Enmarcado por el período de la gran aceleración, estos escritos y proyectos representan un comentario crítico sobre el estado de la arquitectura y el urbanismo y su papel causal en la metamorfosis global.
En la víspera del nombramiento de Plunz como emérito en la Universidad de Columbia, New York Global recoge cinco décadas de su compromiso pedagógico para cuestionar los cánones de los campos de diseño y urbanismo y su relación con el entorno construido contemporáneo. La urbanización global sirve como telón de fondo para una mayor consideración de la mezcla de vivienda, infraestructura y pedagogía, mientras negocia la evolución de la teoría general y la praxis en la arquitectura y la planificación.
A través de entrevistas, extractos de programas, ensayos, discusiones y proyectos, la ciudad de Nueva York se proyecta como una lente para comprender el potencial de metrópolis en todas partes para servir como firewalls contra las inequidades sociales distópicas y la adversidad ecológica. Al cuestionar el discurso que rodea la investigación y la acción urbana, Plunz se involucra con la cuestión primordial de «urbano» en sí. Este libro no es una historia de advertencia, sino más bien un conjunto de evidencia de tiempo de tiempo para comprender nuestra condición actual. Estudiando de cerca las mismas herramientas que han fomentado las consecuencias ambientales y sociales de hoy, cada segmento contribuye a comprender el compromiso con un futuro post-acelerado.
Alberto Campo Baeza y Till Roenneberg premiados por sus trabajos sobre la luz
Escrito por Antonio Corredera
Tomado de metalocus.es
Publicado el 17 de mayo 2024.
Coincidiendo con el Día Internacional de la Luz de la UNESCO, el 16 de mayo, The Daylight Award concede sus premios de 2024 al arquitecto y profesor español Alberto Campo Baeza por su labor en arquitectura, y al profesor alemán de cronobiología Till Roenneberg, por sus trabajos de investigación.
Los premios de The Daylight Award (investigación científica y proyecto arquitectónico) tienen como objetivo premiar el conocimiento, basado en investigaciones, en beneficio del pensamiento y las realizaciones arquitectónicas que crean una base científica para el uso de la luz natural en la arquitectura.
El jurado de 2024 estuvo formado por el arquitecto y escritor finlandés Juhani Pallasmaa (presidente del jurado), el profesor británico de neurociencia circadiana Russell Foster, la arquitecta danesa Dorte Mandrup, la profesora neerlandesa de psicología ambiental Yvonne de Kort, el profesor suizo de química farmacéutica Gerd Folkers, el fotógrafo de arquitectura holandés Iwan Baan y el director estadounidense del Instituto de Botánica Económica del Jardín Botánico de Nueva York, Michael Balick.
Premio The Daylight Award a la luz natural en arquitectura
La categoría de arquitectura del premio evalúa y celebra las cualidades sensoriales, estéticas, emocionales, y mentales de la luz natural en la arquitectura. Los proyectos del laureado en 2024, el profesor español Alberto Campo Baeza, son ejemplos sobrios y silenciosos de cualidades sensuales, mentales y poéticas en la articulación arquitectónica de la luz natural.
Las obras de Campo Baeza celebran los milagros silenciosos de la luz natural en edificios con funciones muy diferentes. Sus edificios ejemplifican las cualidades espirituales de la luz natural y amplían así la comprensión de los valores de la luz natural más allá del alcance actual de la ciencia.
Además de sus numerosas casas, sencillas y compactas de forma casi arquetípica, ha proyectado edificios para multitud de otros propósitos; museos como el Museo de la Memoria de Andalucía y el recientemente terminado Pabellón Robert Olnick del Museo Magazzino de Nueva York, la Caja de Ahorros de Granada, el polideportivo de la Universidad Francisco de Vitoria de Madrid, la remodelación de la plaza de la catedral de Almería y varios edificios de oficinas, todos ellos comparten la misma intención de ennoblecer la experiencia arquitectónica a través de la abstracción y la reducción.
La confianza inquebrantable del arquitecto en su estilo esencial a menudo proyecta un aire de espiritualidad silenciosa, que es una alternativa poco común, pero muy valiosa, a la arquitectura materialista y consumista actual.
