LA NOTICIA DE LA SEMANA (II)

Memorial de Hu Huishan, 2009.

El Premio Pritzker 2025 reconoce la arquitectura humanista de Liu Jiakun

Anatxu Zabalbeascoa

Tomado de elpais.com

4 de marzo de 2025

El proyectista chino se alza con el máximo galardón en su campo por su defensa de los legados culturales, la memoria y el espacio público y cuestiona la globalización de las ciudades chinas

En Sichuan, cerca del Museo Jianchuan, hay una casita muy sencilla levantada con ladrillos fabricados a partir de los escombros que dejó el terremoto que, en 2008, terminó con la vida de 90.000 personas y arrasó buena parte de la provincia. Esa casita, con cubierta a dos aguas, como la que dibujaría cualquier niño, es el trabajo favorito de Liu Jiakun (Chengdu, China, 1956), el nuevo ganador del Pritzker, el premio de arquitectura más importante a nivel internacional, que se ha dado a conocer este martes. Y lleva el nombre de una niña, Hu Huishan, que, con 15 años, murió aplastada por los escombros del instituto donde estudiaba cuando el terremoto hizo temblar su ciudad.

Perteneciente al considerado grupo de la vanguardia arquitectónica china —con Dong Yugan, Liu Xiaodong o Wang Shu (ya premiado con el Pritzker en 2012)—, Jiakun acudió a Sichuan para prestar ayuda como arquitecto. Observó la gran cantidad de escombros y decidió emplear esos materiales para la fabricación de ladrillos (re-birth bricks) que comenzó a utilizar en sus proyectos a partir de entonces. También dedicó tiempo a hablar con la gente para entender qué necesitaba. Fue así cómo consoló a los padres de Hu Huishan. Y fue capaz de anticipar que un memorial a la vida segada de una niña de 15 años era algo necesario, no solo para honrar su recuerdo. También para, en el futuro, detenernos, obligarnos a pensar y recordar. Para advertir sobre la fugacidad y fragilidad de la vida.

Memorial de Hu Huishan, 2009. Hu Huishan tenía 15 años cuando el terremoto de Wenchuan hizo temblar su instituto. Murió bajo los escombros. Su silla vacía, sus dibujos, su mochila y sus raquetas la recuerdan y advierten de la fragilidad de la vida.

Ese memorial con forma de casa es un espacio pintado de rosa del suelo al techo porque ese color era el favorito de la adolescente. Está aparentemente vacío —apenas contiene el escritorio de Hu, sus raquetas de voleibol, algunos de sus dibujos y la mochila que la joven llevaba al instituto—. Esa idea de rescatar la memoria como riqueza y como advertencia está presente en toda la obra de este arquitecto. También en su actitud vital, que conecta la arquitectura con la filosofía, la escritura y, sobre todo, con una humanidad que la modernidad pareció descuidar.

Museo de escultura pétrea de Luyeyuan, 2002, Chengdu, China. En este museo sin ventanas la luz se filtra por los huecos entre volúmenes. La vegetación, el agua y la piedra conviven en el patio de acceso con muros de ladrillo cincelados para ocultar las instalaciones.

Su trabajo —reciclando materiales, rescatando tradiciones, actualizando la memoria de los lugares y reconsiderando la relación con la naturaleza y el espacio público— no es nostálgico sino humanista. El memorial de Hu le sirvió a este autor de apenas 30 proyectos arquitectónicos para afianzar sus ideas defensoras de la memoria. Le alentó sobre su consideración de la artesanía por encima, o por lo menos de la mano de la tecnología, y lo reforzó en su defensa de lo cotidiano, el día a día, que, en arquitectura, representa el espacio público.

Así, siete años después de construir el memorial, en Chengdu, Jiakun levantó el West Village, un edificio-barrio (o pueblo) que no solo sustituye a un campo de golf, sino que además cuestiona la idea de que la densidad —necesaria para que quepamos todos y para que las ciudades sean sostenibles— deba traducirse en rascacielos. Eso es lo que ha ocurrido en ciudades chinas de nueva creación o en urbes transformadas para acoger a quienes trabajaban el campo. En el West Village, en cambio, las canchas de baloncesto conviven con viviendas, naturaleza, comercios y espacio público. Es… lo que venía siendo un pueblo. O un buen barrio.

