La Asociación de Arte de Japón ha nombrado al arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura Laureado del Praemium Imperiale de Arquitectura 2025. En su 36.ª edición, el premio reconoce la trayectoria de artistas en los campos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la música y el teatro/cine. El Praemium Imperiale se creó en 1988 para reconocer a personas cuyo trabajo ha contribuido significativamente al enriquecimiento del panorama cultural global. Souto de Moura fue reconocido por crear una arquitectura que conecta con el presente, conservando una calidad atemporal.
Estadio Municipal de Braga.
Nacido en Oporto en 1952, Souto de Moura estudió arquitectura en la Escola Superior de Bellas Artes do Porto y colaboró con Álvaro Siza antes de fundar su propio estudio en 1980. Su obra abarca una amplia gama de tipos y escalas de edificios, desde viviendas particulares hasta edificios públicos, caracterizados por un enfoque en la materialidad, la estructura y una fuerte conexión con el lugar. Entre sus proyectos más destacados se incluyen el Estadio Municipal de Braga, excavado en una antigua cantera; la Casa das Historias Paula Rego, conocida por sus volúmenes en tonos terracota; y el Centro Cultural de Viana do Castelo, diseñado para asemejarse más a una máquina que a un edificio.
Casa das Histórias Paula Rego.
La arquitectura de Souto de Moura es reconocida por su lenguaje formal claro y su atención a la artesanía. Sus proyectos emplean una paleta de materiales sobria, a menudo granito, hormigón, madera y ladrillo, y se integran estrechamente con el contexto y el paisaje circundantes. Su enfoque equilibra la simplicidad con una cuidadosa exploración del espacio, la luz y la textura, dando como resultado edificios que transmiten un sentido de pertenencia y continuidad. Su trabajo ha sido ampliamente reconocido por combinar la innovación con un profundo respeto por la historia y el lugar, creando una arquitectura que interactúa con los contextos contemporáneos a la vez que se nutre de las tradiciones y entornos locales.
Centro Cultural de Viana do Castelo.
«Quiero crear objetos donde la gente pueda vivir y ser feliz». – Eduardo Souto de Moura en una entrevista con ArchDaily
A lo largo de su carrera, Souto de Moura ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio Pritzker de Arquitectura en 2011, el Premio Wolf en 2013 y el León de Oro al Mejor Proyecto en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2018. También ha sido galardonado con el Premio Arnold W. Brunner Memorial y la Orden Francesa de las Artes y las Letras, lo que refleja su influencia y prestigio internacional. Además de su práctica profesional, ha contribuido a la formación en arquitectura en instituciones como la Universidad de Harvard y la ETH de Zúrich. El Praemium Imperiale 2025 se suma a la extensa trayectoria de reconocimiento de Souto de Moura y lo sitúa entre los arquitectos contemporáneos más destacados cuyo trabajo combina rigor material, sensibilidad cultural y claridad conceptual, lo que subraya su continua relevancia e influencia dentro del discurso arquitectónico global.
Parcelamiento y casas de Sete Cidades
Junto a Souto de Moura, entre los galardonados de 2025 se encuentran el pintor Peter Doig, la escultora Marina Abramović, el pianista András Schiff y la coreógrafa Anne Teresa De Keersmaeker. La ceremonia de entrega de premios está prevista para el 22 de octubre de 2025 en Tokio. Al igual que otros galardonados en arquitectura, como Shigeru Ban en 2024, Diébédo Francis Kéré en 2023 y Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa de SANAA en 2022, Souto de Moura es reconocido por su trayectoria y su influencia global.
…1 de junio, en 1935, nació el renombrado arquitecto británico Norman Foster. También, en 1941, vino al mundo el no menos laureado arquitecto japonés Toyo Ito.
1. Norman Foster (izquierda). Toyo Ito (derecha).
La poco frecuente coincidencia en el día de nacimiento de dos de los más importantes arquitectos contemporáneos, Norman Robert Foster y Toyo Ito (en japonés Itō Toyo-o), acreedores ambos del Premio Pritzker y con una fructífera carrera profesional, nos puede permitir, no sólo hacer un repaso somero de sus respectivas trayectorias, sino intentar mostrarlas comparativamente gracias a los contrastes existentes en el desarrollo de cada una y en la manera de entender, concebir, materializar y expresar su arquitectura.
Aunque la diferencia de edad no es tan marcada (Foster arriba hoy a los 90 años mientras Ito llega a los 84), sin duda los contextos socio-económico-políticos que caracterizaron el momento en que nacen, las condiciones familiares y formativas que los rodean y las culturas a las que pertenecen, no dejan de ofrecer un buen patrón de referencia para establecer algunas coincidencias y muchas distancias entre ellos.
2. Plaza Houldsworth en el centro de Reddish.
Foster, hijo único, nació en Reddish, a 3,2 km al norte de Stockport, antiguamente parte de Lancashire, Reino Unido. Muy pronto la familia se mudó a Levenshulme, un suburbio de bajos ingresos vecino de Manchester. Su padre era pintor de máquinas en la fábrica Metropolitan-Vickers de Trafford Park y su madre trabajaba en una panadería local y, teniendo que laborar todo el día, el pequeño Norman a menudo quedaba bajo el cuidado de vecinos y familiares. Bajo tales condiciones las probabilidades de que desarrollara una carrera en cualquier profesión eran muy remotas.
3. Vista del lago Suwa con Shimosuwa, prefectura de Nagano, bordeando su orilla.
Ito, nació en Seúl, actual Corea del Sur, en ese momento ocupada por Japón. Su padre era un hombre de negocios (presidente de una filial textil de Mitsui & Co.) con un interés especial en la cerámica temprana de la dinastía Yi de Corea y las pinturas de estilo japonés. En 1943, Ito, su madre y sus dos hermanas mayores regresaron a Japón. Dos años después, también lo hizo su padre, y todos vivieron en la zona rural de Shimosuwa, prefectura de Nagano. Ito ha declarado que la experiencia de vivir junto al lago Suwa y la tranquilidad de sus aguas influyeron enormemente en su carrera como arquitecto.
