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NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

Eileen Gray

Cloe Pitiot (ed.) / Nina Stritzler-Levine (ed.)

Editorial Bard Center

2020

Idioma: inglés

Nota de los editores

Eileen Gray (1878-1976) fue una diseñadora y arquitecta versátil que navegó por numerosos círculos literarios y artísticos a lo largo de su vida. Este hermoso volumen narra la carrera de Gray como diseñador, arquitecto, pintor y fotógrafo. Los ensayos del libro, que incluyen una gran cantidad de nuevas investigaciones, ofrecen un análisis en profundidad de más de 50 diseños individuales y proyectos arquitectónicos, acompañados de fotografías de época y nuevas. Nacida en Irlanda y educada en Londres, Gray se trasladó a París donde abrió un estudio textil, estudió el arte japonés de la laca que se convertiría en una técnica principal en su trabajo de diseño, y fue propietaria y directora de la influyente galería y tienda conocida como “Jean Désert «. Gray luchó por ser aceptada como una mujer en gran parte autodidacta en profesiones dominadas por hombres. Aunque ahora es mejor conocida por sus muebles, iluminación y alfombras, se dedicó a muchos proyectos arquitectónicos e interiores que fueron tanto personales como sociales, incluida la Villa E 1027, la icónica casa moderna diseñada con Jean Badovici, así como proyectos económicos y desmontables, como la «Tienda de Campaña».

Comentario de la obra

Talento escurridizo

Monograph on Eileen Gray

Eduardo Prieto

01/05/2021

Tomado de arquitecturaviva.com

Entre las heroínas de la modernidad arquitectónica, Eileen Gray es acaso la de mayor talento, pero también la más escurridiza. Escurridiza, para empezar, por su edad: nacida en 1878 en una familia de la aristocracia irlandesa, Gray era ocho años más joven que Loos pero nueve mayor que Le Corbusier, de manera que durante los anni mirabiles de la modernidad no pudo fungir de joven pionera —a la manera de Margarete Schütte-Lihotzky o Charlotte Perriand— sino de lo que en verdad era: una respetable mademoiselle —así la llamaba Corbu— que llevaba décadas trabajando.

Esta cronología incómoda tiene algo que ver con que Gray fuera también escurridiza en su obra: un conjunto inmenso y elaborado a lo largo de decenios —Gray murió a los 98 años—, en el que cabe encontrar desde los exquisitos biombos lacados a la japonesa que la hicieron famosa en el París donde vivió hasta algunos de los mejores muebles del diseño moderno —como la mesita ajustable de café—, pasando por dos casas que causaron la envidia del propio Le Corbusier: la acogedora E.1027 construida cerca de Mónaco para su socio y amante ocasional Jean Badovici, y la Tempe à pailla levantada no lejos de la anterior, ambas obras maestras.

Gray fue también escurridiza en lo personal: aunque tuvo una vida sentimental intensa y marcada por su bisexualidad, fue muy discreta; de hecho, sintió siempre cierta alergia aristocrática por la exposición a los medios, lo cual explica en parte que su figura pasara pronto al olvido. De ese relativo olvido la sacó Joseph Rykwert gracias un artículo de 1972, y, partir de ahí, varias exposiciones dieron a conocer en detalle su legado. De ellas, la última se celebró en Nueva York, y su catálogo recién publicado —que contiene las aportaciones de una decena de estudiosos, recoge un material gráfico espléndido y ha sido diseñado con exquisitez por Irma Boom— puede considerarse la gran monografía que la obra de Gray estaba exigiendo. No se la pierdan.

ACA

NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

Palacios comunales atemporales

Genealogía y anatomía

Iñaki Ábalos

Puente editores

2020

Nota del autor

Palacios comunales atemporales es un estudio sobre la persistente existencia de grandes estructuras espaciales dedicadas a alojar colectividades unidas por posiciones vitales alternativas al modo de vida familiar. Aunque se interesa en los principios espirituales y/o políticos que animan estas estructuras, la investigación se centra en la coherencia entre su impresionante belleza arquitectónica, su organización espacial y sus estrategias económicas y ecológicas. También en lo que Michel Foucault denominó las tecnologías del yo que cada iniciativa implica.

