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NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

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Performance en el museo / El museo como performance

Daniel Lesmes e Iñaki Estella (eds.)

Ediciones Asimétricas

2023

Nota de los editores

Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas. Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias –incluso antes–, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades. No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural. ¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma. ¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable?

Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.

Autores de los textos:

Iñaki Estella, Daniel Lesmes, Henar Rivière, Fernando Baena, Lynda Avendaño y José Antonio Sánchez.

Iñaki Estella (ed.) es profesor contratado doctor en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Sus áreas de investigación están relacionadas con el arte desde 1945, el arte performativo, la cultura visual, el arte latinoamericano y la historiografía artística. Entre sus publicaciones se pueden encontrar George Maciunas: historia, burocracia y colectividad (Brumaria), Fluxus (Nerea), las coediciones de Llámalo Performance (Brumaria) y de los cuatro primeros volúmenes de Desacuerdos: sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español (MACBA). Uno de sus ámbitos de investigación más relevantes ha consistido en la relectura de la escritura del arte español después de la transición, la relectura del arte feminista en España a principios del siglo XXI y la relación entre el museo y la universidad. Ha realizado estancias de investigación en Columbia, MoMA, Getty Research Institute y el Archivo Sohm (Stuttgart), y en Madrid, la Universidad Autónoma y la Universidad Carlos III. Ha dado conferencias en diversas ciudades en España, Santiago de Chile, Providence (RI), Nueva York, San Peterburgo, entre otras ciudades. En la actualidad investiga la noción de redes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

Daniel Lesmes (ed.) es doctor europeo en Historia del arte y doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. Antiguo becario de la Real Academia de España en Roma, su investigación está centrada en la teoría de las imágenes y las emociones. Autor de textos como Aburrimiento y capitalismo (Pre-Textos, 2018), «Une responsabilicé commune: Goya et Didi-Huberman» (L’Europe, 2018) o «Mirar a (un) tiempo» (Peter Lang, 2020), su trayectoria está marcada por la colaboración con artistas como Manuel Saiz, Aurore Valade, David Escalona o José Luis Viñas. Ha comisariado exposiciones para los Encuentros Internacionales de la Fotografía de Arles, el Institut Français y la Casa de Velázquez. Entre 2015 y 2019 fue presidente de Cruce, una de las asociaciones de artistas y teóricos de mayor recorrido en la escena independiente de Madrid. Actualmente es profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.

ACA

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Cerro Grande

Leoncio Barrios

Alliteration Publishing

2020

Prólogo de José Balza

Descripción

No podíamos traer una chiva y un chivito a un apartamento. Ahora viviríamos en Cerro Grande, el primer superbloque que se construyó en Caracas, una joya de la arquitectura nacional que, además, por la cantidad de gente que lo habitaría, sería como vivir en un pueblo pero en vertical, con vecinos a los lados, arriba y abajo.- Leoncio Barrios

 Cerro Grande es una colección de historias que relata las vivencias de una familia caraqueña en la década de 1955 a 1965. En el prólogo, el crítico José Balza, anuncia que “Estas páginas se refieren a un hogar y a su zona de Caracas, pero en ellas también es mostrada una ciudad dentro de la ciudad y el ágil retrato del país de ayer, de hoy. Todo esto mediante la versatilidad del hombre-niño (o de un niño-hombre) que nos presta su ‘retrovisor de la memoria’ para hacer el recorrido”.

Una obra donde se entremezclan memoria y ciudad, experiencia y cultura urbana. Un libro nostálgico por su mirada hacia el pasado, pero también cargado de mucha alegría porque todos los relatos están atravesados por el baile y la música de las grandes orquestas de la época.

ACA

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ARTE CONTEMPORÁNEO DE VENEZUELA. VOL.2

Sagrario Berti, Aixa Sánchez y Francisco Raúl Villanueva (eds.)

Villanueva Editores

2022

Edición bilingüe

Concepción gráfica: VACA Grafik – Álvaro Sotillo, Gabriela Fontanillas.

Diseño gráfico: Álvaro Sotillo.

Sinopsis

Arte Contemporáneo de Venezuela Vol. 2 es una publicación cuyo propósito es catalogar y documentar la obra de un grupo significativo de artistas venezolanos que iniciaron y desarrollaron su obra, en un contexto global, en el período comprendido entre 2006 y 2018.

Este esfuerzo por documentar y promover el trabajo de artistas venezolanos es una iniciativa desarrollada por Villanueva editores para darle continuidad al trabajo realizado con el libro Arte contemporáneo de Venezuela (Caracas, 2006), el cual compiló la obra de muchos de los protagonistas de la escena del arte contemporáneo emergente comprendida entre la década de los noventa y los albores del siglo XXI.

En esta ocasión, Arte Contemporáneo de Venezuela Vol. 2 reúne el trabajo de 26 artistas seleccionados por un grupo de curadores e investigadores del arte en Venezuela. Bajo la dirección editorial de Sagrario Berti, Aixa Sánchez, Francisco Raúl Villanueva y el diseño de Álvaro Sotillo, cuenta con el prólogo de Cecilia Fajardo-Hill, los ensayos de Ruth Auerbach, Fabiola Arroyo, y reseñas sobre los artistas, realizadas por diversos autores, al tiempo que se despliegan, en páginas a todo color, obras representativas de las producciones de estos artistas.