Ambos, Foster e Ito, siendo niños, vivieron bajo diferentes perspectivas el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial dada la opuesta vinculación de sus países natales en el conflicto. También les correspondió formarse durante la dura posguerra que ambas naciones transitaron.
4. Burnage Grammar School for Boys en Burnage de Manchester.5. Norman Foster. «Dibujando el Camino: el Lugar de Trabajo y el Aula» (c.1952).
A Foster, quien asistió a la Burnage Grammar School for Boys en Burnage de Manchester, siempre lo acompañó su afán de superación dada su procedencia y de allí la necesidad de trabajar en diferentes oficios desde muy joven para colaborar con la familia y sufragar sus estudios. Al igual que a Ito (más holgado desde el punto de vista económico), sus primeras inclinaciones estuvieron dirigidas a estudiar ingeniería manifestando una particular atracción por el diseño aeronáutico y automovilístico, encauzándose hacia la arquitectura por su gran habilidad para dibujar la cual develó cuando fue asistente de un gerente de contratos en el estudio de arquitectura local, John E. Beardshaw and Partners.
Ito, por su parte, pudo despertar su vocación influido por su abuelo maderero y la afición de su padre por dibujar planos para las casas de sus amigos y, particularmente, por haber vivido cuando cursaba el primer año de secundaria, el episodio en que su madre le pidió al arquitecto modernista Yoshinobu Ashihara, quien acababa de regresar a Japón desde Estados Unidos, donde trabajaba en la oficina de Marcel Breuer, que le diseñara su casa en Tokio.
6. Universidad de Manchester.7. Paul Rudolph. Edificio de la escuela de arquitectura de la Universidad de Yale, cuya construcción vivió Norman Foster mientras realizaba estudios de postgrado allí entre 1961 y 1963.
Foster, según Wikipedia, “en 1956 comenzó a estudiar en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Victoria de Manchester. No cumplía los requisitos para una beca de manutención, por lo que aceptó trabajos a tiempo parcial para financiar sus estudios, incluyendo puestos de vendedor de helados, portero y turnos de noche en una panadería. Durante este tiempo, también estudió en la biblioteca local de Levenshulme. (…) Tras graduarse en 1961, Foster obtuvo la beca Henry para la Escuela de Arquitectura de Yale en New Haven, Connecticut, donde conoció a su futuro socio Richard Rogers y obtuvo su maestría. Por sugerencia del historiador de arte de Yale Vincent Scully, la pareja viajó por Estados Unidos durante un año para estudiar arquitectura”.
8. Universidad de Tokio.
También según Wikipedia, Ito, luego de un primer intento no exitoso para ingresar a la Universidad de Tokio, pudo matricularse en 1961 “y eligió arquitectura como su campo de especialización en su segundo año solo porque sus calificaciones del primer año no fueron buenas. Originalmente (como ya se adelantó), pretendía estudiar ingeniería mecánica o eléctrica. En ese momento, Kenzo Tange era profesor del departamento de arquitectura de la universidad, mientras que Arata Isozaki, Sachio Otani y Kisho Kurokawa eran sus alumnos. Ito se graduó del departamento de arquitectura de la Universidad de Tokio en 1965”.
9. Team 4. En el sentido de las agujas del reloj desde arriba a la izquierda: Anthony Hunt, Frank Peacock, Maurice Phillips, Norman Foster, Su Brumwell, Richard Rogers, Wendy Cheesman and Sally Appleby.10. Norman Foster (a la derecha con corbata) junto a algunos de los integrantes del Team 4, reunidos con Bukcminster Fuller (a la izquierda) (c.1966).11. The Cockpit (llamado por Foster como The Retreat) es el primer encargo profesional de Team 4. Fue construido entre 1963 y 1964.
De regreso en 1963 de los Estados Unidos, Foster “fundó su propio estudio de arquitectura, Team 4, junto con Rogers, Su Brumwell y las hermanas Georgie y Wendy Cheesman Entre sus primeros proyectos se encontraba Cockpit, una burbuja de cristal minimalista instalada en Cornualles, cuyas características se convirtieron en un tema recurrente en los proyectos futuros de Foster. Tras la separación de los cuatro en 1967, Foster y Wendy fundaron un nuevo estudio, Foster Associates. De 1968 a 1983, Foster colaboró con el arquitecto estadounidense Richard Buckminster Fuller en varios proyectos que se convirtieron en catalizadores del desarrollo de un enfoque de diseño respetuoso con el medio ambiente, como el Teatro Samuel Beckett en el St Peter’s College de Oxford”.
12. Toto Ito. Aluminium House. Fujisawa, Kanagawa, Japón (1970-1971).13. Toyo Ito. White U. Tokio, Japón (1976-1976). Fue diseñada por Ito para su hermana viuda y sus dos hijas pequeñas.14. Toyo Ito. Silver Hut. Tokio, Japón (1982-1984). Vivienda personal.
Ito, “tras trabajar para Kiyonori Kikutake Architect and Associates de 1965 a 1969 (junto con Itsuko Hasegawa ), en 1971 abrió su propio estudio en Tokio, llamado Urbot («Urban Robot»). En 1979, el nombre del estudio cambió a Toyo Ito & Associates. (…) A lo largo de sus inicios profesionales, Ito construyó numerosos proyectos de viviendas particulares que reflejaban aspectos de la vida urbana en Japón. Sus primeras contribuciones conceptuales más destacadas se realizaron a través de proyectos de esta envergadura, como White U (1976) y Silver Hut (1984)”, ambas ubicadas en Tokio.