Premio The Daylight Award a la investigación sobre la luz natural
El premio en la categoría investigación ha sido concedido al profesor emérito de cronobiología Till Roenneberg del Instituto de Psicología Médica de la Universidad Ludwig-Maximilian de Múnich, Alemania.
La atención de Till Roenneberg se ha centrado en la cronobiología y en cuestiones como las dependencias y los ritmos circadianos. Sus investigaciones y publicaciones han ayudado a comprender las múltiples cualidades de la luz natural y la iluminación en general y sus impactos sobre la salud, el bienestar y el rendimiento humanos. Los hallazgos de su investigación fundamental se han citados en numerosas ocasiones, han influido en muchos otros investigadores y, de manera significativa, se han aplicado a múltiples ramas de la sociedad, que abarcan la medicina, las políticas públicas y la arquitectura.
Till Roenneberg desarrolló y validó el Cuestionario de cronotipos de Múnich (MCTQ, por sus siglas en inglés) que abrió la vía a estudios de investigación de la sincronización del ritmo circadiano en poblaciones de todo el mundo. Una observación clave de su trabajo es la demostración de que los relojes humanos están profundamente influenciados por el ciclo natural de luz y oscuridad, a pesar de la creciente urbanización.
Roenneberg debe parte de su notable influencia a la creación del concepto de «jetlag social»: una diferencia en el horario de sueño entre los días laborales y libres que refleja cambios que las personas deben hacer para trabajar y que van en contra de su biología natural. Cuando el «jetlag social» dura demasiado tiempo, acaba constituyendo un desafío biológico a los sistemas circadianos y de sueño de cada individuo en cuestión. Roenneberg demostró vínculos entre el «jetlag social» y la obesidad, la depresión y el abuso de sustancias.
El legado artístico y pedagógico de la artista venezolana-alemana Gego es reactivado a la luz del contexto contemporáneo en Reticulárea colectiva: cartografías comunes. Este proyecto de arte participativo es concebido por Miguel Braceli y desarrollado desde LA ESCUELA___ junto con la Fundación Gego y la Sala Mendoza, con la colaboración de una red internacional de artistas, así como profesores y estudiantes universitarios en Venezuela. El entramado resultante de este proceso de aprendizaje y colaboración se planteó como una experiencia espacial que se exhibió en la Sala Mendoza, en Caracas, del 11 de abril al 1 de junio de 2024.
Reticulárea colectiva se realiza bajo la curaduría de la Fundación Gego y de la profesora Stefanie Reisinger. Es parte de la programación Emeritus: Gego desarrollada por LA ESCUELA___ en el marco de la conmemoración de los 30 años del fallecimiento de esta figura clave para la abstracción geométrica del siglo XX, gracias a sus aportes al estudio de la forma en el espacio, ahora en este proyecto entendida desde el énfasis en el aprendizaje y la colaboración. Con esto, la plataforma busca generar nuevos diálogos y narrativas sobre los vínculos regionales, al tiempo que explora el potencial de las prácticas colaborativas de creación y aprendizaje, abordando temas de diásporas y migración desde vínculos afectivos sobre arte y territorio. LA ESCUELA___ es una plataforma para el aprendizaje y la creación colectiva en el espacio público fundada por Miguel Braceli junto a la fundación internacional Siemens Stiftung. Se basa en las iniciativas de Siemens Stiftung en el ámbito cultural en América Latina —desarrollando programas de cocreación e intervenciones artísticas— y en el trabajo de Braceli en las esferas de las prácticas sociales y el arte público.
