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VALE LA PENA LEER

(a propósito de la “nueva monumentalidad”)

Le Corbusier. Palacio de la Asamblea, Chandigarh.

El laboratorio moderno: Explorando la arquitectura de Le Corbusier y Louis Kahn en la India

Escrito por Maria-Cristina Florian

Traducido por Piedad Rojas

Publicado el 27 de junio, 2023

Tomado de https://www.archdaily.cl

Al inicio de 2022, la curadora Lesley Lokko anunció el título de la 18ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia: «El Laboratorio del Futuro». La intención del tema es destacar al continente africano como protagonista del futuro, un lugar «donde convergen y se fusionan todas estas cuestiones de equidad, raza, esperanza y miedo», en palabras de la curadora. Como el continente de más rápido crecimiento urbano, África se ve como una tierra de potencial, pero también de desafíos, donde las cuestiones de equidad racial y justicia climática se juegan con un impacto significativo en el mundo en general.

Sin embargo, a fines de la década de 1950, otro laboratorio del futuro estaba tomando forma, uno donde las nuevas ideas del modernismo producían grandes diseños monumentales y estructuras urbanas completas a una escala sin precedentes: India. En busca de una imagen moderna y democrática, el país recién independizado dio la bienvenida a maestros de la arquitectura occidental como Le Corbusier y Louis I. Kahn y les confió una amplia gama de comisiones, desde el diseño urbano de Chandigarh y sus principales edificios gubernamentales hasta universidades, museos y proyectos residenciales de menor escala. El resultado es una mezcla de culturas, influenciándose mutuamente para obtener resultados inesperados.

Le Corbusier. El Palacio de la Asamblea de Chandigarh, en primer plano, frente al Tribunal Superior, al fondo.
Le Corbusier. Tribunal Superior, Chandigarh.

El estatus de India después de 1947 y la búsqueda de una nueva imagen establecieron las premisas para la construcción de una de las mayores asambleas modernistas y experimentos urbanos. Nombrada en honor a la diosa hindú del poder, Chandigarh fue elegida como sede de la nueva capital estatal de Punjab, creada para encarnar la agenda de modernización y los valores seculares de la recién fundada república. Desde el principio, el ingeniero jefe de Punjab, P. L. Varma, y el administrador estatal de obras públicas, P. N. Thapar, se propusieron traer a profesionales occidentales, en parte debido al deseo de crear una ciudad moderna y eficiente y debido a la capacitación profesional limitada. Previamente Albert Meyer, un urbanista estadounidense, fue invitado a diseñar la nueva ciudad, y Matthew Nowicki, un joven arquitecto que trabajó con Le Corbusier, fue seleccionado para crear la arquitectura de las nuevas instituciones democráticas. Después de la inesperada muerte de Nowicki en 1950 en un accidente de avión, Thapar y Varma se pusieron en contacto e invitaron a Jane Drew y Maxwell Fry, quienes recomendaron una colaboración con Le Corbusier, como se explica en el libro de William J R Curtis Le Corbusier: Ideas and Forms.

Al principio, Le Corbusier dudó, pero aceptó la comisión y se convirtió en el exclusivo diseñador de los edificios del Capitolio y consultor para la disposición de la ciudad, aún liderado oficialmente por Mayer, pero eclipsado por la fuerte visión de Le Corbusier. Jane Drew y Maxwell Fry también fueron empleados, concentrando su atención en las áreas residenciales, desarrolladas con equipos de jóvenes arquitectos indios. El sector de la vivienda se informó con prototipos vernáculos indios y contenía elementos como logias y terrazas para dormir. En 1951, Le Corbusier también invitó al joven arquitecto indio Balkrishna Doshi a unirse a su estudio en París, quien aportó una comprensión más profunda de la cultura y el clima indios al equipo, teniendo una influencia significativa en la planificación de la nueva ciudad, las áreas residenciales y la creación de espacios abiertos. Más tarde, en 2018, Balkrishna Doshi se convirtió en el primer arquitecto de India en recibir el Premio Pritzker, el mayor honor en arquitectura.

Le Corbusier. Palacio de la Asamblea, Chandigarh.

A escala urbana, la planificación de Chandigarh retuvo algunos de los principios de Le Corbusier, como la separación de áreas para vivir, trabajar y disfrutar del tiempo libre, y los grandes ejes monumentales, pero dejó de lado los rascacielos, optando en su lugar por edificios de baja y media altura, en una adaptación a los estilos de vida y las costumbres locales. En su libro, Curtis señala que en la búsqueda de una gramática india moderna, Le Corbusier cambió su enfoque para ver a India como «un país que debe evitar el voraz industrialismo de la primera era de la máquina, forjando una nueva cultura sobre la base moral de un equilibrio entre lo mecanizado y lo rústico, lo secular y lo sagrado, lo local y lo universal».