El estudio arrancó como un curso impartido en la Graduate School of Design (GSD) de la Harvard University bajo el título “Cómo vivir juntos”, que se tomó del libro homónimo de Roland Barthes, autor cuyas ideas y formas de trabajo han iluminado el nuestro. Este curso continuó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), y acabó de perfilarse gracias a la invitación de Hashim Sarkis, comisario de la XVII Bienal de Arquitectura de Venecia de 2021, a exponer en esta sus resultados.

Comentario de la obra

Cómo vivir juntos

Architectures of the Collective

Andrés Jaque

01/06/2021

Tomado de arquitecturaviva.com

Iñaki Ábalos pertenece al reducido grupo de arquitectos españoles que cuentan con un proyecto intelectual en el que el diseño alcanza una dimensión crítica. Su trayectoria profesional es inseparable de sus contribuciones teóricas en el terreno del análisis tipológico y de la pragmática eco-tecnológica. En este volumen, Ábalos hace pública la investigación comenzada como curso en la GSD de Harvard y continuada luego en la ETSAM con la que contribuirá a la XVII Bienal de Venecia, titulada ‘¿Cómo viviremos juntos?’

La publicación retoma la pregunta que agitaba el contexto arquitectónico y cultural europeo en 1976: ¿cómo caracterizar la interdependencia entre forma y sociedad? Ese fue el año en que Roland Barthes celebraba su ingreso en el Collège de France reflexionando sobre Cómo vivir juntos; es también el año en que Gustavo Gili publicó en castellano La arquitectura de la ciudad que, desde una perspectiva material, interrogaba la agencia específica de la forma construida y su participación en lo colectivo. Para retomar la pregunta, Ábalos y sus colaboradores convocan una constelación de fragmentos de diferente naturaleza —planos, fotografías, textos fundacionales y extractos literarios; entre otros una conferencia que Ábalos impartió en la GSD en 2016— relacionados con 60 casos arquitectónicos, de diferentes contextos históricos y geográficos.

Estos fragmentos crean un hilo conductor en el que el autor discute la distinción que Giulio Carlo Argan establecía entre tipo y construcción material, para reivindicar la capacidad de las tipologías de contener propuestas tecno-performativas. También niegan el neoplatonismo apriorístico de la tradición formalista de Quatremère de Quincy, para en su lugar reivindicar un pragmatismo donde forma y complejidad social puedan emerger de manera solidaria. En conjunto, el libro podría ser el inicio de una noción de realismo arquitectónico. Realismo arquitectónico, como la inseparable imbricación de lo material, lo social, lo ecosistémico y lo cognitivo.

ACA

NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

The Ecologies of the Building Envelope

A Material History and Theory of Architectural Surfaces

Alejandro Zaera-Polo / Jeffrey Anderson

Actar Publishers

2021

Idioma: inglés

Nota de los autores

Si bien la fachada es uno de los elementos arquitectónicos más teorizados, también es uno de los más cuestionados desde finales del siglo XIX. Dentro de la disciplina de la arquitectura, la comprensión tradicional de la fachada se centra principalmente en operaciones semióticas y compositivas (como leyes proporcionales y códigos lingüísticos), que se despliegan en la superficie del edificio. En contraposición a esto, nuestra teoría material y ambiental de la envolvente propone que el desarrollo exponencial de las tecnologías constructivas desde mediados del siglo XIX, sumado a las nuevas técnicas de gestión y regulación, han mermado las capacidades compositivas y ornamentales de la envolvente en favor de desempeños materiales, cuantitativos y técnicos. En lugar de producir un análisis estilístico de la fachada, investigamos los linajes históricos de las actuaciones, componentes, tipos de ensamblaje y enredos materiales que constituyen la envolvente del edificio contemporáneo.

Alejandro Zaera-Polo es arquitecto y teórico de la arquitectura. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y tiene un Master de la Graduate School of Design, Harvard University. Fue colaborador en el Office for Metropolian Architecture (OMA) en Rotterdam. Fundó en Londres el estudio de arquitectura FOA (Foreign Office Architects). Además de su práctica profesional, Alejandro Zaera-Polo fue Decano de la Escuela de Arquitectura de Princeton y del Instituto Berlage en Rotterdam. Ha sido profesor invitado en Yale, Columbia y UCLA y fue Unit Master en la Architectural Association de Londres.

