La Unidad de Vivienda Briey está organizando dos exposiciones complementarias este verano. La primera es una exposición permanente dedicada a la historia de l’Unité, diseñada por Vincent Dietsch y Steven Vitale, ocupa los tres espacios abiertos de First Street. La segunda, en la Galerie Blanche, retoma la exposición Conociendo a Le Corbusier, diseñada en 1987 por Roger Aujame, arquitecto y urbanista, antiguo colaborador de Le Corbusier.
La revista eVolo se complace en anunciar a los ganadores del Concurso Skyscraper 2023. El Jurado seleccionó 3 ganadores y 15 menciones de honor de 309 proyectos recibidos. El premio anual establecido en 2006 reconoce ideas visionarias que a través del uso novedoso de tecnología, materiales, programas, estética y organizaciones espaciales, desafían la forma en que entendemos la arquitectura vertical y su relación con los entornos naturales y construidos.
El PRIMER LUGAR fue para NOMAD METROPOLISES diseñado por Chufeng Wu, Chang Lu, Bozhi Zheng, Duo Wang, Shuxiao Zhang de China. El proyecto investiga una ciudad móvil que se conecta a la infraestructura existente y brinda nuevos servicios a la ciudad anfitriona. Los habitantes migran a diferentes lugares como una ciudad en lugar de como individuos.
Los ganadores del SEGUNDO LUGAR son Dennis Byun, Harry Tse, Sunjoo Lee de Nueva Zelanda por su proyecto OCEAN RE-CLAMATION SKYSCRAPER. Este rascacielos oceánico móvil se mueve a lo largo de Pacific Garbage Patch para recolectar y reciclar la basura.
K8 FOREST LIFT OFF diseñado por Ahmad Hafez y Hamzeh Al-Thweib de Alemania recibió el TERCER LUGAR en la competencia. Su proyecto en la selva amazónica concibe un nuevo modelo de desarrollo urbano que prioriza el bienestar del ecosistema y su biodiversidad.
Algunas de las Menciones de Honor otorgadas en el concurso.
El jurado estuvo formado por Kim Gyeong Jeung, Yu Sang Gu, Min Yeong Gi [Ganadores 2022 Skyscraper Competition], Dr. Sina Mostafavi [CEO SETUParchitecture studio, Associate Professor Texas Tech University College of Architecture] y Kathy Velikov [Principal rvtr, Vice -Presidente ACADIA, Decano Asociado de Investigación y Práctica Creativa Taubman College of Architecture and Urban Planning].
Cuando Oscar Niemeyer (1907-2012) arribó a su cumpleaños nº100 el 15 de diciembre de 2007, fueron numerosas las celebraciones y eventos que se organizaron en torno a tan importante fecha, considerada todo un acontecimiento en Brasil. Oscar, como se le conocía popularmente, se encontraba aún lúcido y activo y por ello, con la finalización ese año del Teatro Popular de Niterói, también se conmemoraron 70 años de actividad profesional ininterrumpida desde su primer proyecto realizado en 1937: la Obra do Berço en Río de Janeiro.
Desde el gobierno brasileño varias fueron las iniciativas emprendidas de entre las cuales algunas fueron exposiciones que empezaron a recoger, una vez más, lo más relevante de una trayectoria centrada en la pasión por la arquitectura y la política, determinada por una serie de relaciones profesionales, políticas y de amistad, tanto en Brasil como en Europa y Estados Unidos que, traducidas en encuentros, acontecimientos, encargos, viajes, y vínculos personales, lo situaron en el epicentro de las enormes transformaciones ocurridas en Brasil y el mundo durante el correr del siglo XX.
1. Izquierda: Portada del libro The Curves of Time. The Memoirs of Oscar Niemeyer (Phaidon) reeditado en 2007 con motivo del centenario del maestro brasileño. Derecha: Imagen del acceso al capítulo «Poética de la forma» que formó parte de la exposición «OSCAR NIEMEYER» realizada en Santiago de Chile en 2008.