Un espacio de aprendizaje y encuentro – “El resultado visible no es nunca la pieza completa, ya que hay que tener en cuenta el proceso de su génesis”, apunta Reisinger. En desarrollo desde diciembre de 2023, a través de una convocatoria abierta a artistas, educadores y personas vinculadas a la obra de Gego, Reticulárea colectiva está constituida por módulos-piezas de diversas materialidades, enviadas desde distintos países alrededor del mundo; fragmentos que se suman a las espacialidades construidas por estudiantes de la Universidad Central de Venezuela (a cargo del profesor Diego González), de la Universidad de Los Andes (a cargo de la profesora Analy Trejo), y de la Universidad de Margarita (junto a los profesores Gustavo Izarra y Amanda Soriano). En esta suma, pensada desde lo colaborativo y lo formativo, los participantes construyeron módulos–piezas desde las posibilidades y limitaciones de sus contextos. De esta manera, el proyecto dialoga con la Reticulárea –la obra más reconocida y emblemática de Gego– no desde una intención mimética sino “desde un lugar simbólico, como una cartografía comunitaria de formas expansivas”, comenta Braceli, “abordando el nodo como un objeto de diseño, pero también como un espacio de intercambio y encuentro”.
Desde una perspectiva actual, Braceli hace hincapié en un aspecto de la Reticulárea que, hasta ahora, “no se había desplegado plenamente (su arista educativa y colaborativa)”, comenta Reisinger, creando “un espacio social para la experiencia comunitaria de forma práctica (trabajo en común) y conceptual (historia compartida)”. En el proceso de crear los puntos de una “cartografía común”, la participación activa de una comunidad artística de venezolanos en el extranjero, así como sede del Goethe-Institut Venezuela, permitió recolectar las piezas recibidas en respuesta a una convocatoria internacional abierta a creadores, investigadores, educadores y personas vinculadas a la obra de Gego. Las piezas, ahora en desplazamiento, se sumaron a la instalación espacial presentada en la Sala Mendoza.
Caracas del valle al mar. Guía de arquitectura y paisaje desde su lanzamiento el año 2015 no sólo llenó un vacío en cuanto a publicaciones de ese tipo en nuestro país, sino que inmediatamente se convirtió en referencia obligada para quienes desde hace mucho tiempo deseaban tener en sus manos la posibilidad de conocer la arquitectura y el urbanismo de la capital de Venezuela cotejada por los que la han convertido en objeto de estudio y desvelos.
Ante la retadora tarea de producir un libro que trascendiera el mero hecho de servir de orientación para fines turísticos, quienes lo conceptualizaron y coordinaron (Iván González Viso, María Isabel Peña y Federico Vegas), apuntando a lograr un objeto de alto valor cultural, lograron darle forma a un volumen de 624 páginas que contó con el apoyo económico y la experiencia acumulada por la Junta de Andalucía (a través de la Consejería de Fomento) en la realización de trabajos de este tipo y a la concurrencia de un importante número de profesionales y académicos que lo llenaron de contenido y excelentes imágenes.
Pasado, presente y futuro de la ciudad aparecen reflejados en sendos capítulos que dan cuenta del proceso dinámico y abierto de su crecimiento a lo largo de 450 años. En el primer capítulo, a cargo de González Viso y Vegas, se repasa la “Historia de Caracas a través de sus planos”, un suculento ensayo que gracias a la extensa planimetría recopilada logra establecer etapas claves para ver cómo fue transformando su fisonomía. En el segundo capítulo, conformado por 364 fichas realizadas por 27 especialistas, hacen acto de presencia edificios y espacios públicos diseminados entre las diez zonas en las que se dividió la ciudad entre las que se incluyó el litoral central como demostración de que la urbe es un todo que sobrepasa e integra ambos lados de la montaña que la identifica yendo así “del valle al mar”. “Caracas a futuro: miradas sobre la ciudad”, el tercer capítulo, recoge diez formas de ver el porvenir urbano mediante el testimonio ofrecido por otros tantos estudiosos y practicantes que la han tenido siempre como parte de sus preocupaciones: Oscar Olinto Camacho, William Niño Araque, Marco Negrón, Oscar Tenreiro, Marta Vallmitjana, Walter James Alcock, Graziano Gasparini, Frank Marcano, Alejandro Haiek y Pedro García del Barrio.