Jeffrey Anderson es educador, diseñador arquitectónico y desarrollador de software AR / VR. Actualmente enseña diseño y dicta seminarios de medios avanzados en el programa de Posgrado en Arquitectura y Diseño Urbano en el Pratt Institute y en el Programa de Posgrado en Arquitectura en la Universidad de Pennsylvania. Dirige el Laboratorio de Diseño en Mancini Duffy en Nueva York. Ha trabajado con arquitectos, teóricos y diseñadores de renombre como Alejandro Zaera-Polo, Diller Scofidio + Renfro, Jimenez Lai, Jeffrey Kipnis y Cesar Pelli. Tiene una Maestría en Arquitectura de la Universidad de Princeton, y una Maestría en Arquitectura y una Licenciatura en Arquitectura de la Escuela de Arquitectura Knowlton de la Universidad Estatal de Ohio.

ACA

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I miei progetti raccontati

ALDO ROSSI

I MIEI PROGETTI RACCONTATI

Alberto Ferlenga (ed.)

Mondadori Electa

2021

Idioma: Italiano

Nota de los editores

“Cuando describo mis proyectos, o los rediseño, me doy cuenta de que redescubro cosas o me encuentro en la incomodidad de lo que ya he visto; pero siempre se concretan o afloran características, recuerdos, asociaciones que ofrecen un resultado inesperado. Rediseñar se vuelve un objeto de cariño «.

Aldo Rossi.

El libro, que recoge sistemáticamente los informes escritos por Aldo Rossi, uno de los principales arquitectos de la segunda mitad del siglo XX, en el transcurso de su actividad profesional, demuestra cómo utilizó la escritura como un verdadero dispositivo de diseño. Para Rossi, escribir un reportaje era una oportunidad para dar forma a una reflexión sobre un lugar concreto, sobre una realidad histórica o sobre una circunstancia, utilizando un estilo narrativo completamente personal y lleno de la misma fuerza comunicativa y emocional que encontramos en sus bocetos y dibujos. El libro ofrece la oportunidad de descubrir qué pensaba Rossi de sus proyectos, cuáles eran las esperanzas que les confiaba, qué caminos había tomado para prepararlos. Hojeando las páginas y observando los dibujos muy bellos y muchas veces inéditos que las acompañan, se siente la ansiedad que se ha apoderado de ellas, esa es la extensión de la aprensión que siente el arquitecto al descartar un proyecto e imaginar su devenir, al prefigurar la obra, iato que separa las cosas como las imagina de cómo se construirán una vez. Siguiendo el hilo de estas preguntas y los sentimientos que las acompañaron, es posible conocer nuevas e incluso impredecibles implicaciones y aspectos de proyectos y obras que se han ganado la fama y marcaron la carrera de Rossi, cuya influencia en la cultura arquitectónica del segundo la mitad del siglo XX fue planetario. El libro fue concebido con motivo de la gran retrospectiva «Aldo Rossi. El arquitecto y las ciudades» comisariada por Albergo Ferlenga y creada bajo la égida de Margherita Guccione para el MAXXI en Roma (10 de marzo de 2021-17 de octubre de 2021).

ACA

NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

TAXONOMÍA GEOMÉTRICA

Carlos Ferrater & OAB

Ignacio Paricio

Actar Publishers

2021

Nota de los editores

Taxonomía Geométrica aborda esas geometrías que están presentes en la arquitectura atemporal, que son explícitas en los grandes tratados, las que nos deslumbraron con «el correcto y magnífico juego sabio de las formas bajo la luz», las formas elementales que inspiraron la modernidad hace cien años.

El resultado evidencia una sintaxis común así como la capacidad evolutiva de la geometría hacia nuevas formas de expresión arquitectónica.

Ignacio Paricio

El libro recorre la obra de Carlos Ferrater de la mano de la geometría. Ignacio Paricio es consciente de que todos los arquitectos conciben sus obras en términos geométricos, pero “en algunos casos, el papel de la geometría en el proyecto es mucho más importante. La geometría sirve para definir obras nuevas, para dar rigor al diseño e incluso como herramienta de trabajo.”

Paricio divide el libro en tres partes, una primera en la que organiza una taxonomía de formas de manipulación geométrica, en la que clasifica la obra del estudio desde las más simples a las descomposiciones más complejas; la segunda, en la que estudia cómo se introduce la geometría en el proceso del proyecto, que en ocasiones procede de inspiraciones provenientes del mundo del arte y en otras aparece de manera inesperada; y una tercera, en la que analiza las relaciones entre composición y geometría en la trayectoria de Carlos Ferrater y OAB.