Tomando como antecedente, por un lado, la aparición en 1998 de la autobiografía As curvas do tempo. Memórias (traducida a varios idiomas), publicada en inglés en 2000 con el título The Curves of Time. The Memoirs of Oscar Niemeyer (Phaidon), y reeditada en 2007 con motivo del centenario y, por el otro, la exposición itinerante procedente de Brasil titulada “OSCAR NIEMEYER” abierta en Santiago de Chile en 2008, que contó con dos capítulos (La invención del tiempo y Poética de la forma) y se mostró en dos lugares (Espacio ArteAbierto y Museo Nacional de Bellas Artes, respectivamente), curada por Marcus Lontra con fotografías de Kadu Niemeyer (nieto del arquitecto) y la presentación de un video-documental realizado por Fernando Maciel, será inaugurada en Caracas el 21 de mayo de 2009 la muestra con el mismo título que contó, fundamentalmente, con el material elaborado para el primer capítulo.
2. Oscar Niemeyer fotografiado por su nieto Kadu Niemeyer.3. Detalle del afiche-invitación elaborado con motivo de la inauguración de la exposición en Caracas.
Montada en los espacios del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas -MACC- (antes “Sofía Imber”), “OSCAR NIEMEYER. Una invención del tiempo” se trató de un esfuerzo conjunto entre la Embajada de la República Federativa del Brasil en Venezuela, el Museo de Arquitectura (MUSARQ) y el Instituto Cultural Brasil-Venezuela, que contó con el patrocinio del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Fundación Museos Nacionales y la empresa Odebrecht.
Para la inauguración se contó con la presencia de Antonio José Simoes (Embajador de Brasil en Venezuela), Marcus Lontra (Curador de la Exposición), Heloisa Alves (Coordinadora Técnica de la exposición), Kadu Niemeyer (Fotógrafo), Luis Angel Duque (Director del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas), Juan Pedro Possani (Director del Museo de Arquitectura) y Domingo Álvarez (Museógrafo).
Aunque su estructura estuvo basada en el proyecto expositivo realizado desde Brasil por Kadu Niemeyer y Heloisa Alves con Marcus Lontra como curador, responsables todos del guión, y estuvo constituida por croquis, maquetas y fotografías (tomadas Kadu Niemeyer), la muestra, que llegaba a Venezuela procedente del Museo de Arte de las Américas de la OEA, Washington (donde había recalado proveniente la estadía en Chile ya comentada), contó con una curaduría particularmente adaptada a nuestro país asumida por el arquitecto Domingo Álvarez (1935-2018), pionero de la museografía venezolana.
Álvarez, quien manifestó en su momento que se había hecho muy amigo de Niemeyer cuando llevó en 1992 la exposición retrospectiva de Armando Reverón a Brasilia, Río de Janeiro y finalmente a Sao Paulo, también confesó que en aquel momento Oscar le manifestó el deseo de que su obra fuese mostrada en suelo venezolano, por lo que tenía una deuda con el maestro brasileño de montar una exposición, “y por coincidencia aparece la oportunidad”, 17 años después.
4. Disposición de la exposición «OSCAR NIEMEYER» dentro del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.5. Izquierda: Vista de la Sala Principal del MACC durante la exposición. Derecha:Oscar Niemeyer. Memorial de la América Latina, Sao Paulo, 1989.
De tal manera, sería Álvarez con la colaboración de Carola Barrios quien trabajaría en la adaptación de 5 salas del MACC a la exposición itinerante agregando “unos elementos que consideraba fundamentales dentro de la obra de Niemeyer, dedicando a ellos la sala principal del Museo. Utilizando la ambientación como recurso museográfico recibía al público con una réplica de la escultura ubicada en el Memorial de América Latina construido en Sao Paulo. Esta escultura que representa una mano abierta y en la palma dibuja con sangre el mapa de América Latina, la hicimos prácticamente a escala 1:1 aprovechando la altura de la sala, estaba acompañada de imágenes, videos y otros elementos complementarios. También añadimos un espacio (sala 8, Oscar Niemeyer: Imágenes y juegos) dedicado a los niños donde podían jugar con una geometría que en cierta forma se acercaba a la volumetría de la arquitectura del Maestro y podían también hacer dibujos sobre la exposición que habían visto”. Además, se tomó en consideración por parte del equipo del Museo de Arte Contemporáneo facilitar el recorrido y apreciación de lo exhibido a personas invidentes.