15. Foster Associates. Centro administrativo y de ocio para Fred. Olsen Lines, London Docklands (1968-1970).16. Foster Associates. Izquierda: Computer Technology Limited cerca de Hemel Hempstead (1970). Derecha: Willis Faber & Dumas en Ipswich (1974).17. Foster Associates. Izquierda: Sainsbury Centre for Visual Arts (1978). Derecha: Edificio Principal del HSBC en Hong Kong (1978-1985).18. Foster Associates. Izquierda: Centro de distribución de Renault en Swindon, Reino Unido (1981). Derecha: Nueva terminal en el Aeropuerto Stansted de Londres (1991).19. Foster Associates.. Carre d’Art, Nimes, Francia (1984-1993).
Observando como encaminaron sus respectivas trayectorias profesionales, encontramos que Foster, se fue labrando un camino caracterizado por la presencia de la alta tecnología trazado a través de proyectos de edificios industriales, que luego tendría su imagen más acabada a través del diseño de aeropuertos y de edificios de oficina. Obras pioneras como el centro administrativo y de ocio para Fred. Olsen Lines con sede en London Docklands (1969) seguido, en 1970, por el primer edificio de oficinas inflable del mundo para Computer Technology Limited cerca de Hemel Hempstead, y en 1974 por la finalización de la sede de Willis Faber & Dumas en Ipswich, fijarán una línea que tendrá en el Sainsbury Centre for Visual Arts (1978), el Edificio Principal del HSBC en Hong Kong (1978-1985), el Centro de distribución de Renault en Swindon, Reino Unido (1981), la nueva terminal en el Aeropuerto Stansted de Londres (1991) y como caso especial la Carre d’Art, Nimes, Francia (1984-1993), sus momentos culminantes y el comienzo de su proyección internacional como uno de los principales representantes del “high tech”, transformando el concepto del oficio de arquitecto en su país.
20. Toyo Ito. Viviendas para la mujer nómada de Tokio Pao I y Pao II (1985 y 1989).
Ito, por su parte, basó en la experiencia iniciada a través del diseño de pequeñas viviendas unifamiliares una exploración que, con el tiempo, lo convirtieron en uno de los arquitectos más innovadores e influyentes del panorama arquitectónico internacional. Así, con los proyectos de viviendas para la mujer nómada de Tokio Pao I y Pao II (1985 y 1989), Ito presentó mediante una arquitectura ligera y efímera todo un manifiesto y un escenario ilustrativo de los estilos de vida típicos durante el período de la economía de burbuja en Japón, en el que la mayoría de las funciones domésticas se disuelven en la metrópoli, mientras que la unidad viva se convierte en una entidad reducida que sólo proporciona un refugio mínimo y el acceso a la red informativa.
21. Toyo Ito. Torre de los Vientos. Yokohama (1986). Secuencia lumínica.22. Toyo Ito. Huevo de los Vientos (1991), River City 21, Tokio.
La Torre de los Vientos (1986) en Yokohama y el Huevo de los Vientos (1991) en River City 21, Tokio, otros proyectos emblemáticos e indicativos de su enfoque sobre la arquitectura denotan, por un lado, su particular creencia en la importancia de la tecnología y su papel vital en el futuro de la arquitectura y, por el otro, su diálogo interactivo con la ciudad estableciendo una relación simbólica directa entre la naturaleza y la instalación. “Si bien su función es, de hecho, servir de salidas de aire para el sistema subterráneo, su importancia reside en el tratamiento que Ito da a su opacidad, uno de los sellos distintivos de su obra. Aunque parecen sólidas durante el día, las estructuras de aluminio perforado se disuelven por la noche mediante sistemas de iluminación controlados por ordenador que forman una pantalla interactiva que representa datos medidos, como los niveles de ruido en su entorno”.
23. Foster Associates. Izquierda arriba: Millennium Tower de Tokio (1989). Izquierda abajo: London Millennium Tower (1996). Foster + Partners. Derecha: 30 St Mary Axe (2004).24. Foster + Partners. Cúpula del Reichstag, Berlín (1999).25. Foster + Partners. Viaducto de Millau, sur de Francia (2004).26. Foster + Partners. Sede corporativa de Apple Inc. Cupertino, California (2006-2017).
Habiendo copado el interés durante finales del siglo XX y comienzos del XXI con proyectos como la London Millennium Tower (1996) -con el antecedente de la Millennium Tower de Tokio (1989) que sería el rascacielos más alto del mundo- finalmente devenida en el 30 St Mary Axe (conocido popularmente como «the gherkin» o “el pepinillo”, debido a su forma, 2004); la Cúpula del Reichstag, Berlín (1999); el London Millennium Bridge (1996-2000); el Viaducto de Millau, en el sur de Francia (2004, considerado el puente más alto del mundo); o el edificio para la sede corporativa de Apple Inc. (Apple Park, 2006-2017, ubicado e Cupertino, California), hoy en día, con una generación de relevo que ha tomado las riendas en cuanto a ocupar primeras planas y generar tendencia, Foster a los 90 años se mantiene sorprendentemente activo.
27. Sede de la Norman Foster Foundation, Monte Esquinza, 48, Madrid, España.28. Entrada al portal de Foster + Partners.
Famoso, adinerado y transformado en miembro del jet-set internacional dada su condición de lord, Norman Foster hoy lidera pero a la vez se diluye dentro Foster + Partners, la firma transnacional que ha logrado consolidar, nacida en 1999 (sustituyendo a Foster Associates fundada, como ya se dijo, en 1967), con presencia en, al menos, 10 países y sucursales en 16 ciudades en las que cuenta con más de 1000 empleados, a la que se suma desde 2017 la Norman Foster Foundation con sede en Madrid que “fomenta el pensamiento y la investigación interdisciplinar para ayudar a nuevas generaciones de arquitectos, diseñadores y urbanistas a anticiparse al futuro”, se muestra hoy como un claro ejemplo de arquitectura corporativa y de estandarte de la globalización, en donde la diversidad de encargos (en cuanto a escalas, tipologías y localizaciones) y la necesidad de delegar decisiones hace imposible determinar un comportamiento claro y coherente, permitiéndose sólo hablar de preocupaciones generales en torno a la sostenibilidad, el cambio climático, el ahorro energético y el uso de tecnologías que las acompañen y no ya del sello distintivo propio de los primeros encargos recibidos en los ya lejanos años 1960. Hoy Foster + Partners, podría decirse, transmiten más bien una cuidada imagen de marca más comprometida con la modernidad y el desarrollo sustentable, lo cual no es poco.
