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Expo 67: The Place to Be

Exposición al aire libre en McGill College Avenue, Montreal
Museo McCord. (Museo de Historia Social de Montreal)
Del 9 de junio al 15 de octubre

La Exposición Universal de Montreal, una de las cuatro más exitosas del siglo XX, que tuvo lugar del 27 de abril al 29 de octubre de 1967, fue un acontecimiento único en la historia de Canadá y sigue siendo un recuerdo inolvidable para quienes lo vieron. Durante esos seis meses, más de 50 millones de visitantes compartieron la embriagadora experiencia de «El hombre y su mundo». Gente de todo el planeta acudió a Montreal y, al abrirles los brazos, la ciudad -junto con Quebec y Canadá- redefinió su identidad.

Con motivo de cumplirse 50 años de la realización de este importante suceso y en el marco de la celebración de los 150 años de Canadá, el Museo McCord organizó, dentro de una amplia programación que incluye a otras instituciones y eventos, una exposición al aire libre sobre las aceras de la avenida McGill College -una de las mayores universidades, con sede en varios edificios ubicados en la zona del centro de la ciudad- para la que se utilizaron fotografías de Jean-Louis Frund, a quien se le comisionó en su momento, “capturar el ambiente de la exposición internacional.”

Frund, natural de Lac Saint-Jean, Quebec, es un reconocido documentalista. Ha realizado cerca de cincuenta películas ampliamente distribuidas que le han permitido obtener numerosos premios, incluyendo la Médaille de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres del gobierno francés. En 1966 y 1967, fotografió la construcción de la feria mundial de Montreal, capturando los colores audaces y la arquitectura de los pabellones y el estado de ánimo flotante de las multitudes que acudieron a las islas Santa Helena y Notre Dame en el verano de 1967.

Una serie de 24 fotografías fueron seleccionadas entre más de 1.000 tomadas por Frund en la Expo (que hoy son parte de la colección del Museo McCord) e instaladas en otros tantos dispositivos fijos. Ellas capturan la espectacular arquitectura de los diversos pabellones (se construyeron 90 en total de los cuales 60 estaban destinados a diferentes países) y evocan la emoción de aquel lugar mágico emplazado en 400 hectáreas de las cuales cerca de 200 se aprovecharon sobre las dos islas creadas sobre el cauce del rio San Lorenzo. Venezuela y el estupendo pabellón diseñado por Carlos Raúl Villanueva para la ocasión, ocupan un lugar destacado dentro de la muestra.

ACA/HVH

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Fabiola López-Durán, arquitecta venezolana graduada en la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad de Los Andes (ULA-Mérida), profesora del Departamento de Diseño, Arquitectura y Artes Plásticas de la Universidad Simón Bolívar entre 1997 y 2002,  becaria de la Woodrow Wilson National Fellowship Foundation para cursar el PhD en Historia, Teoría y Crítica de la Arquitectura del Massachusetts Institute of Technology (MIT) -del cual egresó en 2009-, Becaria Post-doctoral «Andrew W. Mellon» (2009-2011) en Humanidades en el Departamento de Historia de Arte de la Universidad de California Berkeley, y en la actualidad Profesora en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Rice en Houston, se encuentra entre los ganadores del 2017 SAH/Mellon Author Award, otorgado por la Sociedad de Historiadores de Arquitectura de los Estados Unidos y la Fundación Andrew W. Mellon, por su libro titulado Eugenics in The Garden: Transatlantic Architecture and the Crafting of Modernity (University of Texas Press), que se espera esté en circulación a finales del presente año.

El anuncio apareció en la página de la Society of Architectural Historians (SAH) el pasado 10 de agosto y fue difundido por el ex Rector de la ULA, profesor Néstor Luis López Rodríguez, a través de las redes sociales el 5 de septiembre.