6. Oscar Niemeyer. Proyecto para el Museo de Arte Moderno de Caracas, Colinas de Bello Monte, 1955.
Adicionalmente, se incorporaría en una de las salas un capítulo titulado Venezuela, con la propuesta del Museo de Arte Moderno de Caracas (MAMC). Este proyecto realizado por Niemeyer en 1955, que nunca fue construido, fue gestionado por el empresario urbanizador Inocente Palacios y contó con la colaboración de los estudiantes de arquitectura de la UCV cursantes de los últimos años de carrera: Fruto Vivas, Henrique Hernández, Elio Vidal, Gustavo Legórburu y Pedro Valenti. La presentación se complementó con los planos originales y la maqueta del edificio que el arquitecto brasileño hizo durante su estadía en nuestra ciudad que, procedentes del archivo de Inocente Palacios, fueron cedidos por la Fundación para la Memoria Urbana, un boceto perteneciente a la FAU UCV, cartas, un video donde el arquitecto Fruto Vivas (uno de los jóvenes colaboradores de entonces) aportó datos interesantes acerca de la propuesta, y una maqueta del proyecto realizada para la ocasión.
7. Fotografías de Kadu Niemeyer que formaron parte de la muestra. Arriba izquierda: Interior de la Catedral de Brasilia (1960). Arriba derecha: Sede de la editorial Mondadori, Milán, 1968. Centro: Museo Oscar Niemeyer, Curitiba, 2002. Abajo: Casa das Canoas, Rio de Janeiro, 1952.
La exposición, para la que se elaboró un catálogo y de la cual hemos podido encontrar sólo una imagen, además de concentrar sus mayores obras, recogió los 40 proyectos que a pesar de su avanzada edad Niemeyer había realizado en los últimos tres años. También, se presentaron el Sambódromo de Río de Janeiro; el Conjunto de Ibirapuera, en São Paulo; el Museo Oscar Niemeyer, en Curitiba; el centro cultural que también lleva su nombre en Goiana; la Torre del Parque, de Natal; y el Museo de Arte Contemporáneo en Niteroi (donde busca recrear, sin lograr el mismo efecto y potencia, la idea del MAMC). Tuvo especial significado la proyección de una video-entrevista en la que el maestro dibuja mientras conversa y la presencia de una réplica a gran escala del vitral de la catedral de Brasilia.
En el marco de la muestra el crítico y presidente del DO.CO.MO.MO. del Brasil, arquitecto Hugo Segawa, dictó una charla sobre el legado y vigencia del maestro Niemeyer que estaba a punto de cumplir 102 años.
Ante el interés que el evento despertó, la clausura prevista inicialmente para el 16 de agosto logró prorrogarse hasta 6 de septiembre.
8. Foto de la exposición «OSCAR NIEMEYER» montada en los espacios de la Fundación Telefónica, Madrid, en 2009.
Nota
Aquel mismo año 2009 del 18 de septiembre hasta el 22 de noviembre se realizó en Madrid, España, en la Sala de Exposiciones de Fundación Telefónica otra exhibición titulada “OSCAR NIEMEYER”, comisariada en este caso por el arquitecto, antropólogo y escritor Lauro Cavalcanti, considerada como la retrospectiva más completa realizada en España hasta aquella fecha del maestro brasileño.