29. Entrada al portal de Toyo Ito & Associates, Architects.
Ito, por su parte, quien acumula a través de Toyo Ito & Associates, Architects (fundada en 1979 como sucesora, como ya se mencionó, de su primer estudio propio llamado Urban Robot -URBOT- creado en 1971), la nada despreciable cifra de más de 100 proyectos realizados (muy alejada, sin embargo, de los casi 500 esparcidos los cinco continentes que acumula Foster + Partners), sin dejar de mostrar encargos solicitados desde Taiwan, México, Singapur, Suiza, España, Chile, Francia, Países Bajos, Bélgica, Alemania e Inglaterra, ha concentrado su producción fundamentalmente en Japón donde tiene su sede y centraliza su actividad, la cual, valga decirlo, ha disminuido en los últimos años.
30. Toyo Ito. Izquierda arriba: Pabellón temático del Futuro de la Salud para la Expo 2000 en Hannover. Izquierda centro y abajo: Serpentine Pavilion, jardines de Kensington, Londres (2002). Derecha: Mediateca de Sendai (2001).31. Toyo Ito. Izquierda: Biblioteca de la Universidad de Tama, Tokio (2007). Derecha: Estadio de los Juegos Mundiales en Kaohsiung, Taiwán (2008).32. Toyo Ito. Izquierda: Nagaoka Lyric Hall, Nagaoka, Japón (1994). Derecha: Museo Internacional del Barroco, Puebla, México (2016).
Su producción de entre siglos, en la que se ha perdido la frescura y desparpajo de sus primeros trabajos de los años 70 y 80, pero que sin embargo explora con agresividad el potencial de las nuevas formas buscando condiciones espaciales que manifiesten la filosofía de los seres sin fronteras, ha asimilado preocupaciones por la sostenibilidad y tiene, a diferencia de Foster, un carácter que permite reconocer la mano de su creador. Convendría en este sentido señalar: el Nagaoka Lyric Hall (1994), el Pabellón temático del Futuro de la Salud para la Expo 2000 en Hannover, la emblemática Mediateca de Sendai (2001), el Pabellón temporal de la Serpentine Gallery en los jardines de Kensington, Londres (2002), la Biblioteca de la Universidad de Tama, Tokio (2007), el Estadio de los Juegos Mundiales en Kaohsiung, Taiwán (2008), el Teatro Nacional de Taichung, Taiwán (2014), el Museo Internacional del Barroco, Puebla, México (2016) y, más recientemente, el proyecto para el Museo Hermitage en Barcelona (2020).
33. Kumiko Inui, Akihisa Hirata, Sou Fujumoto y Toyo Ito. «Hogar para Todos» en Rikuzentakata, Japón (2012-2013).34. «Hogar para Todos» en Tsukihama. Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA.
Destacan, sin embargo, los proyectos en su país natal, que se acentuaron tras el terremoto y tsunami del 11 de marzo de 2011 en los que Ito junto a un grupo de arquitectos japoneses (Kumiko Inui, Akihisa Hirata y Sou Fujimoto así como Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa -SANAA-) llegaron a desarrollar el concepto de un espacio comunitario denominado «Hogar para todos» (Home-for-all) destinado a los supervivientes donde, según sus palabras, “Una zona de desastre, donde todo se pierde, nos ofrece la oportunidad de reflexionar, desde cero, sobre lo que realmente es la arquitectura”.
Valga añadir que la oficina de Toyo Ito es conocida como un centro de formación para jóvenes arquitectos con talento. Entre los arquitectos que trabajaron anteriormente en su oficina se encuentran Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA), Astrid Klein y Mark Dytham (KDa), Katsuya Fukushima, Makoto Yokomizo y Akihisa Hirata. Así, en la línea de la preocupación de Ito por la educación resalta su labor docente y su intervención en el Toyo Ito Museum of Architecture en Omishima (2011), el cual es un espacio donde jóvenes arquitectos se reúnen para aprender y trabajar.
Tal vez sea relevante apuntar, como otro parámetro de comparación sobre el comportamiento de ambas oficinas, que lo registrado por Foster + Partners para los años 2023-2024 como proyectos ejecutados es el equivalente a lo hecho por Toyo Ito & Associates a lo largo de toda la década que va de 2010-2020.
Foster e Ito acreedores ambos del Premio Pritzker lo recibieron, el primero, en 1999 (edición nº 21) a los 64 años, y el segundo en 2013 (edición nº 35) con 72. También les ha sido conferida a ambos la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects (1983 y 2006, respectivamente). Así mismo, han sido invitados como profesores y conferencistas en diversas universidades y escenarios alrededor del mundo.
35. Parte de la extensa bibliografía dedicada a Norman Foster y su obra.
Foster, en lo particular, ha obtenido, entre otros, el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe (1990), la Medalla de Oro del American Institute of Architects (1994), la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura (1991) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2009), También fue nombrado caballero por la Reina Isabel II en 1990 y posteriormente se le concedió el título nobiliario de Lord Foster of Thames Bank en 1999.
36. Parte de la extensa bibliografía dedicada a Toyo Ito y su obra.
Ito ha obtenido, entre otros, el Premio Frederick Kiesler de Arquitectura y Arte (2008), el Praemium Imperiale (2010), el León de Oro a la Mejor Participación Nacional en la Bienal de Arquitectura de Venecia (2012), la Medalla Thomas Jefferson (2014), la Medalla de Oro de la UIA (2017).