Museo Shuijingfang, 2013, Chengdu, China. Un perímetro de estructuras de hormigón, y de ladrillo renacidos de las ruinas del terremoto de Wenchuan, rodea y protege los edificios de madera existentes. El museo salva el arte de la fermentación de las culturas ming y qing como un legado cultural.

Hijo de una familia de médicos, Liu Jiakun se crio acompañando a su madre —médico internista— por los pasillos del Hospital de Chengdu. Ese centro médico de la República Popular China fue, originalmente, un hospital cristiano. Y de ese cambio de nombres aprendió Jiakun la importancia de la memoria y de la convivencia. Ambos conceptos humanizan su trabajo. También una decisión adolescente: la de cuestionar la tradición familiar y estudiar arquitectura —”porque creía que así podría dibujar”, ha dicho—. Y la posterior duda sobre si dedicarse a proyectar edificios o a escribir novelas. Probó ambas cosas. El protagonista de su libro Project Moon es un arquitecto que propone la construcción de un poblado utópico, capaz de acoger y dar buena vida a las personas sin separarlas de la naturaleza ni alienarlas. El libro es lo contrario de El Manantial, la famosa novela de Ayn Rand —protagonizada por un arquitecto-artista incomprendido, ese concepto que sigue perpetuando la película The Brutalist—. En la novela de Jiakun el arquitecto no triunfa. ¿O sí? Logra cambiar el estereotipo. El libro estuvo censurado en China y tuvo que esperar 15 años hasta ser publicado.

Entretanto, Jiakun comenzó a construir. A partir de 1999, cuando abrió su propio estudio en Chengdu, empezó a levantar edificios culturales —como las escuelas de Escultura o Diseño en la Facultad de Bellas Artes de Shichuan—. A esas escuelas les siguió una retahíla de museos, como el de escultura de Luyeyuan o el de relojes en Jianchuan que es, en realidad, un lugar donde guardar la memoria del tiempo pasado para evitar que fuera arrasado por la estela de la Revolución Cultural.

Departamento de Escultura de la Escuela de Bellas Artes de Sichuan, 2004. Chongqing, China. Para minimizar la huella del edificio, las aulas de esta escuela se proyectan hacia el exterior. Eso decide su forma. Los muros dobles —para aislar del frío y el calor extremos— son de un tono oxidado conseguido mezclando tierra local, para asimilarse a los edificios existentes.

Cuestionar muchas de las decisiones de esa revolución lo llevó a fabricar ladrillos no solo con las ruinas y escombros provenientes de terremotos, también con la propia destrucción que estaba sufriendo su país con la construcción de las grandes y densas ciudades. Esos nuevos ladrillos los empleó en los pavimentos y los muros de edificios como el Museo Shuijingfang de su ciudad, Chengdu.

Y fue ese cuestionamiento perpetuo lo que le llevó a su proyecto más transformador. Precisamente, para plantear si no era mejorable la forma de vida que en China se ofrecía como futuro —la aglomeración urbana— firmó el West Village de Chengdu, el edificio-barrio que permite la convivencia de pistas deportivas, vivienda y vegetación. Es esa defensa de la memoria y de la calidad de la vida cotidiana lo que convierte la arquitectura sencilla de Liu Jiakun en un logro monumental.

ACA

LA NOTICIA DE LA SEMANA (I)

El arquitecto chino Liu Jiakun, ganador del Premio Pritzker 2025.