De acuerdo a lo que aparece en https://www.fundaciontelefonica.com/noticias/17_01_2014_esp_6370-124/, “La muestra incluye desde sus primeros proyectos de arquitectura moderna en Brasil hasta las obras más recientes, como el Centro Niemeyer de Avilés, en proceso de construcción y el único trabajo en España de este arquitecto que a sus 102 años de edad continúa con su tarea creativa. La exposición (…) está compuesta por maquetas, dibujos, croquis, libros, fotografías, un sofá, una escultura, proyecciones y películas”.
Se trató, como se puede observar, de otra iniciativa en paralelo a la que hoy nos ha ocupado vinculada a la celebración del centenario del más importante arquitecto brasileño del siglo XX.
… 20 de agosto, nacen Eliel Saarinen (1873) y su hijo Eero Saarinen (1910)
1. Eliel Saarinen (izquierda) y Eero Sarinen (derecha).
La historia de la arquitectura registra una alta cantidad de sagas de padres e hijos arquitectos. Si nos ponemos a enumerar casos tanto a nivel nacional como internacional la lista sería interminable. Por lo general, la influyente figura del padre es decisiva a la hora de que alguno o algunos de sus descendientes directos tome la decisión de elegir la arquitectura como carrera o disciplina a profesar. Sin embargo, aunque ello puede dar origen al surgimiento una buena sociedad a nivel de práctica a través de una oficina, o la posibilidad de continuar el legado acumulado por el padre de parte del hijo, la coincidencia temporal en esa condición no necesariamente se traduce en igualdad de roles dentro de la actividad. La sombra paterna por lo general pesa demasiado impidiendo el libre despegue de sus sucesores. Pero no siempre es así.
El caso es que revisando las efemérides del día de hoy, 20 de agosto, nos topamos no sólo con un caso de tantos en los que el hijo ha seguido la profesión de su padre, de combinación de talentos similares que compartieron por años ejerciendo como socios, de dificultad en cuanto a saber cuál de los dos ha sido más exitoso y, por si fuera poco, con la enorme coincidencia de que nacieron el mismo día. Se trata de la dupla conformada por los finlandeses Eliel y Eero Saarinen, quizás una de las que más se destaca (si no la que más) a lo largo del siglo XX, dentro de la particular condición que hemos tratado de resumir en líneas anteriores.
2. Gottlieb Eliel Saarinen.3. Izquierda: Pabellón de Finlandia en la Exposición Universal de París de 1900. Derecha: Estación Central de Helsinki.4. Izquierda y centro: Proyecto de planeamiento urbanístico de Munksnäs-Haga. Derecha: Plan para Reval (ahora Tallin) en Estonia.
Comenzando por el padre, hay que mencionar que Gottlieb Eliel Saarinen, de acuerdo a sus biógrafos, nació en Rantasalmi, Finlandia, en 1873. Tras estudiar arquitectura y pintura en el Instituto Politécnico y la Universidad de Helsinki desde 1893 hasta 1897, abrió poco antes de graduarse un estudio de arquitectura junto con Herman Gesellius y Armas Lindegren mostrando en sus proyectos claras influencias del movimiento Arts and Crafts y la Secesión Vienesa. “Su primer gran trabajo, el Pabellón Finlandés de la Exposición Universal de 1900, exhibía una extraordinaria convergencia de influencias de estilo: arquitectura de madera finlandesa, el neogótico británico y el jugendstil. La primera época de Saarinen fue posteriormente bautizada con el nombre de ‘romanticismo nacional’ finlandés y culminó con la Estación central de Helsinki (diseñada en 1904, construida en 1910-14). Entre 1910-15 trabajó en el amplio proyecto de planeamiento urbanístico de Munksnäs-Haga y más tarde publicó un libro sobre el tema”. En la estación de trenes, dentro de su marcado eclecticismo, se incorporaron también elementos prerracionalistas inspirados en la obra de Hendrik Petrus Berlage. Para la fecha de culminación de este edificio Eliel Saarinen ya era ampliamente conocido en Europa por los proyectos de planificación urbana para Reval (ahora Tallin) en Estonia, Budapest (Hungría) y Canberra (Australia). Durante 1917-1918 Saarinen también trabajó en el planeamiento para un Helsinki mayor.