La obra reconocida se inscribe en la línea de investigación desarrollada por Fabiola López-Durán a partir de sus estudios doctorales, desde la cual ofrece una perspectiva transnacional e interdisciplinaria centrada en la historia y la teoría del arte, de la forma urbana y de la arquitectura moderna y contemporánea europeos y latinoamericanos e indaga en torno a discursos y narraciones de la naturaleza.

Eugenics in The Garden: Transatlantic Architecture and the Crafting of Modernity, texto que seguramente generará una rica polémica, estará en la exposición permanente del Charnley-Persky House Museum (sede de la Society of Architectural Historians) en Chicago.
Del resumen del libro elaborado por el Editor, se extrae lo siguiente (traducción hecha por el profesor Néstor Luis López Rodríguez):

Mientras las élites latinoamericanas se esforzaban por modernizar sus ciudades a principios del siglo XX, adoptaron con entusiasmo la teoría eugenésica de que las mejoras en el entorno edificado conducirían a mejoras en la raza humana. Basados en la teoría de Jean-Baptiste Lamarck sobre la «herencia de las características adquiridas», esta forma de eugenesia potenció un proyecto utópico que hizo de la raza, el género, la clase y el entorno construido instrumentos críticos de la modernidad y el progreso. A través de una perspectiva transnacional e interdisciplinaria, el libro  Eugenesia en el Jardín revela cómo la eugenesia, impulsada por el temor de la degeneración social en Francia, se extendió desde los ámbitos de la ciencia médica hasta la arquitectura y la planificación urbana, convirtiéndose en un instrumento crítico en la elaboración de la modernidad en el nuevo mundo latinoamericano. En un viaje de ida y vuelta entre Francia, Brasil y Argentina, Fabiola López-Durán revela la complicidad de médicos y arquitectos en ambos lados del Atlántico, que participaron en una estrategia global de ingeniería social, legitimada por la autoridad de la ciencia. Y al hacerlo, ella revela la trayectoria ideológica de uno de los arquitectos más célebres del siglo XX, Le Corbusier, quien instrumentalizó la arquitectura en lo que vio como el perfeccionamiento y blanqueamiento del hombre. En este primer estudio a profundidad de la influencia de la eugenesia en la construcción del entorno edificado moderno, este libro Eugenesia en el Jardín demuestra convincentemente que la raza era la principal herramienta en la geopolítica del espacio y que el racismo era y sigue siendo una ideología… Desde aquí nuestras más sinceras congratulaciones a la profesora López-Durán quien, luego de decidir desarrollar su carrera académica en los Estados Unidos, ha alcanzado elevados niveles de excelencia en el área a la que se dedica como investigadora y docente, dejando muy en alto el gentilicio de nuestro país llenando de orgullo a quienes la formaron y han compartido con ella aulas y espacios donde se genera y difunde el conocimiento.

ACA

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Toyo Ito, ganador de la Medalla de Oro UIA 2017

Patrick Lynch

Tomado de Plataforma Arquitectura

29 de julio 2017

Traducido por Nicolás Valencia

La Unión Internacional de Arquitectos (UIA) ha anunciado a los ganadores de la Medalla de Oro UIA 2017 y otros premios.

Establecido en 1961, los premios de la UIA son entregados cada tres años a «profesionales cuyas cualidades, talentos y acciones han tenido un impacto internacional en los diversos sectores del ejercicio de la arquitectura». Este año, un total de 46 nominaciones fueron consideradas por la Secretaría.

El principal premio de la organización, la Medalla de Oro UIA (desde 1984), ha sido entregada en esta ocasión al arquitecto japonés Toyo Ito, quien se incorpora a I.M. Pei (2014), Álvaro Siza Vieira (2011), Teodoro González de León (2008), Tadao Ando (2005), Renzo Piano (2002), Ricardo Legorreta Vilchis (1999), Rafael Moneo (1996), Fumihiko Maki (1993), Charles Correa (1990), Reima Pietila (1987) y Hassan Fathy (1984).