En el diseño de los cuatro principales edificios gubernamentales, las investigaciones de Le Corbusier sobre cosmología y tradiciones se combinaron con adaptaciones a las condiciones específicas del clima local para producir elementos arquitectónicos escultóricos y simbólicos. Se emplean variantes de celosías para proporcionar la sombra necesaria, mientras que los pórticos y los muros perforados permiten que el aire circule y ventile las estructuras. El hormigón era el material preferido. Aunque almacena e irradia calor, su bajo coste y fácil disponibilidad lo convirtieron en una elección fácil. Las herramientas rudimentarias de que disponían los trabajadores en la obra dieron lugar a formas potentes y superficies rugosas, lo que hizo que la arquitectura fuera «intemporal pero de su tiempo».

Le Corbusier. Edificio de la Secretaría como parte del complejo del Capitolio, Chandigarh.

La influencia de Le Corbusier no se limita a Chandigarh. Tras su primera visita a la India en 1951, fue invitado a Ahmedabad, importante centro comercial del noroeste del país. Con su potente industria textil, la ciudad se consideraba un modelo potencial para una «Nueva India», ya que desempeñó un papel importante en la lucha por la independencia. La nueva élite urbana, formada por comerciantes y propietarios de fábricas, deseaba afianzar su posición alineándose con los ideales modernos representados en la obra del arquitecto. Aunque no todos los encargos tuvieron éxito, Le Corbusier construyó cuatro edificios en Ahmedabad: el Museo, el edificio de la Asociación de Propietarios de Molinos, las residencias Shodhan y una casa privada para Manorama Sarabhai.

Le Corbusier. Edificio de la Asociación de Propietarios de Molinos, Ahmedabad.

El edificio de la Asociación de Propietarios de Molinos es un pequeño palacio, auténtico testimonio de una arquitectura para los tiempos modernos ajustada al clima de la India. Con los demás edificios de Ahmedabad… será un verdadero mensaje hacia una arquitectura india.

Le Corbusier, 1953 (citado en Le Corbusier: Ideas and Forms de William J R Curtis)

Le Corbusier. The Open Hand Monument, Chandigarh.

A principios de la década de 1960, cuando se elaboraron los planes para crear el Indian Institute of Management (IIM), una escuela de negocios de posgrado en Ahmedabad, se consultó a Balkrishna Doshi recomendando al arquitecto estadounidense Louis Kahn, a quien había conocido gracias a su puesto de profesor en Filadelfia. Kahn aceptó el encargo por la oportunidad de trabajar en un campo influido por Le Corbusier con la condición de que Doshi se uniera a él como asociado, según explicó Doshi en una entrevista en vídeo.

Louis Kahn. Instituto Indio de Gestión de Ahmedabad (IIMA).

El campus universitario supuso para Kahn la oportunidad de diseñar un entorno completo para el aprendizaje, un ideal que sólo se había hecho realidad parcialmente con su trabajo en Estados Unidos en Erman Hall y el Instituto Salk. El subcontinente demostró ser un campo de pruebas receptivo para los esfuerzos arquitectónicos de Kahn. Poco después de que comenzara la construcción en Ahmedabad, recibió otro encargo para un proyecto aún mayor en la nueva capital de Dhaka, Bangladesh. El edificio de la Asamblea Nacional de Bangladesh se terminó en 1982, convirtiéndose en una de sus obras más reconocidas y apreciadas.

Louis Kahn. Instituto Indio de Gestión de Ahmedabad (IIMA).

El campus de Ahmedabad fue una oportunidad para que Kahn explorara las propiedades del ladrillo, un material local que le prescribió el cliente debido a las limitaciones económicas. En el ladrillo, Kahn descubrió un sistema de construcción robusto, atractivo por su honestidad estructural directa. En conversaciones con sus alumnos en Estados Unidos, a menudo escenificaba este diálogo mantenido con el material, como se cita en el libro de David B. Brownlee y David G. De Long, Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture:

Le dices al ladrillo: «¿Qué quieres, ladrillo?» Y el ladrillo te dice: «Me gusta un arco». Y tú le dices al ladrillo: ‘Mira, yo también quiero uno, pero los arcos son caros, y puedo usar un dintel de hormigón sobre ti, sobre una abertura’. Y tú le dices: «¿Qué te parece, ladrillo?» Y el ladrillo responde: «Me gusta un arco».