Pues bien, teniendo presente todo lo mencionado, sin duda alguna es el segundo capítulo el que seguramente ofrece mayor interés para el público en general que transita a diario por las calles de Caracas e intenta procesar las razones por las que es como es, encontrando en las piezas que la constituyen posibles respuestas. Es también ese capítulo el que tuvo que sufrir los rigores de un necesario proceso de selección que en principio pretendía llegar a cubrir hasta 500 edificios y espacios públicos, pero que tuvo que reducirse aún más quedado por fuera 136 de ellos.
Iván González Viso en cuyos hombros recayó la tarea el ajustar las fichas a la dimensión precisa y que también asumió la elaboración de un buen número de ellas, a partir de hoy abre la puerta, con la publicación de la Quinta 341, proyectada por la arquitecto y artista plástico Elena Gil en 1973 en la calle Loma Azul de la urbanización San Luis, El Cafetal, para ir incorporando paulatinamente buena parte de esas 136 obras y lugares que quedaron en el tintero. De esta manera se dará cabida a una pauta que ocupará nuestra postal cada ocho semanas y será compartida con los planos de Caracas y Venezuela ya publicados y por publicar, protagonistas únicos hasta ahora.
Cerramos aclarando que el texto que aparece a continuación dedicado a la Quinta 341 fue elaborado por Iván González Viso quien contó con la colaboración de Elena Gil.
1. Localización de la urbanización San Luis en el sector de El Cafetal.
La Quinta 341
En los tempranos años 70, la urbanización el Cafetal estaba en pleno desarrollo y la quinta unifamiliar aislada se expandía aceleradamente al sur este de la ciudad. Las urbanizaciones con nombres de santos, como Santa Marta, Santa Sofía, San Luis, Santa Paula y Santa Ana, se desarrollaron en un corto período de tiempo, mezclando tipologías de edificios multifamiliares y casas aisladas inmersas en acogedores y bucólicos valles de frondosa vegetación. Al interior de estos nuevos modelos de urbanización, cuyo diseño en algunos casos incorporó esculturas en los accesos para otorgar valor e identidad a los espacios públicos, se desarrollaron parques urbanos que se fundían con la vegetación y la topografía circundante, espacios para colegios, centros comerciales y servicios locales, que convirtieron a estos urbanismos económicamente accesibles a la clase media profesional, en atractivos lugares para vivir. Para ampliar detalles sobre este tipo de desarrollo recomendamos consultar https://fundaayc.com/2023/04/09/algo-mas-sobre-la-postal-no-350/.
2. Izquierda: La calle Loma Azul y su particular ubicación y desarrollo dentro de la urbanización San Luis. Derecha: la Quinta 341 y su localización dentro de la calle Loma Azul. Nótese que dentro de la cuadra es la única que tiene techo plano a diferencia del resto que posee techo de tejas.
En este contexto la arquitecto y artista plástica Elena Gil y el arquitecto José Antonio Terife, compran una parcela en la urbanización San Luis, desarrollada por José Antonio Ron Pedrique para Venezolana de Bienes S.A. como parte del desarrollo de El Cafetal. Se trataba de un pequeño lote ubicado en la calle Loma Azul, donde Gil, egresada como arquitecto en 1967 de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, proyecta su casa en 1972, contemplando las necesidades de su recién formada familia, dos años después de haber creado “El Tallercito”, una galería dedicada a promover el trabajo de artistas plásticos de diversas disciplinas como cerámica, esmaltes, pintura y dibujo.
3. La Quinta 341 en pleno proceso constructivo (c.1973)
La quinta, denominada “341”, representa una excelente muestra del lenguaje arquitectónico moderno propio de las viviendas unifamiliares de autor de los años setenta, que integra elementos modulares en concreto, ladrillo y carpintería metálica, dispuestos bajo claros principios compositivos regidos por un estricto programa funcional.