El Jurado, integrado por los miembros de la Mesa de la UIA, estuvo integrado por el Presidente Esa Mohamed (Malasia), el ex Presidente Albert Dubler (Francia), el Secretario General Thomas Vonier (EEUU), el Tesorero Fabian Llisterri (España) y los Vicepresidentes David Falla Deniz Incedayi (Turquía), Carlos Alvarez (Costa Rica), Yolanda Reyes (Filipinas) y Ali Hayder (Sudán).

El resto de los ganadores de este año son:

Auguste Perret Prize por tecnología aplicada en arquitectura: Nikolay Shumakov (Rusia).

Jean Tschumi Prize por crítica o formación en arquitectura: Ashraf M Salama (Egipto).

Robert Matthew Prize por mejoramiento de la calidad de asentamientos humanos: Carin Smuts (Sudáfrica).

Vassilis Sgoutas Prize en reconocimiento a soluciones arquitectónicas para reducir la pobreza y la indigencia: Hoang Thuc Hao (Vietnam)

Un último premio, el Sir Patrick Abercrombie Prize por planificación territorial, no fue entregado este año.

Los ganadores recibirán sus medallas en una ceremonia especial el próximo 6 de septiembre durante la 25° edición del Congreso Mundial de UIA en Seúl, Corea del Sur.

Nota:

La Unión Internacional de Arquitectos (UIA) celebró la primera edición de su congreso en Lausana, Suiza en 1948 y los ha venido realizando ininterrumpidamente cada tres años, por lo que cuenta con casi 70 años de historia. En esta ocasión el congreso mundial se celebrará en Seúl entre los días 3 y 10 de Septiembre, en el COEX (Convention Center) y el DDP (Dongdaemun Design Plaza). La UIA 2017 de Seúl, en particular, promoverá diversas técnicas y tecnologías arquitectónicas innovadoras entre las secciones miembro y los ciudadanos globales. Al hacerlo, se llevarán a cabo simultáneamente programas académicos, exposiciones, concursos, actividades con estudiantes y programas de divulgación pública.

El congreso girará  entorno al tema del «Alma de la cuidad».

ACA

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Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects

Sala TAC
Trasnocho Cultural Paseo Las Mercedes

La Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), Docomomo Venezuela y la Embajada de Estados Unidos presentan la exposición Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects, cuya organización ha sido posible también gracias al apoyo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, de la Graduate School of Architecture, Planning and Preservation (GSAPP) de Columbia University y de Docomomo US.
En el marco del 450 aniversario de la fundación de Santiago de León de Caracas (1567-2017) esta exposición reseña los diversos proyectos y la influencia que arquitectos, urbanistas, diseñadores y artistas norteamericanos aportaron en la construcción de la ciudad moderna entre 1925 y 1975.
Bajo la curaduría de Hannia Gómez y la colaboración de la profesora del Programa de Preservación Histórica de GSAPP, Jennifer Gray Johnson, y sus alumnos, junto a la museografía de Frank Alcock, la muestra reúne una serie de obras, fotografías, textos, documentos y maquetas, que ponen al alcance del público la manera como la arquitectura, el urbanismo y las artes caraqueñas se ven impactadas por diversos profesionales estadounidenses en un lapso de 50 años.
En este trayecto también se puede constatar cómo los diversos autores seleccionados, se aproximaron e interpretaron la ciudad y su contexto logrando en ocasiones un elevado nivel de asimilación de las variables propias del lugar. La exposición aborda el trabajo de 27 autores que desarrollaron su obra en el país. Entre ellos destacan los arquitectos  Charles Dale Badgeley, Marcel Breuer, Richard Buckminster Fuller, Lathrop Smith Douglass, John y Drew Eberson, Aymar Embury II, Arthur B. Frohelich, Bruce Goff, Don Hatch, Emile Vestuti, Wallace K. Harrison, John Hollabird, E. Root y E. Burgee, Clifford Charles Wendehack y Richard Neutra. Igualmente figuran en este recorrido la obra pública de un artista como Alexander Calder, de paisajistas como Olmsted Brothers y John Raymond Van Kleek, de diseñadores de campos de golf como Charles Banks y Dick Wilson y de promotores urbanos como Robert Moses.