5. Izquierda: Propuesta para el Chicago Tribune Tower. Derecha: Esquema para el desarrollo de la fachada de Chicago hacia el lago Michigan.6. Campus de la Cranbrook Educational Community, Bloomfield Hills, Michigan.
“El 6 de marzo de 1904 Saarinen se había casado con Louise (Loja) Gesellius, una escultora de Helsinki, hermana menor de Herman Gesellius. Tuvieron una hija Eva-Lisa (Pipsan) el 31 de marzo de 1905 y un hijo Eero el 20 de agosto de 1910”.
Tras su participación en 1922 en el célebre concurso para el diseño del Chicago Tribune Tower donde obtuvo el segundo premio, Eliel Saarinen junto a su familia se muda a los Estados Unidos en 1923. Cabe acotar que a pesar de que el trabajo de Saarinen alcanzó el segundo lugar del concurso, ejerció gran influencia dentro del ámbito norteamericano siendo utilizado como modelo en numerosos rascacielos construidos entre 1925 y 1931.
Ya en territorio estadounidense la familia Saarinen se estableció primero en Evanston, Illinois, donde Eliel trabajó en su esquema para el desarrollo de la fachada de Chicago hacia el lago Michigan y, finalmente, en 1924 en Ann Arbor donde se convirtió en profesor visitante de la Universidad de Michigan desarrollando allí una importante trayectoria. “Actualmente, una cátedra en el ‘A. Alfred Taubman College of Architecture and Urban Planning’ de Michigan, lleva su nombre, y el College realiza anualmente una serie de conferencias en su honor”.
En 1925, a solicitud de George y Ellen Scipps Booth, Eliel diseña el campus de la Cranbrook Educational Community, Bloomfield Hills, Michigan, 20 millas al noroeste de Detroit (un equivalente estadounidense de la Escuela de la Bauhaus). Allí enseñó y se convirtió en el primer director de la Cranbrook Academy of Art entre 1932 y 1946. Entre sus estudiantes-colaboradores se encontraban Ray y Charles Eames y también Edmund N. Bacon. Desde 1946 hasta su muerte en 1950 fue allí mismo director del departamento de posgrado de arquitectura y planificación urbana.
7. Izquierda: Vista aérea del Museo de la Academia de Arte de Cranbrook (izquierda), Peristilo (centro), Biblioteca (derecha) y estudios de pintura (extremo derecho). Derecha: Academia de Arte de Cranbrook (peristilo).8. Christ Lutheran Church, Minneapolis, Minnesota.
Saarinen diseñó un grupo de edificios en Bloomfield Hills, incluida la Escuela Cranbrook para niños (1925-1930), la Escuela Kingswood para niñas (1929-1930), el Instituto de Ciencias (1935-1938), la Academia de Arte (1925-1942) y el Museo y Biblioteca de Cranbrook (1938-1942). Durante el mandato de Saarinen como director de la Cranbrook Academy of Art, supervisó un cuerpo docente que incluía a su hijo, Eero; Carl Milles; Charles Eames; y Harry Bertoia. También enseñó en Cranbrook su esposa, la artista textil, escultora y paisajista Loja Gesellius, fundadora allí en 1928 del Departamento de Tejido y Diseño Textil, uno de los más productivos de los Estados Unidos.
Desde 1938 Eero se asocia en la oficina de su padre y colaboraron en proyectos como Crow Island School (1940) en Winnetka, Illinois, que influyó en el diseño de la escuela de posguerra, y First Christian Church (1942) en Columbus, Indiana. Otra iglesia, Christ Lutheran, en Minneapolis, Minnesota (1949–50), fue el último edificio terminado en vida de Eliel Saarinen considerado por algunos como el mejor.
