Información de la publicación La nueva colección ‘Retratos’ recoge diferentes textos de Luis Fernández-Galiano sobre la vida y obra de un conjunto de arquitectos contemporáneos. El caso Calatrava es el octavo título de la misma, a la que sólo cabe añadir una entrega especial que recuerde a Enric Miralles en el 20 aniversario de su desaparición. Ilustrados con dibujos de los propios arquitectos, y enriquecidos con entrevistas en profundidad, reseñas biográficas y análisis de las obras, estos pequeños libros quieren ofrecer retratos pixelados de los maestros actuales, informativos y críticos a la vez.
El libro El caso Calatrava, con 72 páginas y en tapa blanda, comprende trece artículos que componen un recorrido por el pensamiento y la obra del creador valenciano. Personaje polémico como pocos, ha reunido su triple condición de arquitecto, ingeniero y escultor para construir una obra de extraordinaria ambición y reconocible singularidad. Esta colección de artículos se inicia con su primera realización española, el puente barcelonés de Bac de Roda, y en textos sucesivos se glosan sus proyectos en Sevilla, en Tenerife o en Valencia, como el colosal complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, que da pie a un cervantino coloquio entre perros. Pero también se comentan muchas de las titánicas construcciones levantadas en todo el mundo, se hacen dialogar sus obras con las de arquitectos como Gehry o Nouvel, y se intenta desentrañar lo que lo hace a la vez discutido y característico de nuestro tiempo. La secuencia de textos se cierra con un registro personal de los encuentros y desencuentros con el arquitecto, tan impopular entre sus colegas como reconocido por el público, y sin duda uno de los grandes protagonistas de la escena contemporánea.
Fieles a una radical manera de entender la profesión, los ganadores de la última edición del Premio Pritzker llevan tres décadas desarrollando una arquitectura comprometida que ha sabido traducir en un lenguaje escueto pero poderoso las preocupaciones sociales y medioambientales de nuestra época. Con motivo de la concesión del prestigioso galardón, la editorial Arquitectura Viva presenta Lacaton & Vassal. 1991-2021, un volumen bilingüe castellano-inglés de 176 páginas, encuadernado en tela y tapa dura, que reúne una treintena de las obras y proyectos más destacados del estudio galo. Cuatro artículos —firmados por Luis Fernández-Galiano, François Chaslin, Richard Scoffier y Enrique Sobejano respectivamente—complementan esta selección y permiten contemplar desde diferentes perspectivas la arquitectura contenida, siempre al servicio de las personas, que ha llevado a Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal a lograr el máximo reconocimiento de la profesión.
La arquitectura nace para resolver el problema de un techo, de algo pesado y significante que acompaña y hace posible la experiencia humana desde tiempos remotos. Puede que el suelo sea el más antiguo elemento arquitectónico, pero el techo, por la dificultad que supone su construcción y por el significado que impone su permanencia, exige una invención que va más allá de la técnica. Ante el problema del peso resuelto, la arquitectura, a pesar de todas las restricciones que le han sido impuestas, pasa a ser una victoria; la arquitectura ha vencido porque ha convertido la construcción, toda la dificultad e improbabilidad de la construcción, en un arte. Lo cargante descansa, lo ponderado se ha hecho imponderable, las certezas se encuentran ante un halo de incertidumbre, la causalidad es puesta en crisis, y una suspensión del sentido se abre paso. Desde la arquitectura griega hasta la gótica, desde la arquitectura barroca hasta las más admirables obras y proyectos realizados por los arquitectos pioneros del Movimiento Moderno, surgen ejemplos insólitos. La expresión del peso muestra los diversos caminos que desafían la práctica constructiva y la lógica imperativa de la gravedad. Y resulta extraordinario que la arquitectura, que no cuenta con la misma libertad que la pintura o la escultura, ni que la literatura o la música, demuestre, ante los mismos estrechos márgenes que la limitan, el valor del reto al que desafía y la paradójica libertad que le pertenece.
Extracto del Prólogo escrito por Fritz Neumeyer
En la arquitectura moderna, la columna como arquetipo de la ornamentación histórica se ha convertido en un tabú. Entre otras cosas, el hecho de que Mies excluyera deliberadamente las ocho columnas jónicas de las fotografías oficiales del pabellón puede tener algo que ver con esto. Por otra parte, Mies probablemente eligió este solar precisamente por la presencia espacial de la fila de columnas, con la que el pabellón horizontal resaltaba de manera clara. El hecho de que en 2016 se convocara un concurso para la reinterpretación temporal de las ocho columnas jónicas en su antigua ubicación, bajo el significativo título de “Columnas Cristalizadas” (Fear of Columns), es una alusión acertada a ese tabú de la modernidad. Luis Martínez Santa-María ganó el concurso y, mediante la colocación de bidones antiguos apilados, dio un nuevo rostro a esa parte de la historia y enriqueció con inteligencia la reconstrucción de este edificio centenario.