Arte Contemporáneo de Venezuela Vol. 2 es un esfuerzo a contracorriente por producir, desde una iniciativa privada, un dispositivo que compile y documente un período reciente del arte de Venezuela, caracterizado en los últimos años por su deslocalización y dispersión en diferentes coordenadas del mundo. Es por ello que uno de los propósitos de este libro es dar a conocer, más allá de las fronteras venezolanas, el trabajo que a lo largo de estos años han desarrollado artistas, curadores, investigadores, galeristas, coleccionistas, entre otros actores del campo, por mantener viva una escena del arte, a pesar de las circunstancias adversas del país.

Artistas: Ana Alenso, Luis Arroyo, Angela Bonadies, Miguel Braceli, Sol Calero, Iván Candeo, Deborah Castillo, Rubén D´Hers, Juan Pablo Garza, Jaime Gili, Sheronawë Hakihiiwë, Suwon Lee, Daniel Medina (†), Yucef Merhi, Leonardo Nieves, Jorge Pedro Nuñez, Juan José Olavarría, Erika Ordosgoitti, Oscar Abraham Pabón, Lucía Pizzani, Max Provenzano, Gerardo Rojas, Armando Rosales, Rafael Serrano, Christian Vinck, Raily Stiven Yance.

Textos: Cecilia Fajardo-Hill, Ruth Auerbach, Fabiola Arroyo, Costanza De Rogatis, Silvia Benedetti, Susana Benko, Sandra Pinardi (†), Maciá Pintó, Aixa Sánchez, Félix Suazo, Jesús Torrivilla, Madelon van Schie.

ACA

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EL CONCEPTO DE HABITAR.

El asentamiento, el espacio urbano, el edificio público, la casa

Christian Norberg-Schulz

Editorial Reverté

2023

Nota de los editores

Este libro trata sobre el habitar del ser humano. La palabra «habitar» significa aquí algo más que tener un techo que nos cubra y cierto número de metros cuadrados a nuestra disposición.

En primer lugar, «habitar» significa encontrarse con otros seres humanos para intercambiar productos, ideas y sentimientos, es decir, para experimentar la vida como una multitud de posibilidades. En segundo lugar, «habitar» significa ponerse de acuerdo con los demás, es decir, aceptar un conjunto de valores comunes. Por último, «habitar» significa ser uno mismo, en el sentido de tener un pequeño mundo personal. Estas tres modalidades se pueden denominar el «habitar colectivo», el «habitar público» y el «habitar privado».

Sin embargo, la palabra «habitar» también incluye los lugares que el ser humano ha configurado para hacer realidad esas tres modalidades. El asentamiento -es decir, la ciudad con sus espacios urbanos- siempre ha sido el escenario del habitar colectivo. Las sedes de las instituciones han sido la encarnación del habitar público. Y la casa ha sido el retiro privado donde los individuos han podido prosperar.

Juntos, la ciudad, el espacio urbano, el edificio público y la casa constituyen un entorno total. Sin embargo, este entorno siempre está relacionado con lo que nos viene dado, es decir, un paisaje con cualidades tanto generales como particulares. Por tanto, «habitar» también significa entablar amistad con un lugar natural.

Esta edición incluye un prólogo del profesor y traductor Jorge Sainz y un epílogo del profesor Agatángelo Soler. Ambas aportaciones son parte de las labores de investigación del Departamento de Composición arquitectónica de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, que ha colaborado en la edición y publicación de este libro.

ACA

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CONSTRUIR UNA IGLESIA

Vom Bau der Kirche

Rudolf Schwarz

Edición de Esteban Fernández Cobián

2021

Extracto del Prólogo de 1958

Este libro se escribió en la hora más oscura de Alemania, pero por primera vez arroja luz sobre la cuestión de la construcción de iglesias e ilumina todo el problema de la arquitectura en sí mismo.

Rudolf Schwarz, el gran constructor de iglesias alemán, es uno de los pensadores más profundos de nuestro tiempo. Su libro, a pesar de su claridad, no es fácil de leer, pero quien se tome la molestia de estudiarlo con detenimiento obtendrá una visión real de los problemas discutidos. Yo lo he leído una y otra vez y conozco su poder de clarificación. Creo que debería ser leído no solo por quienes se preocupan por la construcción de iglesias, sino también por cualquiera que esté sinceramente interesado en la arquitectura. Sin embargo, no es solo un gran libro sobre arquitectura: es uno de esos libros verdaderamente grandes, de los que tienen el poder de transformar nuestro pensamiento.

Siempre he creído que debería traducirse al inglés. Ahora, gracias a Cynthia Harris, cualquier persona del mundo que hable inglés puede estudiarlo.

Mies van der Rohe (1958)

Extracto de la nota del editor

El texto sorprende por los acentos tan variados con los que Schwarz se expresa. En ocasiones su discurso es puramente arquitectónico; otras veces se parece al de un científico o un naturalista. También lo vemos hablar como un filósofo, como un profeta, como un chamán o como un iluminado. Diversos pasajes profundizan en la tradición cristiana más ortodoxa —mística, más que ascética—, arrojando una luz intensa sobre algunos símbolos que tradicionalmente han sido de difícil lectura.

Por eso, al terminar de leer el libro, uno se acaba preguntando quién fue realmente Rudolf Schwarz; qué tenía en la cabeza ese constructor de iglesias que añadía a su amplia experiencia arquitectónica la profundidad de un teólogo y el imaginario de un liturgista; si lo que expone en el libro son inquietudes que compartía con sus contemporáneos, si solo se trata de reflexiones suyas, o en definitiva, si tal como sugiere Mies, el libro es el intento desesperado de encontrar alguna luz en medio de una época especialmente oscura de la cultura europea.

ACA