37. El 30 St Mary Axe acompañado de un dibujo de Norman Foster.
Para cerrar, podríamos decir que mientras Foster ha desarrollado su capacidad para expresar a través de croquis y dibujos sus ideas sobre arquitectura (expuestos en diversas ocasiones y publicados en hermosas ediciones), Ito ha demostrado su talento descubriendo las oportunidades que cada encargo trae consigo.
38. La Mediateca de Sendai acompañada de un boceto de Toyo Ito.
Si Foster declara acerca de su experiencia profesional que: “Desde el principio, nuestra práctica se basó en una filosofía de innovación, sostenibilidad y diseño. Seguimos aprendiendo del pasado y afrontando creativamente los retos del futuro, con la firme convicción de que el buen diseño marca la diferencia”; sobre su continua curiosidad y afán de crecer: “Cada vez que he pilotado una aeronave, o visitado una siderúrgica, o observado a un chapista trabajando, he aprendido algo nuevo que se puede aplicar a los edificios” y que “Como arquitecto, diseñas para el presente, con una conciencia del pasado, para un futuro que es esencialmente desconocido”; de Ito cabe resaltar la siguiente reflexión acerca de sus ideas generales sobre la arquitectura extraída de la conferencia Kenneth Kassler que pronunció en la Universidad de Princeton en 2009: “El mundo natural es extremadamente complejo y variable, y sus sistemas son fluidos: se construye sobre un mundo fluido. En contraste, la arquitectura siempre ha buscado establecer un sistema más estable. Para simplificar, podríamos decir que el sistema de cuadrícula se estableció en el siglo XX. Este sistema se popularizó en todo el mundo, ya que permitió la construcción de una gran cantidad de arquitectura en poco tiempo. (…) Sin embargo, también homogeneizó las ciudades del mundo. Incluso podría decirse que homogeneizó a las personas que viven y trabajan allí. En respuesta a eso, durante los últimos diez años, modificando ligeramente la cuadrícula, he intentado encontrar una manera de crear relaciones que acerquen los edificios a su entorno”.
Considerado uno de los arquitectos italianos más importantes del siglo XX, Carlo Scarpa(1906, Venecia – 1978, Sendai, Japón), quien hoy estaría cumpliendo 118 años, tuvo una trayectoria como intelectual, artista, arquitecto y diseñador intensa y no exenta de dificultades que lo llevó a producir obras de arquitectura verdaderamente significativas.
Siguiendo la estela que marcan sus biógrafos (tomaremos como referencias principales la página Carlo Scarpa http://www.carloscarpa.es/ y el Blog de Hugo A. Kliczkowski Juritz http://onlybook.es), podemos iniciar diciendo que Carlo Alberto Scarpa es hijo de Antonio Scarpa, profesor de escuela primaria y de su segunda esposa Emma Novello. Aunque nació en Venecia pasó su infancia en Vicenza, y a raíz de la muerte de su madre con 13 años regresa a su ciudad natal para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes en Diseño Arquitectónico.
2. Las dos sedes de Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (IUAV), hoy Universidad IUAV. La ubicada en Tolentini (izquierda) y la situada en la vieja fábrica de algodón de Santa Marta (derecha)3. Carlo Scarpa. Proyecto de Grado, 1926 (izquierda). Proyecto para el Teatro Sociale, 1927 (derecha)
En 1926 se diploma y rechazan su solicitud de registro como arquitecto, aspecto este que lo estigmatizó a lo largo de toda su vida. Sin embargo, desde noviembre de ese año colabora con el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (IUAV), como asistente del catedrático Guido Cirilli (con quien trabajó en su estudio de 1926 a 1931) y luego continuará hasta 1977 ocupando cargos siempre diferentes entre ellos el de Director entre 1972 y 1974.
En 1927 se inició una colaboración de Carlo Scarpa con maestros del vidrio de Murano, donde fue diseñador para la empresa Cappellini & Co experimentando durante cuatro años la calidad y las posibilidades creativas que ofrece el vidrio como material y para la que diseña un negocio de vidrio en Florencia (demolido). Los objetos producidos para la compañía de cristal de Murano se presentan en la III y IV Exposición de Artes Decorativas de Monza.
4. Piezas de Carlo Scarpa expuestas en la muestra«Carlo Scarpa. Venini 1932–1947» (2012)
Su trabajo con Cappellini & Co será un importante precedente para la futura colaboración con la empresa Paolo Venini de Murano, donde desde 1934 hasta 1947 Scarpa ejerció como director artístico de la compañía. Para Venini, Scarpa participa en las exposiciones internacionales más prestigiosas del diseño.
En 1931 firma un artículo de adhesion al movimiento “Venecianos racionalistas” junto a Aldo Folin, Guido Pelizzari, Renato Renosto, Angelo Scattolin. En 1934 se casa con Onorina Lazzari (Nini), nieta del arquitecto Vicente Rinaldo, con quien colaboró en la realización de varios proyectos, y la Triennale di Milano, le concede título de honor por los objetos de cristal diseñados para Venini; Conoce a Josef Hoffmann, por quien siente gran admiración; Participa en concursos para el planeamiento urbano de Mestre y el aeropuerto Nicelli del Lido de Venecia.
5. Carlo Scarpa. Aula Magna Ca´ ´Foscari (1935)
Desde 1935 a 1937 realiza el Aula Magna de Ca ‘Foscari, sede de la Universidad de Venecia, y la casa del estudiante, sin duda su primer encargo importante.