Tomado de arquitecturaviva.com

4 de marzo 2025

Nacido en 1956, Liu Jiakun vive y trabaja en su ciudad natal, Chengdu —capital de la provincia de Sichuan, al suroeste de China—, donde fundó su estudio en 1999. Pese a haber crecido en una familia de médicos, Liu se inclinó desde muy joven por las artes, explorando tanto la literatura como el dibujo antes de dedicarse a la arquitectura, profesión que estuvo a punto de abandonar años después de graduarse, hasta que una exposición de su antiguo compañero universitario Tang Hua le llevó a redescubrirla como su medio de expresión personal. Según Liu, este fue el momento en que comenzó realmente su carrera, en la que ha desarrollado una obra singular que reinterpreta la tradición china con una visión contemporánea, al tiempo que busca conectar tanto con el individuo como con el sentido colectivo de pertenencia a un lugar.

Museo de Arte de Esculturas de Piedra de Luyeyuan en Chengdu (2002).

Construidos en su ciudad natal Chengdu, el Museo de escultura Luyeyuan (2002), el Museo de relojes (2007) y el Museo Shuijingfang (2013) son algunas de sus obras más significativas, junto a otras construidas también en China, como el Museo del ladrillo del horno imperial en Suzhou (2016), el Distrito cultural Songyang en Lishui (2020), o la Renovación de las cuevas de Tianbao en Luzhou (2021).

Museo de relojes en Chengdu (2007).

Autor de varios libros, entre ellos Narrative Discourse and Low-Tech Strategy (1997), Now and Here (2002), I Built in West China? (2009) o The Conception of Brightmoon (2014), para el arquitecto chino «escribir novelas y ejercer la arquitectura son formas distintas de arte», y añade: «no he intentado combinarlas deliberadamente. Sin embargo, tal vez debido a mi doble formación, existe una conexión inherente entre ambas en mi trabajo».

En opinión del jurado, presidido por Alejandro Aravena, y del que forman parte entre otros Anne Lacaton, Kazuyo Sejima, Barry Bergdoll y Deborah Berke, «a través de una obra excepcional, coherente y de calidad, Liu Jiakun imagina y construye nuevos mundos, libre de cualquier restricción estética o estilística. En lugar de un estilo, ha desarrollado una estrategia que nunca se basa en un método recurrente, sino en evaluar de forma diferente las características y los requisitos específicos de cada proyecto».

Distrito cultural Songyang en Lishui (2020).

Liu Jiakun es el tercer arquitecto chino reconocido con el preciado galardón que concede anualmente la Fundación Hyatt desde 1979 (anteriormente lo recibieron el estadounidense de origen chino Ieoh Ming Pei en 1983, y Wang Shu en 2012), y que está dotado con 100.000 dólares. La ceremonia de entrega tendrá lugar el próximo 5 de mayo en el Museo del Louvre en Abu Dabi, de Jean Nouvel.

Veredicto del Jurado

El Premio Pritzker de Arquitectura reconoce el talento, la visión y el compromiso de aquellos arquitectos que, de manera constante, han realizado contribuciones significativas a la humanidad y al entorno construido.

En un mundo donde la arquitectura enfrenta desafíos sociales y ambientales en constante evolución, Liu Jiakun ha respondido con soluciones innovadoras que celebran tanto la vida cotidiana como las identidades comunitarias y espirituales.

A lo largo de su carrera, Liu Jiakun ha mantenido una coherencia profunda y una calidad constante en su obra. Su enfoque no sigue un estilo fijo, sino una estrategia adaptable a las particularidades de cada proyecto. En lugar de aplicar un método recurrente, analiza cada contexto y lo transforma en un nuevo escenario para la vida cotidiana. Su arquitectura no solo responde a necesidades funcionales, sino que también aporta sentido común y sabiduría al diseño.

West Village en Chengdu (2015).

Generalmente, el entorno construido enfrenta presiones opuestas. Aunque la densidad urbana es una solución sostenible, también puede comprometer la calidad de vida. Liu Jiakun replantea este concepto mediante la cohabitación, creando soluciones que equilibran fuerzas contrapuestas. En proyectos transformadores como West Village en Chengdu, redefine los espacios públicos y la vida comunitaria, demostrando que la densidad no es incompatible con sistemas abiertos, adaptables y replicables. Su arquitectura no impone, sino que se activa con la vida de sus habitantes.

Museo de Ladrillos de Horno Imperial de Suzhou (2016).
Museo Shuijingfang de Chengdu (2013).