Louis Kahn

Louis Kahn. Instituto Indio de Gestión de Ahmedabad (IIMA).

En su búsqueda de una imagen moderna y democrática, la India se convirtió en una tierra de posibilidades donde el lenguaje, los ideales y los principios abstractos modernistas podían ponerse a prueba a una escala sin precedentes, pero no en el vacío. Aquí, dos de los pioneros del Modernismo encontraron una nueva expresividad a través de la influencia de una cultura en principio distante de ellos. La cultura, las costumbres, el modo de vida y la relación con los materiales y la tierra de la India influyeron no sólo en la obra de Le Corbusier y Louis Kahn, sino también en la imagen del Modernismo y de la arquitectura del siglo XX en general.

ACA

NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

Performance en el museo / El museo como performance

Daniel Lesmes e Iñaki Estella (eds.)

Ediciones Asimétricas

2023

Nota de los editores

Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas. Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias –incluso antes–, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades. No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural. ¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma. ¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable?

Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.

Autores de los textos:

Iñaki Estella, Daniel Lesmes, Henar Rivière, Fernando Baena, Lynda Avendaño y José Antonio Sánchez.

Iñaki Estella (ed.) es profesor contratado doctor en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Sus áreas de investigación están relacionadas con el arte desde 1945, el arte performativo, la cultura visual, el arte latinoamericano y la historiografía artística. Entre sus publicaciones se pueden encontrar George Maciunas: historia, burocracia y colectividad (Brumaria), Fluxus (Nerea), las coediciones de Llámalo Performance (Brumaria) y de los cuatro primeros volúmenes de Desacuerdos: sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español (MACBA). Uno de sus ámbitos de investigación más relevantes ha consistido en la relectura de la escritura del arte español después de la transición, la relectura del arte feminista en España a principios del siglo XXI y la relación entre el museo y la universidad. Ha realizado estancias de investigación en Columbia, MoMA, Getty Research Institute y el Archivo Sohm (Stuttgart), y en Madrid, la Universidad Autónoma y la Universidad Carlos III. Ha dado conferencias en diversas ciudades en España, Santiago de Chile, Providence (RI), Nueva York, San Peterburgo, entre otras ciudades. En la actualidad investiga la noción de redes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

Daniel Lesmes (ed.) es doctor europeo en Historia del arte y doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. Antiguo becario de la Real Academia de España en Roma, su investigación está centrada en la teoría de las imágenes y las emociones. Autor de textos como Aburrimiento y capitalismo (Pre-Textos, 2018), «Une responsabilicé commune: Goya et Didi-Huberman» (L’Europe, 2018) o «Mirar a (un) tiempo» (Peter Lang, 2020), su trayectoria está marcada por la colaboración con artistas como Manuel Saiz, Aurore Valade, David Escalona o José Luis Viñas. Ha comisariado exposiciones para los Encuentros Internacionales de la Fotografía de Arles, el Institut Français y la Casa de Velázquez. Entre 2015 y 2019 fue presidente de Cruce, una de las asociaciones de artistas y teóricos de mayor recorrido en la escena independiente de Madrid. Actualmente es profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.

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NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

Caracas 455

Memorias de una ciudad perdida

Mirelis Morales Tovar y Erick Lezama (eds.)

Biblioteca Digital Banesco

2023

Sinopsis

El libro Caracas 455: memorias de una ciudad perdida reúne 40 crónicas e ilustraciones de lugares emblemáticos, como un homenaje a la capital en su aniversario.

Este compendio de historias –que replican la experiencia del libro Caracas en 450– recrea un recorrido por las librerías, restaurantes, bares y experiencias urbanas, que hemos visto desaparecer en los últimos años.

Las crónicas entrelazan anécdotas personales, pero también testimonios y datos, como registro de la historia de estos espacios que hicieron de Caracas una ciudad vibrante.

Los textos establecen un diálogo con el diseño y las visuales que los artistas crearon a partir de sus propios recuerdos, para reasignarle un nuevo lugar en el imaginario del lector.

