencionados testimonios orales de Graziano Gasparini, se llevó a cabo una tarea de investigación bibliográfica y documental que permitió concretar una narración en la que se amalgamaron recuerdos y fuentes escritas dentro de la compleja red que supuso la construcción de la modernidad venezolana en el ámbito de las artes y la cultura. Inserto en esta trama, fue recuperado asimismo el papel de Graziano como promotor artístico vinculado a Italia y particularmente a Venecia, lo que generó un puente entre esta ciudad y el arte venezolano.
Cementerio de San Cataldo en Módena, 1971-78 (izquierda). Teatro del Mundo para la Bienal de Venecia, 1979-80 (derecha)
03/05/2021
Tomado de arquitecturaviva.com
No queremos olvidar a Aldo Rossi. Este mes de mayo hubiera cumplido 90 años, pero murió en un accidente de tráfico a la absurda edad de 66, y su figura se ha difuminado en la percepción de las generaciones recientes. Para la mía, sin embargo, fue el gigante que ahora muestran la exposición del MAXXI romano y el libro de Electa, ambos a cargo de Alberto Ferlenga. Con la colaboración de la Fundación Aldo Rossi, pilotada por sus hijos Vera y Fausto —y que tuvo como director científico a Germano Celant hasta su fallecimiento en 2020—, las dos iniciativas recuperan el legado colosal de un arquitecto y teórico que fue tan influyente con sus dibujos como con sus escritos. El archivo depositado en el MAXXI, que complementa los conservados en el Getty de Los Ángeles y el CCA de Montreal, sirve de soporte tanto de la exposición —que estará abierta hasta octubre— como del volumen recién aparecido, que reúne las memorias redactadas por Rossi para 56 de sus proyectos, ilustrados con más de un centenar de dibujos exquisitos.
Lo Yatai di Pinocchio, 1989
En una nota de los Quaderni azzurri —que sirvieron de base para la Autobiografía científica de 1981—, Rossi asegura que las memorias técnicas de los concursos de arquitectura constituyen «la expresión más completa de mi investigación», y Ferlenga recopila las contenidas en el archivo, que se extienden desde 1960 a 1997, para componer una autobiografía intelectual del milanés, que fue una referencia imprescindible de la disciplina desde la publicación en 1966 de La arquitectura de la ciudad. Las ideas y las formas de Rossi fertilizaron la teoría y la práctica de la arquitectura durante la década de los 70, y prendieron especialmente bien en España, desde Cataluña y el País Vasco hasta Andalucía o Galicia, donde en 1976 condujo un mítico seminario en Santiago de Compostela y donde muchos años después realizaría con César Portela el Museo del Mar en Vigo, su única obra en nuestro suelo, que se completó póstumamente.
Interno con anitra, 1989
Por entonces peregrinábamos al Gallaratese, una obra en blanco y negro que puede quizás asociarse al cine neorrealista, y la década siguiente asistiríamos a su descubrimiento del color tras su mayor familiaridad con el mundo americano y japonés, advirtiendo cómo reclamaba para una construcción berlinesa «el color verde oscuro de los antiguos coches de carreras», una descripción tan imprecisa como lírica. Tanto el Berlín de la IBA como la Barcelona de los Juegos serían expresiones cabales de las enseñanzas urbanas de Rossi, pero el arquitecto de la ciudad se manifestaría también como un extraordinario creador formal. El volumen de Electa abrevia su obra en portada con el yatai de Pinocho: un carrito de comida convertido en arquitectura móvil que diseñó para la Expo de 1989 en Nagoya, y en cuya descripción Rossi relaciona al personaje del cuento con la protagonista de las tablas de Botticelli en el Prado para glosar la pasión abstracta y a la vez vital de sus arquitecturas.
De izquierda a derecha: Aldo Rossi, Guillermo Vázquez Consuegra y Luis Fernández-Galiano
En 1985 iniciamos esta aventura editorial con los dos números de AV dedicados a la IBA berlinesa, y tuvimos la fortuna de contar con el maestro milanés para la presentación posterior de la revista en la librería Vitruvio de Sevilla, una ciudad que amaba casi tanto como Santiago. Hace tiempo, Guillermo Vázquez Consuegra me hizo llegar una fotografía de aquel día, que reproduzco ahora como recuerdo de un arquitecto cuya desaparición prematura nos conmovió como pocas otras. Casi un cuarto de siglo después de su muerte, una exposición y un libro nos recuerdan su genio intelectual y artístico: un legado que, más allá de su importancia histórica, ofrece, como subraya Ferlenga, «una nuova utilità» que haríamos mal en ignorar.