Carlos Ferrater es un arquitecto prolífico, de éxito y, que dirige un despacho en el que parece que los procesos surgen de manera fluida, pero sin el control de las herramientas de la arquitectura, entre las que la geometría es la clave, no sería posible esa colección de tipos y formas que se han visto en la exposición “The abscense of scale’, en las que las obras de OAB se muestran de un tamaño homogéneo por las limitaciones de la impresora 3D; maquetas y que ha dado lugar a este singular estudio de la obra de Carlos Ferrater. Una exposición que, al homogeneizar las obras, hace más visible la geometría que es el verdadero lenguaje del despacho, que carece manifiestamente de un lenguaje o estilo reconocible.

En OAB han entendido que “La geometría al ser ajerárquica, permite socializar el trabajo de grupo. Y esto nos aporta un instrumento de trabajo común, que permite trabajar a cada uno en una historia, que entren jóvenes especialistas en los proyectos y que, aunque estos cambien, el trabajo se siga manteniendo”.Ignacio Paricio. Arquitecto español nacido en Zaragoza. Diplomado en 1969 por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, es catedrático de construcción de esa misma escuela. En 1983 se unió al diseñador y arquitecto Lluis Clotet, para establecer su propio estudio. Desde entonces la colaboración de los dos arquitectos les ha llevado a erigir edificios plenos de creatividad e imaginación y han sido galardonados con varios premios. Entre sus edificios destacan, un edificio de viviendas en la Villa Olímpica (1992) y la Illa de la Llum (2005).

ACA

NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

MUTE ICONS

… and Other Dichotomies on the Real in Architecture

Marcelo Spina & Georgina Huljich/ P-A-T-T-E-R-N-S

Constance Vale (ed.)

Actar Publishers

2021

Idioma: Inglés

Nota de los editores

«Al sugerir solidez, impenetrabilidad e independencia del terreno y el contexto, el monolito constituye un irritante importante que permite a la arquitectura reafirmar continuamente su poder iconográfico y negociar de manera oportunista su autonomía»

Marcelo Spina & Georgina Huljich / PATTERNS

Al interrogar imágenes históricas, contemporáneas y, lo que es más importante, especulativas, «Iconos mudos y otras dicotomías de lo real en la arquitectura» tiene como objetivo construir una alternativa viable al cliché y la forma de comunicación agotada del icono, planteando una decididamente introvertida y retraída. Desarrollando un lenguaje y una sensibilidad para descubrir lecturas simultáneas, contradictorias e incluso inesperadas de la forma arquitectónica, el nuevo libro de Marcelo Spina & Georgina Huljich / PATTERNS, tiene como objetivo hacerse un hueco en la cultura y la historia contemporáneas al sugerir que lejos de buscar complacer a la multitud, la arquitectura puede persistir en la sociedad como un irritante cultural y social constructivo. 

Ya no se preocupa por los excesos narrativos o por el «impacto y el asombro» de la creación de sensaciones; el icono mudo se vuelve intrigante en su engañosa indiferencia hacia el contexto, desconcertando en su absoluta apatía hacia el cuerpo. Objeto y edificio, absoluto e inestable, anticipado y extraño, manifiesto y retirado, tal es la dicotomía de los iconos mudos. Morando en la paradoja entre el silencio y el signo y con el objetivo de desacreditar una falsa dicotomía entre el discurso crítico, la búsqueda de la novedad formal y el logro de la ética social, «Iconos mudos y otras dicotomías de lo real en la arquitectura» reafirma la necesidad cultural, social y relevancia política de la imagen arquitectónica, sugiriendo una resolución muy necesaria al actual pero incorrecto antagonismo entre innovación formal, responsabilidad social y austeridad económica. Al cruzar antecedentes históricos relevantes y especulaciones teóricas polémicas con conceptos de diseño originales y representaciones provocativas del trabajo reciente de PATTERNS, el libro aspira a estimular auténticas especulaciones sobre lo real. 

Parte historia, parte teoría y parte atlas monográfico, el libro incluye contribuciones de Georgina Huljich, Guillermo Martinez, Ciro Najle, Marcelo Spina, Brett Steele y Constance Vale.

ACA