Arquitectura norteamericana en Caracas 1925-1975: OUR architects fue inaugurada el pasado martes 25 de julio y estará abierta hasta el domingo 8 de octubre de 2017.

ACA

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Rem Koolhaas y David Gianotten revelan el diseño de OMA para el MPavillion de Australia 2017

Sabrina Syed

Tomado de Plataforma Arquitectura

22 de junio 2017

Traducido por Karina Zatarain

La Fundación Naomi Milhave ha revelado los primeros renders y bosquejos de OMA para el próximo MPavillion, que se llevará a cabo este otoño en Melbourne, Australia. Este será el cuarto año que se presenta el MPavillion, la contraparte del Serpentine Gallery Pavillion en Londres. Al contar con elementos dinámicos y estáticos, la propuesta de OMA permite múltiples configuraciones que generan un programa inesperado, haciendo eco a los ideales de la tipología del anfiteatro. Siguiendo la idea del anfiteatro tradicional, el diseño de OMA será construido para funcionar como un espacio para debate público, talleres de diseño, música y eventos de arte.
El pabellón fue un gran éxito el año pasado con el diseño de Bijoy Jain de Studio Mumbai, atrayendo a más de 94.000 visitantes para disfrutar de más de 287 eventos gratuitos durante los 139 días que estuvo habilitado. Junto con el nuevo Museo de Perth (que comienza construcción en 2020), el MPavillion será el primer proyecto de OMA en Australia. Entre los diseñadores anteriores se encuentran Bijoy Jain, Sean Godsell y Amanda Levete.

Comentando sobre sus intenciones para el pabellón MPavillion, Rem Koolhaas, Fundador y David Gianotten, Socio Administrativo de OMA dijeron: «MPavillion es un proyecto que espera provocar una discusión acerca de qué puede hacer la arquitectura tanto globalmente como en un contexto australiano. Estamos interesados en tratar este pabellón no sólo como un objeto arquitectónico, sino como algo que inyecte intensidad a una ciudad y contribuya a una cultura en constante evolución.»


Colocado sobre una colina artificial de plantas endémicas, MPavillion 2017 constará de un anfiteatro circular cubierto por una estructura flotante inmensa. (Koolhaas y Gianoteen trabajaron juntos previamente en un proyecto de techo flotante, el Shenzen Stock Exchange). Un toldo de cuadrícula de 2 metros con un techo protector traslúcido proporcionará servicios de electricidad y tecnología para la serie de eventos públicos gratuitos. La materialidad del pabellón estará «relacionada con su contexto inmediato, posicionando a los Jardines Queen Victoria mismos -y a la ciudad de Melbourne- como base para la actividad y debate dentro del pabellón,» dice Gianotten. 
Los elementos móviles del diseño serán las tribunas giratorias del anfiteatro. Las tribunas móviles permiten que el espacio se configure de distintas maneras dependiendo del uso del pabellón y crear un «espacio cívico flexible». Además de borrar la línea entre dentro y fuera, el espacio eliminará la distancia entre público y artista. 

“El emocionante diseño de OMA crea un teatro de ideas con Melbourne como escenario. MPavillion 2017 será extremadamente distinta a años previos, con un escenario designado pero flexible que permite todo tipo de actividades. Trabajar con Rem, David y el equipo de OMA es un privilegio extraordinario, y me emociona verlos dar vida a MPavillion 2017 con su inteligencia y visión multifacética – Naomi Milgrom AO, fundadora del MPavillion.”

La construcción comenzará en agosto. El MPavillion abrirá al público del 3 de octubre de 2017 al 4 de febrero 2018.