4. Fachada principal de la Quinta 341.
Gil concibe su casa como un volumen de 3 cuerpos resuelto en una pendiente ascendente desde la calle, la cual maneja magistralmente creando una plástica topografía interior que hace las veces de escalera y permite ir descubriendo sus espacios poco a poco a medida que se asciende. Esa amplitud interior generada a partir de una espiral central que se transforma constantemente por la luz cenital, hace que la casa gravite alrededor de ella fungiendo de articuladora de todos los componentes de la vivienda mediante el uso de medios niveles. La escalera central, rodeada por muros bajos, genera múltiples y ricas relaciones visuales. Estos ambientes, a su vez, están cubiertos por un techo único que contribuye a generar una sensación de amplitud y continuidad visual al interior enriquecido mediante la presencia dobles alturas. Adicionalmente, cerramientos de vidrio de piso a techo permiten percibir el área social con mayor amplitud, conectando el espacio interior y el espacio exterior.
5. Elena Gil. Quinta 341. Corte longitudinal.6. Espacialidad interior de la Quinta 341.
La casa, de estructura en hormigón, esta revestida en ladrillo hueco obra limpia, que, junto a los muros exteriores de friso pintado en blanco, hacen alarde de la simplicidad y el uso honesto de los materiales. Las fachadas, mayormente cerradas, exhiben un controlado juego de volúmenes, con ventanas de romanilla con marcos metálicos pintados de color amarillo intenso, muy utilizado en la época. A su vez, las ventanas se enmarcan en cajas de hormigón en obra limpia, que sobresalen generando sombras. Interiormente, la adaptación del diseño a la topografía genera distintas situaciones espaciales donde el interior y el exterior interactúan a través de terrazas que amplían las posibilidades de expansión de la casa y dialogan con el lugar y el cerro que la limita.
7. Terrazas que aprovechan los retiros laterales y amplían las posibilidades de expansión de la casa.
Construida en 1973 por la empresa Urbaneja y De Castro (UDEC), la Quinta 341 representó para su época una novedad en el vecindario. Alejada de la imagen de la quinta tradicional con techos de teja y ventanas con rejas, fue percibida por algunos como “la casa fea” de la cuadra.
La ópera prima y única obra construida de Elena Gil, es un significativo ejemplo de que la forma, la materia, el programa y el lugar, correctamente ordenados y armónicamente dispuestos, son capaces de generar espacios donde se respira buena arquitectura. Una arquitectura influida por conceptos estéticos emparentados con el arte al cual su creadora dedicaría en adelante su vida hasta el punto de que hoy se encuentra ampliamente representada en colecciones públicas y privadas en Venezuela y en el exterior.
8. Óleos de la serie «Reflejos urbanos» que recogen el trabajo reciente de Elena Gil
Cabe señalar que el trabajo artístico reciente de Elena Gi, a modo de deja vu, explora temas arquitectónicos como el muro y la ventana, la transparencia y el reflejo los cuales cobran de su mano un interesante e indudable valor plástico.
EG/igv
Procedencia de las imágenes
Postal, 3, 4, 5, 6 y 7. Cortesía Iván González Viso
Considerado uno de los arquitectos italianos más importantes del siglo XX, Carlo Scarpa(1906, Venecia – 1978, Sendai, Japón), quien hoy estaría cumpliendo 118 años, tuvo una trayectoria como intelectual, artista, arquitecto y diseñador intensa y no exenta de dificultades que lo llevó a producir obras de arquitectura verdaderamente significativas.
Siguiendo la estela que marcan sus biógrafos (tomaremos como referencias principales la página Carlo Scarpa http://www.carloscarpa.es/ y el Blog de Hugo A. Kliczkowski Juritz http://onlybook.es), podemos iniciar diciendo que Carlo Alberto Scarpa es hijo de Antonio Scarpa, profesor de escuela primaria y de su segunda esposa Emma Novello. Aunque nació en Venecia pasó su infancia en Vicenza, y a raíz de la muerte de su madre con 13 años regresa a su ciudad natal para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes en Diseño Arquitectónico.
2. Las dos sedes de Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (IUAV), hoy Universidad IUAV. La ubicada en Tolentini (izquierda) y la situada en la vieja fábrica de algodón de Santa Marta (derecha)3. Carlo Scarpa. Proyecto de Grado, 1926 (izquierda). Proyecto para el Teatro Sociale, 1927 (derecha)
En 1926 se diploma y rechazan su solicitud de registro como arquitecto, aspecto este que lo estigmatizó a lo largo de toda su vida. Sin embargo, desde noviembre de ese año colabora con el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (IUAV), como asistente del catedrático Guido Cirilli (con quien trabajó en su estudio de 1926 a 1931) y luego continuará hasta 1977 ocupando cargos siempre diferentes entre ellos el de Director entre 1972 y 1974.