9. Arriba: Dos libros sobre la vida y obra de Eliel Saarinen. Abajo: Dos libros escritos por él.
Eliel Saarinen, quien contribuyó de modo decisivo a la elaboración de la nueva arquitectura estadounidense, recibió la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos (AIA) en 1947. De sus escritos, publicados en Nueva York, destacan:The City. Its Growth, Its Decay, Its Future de 1943 (La ciudad. Su crecimiento, su decadencia, su porvenir) y Search for Form. A Fundamental Approach to Art de 1948 (La búsqueda de la forma. Una aproximación fundamental al arte).
10. Eero Saarinen.
Eero Saarinen nació en Kirkkonummi, Finlandia en 1910, por lo que cuando sus padres deciden trasladarse a la Estados Unidos contaba con 13 años. Ello influirá, sin duda, en que se le considere ciudadano norteamericano, nacionalidad que asumirá en 1940.
La formación de Eero transcurre primero cursando estudios secundarios en Birmingham, Michigan y, siendo aún adolescente, ya había empezado a ayudar a su padre a diseñar muebles y accesorios para el campus de Cranbrook; luego, en 1929 seguirá cursos de escultura en la Académie de la Grande Chaumière de París; y de 1930 a 1934 se formará como arquitecto en Yale University, New Haven.
En 1934 regresó a Michigan donde empezó a enseñar en Cranbrook y en 1936 comenzó a trabajar en el estudio de arquitectura de su padre en Ann Arbor haciéndose su socio en 1938 junto con J. Robert Swanson. Siempre colaboró en la oficina hasta 1950, año de la muerte de Eliel. A partir de entonces el estudio se llamó Eero Saarinen & Asociados.
La influyente personalidad de su padre llevó a Eero a superarse constantemente y a esforzarse por ir forjando un perfil propio. Importante en tal sentido será su contacto mientras dictaba clases en Cranbrook con dos estudiantes: Charles Eames y Florence Basset.
11. Mobiliario propuesto por Charles Eames y Eero Saarinen con el que gananel concurso convocado por el MoMA de Nueva York en 1940.12. Izquierda: butaca Womb. Derecha: Colección Tulip
Con Eames participará en 1940 en el concurso convocado por el MoMA de Nueva York para descubrir productos que puedan aportar novedades al mobiliario doméstico y lo ganarán en las dos categorías en que participan basando sus diseños en el uso de madera laminada moldeada. Luego, haciendo equipo con Ray y Charles (ya casados) Eero participará en el diseño de la Case Study House nº9 (Entenza house) dentro de la importante experiencia promovida desde la revista Arts & Architecture para diseñar y construir casas modelo baratas y eficientes.
Su amistad con Florence Basset le valdrá, una vez que ella se casara con el fabricante de muebles Hans Knoll, para incorporarse a la introducción por parte de Florence del diseño de vanguardia en el catálogo de la empresa de su marido. Para Knoll, Saarinen diseñará, entre otros, en 1947 la confortable butaca Womb (útero), la colección de asientos de la serie 70 y también en 1957 la silla y colección Tulip concebidas con la clara intención de ser producidas en serie.
13. Gateway Arch en San Luis, Misuri.
El año de 1947 significará para Eero un momento de gran importancia para definitivamente poder brillar con luz propia. Será a través de su participación en el concurso convocado por el gobierno estadounidense para la construcción de un monumento que conmemorara la adquisición del estado de Louisiana a los españoles por parte de Thomas Jefferson, al cual acudirán también su padre Eliel, Charles Eames, Louis Kahn o Walter Gropius, entre otros.
Eero, flamante ganador del prestigioso evento, propondrá en San Luis, Misuri, en la orilla oeste del río Misisipi (donde se fundó la ciudad) un arco de acero inoxidable de 192 metros de altura (630 pies, que salva una luz de la misma dimensión) ubicado en el punto más alto de la ciudad que además simboliza la puerta de entrada al oeste de los Estados Unidos.