ACA

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Diébédo Francis Kéré presenta el Serpentine Pavilion 2017 en Londres

AD Editorial Team

Tomado de Plataforma Arquitectura

20 de junio 2017

Diseñado por Diébédo Francis Kéré (Kéré Architecture), la edición 2017 del Serpentine Pavilion fue presentada hoy martes 20 de junio en Londres. Concebido como un «micro cosmos», el pabellón ha sido diseñado para fusionar referentes culturales de Gando, la ciudad natal de Keré en Burkina Faso, junto con «técnicas constructivas experimentales». El arquitecto espera que el pabellón, como un condensador social, «se convierta en un faro de luz, un símbolo del relato y la unidad».

Una gran cubierta de madera, apoyada sobre un marco metálico, ha sido esculpido para imitar la copa de un árbol. Cuatro umbrales conducen a un patio central abierto, en donde el aire fresco puede circular libremente. La cubierta protege a los visitantes del calor veraniego de Londres y en caso de lluvia, «una serie de canales conducirán el agua por la cubierta para crear una espectacular cascada», antes de pasar a un sistema de drenaje en el suelo «para su posterior uso en la irrigación del parque».
“En Burkina Faso, el árbol es un lugar donde la gente se reúne, donde las actividades del diario vivir se realizan bajo la sombra de sus ramas. Mi diseño para el Serpentine Pavilion tiene un gran techo suspendido hecho de acero y una piel transparente que cubre la estructura, lo que permite que entre la luz natural y lo protege de la lluvia. Los elementos de madera alinean la parte inferior del techo para crear un efecto de sombra dinámica en los espacios interiores. Esta combinación de características promueve un sentido de libertad y comunidad, como la sombra de las ramas de los árboles, el pabellón se convierte en un lugar donde la gente puede reunirse y compartir sus experiencias diarias.


Para mí, el sentido de apertura es fundamental en la arquitectura. En el pabellón, esto se logra a través del sistema de muros, que está compuesto por bloques prefabricados de madera montados en módulos triangulares, con pequeñas aberturas entre ellos. Esto le da ligereza y transparencia al edificio. La composición de las paredes curvas se divide en cuatro elementos, creando cuatro puntos de acceso diferentes al Pabellón. Separados de la cubierta, estos elementos permiten que el aire circule libremente por todas partes.
En el centro del Pabellón se incluye una gran abertura con dosel que crea una conexión inmediata con la naturaleza. En tiempos de lluvia, el techo se convierte en un embudo que canaliza el agua en el corazón de la estructura. Esta recolección de lluvia actúa simbólicamente, destacando el agua como un recurso fundamental para la supervivencia y la prosperidad humana.

Por la noche, el dosel se convierte en una fuente de iluminación. Las perforaciones en los muros permiten vislumbrar el movimiento y la actividad al interior del pabellón. En mi pueblo natal de Gando (Burkina Faso), siempre es fácil localizar una celebración nocturna subiendo a un terreno más alto y buscando la fuente de luz en medio de la oscuridad. Esta pequeña luz se hace más grande a medida que más y más personas llegan a unirse al evento. De esta manera, el Pabellón se convertirá en un faro de luz, un símbolo de la narración y la unión”.

Nota:
El Serpentine Pavilion 2017 estará expuesto en los jardines Kensington (Hide Park, Londres), aledaños a la Serpentine Gallery, del 23 de junio al 8 de octubre de 2017.
Kéré es el 17º arquitecto en concebir un pabellón temporal para dicha galería que consiste en diseñar una estructura de 300 metros cuadrados que pueda ser utilizada como centro comunitario y café de día, y un foro para el aprendizaje, el debate y el entretenimiento por la noche.
Kéré es conocido por estar comprometido con el diseño ecológico y tiene su despacho en Berlín. Sus obras más divulgadas son la premiada escuela de primaria en Burkina Faso y la instalación en la exposición Sensing Spaces en el London’s Royal College (2014).

ACA