En 1927 se inició una colaboración de Carlo Scarpa con maestros del vidrio de Murano, donde fue diseñador para la empresa Cappellini & Co experimentando durante cuatro años la calidad y las posibilidades creativas que ofrece el vidrio como material y para la que diseña un negocio de vidrio en Florencia (demolido). Los objetos producidos para la compañía de cristal de Murano se presentan en la III y IV Exposición de Artes Decorativas de Monza.
4. Piezas de Carlo Scarpa expuestas en la muestra«Carlo Scarpa. Venini 1932–1947» (2012)
Su trabajo con Cappellini & Co será un importante precedente para la futura colaboración con la empresa Paolo Venini de Murano, donde desde 1934 hasta 1947 Scarpa ejerció como director artístico de la compañía. Para Venini, Scarpa participa en las exposiciones internacionales más prestigiosas del diseño.
En 1931 firma un artículo de adhesion al movimiento “Venecianos racionalistas” junto a Aldo Folin, Guido Pelizzari, Renato Renosto, Angelo Scattolin. En 1934 se casa con Onorina Lazzari (Nini), nieta del arquitecto Vicente Rinaldo, con quien colaboró en la realización de varios proyectos, y la Triennale di Milano, le concede título de honor por los objetos de cristal diseñados para Venini; Conoce a Josef Hoffmann, por quien siente gran admiración; Participa en concursos para el planeamiento urbano de Mestre y el aeropuerto Nicelli del Lido de Venecia.
5. Carlo Scarpa. Aula Magna Ca´ ´Foscari (1935)
Desde 1935 a 1937 realiza el Aula Magna de Ca ‘Foscari, sede de la Universidad de Venecia, y la casa del estudiante, sin duda su primer encargo importante.
En 1942 se registra su primera participación, junto a Mario Deluigi, como curador de la exposición sobre Arturo Martini en el Palacio Central para la XXIII edición de la Bienal Internacional de Arte de Venecia, actividad esta que marca un importante sesgo en su carrera y una vinculación perdurable y prolífica con la Biennale que despegará cuando en 1948, se le encargue en la XXIV edición del montaje de la exposición retrospectiva de Paul Klee, donde experimenta sus grandes cualidades de constructor de espacios para obras de arte, confirmada por más de 60 museos y de exposiciones que diseñó internacionalmente.
1951 es un año especial, se reúne con Frank Lloyd Wright en Venecia, con motivo de su visita a Italia para la exposición dedicada a él en Florencia donde recibe el Doctorado Honoris Causa. Wright (1867-1959) y la arquitectura orgánica en primer lugar junto a Josep Hoffmann (1870-1956), Adolf Loos (1870-1933), Otto Wagner (1841-1918) serán referentes importantes a lo largo de su carrera en la que aflora una personalidad ecléctica, cuya cultura fue impulsada por su relación continua con artistas, arquitectos y académicos. En tal sentido Scarpa en algún momento expresará lo siguiente: “…tienes que tener una mente doble, una mente triple, una mente de ladrón, como un hombre que especula, como un hombre que le gustaría robar en un banco, y tienes que tener lo que yo llamo ingenio, una tensión cuidadosa para poder entender todo lo que pasa y todo lo que sucederá …”.
6. Frank Lloyd Wright y Carlo Scarpa en Venecia en 1951 (izquierda). Diseño museográfico de Carlo Scarpa para el Pabellón de Italia en Expo Montreal 1967 (derecha)
Durante 1953 Scarpa realiza el proyecto para la villa Zoppas en Conegliano Veneto (Treviso) momento a partir del cual se comienza a notar la influencia de Wright que se intensifica luego de viajar a los Estados Unidos y profundizar en el estudio de su obra. De sus viajes a Norteamérica son memorables los montajes de la sección de Poesía en el Pabellón Italiano de la Exposición Universal de Montreal (1967) y la Exposición de dibujos de Erich Mendelsohn en Berkeley y San Francisco en 1969.