A partir de entonces para Eero, sin conocer lo temprano que le llegaría la muerte, comenzará un frenético y prolífico período en que tendrá la oportunidad de afrontar el diseño de los más diversos tipos de edificios, mostrando una sorprendente habilidad para manejar distintos lenguajes expresivos según la ocasión, enmarcados dentro de los podría denominarse como una segunda oleada de la modernidad.
14. Parte de la prolífica producción de Eero Saarinen durante la década de 1950. Arriba izquierda: dibujo de la pista de Hockey David S. Ingalls Rink, New Haven. A su derecha: complejo de oficinas y laboratorios para la General Motors, Warren, Detroit. Izquierda centro: terminal de la TWA en el Aeropuerto Kennedy, Nueva York, por fuera y por dentro. Abajo izquierda y centro: aeropuerto internacional de Dulles, Washington, por fuera y por dentro. Centro: CBS Building, Nueva York. Derecha arriba y abajo: capilla Kresge en el Massachusetts Institute of Technology, Boston.
Así, tomando como punto de partida el complejo de oficinas y laboratorios para la General Motors en Warren, Detroit (1948-1956), de 1953 terminados en 1955 serán el auditorio y la capilla Kresge en el Massachusetts Institute of Technology, Boston; de 1954 el Irwin Conference Center en Columbus, Indiana; de 1956 (terminado de construir en 1962) el terminal de la TWA en el Aeropuerto Kennedy de Nueva York; de 1957 el Milwaukee County War Memorial Center y la Miller House and Garden en Columbus, Indiana; la pista de Hockey David S. Ingalls Rink, New Haven, se construirá entre 1953 y 1958; la embajada de los Estados Unidos en Londres se terminará de levantar en 1960; el aeropuerto internacional de Dulles, Washington, en 1962; el Vivian Beaumont Theater de Lincoln Center, Nueva York, en 1965 al igual que el CBS Building en la misma ciudad. Como se podrá ver, desde el propio Gateway Arch en San Luis construido finalmente entre 1963 y 1965, pasando por el terminal de la TWA, el aeropuerto internacional de Dulles, el Vivian Beaumont Theater y llegando al edificio para la CBS, fueron todas obras que se terminaron después de que Saarinen falleciera en septiembre de 1961, a la temprana edad de 51 años, mientras se sometía a una cirugía a causa de la aparición de un agresivo tumor cerebral.
15. Algunos de los libros publicados sobre la obra de Eero Saarinen.16. Libro y exposición que formaron parte del proyecto divulgativo titulado Eero Saarinen: Shaping the Future (2006 a 2010).
Durante su vida y tras su desaparición fueron numerosos los libros dedicados a la obra de Saarinen. Sin embargo, debió esperarse hasta el año 2006 para que se montase un ambicioso proyecto divulgativo titulado Eero Saarinen: Shaping the Future (2006 a 2010), que constaba de tres componentes clave: exposición, publicación y base de datos de investigación donde se exploró el trabajo de toda la vida del arquitecto consistente en más de cincuenta proyectos completados y propuestos que capturaron las aspiraciones y los valores de los Estados Unidos de mediados del siglo XX. La exhibición, organizada por el Instituto Cultural Finlandés en Nueva York, el Museo de Arquitectura Finlandesa y el Museo Nacional de la Construcción, con el apoyo de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, fue comisariada por Donald Albrecht y presentó maquetas de edificios a gran escala, dibujos nunca antes vistos, modelos, fotografías, películas y objetos efímeros. Concebida con carácter itinerante, la muestra, cuyo primer montaje se realizó en la Galería de Arte de la Universidad de Yale el 6 de octubre de 2006, estuvo de gira hasta 2010 por Helsinki, Finlandia; Oslo, Noruega; Bruselas, Bélgica; y en EE. UU. en Cranbrook, Washington, D.C., Minneapolis, St. Louis, New York y New Haven.