La obra de Jesús de la Sota, conocido fundamentalmente por sus diseños de muebles, que a menudo complementaban los edificios de reconocidos arquitectos (como Alejandro de la Sota, su hermano mayor), constituye un caso singular dentro del diseño español del siglo XX. Destacó siempre por su elegante sobriedad, su brillante refinamiento y su trazo limpio y potente. Experimentó en muchos y variados campos de la creatividad: pintor, muralista, ilustrador, dibujante y grafista, diseñó sillas, butacas, mesas, lámparas y también libros, telas, tapices… en un intento de reunir utilidad y belleza en todas las esferas de lo cotidiano. Puso en marcha la firma Cores y Sota, un proyecto integral de interiorismo capaz de generar arquitectura desde la pequeña escala, en una búsqueda constante de lo esencial y lo mínimo.
A pesar del indudable valor que posee su trabajo, la obra y figura de Jesús de la Sota han permanecido difuminadas entre la de sus contemporáneos, probablemente debido a la multiplicidad de sus registros creativos, a su perfeccionismo que resultó en una producción limitada y a su rechazo al exhibicionismo en busca del trabajo realizado en silencio. Ahora, gracias a las investigaciones que han desarrollado estos últimos años Silvia Blanco Agüeira y Antonio S. Río Vázquez, registrando sus proyectos y realizaciones, desvelando las cualidades más características de su actividad, revisando las sucesivas colaboraciones con arquitectos, estableciendo paralelismos y divergencias con otros artistas y diseñadores, se puede apreciar adecuadamente su trayectoria y valorar la calidad de sus variadas realizaciones.
Para poder entender el universo formal de Enric Miralles hay que partir de sus fuentes de inspiración, sus métodos creativos y sus dibujos. También es necesario observar la trama de relaciones que generó entre todos ellos, estudiando las referencias artísticas, literarias y arquitectónicas que sustanciaron la mirada de Miralles hacia las cosas y la arquitectura, que nos hace posible entender ciertas convicciones y maneras de hacer del arquitecto. George Perec, Raymond Queneau, Federico García Lorca, Le Corbusier, Josep Maria Jujol, Marcel Duchamp, Paul Klee, David Hockney o Erik Satie son algunos de sus principales referentes sobre los que fundamentó una manera de trabajar propia y emocionante.
Arquitecto con sensibilidad y vocación manierista, el particular modo de entender la arquitectura de Miralles y la esencia de todos sus trabajos era el proceso que devenía en creación. Sus estrategias de proyecto comenzaban siempre en el dibujo, que no solo era una forma de expresión sino que constituía, por sí mismo, arquitectura. El método de trabajo de Miralles se distanciaba considerablemente de los recursos utilizados en la arquitectura de sus coetáneos. Su quehacer se fundaba en un diálogo entre las ideas subyacentes en el lugar, el contexto y algunos factores más subjetivos como la historia o el imaginario colectivo. La arquitectura era el resultado de su proceso de trabajo, siempre muy personal y marcadamente expresivo.
Salvador Gilabert, en este libro, relata estas estrategias, procesos y experimentos, basándose en los escritos, conferencias, entrevistas, dibujos y proyectos finalmente ejecutados de Enric Miralles, para tratar de aclarar este modo de proceder complejo, rico en matices y de gran originalidad.
Salvador Gilabert Sanz es Doctor arquitecto y Máster en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha sido profesor en la ETSA Valencia (UPV), en la ETSA Barcelona (UPC) y en la Escuela de Arquitectura ESET (CEU Cardenal Herrera). Ha impartido Análisis de Formas, Sostenibilidad en la arquitectura y Proyectos Arquitectónicos Integrados, y dirigido Trabajos Fin de Grado, Fin de Máster y tesis Doctorales. Es investigador del grupo ICT vs CC (Instituto ITACA) y ha sido director técnico en proyectos de investigación de programas europeos sobre sostenibilidad como el proyecto IMIP, Interreg-Sudoe. Actualmente es coordinador académico de la Fundació Enric Miralles. Trabaja en el despacho de EMBT Miralles-Tagliabue como Director de Proyectos, realizando, entre muchos otros proyectos, el Pabellón de España en la Exposición Universal de Shanghai 2010, el Bloque de 120 viviendas sociales en Barajas o la ampliación del Parque Diagonal Mar de Barcelona. Es coautor, con Benedetta Tagliabue, del proyecto del Centro de Salud Tibetano en Adeje, Tenerife. Como proyectos personales ha realizado diversos proyectos públicos y privados, siempre bajo los parámetros de la sostenibilidad y la edificación bioclimática.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