7. Carlo Scarpa. Giardino delle Sculture, Padiglione Italia, Biennale, Giardini, Venezia (1952)
En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura, en 1970 se convirtió en miembro del Real Instituto Británico de Diseño y en 1976 de la Accademia di San Luca en Roma.
8. Dos tomas de la exposición de Carlo Scarpa en el MoMA (1966)
Una serie de exposiciones individuales, le dan la oportunidad de presentar su propio trabajo en Italia y en el extranjero. Entre ellas podemos mencionar la del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1966, en Venecia en 1968, Vicenza, Londres y París en 1974 y Madrid en 1978.
9. Carlo Scarpa. Casa Veritti, Udine (1955-61)
A finales de los sesenta crece su prestigio internacional. Si bien el clima cultural y político italiano tiende a marginarle, en el extranjero es cada vez más conocida y apreciada su dimensión intelectual.
10. Carlo Scarpa. Museo di Castelvecchio, Verona (1957-64, 1967-70, 1974).
Scarpa viajó por primera vez a Japón en 1969, país que le interesó muchísimo y donde, en su segundo viaje en 1978, murió el 28 de noviembre en un desafortunado accidente en Sendai. De acuerdo a su voluntad fue enterrado en el Complejo Monumental Brion, proyectado por él y construido entre 1969-78, donde en un área aislada pequeña su hijo, el arquitecto, restaurador, diseñador y decorador Tobia Scarpa, diseñó una sencilla lápida para su tumba.
11. Showroom Olivetti, Venezia (1957-58).
Sólo después de la muerte recibirá la concesión de un Doctorado Honoris Causa en Arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo fin a una diatriba interminable sobre la legalidad de su obra arquitectónica en la ausencia de un título adecuado.
12. Carlo Scarpa. Villa Palazzetto, Monselice, Padova (1971-75)
Poco dado a escribir largos textos, Scarpa dejó para la posteridad muchas frases célebres recogidas en entrevistas y otras oportunidades que tuvo la oportunidad de intercambiar con el público. De entre ellas es altamente recomendable leer la concedida a Martín Domínguez en 1978 meses antes de su muerte que apareció como “Entrevista a Carlo Scarpa” en el nº 158 (1983) de Quaderns d’arquitectura i urbanisme monográfico dedicado al maestro italiano.
13. Carlo Scarpa. Complesso Monumentale Brion, Cimitero di San Vito di Altivole, Treviso (1969-78).
Scarpa construyó más de 40 edificios nuevos donde la utilización del agua como tema cobra papel relevante en muchos de ellos. Destacan, entre otros: el Aula Magna di Cà Foscari, Venezia (1935-37); la Casa Bellotto, Venezia (1944-1946); el Giardino delle Sculture, Padiglione Italia, Biennale, Giardini, Venezia (1952); el Padiglione de Venezuela, Biennale, Giardini, Venezia (1954-56); la Casa Veritti, Udine (1955-61); la Fondazione Canova-Museo Gipsoteca Canoviana, Possagno, Treviso (1955-57); el Museo di Castelvecchio, Verona (1957-64, 1967-70, 1974); el Showroom Olivetti, Venezia (1957-58); la Chiesa Villaggio Eni, Borca di Cadore, Belluno (1959); la Casa Balboni, Venezia (1964); el Complesso Monumentale Brion, Cimitero di San Vito di Altivole, Treviso (1969-78); la Villa Palazzetto, Monselice, Padova (1971-75); la Banca Popolare di Verona e Novara, Verona (1973-78, 1981); la Villa Ottolenghi, Bardolino, Verona (1974-1978); y la Edicola Funebre Galli, Cimitero Comunale di Nervi Sant’Ilario, Genova (1976).