En 1942 se registra su primera participación, junto a Mario Deluigi, como curador de la exposición sobre Arturo Martini en el Palacio Central para la XXIII edición de la Bienal Internacional de Arte de Venecia, actividad esta que marca un importante sesgo en su carrera y una vinculación perdurable y prolífica con la Biennale que despegará cuando en 1948, se le encargue en la XXIV edición del montaje de la exposición retrospectiva de Paul Klee, donde experimenta sus grandes cualidades de constructor de espacios para obras de arte, confirmada por más de 60 museos y de exposiciones que diseñó internacionalmente.
1951 es un año especial, se reúne con Frank Lloyd Wright en Venecia, con motivo de su visita a Italia para la exposición dedicada a él en Florencia donde recibe el Doctorado Honoris Causa. Wright (1867-1959) y la arquitectura orgánica en primer lugar junto a Josep Hoffmann (1870-1956), Adolf Loos (1870-1933), Otto Wagner (1841-1918) serán referentes importantes a lo largo de su carrera en la que aflora una personalidad ecléctica, cuya cultura fue impulsada por su relación continua con artistas, arquitectos y académicos. En tal sentido Scarpa en algún momento expresará lo siguiente: “…tienes que tener una mente doble, una mente triple, una mente de ladrón, como un hombre que especula, como un hombre que le gustaría robar en un banco, y tienes que tener lo que yo llamo ingenio, una tensión cuidadosa para poder entender todo lo que pasa y todo lo que sucederá …”.
6. Frank Lloyd Wright y Carlo Scarpa en Venecia en 1951 (izquierda). Diseño museográfico de Carlo Scarpa para el Pabellón de Italia en Expo Montreal 1967 (derecha)
Durante 1953 Scarpa realiza el proyecto para la villa Zoppas en Conegliano Veneto (Treviso) momento a partir del cual se comienza a notar la influencia de Wright que se intensifica luego de viajar a los Estados Unidos y profundizar en el estudio de su obra. De sus viajes a Norteamérica son memorables los montajes de la sección de Poesía en el Pabellón Italiano de la Exposición Universal de Montreal (1967) y la Exposición de dibujos de Erich Mendelsohn en Berkeley y San Francisco en 1969.
7. Carlo Scarpa. Giardino delle Sculture, Padiglione Italia, Biennale, Giardini, Venezia (1952)
En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura, en 1970 se convirtió en miembro del Real Instituto Británico de Diseño y en 1976 de la Accademia di San Luca en Roma.
8. Dos tomas de la exposición de Carlo Scarpa en el MoMA (1966)
Una serie de exposiciones individuales, le dan la oportunidad de presentar su propio trabajo en Italia y en el extranjero. Entre ellas podemos mencionar la del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1966, en Venecia en 1968, Vicenza, Londres y París en 1974 y Madrid en 1978.
9. Carlo Scarpa. Casa Veritti, Udine (1955-61)
A finales de los sesenta crece su prestigio internacional. Si bien el clima cultural y político italiano tiende a marginarle, en el extranjero es cada vez más conocida y apreciada su dimensión intelectual.
10. Carlo Scarpa. Museo di Castelvecchio, Verona (1957-64, 1967-70, 1974).
Scarpa viajó por primera vez a Japón en 1969, país que le interesó muchísimo y donde, en su segundo viaje en 1978, murió el 28 de noviembre en un desafortunado accidente en Sendai. De acuerdo a su voluntad fue enterrado en el Complejo Monumental Brion, proyectado por él y construido entre 1969-78, donde en un área aislada pequeña su hijo, el arquitecto, restaurador, diseñador y decorador Tobia Scarpa, diseñó una sencilla lápida para su tumba.
11. Showroom Olivetti, Venezia (1957-58).
Sólo después de la muerte recibirá la concesión de un Doctorado Honoris Causa en Arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo fin a una diatriba interminable sobre la legalidad de su obra arquitectónica en la ausencia de un título adecuado.
12. Carlo Scarpa. Villa Palazzetto, Monselice, Padova (1971-75)
Poco dado a escribir largos textos, Scarpa dejó para la posteridad muchas frases célebres recogidas en entrevistas y otras oportunidades que tuvo la oportunidad de intercambiar con el público. De entre ellas es altamente recomendable leer la concedida a Martín Domínguez en 1978 meses antes de su muerte que apareció como “Entrevista a Carlo Scarpa” en el nº 158 (1983) de Quaderns d’arquitectura i urbanisme monográfico dedicado al maestro italiano.
13. Carlo Scarpa. Complesso Monumentale Brion, Cimitero di San Vito di Altivole, Treviso (1969-78).
Scarpa construyó más de 40 edificios nuevos donde la utilización del agua como tema cobra papel relevante en muchos de ellos. Destacan, entre otros: el Aula Magna di Cà Foscari, Venezia (1935-37); la Casa Bellotto, Venezia (1944-1946); el Giardino delle Sculture, Padiglione Italia, Biennale, Giardini, Venezia (1952); el Padiglione de Venezuela, Biennale, Giardini, Venezia (1954-56); la Casa Veritti, Udine (1955-61); la Fondazione Canova-Museo Gipsoteca Canoviana, Possagno, Treviso (1955-57); el Museo di Castelvecchio, Verona (1957-64, 1967-70, 1974); el Showroom Olivetti, Venezia (1957-58); la Chiesa Villaggio Eni, Borca di Cadore, Belluno (1959); la Casa Balboni, Venezia (1964); el Complesso Monumentale Brion, Cimitero di San Vito di Altivole, Treviso (1969-78); la Villa Palazzetto, Monselice, Padova (1971-75); la Banca Popolare di Verona e Novara, Verona (1973-78, 1981); la Villa Ottolenghi, Bardolino, Verona (1974-1978); y la Edicola Funebre Galli, Cimitero Comunale di Nervi Sant’Ilario, Genova (1976).