El libro puede ser descargado libremente en :

https://www.banesco.com/somos-banesco/colecciones/patrimonio/caracas-455-memorias-de-una-ciudad-perdida

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NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

Cerro Grande

Leoncio Barrios

Alliteration Publishing

2020

Prólogo de José Balza

Descripción

No podíamos traer una chiva y un chivito a un apartamento. Ahora viviríamos en Cerro Grande, el primer superbloque que se construyó en Caracas, una joya de la arquitectura nacional que, además, por la cantidad de gente que lo habitaría, sería como vivir en un pueblo pero en vertical, con vecinos a los lados, arriba y abajo.- Leoncio Barrios

 Cerro Grande es una colección de historias que relata las vivencias de una familia caraqueña en la década de 1955 a 1965. En el prólogo, el crítico José Balza, anuncia que “Estas páginas se refieren a un hogar y a su zona de Caracas, pero en ellas también es mostrada una ciudad dentro de la ciudad y el ágil retrato del país de ayer, de hoy. Todo esto mediante la versatilidad del hombre-niño (o de un niño-hombre) que nos presta su ‘retrovisor de la memoria’ para hacer el recorrido”.

Una obra donde se entremezclan memoria y ciudad, experiencia y cultura urbana. Un libro nostálgico por su mirada hacia el pasado, pero también cargado de mucha alegría porque todos los relatos están atravesados por el baile y la música de las grandes orquestas de la época.

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NOVEDADES EDITORIALES DE AQUÍ Y DE ALLÁ

ARTE CONTEMPORÁNEO DE VENEZUELA. VOL.2

Sagrario Berti, Aixa Sánchez y Francisco Raúl Villanueva (eds.)

Villanueva Editores

2022

Edición bilingüe

Concepción gráfica: VACA Grafik – Álvaro Sotillo, Gabriela Fontanillas.

Diseño gráfico: Álvaro Sotillo.

Sinopsis

Arte Contemporáneo de Venezuela Vol. 2 es una publicación cuyo propósito es catalogar y documentar la obra de un grupo significativo de artistas venezolanos que iniciaron y desarrollaron su obra, en un contexto global, en el período comprendido entre 2006 y 2018.

Este esfuerzo por documentar y promover el trabajo de artistas venezolanos es una iniciativa desarrollada por Villanueva editores para darle continuidad al trabajo realizado con el libro Arte contemporáneo de Venezuela (Caracas, 2006), el cual compiló la obra de muchos de los protagonistas de la escena del arte contemporáneo emergente comprendida entre la década de los noventa y los albores del siglo XXI.

En esta ocasión, Arte Contemporáneo de Venezuela Vol. 2 reúne el trabajo de 26 artistas seleccionados por un grupo de curadores e investigadores del arte en Venezuela. Bajo la dirección editorial de Sagrario Berti, Aixa Sánchez, Francisco Raúl Villanueva y el diseño de Álvaro Sotillo, cuenta con el prólogo de Cecilia Fajardo-Hill, los ensayos de Ruth Auerbach, Fabiola Arroyo, y reseñas sobre los artistas, realizadas por diversos autores, al tiempo que se despliegan, en páginas a todo color, obras representativas de las producciones de estos artistas.

Arte Contemporáneo de Venezuela Vol. 2 es un esfuerzo a contracorriente por producir, desde una iniciativa privada, un dispositivo que compile y documente un período reciente del arte de Venezuela, caracterizado en los últimos años por su deslocalización y dispersión en diferentes coordenadas del mundo. Es por ello que uno de los propósitos de este libro es dar a conocer, más allá de las fronteras venezolanas, el trabajo que a lo largo de estos años han desarrollado artistas, curadores, investigadores, galeristas, coleccionistas, entre otros actores del campo, por mantener viva una escena del arte, a pesar de las circunstancias adversas del país.

Artistas: Ana Alenso, Luis Arroyo, Angela Bonadies, Miguel Braceli, Sol Calero, Iván Candeo, Deborah Castillo, Rubén D´Hers, Juan Pablo Garza, Jaime Gili, Sheronawë Hakihiiwë, Suwon Lee, Daniel Medina (†), Yucef Merhi, Leonardo Nieves, Jorge Pedro Nuñez, Juan José Olavarría, Erika Ordosgoitti, Oscar Abraham Pabón, Lucía Pizzani, Max Provenzano, Gerardo Rojas, Armando Rosales, Rafael Serrano, Christian Vinck, Raily Stiven Yance.

Textos: Cecilia Fajardo-Hill, Ruth Auerbach, Fabiola Arroyo, Costanza De Rogatis, Silvia Benedetti, Susana Benko, Sandra Pinardi (†), Maciá Pintó, Aixa Sánchez, Félix Suazo, Jesús Torrivilla, Madelon van Schie.

ACA