14. Muestra de los numerosos libros publicados en torno a la figura de Carlo Scarpa.
Se han publicado más de 50 libros dedicados a su obra arquitectónica, artística, artesanal, gráfica y museográfica de entre los que vale señalar aquellos dedicados a recoger sus dibujos pertenecientes al archivo del Museo Nacional de las Artes del Siglo XX de Roma (MAXXI) (I teatri de Carlo Scarpa, 2010) o su labor como docente que Franca Semi, su colaboradora en las aulas en los años setenta, plasma en A lezione con Carlo Scarpa (2010). El último, recientemente aparecido, titulado Carlo Scarpa. The complete buildings (2024), acompañado de excelentes fotografías de Cemal Emden y textos de Jale N. Erzen, cuenta con una buena reseña en inglés escrita por Jonathan Bell publicada en el boletín diario Wallpaper del 29 de mayo.
15. Carlo Scarpa. Banca Popolare di Verona e Novara, Verona (1973-78, 1981).
Acerca de su manera de trabajar sobre lo existente poniendo especial atención en el detalle y dándole particular importancia a las partes dentro del todo, Santiago de Molina escribirá en su blog Multiples el 11 de enero de 2010 como parte del texto “Carlo Scarpa o el palimpsesto”, lo siguiente: “Es cierto que no hay en Scarpa ninguna revolución, ningún espacio antológico. Sin embargo, es significante como en sus dibujos y en sus obras siempre se da la superposición de materias, trazos, detalles y escalas como una dialéctica educada y deslumbrante con el legado de otros tiempos”.
16. Carlo Scarpa. Izquierda: Detalles de la Tumba Brion, 18 de febrero de 1976. Centro: Museo de Santa Caterina, Treviso, 4 de febrero de 1976. Derecha: Gipsoteca canoviana, Possagno, 23 de enero de 1976.
Sobre el valor de la expresión gráfica dentro de su obra, recogemos del blog Arquitectura a contrapelo del 21 de febrero de 2013 (https://arquitecturaacontrapelo.es/tag/carlo-scarpa/) que Scarpa “…hacía del dibujo pensamiento plasmando en él todo su mundo interior de obsesiones. Dibujo sobre dibujo, bosquejaba cada detalle del proyecto: cada piedra, cada conducto, cada encuentro, cada hueco venía pensado, es decir, al pensarse se dibujaba, pedía su propia resolución, su propia forma y carácter, ése y no otro. Una forma de trabajar agotadora y a contracorriente con su tiempo”, a lo cual se suma lo que en su momento Manfredo Tafuri expresara calificando a Scarpa como: “Un maestro de la época bizantina, que accidentalmente vivió en el siglo XX y que en consecuencia, utilizó las escrituras actuales para dejar que las verdades antiguas hablaran”.
Nota
17. Carlo Scarpa. Pabellón de Venezuela. Venecia, 1953-1956. Dibujo original de Scarpa de la volumetría del pabellón.
Carlo Scarpa estableció una muy particular relación con Venezuela a partir de que, por intermediación de su discípulo Graziano Gasparini, le fuese encargado en 1953 el pabellón de nuestro país para la Bienal de Arquitectura de Venecia, que se ubicaría en le Giardini y sería terminado en 1956. Se dice que cuando Gasparini en aquel año le propone al gobierno de Marcos Pérez Jiménez la construcción de un pabellón nacional y logra su aprobación a instancias del Ministro de Educación José Loreto Arismendi, se le había planteado a Carlos Raúl Villanueva realizar el proyecto el cual declinó por exceso de trabajo en aquellos años. Gasparini, designado comisario de la muestra entre 1954 y 1956, ante la negativa de Villanueva, recurrió a su maestro veneciano quien aceptó y logró para la posteridad levantar uno de nuestros edificios representativos en el exterior más importantes y trascendentes sin que su autor hubiese pisado jamás el suelo del país para el que trabajó.
La muestra con la que se inauguró el pabellón en 1956 (la 28ª Bienal) contenía obras de: Mateo Manaure, Armando Barrios, Luis Guevara Moreno, Alejandro Otero, Héctor Poleo, Manuel Quintana Castillo, Francisco Narváez y Rafael Monasterios.
Fundación Arquitectura y Ciudad 