Mies sacó a la luz la banal viga de acero, que existía en secreto como un elemento ligeramente oxidado trabajando en el interior de la construcción del edificio, y la ennobleció como elemento visible de un orden arquitectónico genuino, resucitando así la clásica pilastra en una forma moderna. ¿No hay también una alusión a este trasfondo de la lógica miesiana al tratar un producto industrial metálico con viejos y oxidados bidones vacíos apilados unos encima de otros a modo de tambores para dar forma a la dignidad arquitectónica de la columna? Ahora estos tambores prueban la posición vertical como un experimento técnico y estético al mismo tiempo. Y en cuanto a la expresión del peso, ¿no están estos tambores también vinculados a determinadas ideas relacionadas con la fluidez? Probablemente los bidones flotan en el agua aunque estén llenos, así que mucho más aún si están vacíos. Como era de esperar, cuando se apilan en tierra para formar una columna, no reflejan las formas jónicas de ninguna manera. Sin embargo, si se concede crédito a esa flotabilidad, desarrollarán su oculto carácter jónico.
Luis Martínez Santa-María. Madrid, 1960, es Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, 1985. Doctor Arquitecto, 2000. Beca de Formación de Profesorado y Personal Investigador en España, 1987-1990. Profesor de Proyectos Arquitectónicos en la ETSAM desde 1990.
¿Puede escribirse un libro que contenga todas las escaleras del mundo? Dado que, como aquí se afirma, el número de escaleras es infinito, tal tarea parece imposible. Y sin embargo, sí puede intentarse rastrear los territorios, las ideas y las problemáticas que tienen en común. Reunir en un tomo los rasgos comunes a “todas las escaleras del mundo” tal vez sea un trabajo difícil, pero indudablemente resultará provechoso.
Este escrito huye de la tentación de establecer taxonomías, o tranquilizadoras clasificaciones de las escaleras. Porque, al igual que los líquenes, se trata de una de esas especies que pertenecen a varios mundos y ocupan simultáneamente varias dimensiones: son primitivas y sin embargo es imposible describir algunos de los mejores espacios de la contemporaneidad sin poner en valor su presencia. Son básicas y sin embargo en torno a ellas se dan situaciones complejas y casi invisibles en el día a día.
Las escaleras son un componente primordial de la arquitectura y el primer y más sencillo sistema para el desvelamiento de sus modos de conexión debido a que enlazan con extrema facilidad personas y situaciones a diferente nivel. Son un perfecto arquetipo arquitectónico, simbolizan el objetivo de la composición y gracias a ellas es posible la misma idea de secuencia de espacios. Como hacen los puentes al cruzar valles y ríos, las escaleras crean lugares en sus dos extremos siendo en sí mismas uno particular.
Sin estudiar este arquitectónico ser unicelular, resulta imposible comprender, siquiera hoy, lo que significa lo vertical en términos psicológicos, ni puede que tampoco, en otro extremo, entender cualquier idea de progreso social en términos de ascenso o descenso. De su combinatoria, de su producción y de su cultivo depende, en buena medida, como seres testigo que son, el avance y los descubrimientos futuros de la propia arquitectura.
Santiago de Molina es arquitecto. Es profesor titular de Proyectos Arquitectónicos en la universidad San Pablo CEU de Madrid. Su obra ha recibido diferentes premios en concursos nacionales e internacionales. En Ediciones Asimétricas ha publicado los libros Hambre de Arquitectura y Múltiples. Estrategias de la arquitectura. También es autor de Arquitectos al margen y Collage y Arquitectura, libro seleccionado a los premios FAD de Teoría y Crítica 2015. Es colaborador habitual de numerosos medios especializados. Dirige desde el año 2009 el blog Múltiples estrategias de arquitectura.
Eileen Gray (1878-1976) fue una diseñadora y arquitecta versátil que navegó por numerosos círculos literarios y artísticos a lo largo de su vida. Este hermoso volumen narra la carrera de Gray como diseñador, arquitecto, pintor y fotógrafo. Los ensayos del libro, que incluyen una gran cantidad de nuevas investigaciones, ofrecen un análisis en profundidad de más de 50 diseños individuales y proyectos arquitectónicos, acompañados de fotografías de época y nuevas. Nacida en Irlanda y educada en Londres, Gray se trasladó a París donde abrió un estudio textil, estudió el arte japonés de la laca que se convertiría en una técnica principal en su trabajo de diseño, y fue propietaria y directora de la influyente galería y tienda conocida como “Jean Désert «. Gray luchó por ser aceptada como una mujer en gran parte autodidacta en profesiones dominadas por hombres. Aunque ahora es mejor conocida por sus muebles, iluminación y alfombras, se dedicó a muchos proyectos arquitectónicos e interiores que fueron tanto personales como sociales, incluida la Villa E 1027, la icónica casa moderna diseñada con Jean Badovici, así como proyectos económicos y desmontables, como la «Tienda de Campaña».