Para Liu Jiakun, la identidad no es solo individual, sino también colectiva. Se inspira en la tradición china como un punto de partida para la innovación, evitando la nostalgia y la ambigüedad. Su arquitectura integra lo local y lo global con resultados sorprendentes. Ejemplo de ello son sus museos, como el Museo de Ladrillos de Horno Imperial de Suzhou o el Museo Shuijingfang de Chengdu, que combinan historia, infraestructura, paisaje y espacio público en una síntesis armoniosa. En el Memorial Hu Huishan de Chengdu, Liu Jiakun entiende que la memoria—tanto personal como colectiva—es esencial para la construcción de lugares con significado.

Además, su enfoque tecnológico se basa en la «apropiación inteligente», utilizando materiales y técnicas locales con una honestidad radical. Desde sus primeros proyectos, ha evitado artificios para permitir que los materiales expresen su propia esencia. Su arquitectura abraza el paso del tiempo sin temor al deterioro, incorporando la memoria colectiva en cada obra.

Renovación de las cuevas de Tianbao en Luzhou (2021).
West Village en Chengdu (2015).

Liu Jiakun también integra la naturaleza como un elemento fundamental de su arquitectura. Desde West Village hasta la renovación del distrito de cuevas Tianbao en Luzhou, pasando por el Museo de Arte de Esculturas de Piedra de Luyeyuan en Chengdu, sus proyectos establecen una relación recíproca entre entornos construidos y paisajes naturales, en sintonía con la filosofía china tradicional.

Museo de Arte de Esculturas de Piedra de Luyeyuan en Chengdu (2002).

Por su capacidad para mediar entre la realidad y el idealismo, por transformar soluciones locales en visiones universales y por desarrollar un lenguaje arquitectónico que refleja un mundo más justo y sostenible, Liu Jiakun ha sido nombrado ganador del Premio Pritzker 2025.

El jurado encargado de asignar el Premio Pritzker de este año estuvo integrado por:

Alejandro Aravena, 2020-presente (Presidente 2021-presente) – Premio Pritzker 2016.

Barry Bergdoll, 2019-presente.

Deborah Berke, 2019-presente.

Stephen Breyer, 2012-presente.

André Aranha Corrêa do Lago, 2017-presente.

Anne Lacaton, 2025-presente, Premio Pritzker 2021.

Hashim Sarkis, 2025-presente.

Kazuyo Sejima, 2017-presente – Premio Pritzker 2010.

Manuela Lucá-Dazio, 2020-presente (Directora ejecutiva).

ACA

VALE LA PENA CONOCER

En días pasados, el arquitecto Lesmes Castañeda, quien en varias oportunidades ha colaborado con esta página, nos hizo llegar un texto fechado en diciembre de 2024, elaborado con las pautas propias de una publicación de carácter académico, titulado “La reintegración cromática de los edificios de la Ciudad Universitaria de Caracas. El caso de la Facultad de Ingeniería”, vinculado a los trabajos adelantados por la Comisión Presidencial para la recuperación de la UCV de la cual Castañeda ha formado parte como experto.

En virtud del interés que posee y de la explicación de los criterios estrictamente técnicos utilizados en la obra señalada, nos ha parecido procedente publicar el escrito íntegramente a fin de que sea aprovechado por quienes no conocen a plenitud el proceso que debe seguirse en trabajos restaurativos de esta naturaleza.

HVH

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LA REINTEGRACIÓN CROMÁTICA DE LOS EDIFICIOS DE LA CIUDAD UNIVERSITARIA DE CARACAS. EL CASO DE LA FACULTAD DE INGENIERÍA.

Lesmes Manuel Castañeda Hernández

Arquitecto Especialista en Restauración de Monumentos

Caracas, diciembre 2024

RESUMEN

Para devolverle la autenticidad que ameritan los edificios de carácter patrimonial, como es el caso de los pertenecientes a la Ciudad Universitaria de Caracas, campus declarado en el año 2000 por la Unesco Patrimonio Mundial, se requiere una línea de trabajo de indagación documental y procesamiento de la información obtenida en el sitio, que permita la restitución del cromatismo original del edificio, responsable importante en la conservación de su imagen.