14. Muestra de los numerosos libros publicados en torno a la figura de Carlo Scarpa.
Se han publicado más de 50 libros dedicados a su obra arquitectónica, artística, artesanal, gráfica y museográfica de entre los que vale señalar aquellos dedicados a recoger sus dibujos pertenecientes al archivo del Museo Nacional de las Artes del Siglo XX de Roma (MAXXI) (I teatri de Carlo Scarpa, 2010) o su labor como docente que Franca Semi, su colaboradora en las aulas en los años setenta, plasma en A lezione con Carlo Scarpa (2010). El último, recientemente aparecido, titulado Carlo Scarpa. The complete buildings (2024), acompañado de excelentes fotografías de Cemal Emden y textos de Jale N. Erzen, cuenta con una buena reseña en inglés escrita por Jonathan Bell publicada en el boletín diario Wallpaper del 29 de mayo.
15. Carlo Scarpa. Banca Popolare di Verona e Novara, Verona (1973-78, 1981).
Acerca de su manera de trabajar sobre lo existente poniendo especial atención en el detalle y dándole particular importancia a las partes dentro del todo, Santiago de Molina escribirá en su blog Multiples el 11 de enero de 2010 como parte del texto “Carlo Scarpa o el palimpsesto”, lo siguiente: “Es cierto que no hay en Scarpa ninguna revolución, ningún espacio antológico. Sin embargo, es significante como en sus dibujos y en sus obras siempre se da la superposición de materias, trazos, detalles y escalas como una dialéctica educada y deslumbrante con el legado de otros tiempos”.
16. Carlo Scarpa. Izquierda: Detalles de la Tumba Brion, 18 de febrero de 1976. Centro: Museo de Santa Caterina, Treviso, 4 de febrero de 1976. Derecha: Gipsoteca canoviana, Possagno, 23 de enero de 1976.
Sobre el valor de la expresión gráfica dentro de su obra, recogemos del blog Arquitectura a contrapelo del 21 de febrero de 2013 (https://arquitecturaacontrapelo.es/tag/carlo-scarpa/) que Scarpa “…hacía del dibujo pensamiento plasmando en él todo su mundo interior de obsesiones. Dibujo sobre dibujo, bosquejaba cada detalle del proyecto: cada piedra, cada conducto, cada encuentro, cada hueco venía pensado, es decir, al pensarse se dibujaba, pedía su propia resolución, su propia forma y carácter, ése y no otro. Una forma de trabajar agotadora y a contracorriente con su tiempo”, a lo cual se suma lo que en su momento Manfredo Tafuri expresara calificando a Scarpa como: “Un maestro de la época bizantina, que accidentalmente vivió en el siglo XX y que en consecuencia, utilizó las escrituras actuales para dejar que las verdades antiguas hablaran”.
Nota
17. Carlo Scarpa. Pabellón de Venezuela. Venecia, 1953-1956. Dibujo original de Scarpa de la volumetría del pabellón.
Carlo Scarpa estableció una muy particular relación con Venezuela a partir de que, por intermediación de su discípulo Graziano Gasparini, le fuese encargado en 1953 el pabellón de nuestro país para la Bienal de Arquitectura de Venecia, que se ubicaría en le Giardini y sería terminado en 1956. Se dice que cuando Gasparini en aquel año le propone al gobierno de Marcos Pérez Jiménez la construcción de un pabellón nacional y logra su aprobación a instancias del Ministro de Educación José Loreto Arismendi, se le había planteado a Carlos Raúl Villanueva realizar el proyecto el cual declinó por exceso de trabajo en aquellos años. Gasparini, designado comisario de la muestra entre 1954 y 1956, ante la negativa de Villanueva, recurrió a su maestro veneciano quien aceptó y logró para la posteridad levantar uno de nuestros edificios representativos en el exterior más importantes y trascendentes sin que su autor hubiese pisado jamás el suelo del país para el que trabajó.
La muestra con la que se inauguró el pabellón en 1956 (la 28ª Bienal) contenía obras de: Mateo Manaure, Armando Barrios, Luis Guevara Moreno, Alejandro Otero, Héctor Poleo, Manuel Quintana Castillo, Francisco Narváez y Rafael Monasterios.
El arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura recibirá otro reconocimiento internacional por su trayectoria. El próximo 20 de octubre, el Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA) concederá al arquitecto la Medalla de Oro, su distinción más alta. Este homenaje representa no solo otro premio que se suma al extenso currículum de Souto de Moura, que incluye el Premio Pritzker de 2011 y el Premio Wolf de 2013, sino también una expresión de aprecio del mundo de la cultura y las artes por una trayectoria y una obra que trascienden la arquitectura y «atiende la dimensión de la poesía a partir de aceptar las exigencias técnicas de los edificios».
El archivo de Eduardo Souto de Moura, que abarca 40 años de actividad profesional, está bajo el cuidado de la Casa da Arquitectura de Portugal desde 2019. Este archivo, de invaluable valor para la historia de la arquitectura, materializa la importancia y el legado de Souto de Moura en el campo profesional. La entrega de la Medalla de Oro por parte del CBA es otra confirmación de la influencia global y el impacto duradero que la obra de Souto de Moura tiene en el mundo de la cultura y las artes, y enaltece su contribución al desarrollo humano a través de la arquitectura.
Lotes y casas de Sete Cidades / Eduardo Souto de Moura + Adriano Pimenta.
Nativo de la ciudad de Oporto, se graduó en arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de Oporto y comenzó su carrera trabajando con Álvaro Siza, con quien mantiene hasta hoy una relación profesional muy rica. Su obra está frecuentemente asociada a una supuesta corriente de influencia miesiana, sin embargo, sus proyectos revelan un virtuosismo singular en la elección de los materiales: granito, madera, mármol, ladrillo, acero, concreto y vidrios son solo algunas de las texturas que componen la paleta de Souto de Moura.
«Para mí, la arquitectura es una cuestión global. No existe arquitectura ecológica, o arquitectura inteligente, o arquitectura sostenible: solo existe buena arquitectura. Siempre hay problemas que no podemos descuidar; por ejemplo, energía, recursos, costos, aspectos sociales: siempre debemos prestar atención a todos ellos».