17. La monumentalidad de Saarinen en su máxima expresión.
Justamente, a raíz de la llegada de la exposición a Bruselas el 7 de octubre de 2007, William Curtis escribiría un muy valioso reportaje aparecido en el suplemento cultural Babelia del diario español El País titulado “Eero Saarinen y la monumentalidad moderna”, donde toca aspectos que fueron adelantados en este boletín la semana pasada cuando repasábamos el manifiesto “Nueve puntos sobre monumentalidad” escrito por Josep Lluis Sert, Fernand Léger y Sigfried Giedion en 1943.
Del texto de Curtis rescatamos lo siguiente: “Saarinen era el niño mimado de los medios de comunicación y llegó a aparecer en la portada de revistas tan populares como Time, pero causaba escepticismo entre los académicos que se consideraban guardianes de la fe modernista más estricta. La facilidad formal y el éxito profesional de Saarinen no le granjearon las simpatías de todos. Algunos le acusaron de no poseer un estilo coherente, de saltar de un lenguaje arquitectónico a otro y de permitirse un formalismo excesivo. Pero esas acusaciones significaban ignorar la necesidad de una nueva monumentalidad en los años cincuenta y no comprender que Saarinen estaba tratando de ampliar la gama expresiva de la arquitectura moderna”.
18. Jørn Utzon. Ópera de Sidney (1957-1973).
No fue casual, por tanto, que la intervención de Saarinen como miembro del jurado en el concurso para la Ópera de Sidney, en 1957, rescatase de entre los trabajos descartados en primera instancia el presentado por el danés Jørn Utzon: una asombrosa propuesta escultórica con unas bóvedas como velas que se alzaban sobre plataformas y a quien luego se le declaró ganador y se le encargó el proyecto.
Siendo ambos diestros arquitectos y eximios dibujantes, si su padre Eliel desarrolló con sapiencia una actividad ligada a la planificación, cargó siempre con las influencias propias de finales del siglo XIX y comienzos del XX y se abocó con insistencia a la enseñanza y la reflexión teórica, Eero se convirtió desde muy joven en un excelente diseñador industrial, se mostró como un talentoso proyectista de variados edificios enmarcados dentro de la tradición moderna europea, desarrolló una gran capacidad para las relaciones públicas y su pensamiento sólo puede encontrarse a través de frases cortas y escritos breves.
Eero Saarinen, sin que con ello queramos establecer comparaciones con su padre, fue uno de los más prolíficos, heterodoxos y controvertidos arquitectos del siglo XX. Sus diseños, sin duda, ayudaron a crear la imagen internacional de los Estados Unidos en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
De 1958 a 1965, Le Corbusier y Heidi Weber, propietaria de la galería de arte Mezzanin y diseñadora de interiores de Zúrich, formaron una asociación excepcional. Gran admiradora de la obra artística de Le Corbusier, su contribución al conocimiento y difusión de su obra plástica y gráfica ha sido fundamental. También relanzó con éxito la edición y producción de muebles icónicos creados por Le Corbusier, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand. En 1960, Heidi Weber encargó a Le Corbusier la creación de La Maison de l’Homme en Zúrich, concebida como un centro cultural dedicado a encuentros y exposiciones sobre arquitectura y arte contemporáneo. Inaugurado en 1967 tras la muerte del arquitecto, el Museo Heidi Weber – Centro Le Corbusier de Zúrich puede verse como un manifiesto de la «síntesis de las artes» que Le Corbusier persiguió a lo largo de su vida: «No hay escultores solos, no hay pintores solos, no hay arquitectos solos. El acontecimiento plástico se realiza en una ‘FORMA ÚNICA’ al servicio de la poesía».
La exposición está comisariada por Juan Calatrava, catedrático de Historia de la Arquitectura de la Universidad de Granada y presidente de la Asociación de Historiadores de la Arquitectura y Urbanismo (AhAU), con la asistencia de Bernard Weber, hijo de Heidi Weber.
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