Palabras claves: Patrimonio mundial, conservación, imagen, reintegración cromática, pintura. color.

PROPÓSITOS

Dentro de los propósitos de los trabajos de recuperación de la Ciudad Universitaria de Caracas (CUC), que se han adelantado, aparte de la rehabilitación de los distintos edificios que la constituyen, mediante la restitución de su funcionalidad y la actuación conservativa sobre los distintos componentes constructivos que los conforman, está la restitución de la imagen de los mismos, que junto con otros importantes valores arquitectónicos, urbanos, paisajísticos y artísticos de este campus, le han hecho merecedor de la condición que actualmente ostenta de “Patrimonio Mundial”.

PRINCIPIOS

En la restitución de la imagen de los edificios, ya sea externa o interna, además de las acciones de profilaxis espacial que se han requerido y las acciones de restitución de las propiedades de los distintos materiales y acabados que presenta, está la actuación sobre los cerramientos y otros elementos constructivos, a los que en el desarrollo de los proyectos elaborados por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva a mediados del siglo XX, le fueron asignados determinados colores y que en el transcurso del tiempo fueron alterados.

Para recuperar la autenticidad de la imagen requerida en la conservación de estos edificios patrimoniales, el Hospital Clínico de la Ciudad Universitaria, y los distintos edificios pertenecientes a la Facultad de Medicina, han merecido particular atención. También está el caso de los edificios de la Facultad de Ingeniería que nos ocupa en esta ocasión.

ANTECEDENTES

En estos edificios, a lo largo de 70 años, en los distintos trabajos de mantenimiento realizados en los cerramientos que poseen revestimientos de frisos destinados a recibir acabados de pintura, ya sean externos o internos, fueron casi todos pintados de color blanco o con otros colores en forma arbitraria, ya sea por desconocimiento de la información planimétrica preexistente que en el proyecto bien los especifica o por la dinámica de improvisación que muchas veces caracteriza a estos trabajos. Similar situación sucedió con otros componentes constructivos, tales como la herrería de ventanas, los marcos metálicos de puertas, la tabiquería metálica en los sanitarios y las distintas tuberías de instalaciones que en el proyecto fueron previstas a la vista.

ACTUACIÓN

De esta manera, se trató de determinar el tono y matiz del color, tipo de pintura y brillo, especificado para cada componente constructivo, basándose en el archivo de los planos originales del antiguo Instituto Ciudad Universitaria (ICU) que actualmente reposan en las instalaciones de la Casona Ibarra. Cuando esta información por alguna razón no estuvo presente en los referidos planos, se recurrió a la técnica del decapado de pintura sobre el componente sujeto a recuperar su color original.

IDENTIFICACIÓN DE LOS COLORES

Ahora bien, la especificación de colores aparecida en los planos de los edificios de Ingeniería. está expresada en un tono genérico en el texto (ej. gris, negro o amarillo, etc) mientras que el detalle del matiz se indica con un código alfanumérico perteneciente a un catálogo comercial especifico, en este caso identificado como Pabco, (Figura 5) (ej. PINTURA GRIS 193A). Para los colores blanco y negro, este código se omite por razones obvias. Ver ejemplo de la especificación en la fachada norte del cuerpo Oeste del edificio de Petróleo, Química y Geología (Figura 1).

En otros planos, las especificaciones de colores internos aparecen señaladas en perspectivas elaboradas a mano alzada como las del detalle del plano 22-A-10 (Figura 3). En ella aparecen también las especificaciones de los colores de los mosaicos vidriados identificados con el subíndice «T» (taquitos) cuyos colores en este espacio se han mantenido inalterados debido a las propiedades del material.

Los mosaicos vidriados, en los colores amarillo, gris, blanco o negro, caracterizan gran parte de las fachadas de la mayoría de los edificios de Ingeniería en las superficies de paramentos que no posean revestimiento de frisos o acabados de concreto a la vista. La reintegración cromática por causa de las alteraciones que han sufrido estos acabados, requiere de un tratamiento aparte debido a su naturaleza y complejidad.