Souto de Moura en una conferencia en el Holcim Forum 2004
Además de los largos años dedicados a la práctica proyectual, Souto de Moura tiene una prolífica carrera académica, siendo profesor catedrático de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de Oporto (FAUP) y profesor visitante en las escuelas de arquitectura de Ginebra, París-Belleville, Harvard, Dublín, ETH Zurich y Lausana.
Memorial de Eduardo Souto de Moura a las víctimas de incendios en Portugal.
Este año, inauguró el Memorial en Homenaje a las Víctimas de los Incendios Forestales de 2017 en Pedrógão Grande, tragedia que cobró la vida de 66 personas y dejó a otras 253 heridas. Su obra fue celebrada recientemente en la exposición Souto de Moura – Memoria, Proyectos, Obras, organizada por el CAU/BR, que llevó a Paço Imperial de Río de Janeiro una muestra realizada en 2019 en la Casa da Arquitectura en Matosinhos, Portugal.
La XIV Bienal de Arte y Diseño de Florencia anunció que Santiago Calatrava recibirá el Premio a la Trayectoria, un «tributo a uno de los arquitectos más influyentes de nuestro tiempo y un reconocimiento a su audaz experimentación, extraordinario talento e ingeniosa habilidad para combinar arquitectura y arte en proyectos imaginados y diseñados en armonía con la naturaleza y orientados hacia los ideales de la belleza».
Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos (UAE Pavilion). EXPO 2020 – DUBAÏ. Santiago Calatrava.
La ceremonia de entrega del premio está programada para el 19 de octubre en el área del teatro del Pabellón Spandolini de la Fortezza da Basso, donde el arquitecto, ingeniero y artista dará un discurso. Desde el diseño y construcción del Ponte della Costituzione en Venecia, el World Trade Center Transportation Hub en Nueva York, el Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos en la Expo 2020, y el Puente Zubizuri sobre el río Nervión en Bilbao, España, entre muchas otras obras importantes, Calatrava es uno de los arquitectos más influyentes de los últimos 50 años, estableciéndose como un pionero en la industria, desde la arquitectura y la ingeniería hasta el dibujo y la escultura.
World Trade Center Transportation Hub. Santiago Calatrava
En enero pasado, Santiago Calatrava reveló el diseño de un nuevo complejo comercial y de oficinas en Düsseldorf, Alemania. El complejo, Calatrava Boulevard, ofrece restaurantes junto a una variedad de tiendas y espacios de trabajo. Además, en 2022, el artista Calatrava tuvo su primera exposición mostrando sus esculturas y pinturas inspiradas en la antigüedad griega. Por último, el arquitecto e ingeniero español está reconstruyendo la Iglesia Ortodoxa Griega de San Nicolás y el Santuario Nacional en el World Trade Center en la ciudad de Nueva York. Esta iglesia fue destruida durante los ataques del 11 de septiembre y comenzó su renovación en 2015.
César Portela, arquitecto nacido en Pontevedra en 1937, ha sido galardonado con la Medalla de Oro de la Arquitectura, una de las distinciones más prestigiosas otorgada por la profesión en España. Este reconocimiento, establecido por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) en 1981, reconoce la labor de individuos e instituciones que enriquecen la práctica arquitectónica con su trabajo.
El 22 de junio se llevará a cabo una gala donde se otorgará la Medalla de Oro de la Arquitectura, junto con el I Premio «Arquitecto Lluís Comerón Graupera» que se entregará al secretario general de Vivienda, Agenda Urbana y Arquitectura, Iñaqui Carnicero, y al director general de Vivienda y Suelo, Javier Martín. Además, durante la ceremonia también se anunciarán los ganadores de los Premios ARQUITECTURA.
El jurado de la Medalla de Oro de la Arquitectura 2023, presidido por Moisés Castro Oporto, vicepresidente segundo del CSCAE, destacó la «solidez» de la carrera profesional de Portela y su papel como referencia para las nuevas generaciones de arquitectos gallegos, tanto en arquitectura como en urbanismo. También se destacó su habilidad como «arquitecto localista que supera su ámbito natal para proyectarse internacionalmente”.
José Daniel Moya Enríquez y Elena Ampudia Aixendri, decanos de los colegios de arquitectos de Ceuta y Galicia, junto a Pedro Moleón Gavilanes, académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y designado por el Instituto de España, Sol Madridejos, arquitecta, Llàtzer Moix, periodista y crítico de arquitectura, María José Peñalver, miembro del Grupo de Trabajo de Premios y Distinciones del CSCAE, y el secretario general del CSCAE, Laureano Matas, también formaron parte del jurado.
César Portela se graduó en Arquitectura en las Escuelas Técnicas Superiores de Arquitectura de Madrid y Barcelona. Dos años después de su graduación, en 1966, logró obtener el título de doctor.
Estación de autobuses de Córdoba, 1999.Faro de Punta Nariga, 1997.Cementerio Municipal de Fisterra, 1997-1999Museo Etnográfico de Togamura, 1993.Terminal Aeropuerto de Vigo, 2009-2013Torre de Control Sharm El-Sheik, 2010.
A lo largo de su amplia carrera, ha destacado por su trabajo en edificación, incluyendo proyectos como:
Estación de Autobuses de Córdoba.
Estación Central de Valencia.
Museo de Historia Natural de Galicia.
Palacio de Congresos y Ocio, A Coruña.
Edificio Domus, A Coruña.
Faro de Punta Nariga, Costa da Morte.
Cementerio Municipal de Fisterra.
Estación de Ferrocarril de Cádiz.
Palacio Auditorio Mar de Vigo.
Terminal del Aeropuerto de Galicia
Museo del Mar de Galicia.
Museo Etnográfico de Togamura, Japón.
Torre de Control Sharm El-Sheik, Egipto.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 