Comentario de la obra
Talento escurridizo
Monograph on Eileen Gray
Eduardo Prieto
01/05/2021
Tomado de arquitecturaviva.com
Entre las heroínas de la modernidad arquitectónica, Eileen Gray es acaso la de mayor talento, pero también la más escurridiza. Escurridiza, para empezar, por su edad: nacida en 1878 en una familia de la aristocracia irlandesa, Gray era ocho años más joven que Loos pero nueve mayor que Le Corbusier, de manera que durante los anni mirabiles de la modernidad no pudo fungir de joven pionera —a la manera de Margarete Schütte-Lihotzky o Charlotte Perriand— sino de lo que en verdad era: una respetable mademoiselle —así la llamaba Corbu— que llevaba décadas trabajando.
Esta cronología incómoda tiene algo que ver con que Gray fuera también escurridiza en su obra: un conjunto inmenso y elaborado a lo largo de decenios —Gray murió a los 98 años—, en el que cabe encontrar desde los exquisitos biombos lacados a la japonesa que la hicieron famosa en el París donde vivió hasta algunos de los mejores muebles del diseño moderno —como la mesita ajustable de café—, pasando por dos casas que causaron la envidia del propio Le Corbusier: la acogedora E.1027 construida cerca de Mónaco para su socio y amante ocasional Jean Badovici, y la Tempe à pailla levantada no lejos de la anterior, ambas obras maestras.
Gray fue también escurridiza en lo personal: aunque tuvo una vida sentimental intensa y marcada por su bisexualidad, fue muy discreta; de hecho, sintió siempre cierta alergia aristocrática por la exposición a los medios, lo cual explica en parte que su figura pasara pronto al olvido. De ese relativo olvido la sacó Joseph Rykwert gracias un artículo de 1972, y, partir de ahí, varias exposiciones dieron a conocer en detalle su legado. De ellas, la última se celebró en Nueva York, y su catálogo recién publicado —que contiene las aportaciones de una decena de estudiosos, recoge un material gráfico espléndido y ha sido diseñado con exquisitez por Irma Boom— puede considerarse la gran monografía que la obra de Gray estaba exigiendo. No se la pierdan.
Palacios comunales atemporales es un estudio sobre la persistente existencia de grandes estructuras espaciales dedicadas a alojar colectividades unidas por posiciones vitales alternativas al modo de vida familiar. Aunque se interesa en los principios espirituales y/o políticos que animan estas estructuras, la investigación se centra en la coherencia entre su impresionante belleza arquitectónica, su organización espacial y sus estrategias económicas y ecológicas. También en lo que Michel Foucault denominó las tecnologías del yo que cada iniciativa implica.
El estudio arrancó como un curso impartido en la Graduate School of Design (GSD) de la Harvard University bajo el título “Cómo vivir juntos”, que se tomó del libro homónimo de Roland Barthes, autor cuyas ideas y formas de trabajo han iluminado el nuestro. Este curso continuó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), y acabó de perfilarse gracias a la invitación de Hashim Sarkis, comisario de la XVII Bienal de Arquitectura de Venecia de 2021, a exponer en esta sus resultados.
Comentario de la obra
Cómo vivir juntos
Architectures of the Collective
Andrés Jaque
01/06/2021
Tomado de arquitecturaviva.com
Iñaki Ábalos pertenece al reducido grupo de arquitectos españoles que cuentan con un proyecto intelectual en el que el diseño alcanza una dimensión crítica. Su trayectoria profesional es inseparable de sus contribuciones teóricas en el terreno del análisis tipológico y de la pragmática eco-tecnológica. En este volumen, Ábalos hace pública la investigación comenzada como curso en la GSD de Harvard y continuada luego en la ETSAM con la que contribuirá a la XVII Bienal de Venecia, titulada ‘¿Cómo viviremos juntos?’
La publicación retoma la pregunta que agitaba el contexto arquitectónico y cultural europeo en 1976: ¿cómo caracterizar la interdependencia entre forma y sociedad? Ese fue el año en que Roland Barthes celebraba su ingreso en el Collège de France reflexionando sobre Cómo vivir juntos; es también el año en que Gustavo Gili publicó en castellano La arquitectura de la ciudad que, desde una perspectiva material, interrogaba la agencia específica de la forma construida y su participación en lo colectivo. Para retomar la pregunta, Ábalos y sus colaboradores convocan una constelación de fragmentos de diferente naturaleza —planos, fotografías, textos fundacionales y extractos literarios; entre otros una conferencia que Ábalos impartió en la GSD en 2016— relacionados con 60 casos arquitectónicos, de diferentes contextos históricos y geográficos.
Estos fragmentos crean un hilo conductor en el que el autor discute la distinción que Giulio Carlo Argan establecía entre tipo y construcción material, para reivindicar la capacidad de las tipologías de contener propuestas tecno-performativas. También niegan el neoplatonismo apriorístico de la tradición formalista de Quatremère de Quincy, para en su lugar reivindicar un pragmatismo donde forma y complejidad social puedan emerger de manera solidaria. En conjunto, el libro podría ser el inicio de una noción de realismo arquitectónico. Realismo arquitectónico, como la inseparable imbricación de lo material, lo social, lo ecosistémico y lo cognitivo.
ACA
Nos interesan temas relacionados con el desarrollo urbano y arquitectónico en Venezuela así como todo lo que acontece en su mundo editorial.
Fundación Arquitectura y Ciudad 