Figura 1. Detalle del plano ICU 22-A-9 que indica los colores de la fachada norte del cuerpo oeste de la Escuela de Petróleo, Química y Geología.
Figura 2. Imagen actual del cuerpo oeste de la Escuela de Petróleo, Química y Geología.
Figura 3. Detalle en perspectiva del plano ICU 22-A-10 .
Figura 4. Imagen actual de la entrada principal del edificio de Ingeniería de Petróleo, Química y Geología, correspondiente al punto de vista aproximado de la perspectiva de la Figura 3.

ESPECIFICACIÓN DE LOS COLORES A APLICAR

Es de señalar que la empresa estadounidense de pinturas Pabco, desapareció del mercado hace algún tiempo, por lo cual fue necesario adquirir el muestrario en repositorios comerciales de ese país. De esta manera, una vez obtenido el muestrario de colores e identificado en él el código señalado en los planos, se procedió a determinar por simple comparación visual, el código equivalente en los catálogos comerciales existentes y que las empresas de pintura nacionales estén en capacidad de producir. En este caso se utilizó el catálogo GLIDDEN The Master Palette (Figura 6) empleado por la empresa Montana. De esta manera, tomando como ejemplo la especificación COLOR GRIS 193 A del catálogo Pabco, corresponde a la especificación de pinturas Montana: Seal Grey, Specify #00NN 25/000, Order #A201.

Figura 5. Catálogo Pabco.
Figura 6. Catálogo Glidden.

Métodos más exactos para establecer el color de una superficie, emplean equipos como el Colorímetro o el Espectrofotómetro. Estos equipos nos permiten obviar las distorsiones perceptivas del metamerismo. [1]

Cabe mencionar que en el campo de la restauración a nivel internacional, se suele emplear el patrón de colores denominado Pantone, creado originalmente para las artes gráficas, elaborado por una empresa con ese nombre con sede en Estados Unidos. Sin embargo, algunos países emplean un sistema de códigos específicos diferentes.

OTRAS ESPECIFICACIONES

En cada situación se especificó, además del código comercial equivalente en el mercado nacional, si la pintura es para interiores o para exteriores, la naturaleza de la misma, ya sea en base a agua o en base a aceite y además el tipo de brillo, ya sea brillante, satinado o mate. En todos los casos se especificó que la calidad de la pintura sea de clase A.

Adicionalmente, en la mayoría de las especificaciones aparecidas en los planos de los edificios de la CUC, la pintura en paredes y techos, cuando se trata de pintura en base a agua, se especifica con brillo mate. En la herrería de ventanas, barandas y marcos de puertas y tabiques sanitarios, en base a aceite, se especifica satinada, mientras que en las tuberías de instalaciones a la vista, también en pintura en base a aceite, se especifica brillante. Sin embargo en estos trabajos, para los espacios internos de tipo público, tales como pasillos, aulas o sanitarios, por razones de mantenimiento y mayor lavabilidad de su superficie, nos hemos atrevido a especificar la pintura en paredes en base a agua, en brillo satinado, dejando el acabado mate para los techos de todos los espacios y las paredes de los más privados, tales como oficinas y otras áreas administrativas.

EL DECAPADO

Por otra parte, el proceso de obtener información del color original de un acabado, a falta de la especificación aparecida en los planos, se basó en la técnica del decapado como ya lo hemos señalado, que consiste básicamente, mediante procesos mecánicos y químicos, en realizar calas sucesivas (Figura 7), que permitan identificar el color y la naturaleza de las distintas capas de pintura que ha recibido una superficie en el tiempo, hasta llegar a las primeras que recibió, excluyendo la inicial en el caso de algunos edificios inicialmente pintados de blanco (ej. Hospital Clínico Universitario) y la correspondiente a la protección anticorrosiva en el caso de la carpintería metálica. Sin embargo, es posible que esta información no se pueda obtener cuando esa superficie, previo a la pintura existente, haya recibido la remoción total de las anteriores o el friso subyacente haya sido reconstruido completamente. Para evitar esta situación en el futuro, en el campo de la conservación de monumentos, cuando se deba remover la pintura existente de una pared o se reconstruya el friso completamente, se recomienda dejar intacta como testigo, una pequeña superficie en la esquina superior derecha del paramento.

Con el objeto de restituir los colores de las aulas anfiteátricas del edificio de la Escuela Básica, en ausencia de la información planimétrica requerida, se procedió a realizar una serie de calas en las paredes, que arrojaron luces sobre sus colores originales. Información que luego fue corroborada al remover los pizarrones existentes en el escenario, apareciendo dichos colores detrás de los mismos.

Figura 7. Ejemplo de cala cromática mediante decapados de pintura.

CONCLUSIONES

Se pretende que este trabajo sirva como referencia para las futuras intervenciones de carácter conservativo que deban recibir los distintos edificios de la Facultad de Ingeniería en cuanto a la definición de su cromatismo y que por extensión esta información pueda derivarse a otros edificios de la CUC.

AGRADECIMIENTOS:

Arquitectos Eduardo Gil, Gregory Vertullo, ingeniero Humberto Rengel

REFERENCIAS:

1. Villanueva, Carlos Raul. Plano 22-A-9. Escuela de ingeniería. Laboratorios de Petróleo, Química y Geología. Fachadas-Acabado. Instituto Ciudad Universitaria Caracas, (1950)

2. Villanueva, Carlos Raúl. Plano 22-A-10. Escuela de ingeniería. Laboratorios. Colores. Instituto Ciudad Universitaria. Caracas, (1950).


[1] Metamerismo:. Fenómeno óptico que se produce cuando dos muestras de color parecen iguales bajo una determinada iluminación, pero se ven diferentes bajo otras condiciones de iluminación.

NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

Barbarian Architecture

Thorstein Veblen’s Chicago

Joanna Merwood-Salisbury

The MIT Press

2024

Idioma: inglés

Descripción

Una rica historia de la arquitectura y teoría de la modernidad que reexamina el texto clásico de Thorstein Veblen, La teoría de la clase ociosa, a través de la lente de Chicago en la década de 1890.

Importante crítico de la cultura moderna, el economista estadounidense Thorstein Veblen es más conocido por el concepto de “consumo ostentoso”, la exhibición ostentosa y derrochadora de bienes al servicio del estatus social, un término que acuñó en su clásico de 1899 La teoría de la clase ociosa. En el campo de la historia de la arquitectura, los académicos han empleado a Veblen para respaldar una amplia gama de argumentos sobre la arquitectura moderna, pero nunca ha atraído un tratamiento exhaustivo y crítico desde el punto de vista de la historia de la arquitectura. En Arquitectura bárbara, Joanna Merwood-Salisbury corrige esta omisión al reexaminar el famoso libro de Veblen como una teoría original de la modernidad y situarlo en un lugar y una época particulares: Chicago en la década de 1890.

Merwood-Salisbury toma su título del uso que Veblen hace del término “bárbaro”, que se refiere a su creencia de que la sociedad estadounidense de la Edad Dorada era un último vestigio de un estado bárbaro de codicia y avaricia. Adoptando un enfoque interdisciplinario que se basa en la biografía, la historia intelectual y la historiografía, explora la posición de Veblen en relación con los debates sobre la reforma industrial y la estética en Chicago durante el período 1890-1906. Respaldada por una sólida narrativa visual que fue posible gracias a varias de las colecciones fotográficas históricas de Chicago, Barbarian Architecture presenta un argumento convincente y original sobre la influencia de la ciudad natal de Veblen en su obra y sus ideas.

ACA

ES NOTICIA

Serpentine anuncia a Marina Tabassum como la diseñadora para el Pabellón de 2025

Serpentine Pavilion 2025 diseñado por Marina Tabassum, Marina Tabassum Architects (MTA). Render de diseño, vista exterior.

Escrito por Maria-Cristina Florian

Traducido por Paula Pintos

Publicado el 28 de enero 2025

Tomado de http://www.archdaily.cl

Serpentine ha seleccionado a la arquitecta y educadora de Bangladés Marina Tabassum y su firma, Marina Tabassum Architects, para diseñar el Pabellón 2025. Titulado «Una cápsula en el tiempo», la propuesta se inspira en la naturaleza efímera de la arquitectura en el Delta del Bengala, incorporando una estructura semitransparente destinada a evocar un sentido de comunidad y conexión. El Pabellón abrirá al público el 6 de junio de 2025, marcando 25 años desde la primera comisión de Serpentine para la estructura inaugural de Zaha Hadid en Hyde Park en 2000.

Serpentine Pavilion 2025 diseñado por Marina Tabassum, Marina Tabassum Architects (MTA). Render de diseño, vista interior.

El trabajo de Marina Tabassum Architects se centra en proyectos social, ambiental y políticamente comprometidos, abordando particularmente los desafíos que enfrentan las comunidades marginadas en Bangladés. Sus proyectos notables incluyen la Khudi Bari, viviendas modulares diseñadas para la adaptabilidad en áreas propensas a inundaciones. El enfoque arquitectónico de Tabassum enfatiza un estilo contemporáneo arraigado en el clima local, el contexto, la cultura y la historia.

Serpentine Pavilion 2025 diseñado por Marina Tabassum, Marina Tabassum Architects (MTA). Render de diseño, vista exterior.

El Pabellón 2025, apoyado por Goldman Sachs, incorpora cuatro formas de cápsula de madera con una fachada translúcida, creando un juego de luz y sombra. Un elemento de cápsula central y móvil añade una dimensión cinética a la estructura, inspirado en las tiendas tradicionales Shamiyana del sur de Asia. El diseño tiene como objetivo crear un espacio versátil para diversos eventos y reuniones públicas, fomentando la interacción comunitaria. El diseño del pabellón será acompañado por un catálogo publicado por Serpentine en junio de 2025, que incluirá ensayos y una conversación entre Tabassum y el Director Artístico de Serpentine.

Al concebir nuestro diseño, reflexionamos sobre la naturaleza transitoria de la comisión, que nos aparece como una cápsula de memoria y tiempo. La relación entre el tiempo y la arquitectura es intrigante: entre la permanencia y la impermanencia, el nacimiento, la vejez y la ruina; la arquitectura aspira a sobrevivir al tiempo. La arquitectura es una herramienta para dejar legados, cumpliendo el deseo humano inherente de continuidad más allá de la vida. En el delta del Bengala, la arquitectura es efímera a medida que las viviendas cambian de ubicación con el curso de los ríos. La arquitectura se convierte en recuerdos de los espacios vividos continuados a través de relatos. El volumen arcaico de una media cápsula, generado por la geometría y envuelto en material semitransparente de luz, creará un juego de luz filtrada que atravesará la estructura como si estuviéramos bajo un Shamiyana en una boda bengalí. El Pabellón Serpentine ofrece una plataforma única bajo el sol de verano para unirse como personas ricas en diversidad. El escenario está preparado, las sillas están colocadas. Imaginamos varios eventos y encuentros que tendrán lugar en este espacio versátil que unifica a las personas a través de conversaciones y conexiones. – Marina Tabassum, Arquitecta, Marina Tabassum Architects (MTA)

Marina Tabassum

El pabellón anterior, «Vacío Arquipelágico», diseñado por Minsuk Cho de Mass Studies, estuvo abierto al público desde el 7 de junio hasta el 27 de octubre de 2024, en los Jardines de Kensington de Londres. Continuando la dirección de diseñadores anteriores, Minsuk Cho utilizó referencias de su contexto local para diseñar un espacio que fomenta la interacción y la reunión comunitaria. Más allá del diseño, el pabellón ha representado una oportunidad para explorar y promover ideales más amplios de sostenibilidad y ética laboral. Para el Pabellón 21, Theaster Gates colaboró con ONG para garantizar un proceso de producción ético y eliminar el trabajo forzado en la cadena de suministro de materiales de construcción.

ACA